Tenía muchas ganas de reencontrarme con Lukas Moodysson, por lo mucho que había disfrutado de sus comedias ‘Fucking Åmål’ y ‘Juntos’, así que he recibido como una gran noticia que el sueco haya regresado a los circuitos de exhibición con ‘Mamut’ (‘Mammoth’, 2009), el film protagonizado por Gael García Bernal y Michelle Williams.

En este caso, Moodysson se ha alejado de la alegría de vivir y el optimismo de los mencionados films para narrarnos un drama a tres bandas en el que un matrimonio acomodado, que vive en Nueva York, ve cómo sus ocupaciones los alejan de la compañía de su hija, mientras la niñera filipina echa de menos a sus dos pequeños, a quienes ha debido abandonar en su país de origen.

A pesar de que las diferentes crónicas partan de una secuencia común, las vidas de los personajes nos llegan casi en forma de multi-historia, pues Moodysson va logrando dotarlas de vida propia de forma paulatina y muy hábil, según se van sucediendo los hechos. La separación no está tan marcada como en ‘Babel’, pero el fondo del film no se diferencia excesivamente de la visión de Iñárritu. Si su falta de conexión es tal que podemos considerar por separado cada uno de los tres relatos, se podría comentar que el de los hijos de la niñera es el que, con diferencia, mayor interés reviste durante los primeros minutos del film.

Moodysson, que es guionista de ‘Mamut’, además de director, evita cualquier mención directa a la profesión de los protagonistas o a su nacionalidad, para permitir que todo vaya llegando al espectador de manera natural. No se producen diálogos donde el matrimonio hable de sus problemas y la situación de la niñera no se descubre hasta muy avanzado el metraje. Así, nos vemos obligados a extraer —o casi a adivinar— cuál será el conflicto que el autor quiere reflejar. Es tan radical la opción del cineasta que, durante un largo periodo, concluimos que se tratará de un film contemplativo, cuyo único objetivo sea mostrarnos las vidas cotidianas de una serie de individuos. (Spoiler) Sin embargo, todos estas tramas sí tenían una dirección: cada una de ellas se dirigía a una conclusión trágica. Los tres finales se montan en paralelo para crear un clímax que supone la parte más lograda de toda la cinta, gracias a su intensidad dramática (fin del spoiler).

Viendo este final, cabe preguntarse si la decisión de Moodysson de no plantear desde el inicio que el film tiene un claro destino es la más acertada o si habrá sido preferible un crescendo visible y un arranque más breve. Sea como sea, ya indico que no se trata de una falta de habilidad del sueco para hacer avanzar las historias, sino de su elección deliberada. Una de las posibles intenciones del creador será que nos creamos la aparente perfección en la que vive esta pareja que se supone que lo tiene todo para, más adelante, hacernos ver que no es así.

‘Mamut’ es una cinta tan sutil que lo que está a su alrededor cobra más peso que lo que se ve en la pantalla. Son numerosas las cuestiones que se plantean y, aunque enunciadas en una frase sonarán a tópico: «el dinero no da la felicidad», se ven aquí bajo una nueva luz que nos servirá para darnos cuenta de que nuestros problemas son menudencias. Todo ello también podría significar que se trata de un film cuyo valor se encontrará más fácilmente tras su visionado que durante éste. La paternidad, la pobreza, la inmigración, la prostitución forzosa… no son temas nuevos en absoluto y, a pesar de ello, en manos de Moodysson no parece que estemos viendo en enésimo drama sobre la familia.

Las interpretaciones de los protagonistas, tanto de los conocidos —García Bernal y Williams— como de los desconocidos, ya sean niños o adultos, son perfectas. Todos ellos transmiten muchísimo y nos hacen llegar el drama hasta lo más hondo, lo que resulta especialmente meritorio debido a lo poco expositiva que he señalado que es la película.

Aunque fuesen más imperfectos, los otros films que conozco de Moodysson distinguían al sueco de cualquier otro cineasta y, sin embargo, ‘Mamut’ no posee una marca de autor tan diferenciada. Esto probablemente juegue a su favor y acerque la película a un público más abundante, que gusta de los grandes dramas con importantes actores. Incluso en este terreno, Moodysson demuestra una innegable habilidad y se aleja de lo de siempre, a pesar de partir de temas de fondo ya vistos, para ofrecer un film elegante, de hondo calado y que plantea importantes cuestiones.

En Blogdecine | Tráiler de ‘Mamut’.

Mi puntuación:

Este viernes, día 26, se estrenará ‘El escritor (The Ghost Writer)’, la adaptación de Roman Polanski de la novela ‘El poder en la sombra’ (‘The Ghost’), de Robert Harris, que nos cuenta cómo un escritor (Ewan McGregor) es contratado como «negro» para escribir la supuesta autobiografía del ex Primer Ministro británico (Pierce Brosnan), que se encuentra en EE. UU. La situación no es muy halagüeña, pues su predecesor se acabó suicidando por la presión que el libro ejercía sobre él, cerca de la costera residencia donde se alojan el político y su familia.

El avezado Polanski toma, de un relato gastado y escaso, los elementos que mejor se prestan a producir el modelo de thriller que tan magistralmente ha llevado a cabo en previas oportunidades. El polaco cuece una atmósfera opresiva y contagia la urgencia de la investigación, gracias a un conjunto de secuencias conducidas con tranquilidad, pero que no extravían, ni por un instante, la ominosa presencia de una amenaza indeterminada, tan poco concreta que podría ser, por lo que al protagonista concierne, una simple paranoia sin fundamento. La escena del GPS despunta entre ellas como un ejemplo claro de construcción de la tensión y de mantenimiento del interés.

La elección de los espacios —de esa mansión, tan abierta por cristales al exterior, pero tan encerrada por su ubicación aislada— juega otra vez a favor de la angustia, si bien no tan plenamente como las costas coruñesas de ‘La muerte y la doncella’. Los personajes se encuentran en una isla y el precursor del protagonista perdió la vida precisamente en el único medio que existe para escapar de ella. Los movimientos están coartados y cualquier paso vigilado. Con todo ello, se hace más difícil respirar que averiguar las claves que se ocultan en la gestión del gobernante retirado. Te retiene con la misma fuerza una enigmática banda sonora, frimada por Alexandre Desplat.

Los caracteres encontrados y la exploración de la propia personalidad son, igualmente, bazas constantes en Polanski que, en el caso particular de ‘El escritor (The Ghost Writer)’, aportan madurez y valía al encargo. Los diálogos, henchidos de sarcasmo y de sagaces consideraciones, perfilan a unos personajes de vuelta de todo y con poco que perder.

McGregor se introduce en la carcasa de un hombre superado por las coyunturas, que se ve forzado a desempeñar un rol de investigador que no le corresponde y para el que no está capacitado. Como ya ocurriera en ‘Frenético’, el director aprovecha la noción de extraer a un ciudadano de a pie de su hábitat natural para dotar a la historia de un realismo y unas apreciaciones de los que las narraciones detectivescas al uso carecen. Con todos sus éxitos, es un autor que no firmará el libro que está escribiendo porque ni siquiera tiene nombre, un pelele ante quien los malos de la película ni tan solo demuestran el respeto de considerar su presencia un riesgo que pudiese desentrañar su secreto. Sus opciones se representan en una elocuente metáfora encarnada por un jardinero que en vano trata de arrebatarle al viento las hojas secas de los árboles.

Si al escritor se le ha podido llamar «fantasma» gracias a que, en inglés, la expresión para hablar de los autores ocultos tras una firma famosa contiene esa palabra; mucho más invisible es aún el antiguo Primer Ministro, personaje que, entre carrera y carrera, echa una mirada nostálgica a otras épocas de su vida. A su alrededor, dos mujeres convertidas en rivales por la situación, luchan por su espacio. Misteriosos todos ellos, plenos de verdades sin desvelar, cada uno de los personajes que aparece en ‘El escritor (The Ghost Writer)’ aumenta la curiosidad, pero más centrada en sus vidas y personalidades que en su desempeño dentro de la confabulación.

Supongo que, dentro del género novelesco de espías o de thriller político, se podría abrir un gran apartado relacionado con las teorías de la conspiración. Algunas las consideraría ocurrentes —como las que dieron pie a las dos versiones de ‘El mensajero del miedo’ (‘The Manchurian Candidate’)— y a otras les otorgaría una credibilidad que captaría nuestra atención ante el desenredado de sus detalles. El complot ideado por Harris no contiene ni la originalidad de unas ni la legitimidad de otras y carece de la fuerza para enganchar, pero más aún para sorprender. Tratar de justificar las decisiones de este ex-Primer Ministro, trasunto de Tony Blair, con un elemento subversivo como el que incluye Harris, puede ser más risible que sugestivo.

La base literaria de ‘El escritor (The Ghost Writer)’ sirve a Polanski para hacer lo que le motiva, que no coincide con las intenciones del novelista. Si se busca en la película un transcurso de thriller político conspirativo, la experiencia será insatisfactoria y se verá interrumpida, antes casi de haber despegado, con un brusco final. Si se trata de ver, sin embargo, el espíritu del director, reflejado en la opresión y el encierro, o un retrato de interesantes personajes; todo, incluso esa conclusión precipitada, cobrará sentido para componer una propuesta que, si bien no está entre las mejores de Polanski, no carece de ninguna de las constantes que hacen su cine tan fascinante.

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Mi puntuación:

El viernes, 29 de enero, se estrena ‘Krabat y el molino del diablo’ (‘Krabat’), película basada en la novela de juvenil del checo Otfried Preussler, quien a su vez se inspiró en mitos y leyendas de su niñez. El libro ha vendido más de cincuenta millones de ejemplares en medio centenar de idiomas. La cinta está dirigida por Marco Kreuzpaintner y protagonizada por Daniel Brühl, David Kross —protagonista de ‘El lector’ (‘The Reader’)— y Paula Kalemberg.

Krabat es un adolescente pobre que sueña que once cuervos le reclaman, así que abandona a sus amigos pedigüeños y atiende a la llamada. Un viejo y misterioso hombre tuerto le da la bienvenida a un molino y le pregunta si quiere aprender sólo a moler harina o si quiere que se lo enseñe todo. Él acepta aprenderlo todo y se queda a vivir allí, donde descubre que tiene once compañeros de trabajo, junto con los que se ocupará del molino. Sin embargo, el comportamiento de los muchachos es extraño: guardan muchos secretos y no se atreven a hablar con las chicas del pueblo vecino. Algunas noches acuden a las clases del maestro, las cuales todavía le están vedadas a Krabat.

La historia que se cuenta en ‘Krabat y el molino del diablo’ es atrayente y tiene la capacidad de crear tensión. El círculo irrompible que debe ser quebrado para lograr la libertad es un concepto potente. Pero el argumento no es lo bastante denso o complicado como para sostener dos horas de película. El planteamiento, de más de una hora, es tedioso hasta la desesperación, no tanto por la falta de ritmo de cada una de las secuencias, sino por la cantidad de información innecesaria y de escenas de presentación que se incluyen. A partir de la segunda mitad, cuando se ha dejado más claro que ocurre algo oscuro en el molino, el film cobra emoción y recupera la capacidad de sorprender y enganchar al espectador. Si el montaje eliminase unos cuarenta minutos del inicio, se beneficiaría el conjunto, pues todo el film resultaría igual de interesante.

‘Krabat y el molino del diablo’ está narrado a través de una voz en off, la forma más cómoda y facilona de trasladar una obra literaria a la pantalla y que, en la mayor parte de las ocasiones, supone que el trabajo de adaptación se ha realizado a medias. Si no va a funcionar como contrapunto poético —y aquí no es el caso— está bien emplearla cuando sirve para dar en pocos segundos información que necesitaría horas de visionado y, a partir de ahí, arrancar con acciones y diálogos que muestren lo que viene a continuación, pero en este film tiene una presencia excesiva y no ahorra tanto tiempo como debería.

En general, ‘Krabat y el molino del diablo’ tiene un estilo de realización correcto: tenemos ante nosotros un despliegue de paisajes boscosos, casi siempre invernales, de considerable belleza. Encontramos asimismo una ambientación más o menos opresiva y misteriosa que encaja sin problemas con el tipo de narración. No obstante, se hallan elementos que merecen menos elogio, como son las escenas de peleas, que guardan un extraño aspecto, ya que se ven más brillantes y luminosas que el resto, como si se hubiese optado por utilizar el “estrobo”, pero sin cambiar el diafragma al modificar la velocidad del obturador. Los efectos especiales del vuelo de los cuervos, sobre todo en los primeros instantes, son un tanto visibles. Y la transparencia de los personajes, más que dudosa como efecto lo es en cuanto a su concepto, pues no se sabe bien a qué obedece y no vuelve a emplearse más allá de esa ocasión.

Podría considerarse ‘Krabat y el molino de la muerte’ una película de personajes porque tiene muchos de ellos y porque los elementos fantásticos tienen la función de sacar a la luz la personalidad del protagonista y obligarle a reaccionar, a actuar. En este sentido, sus aportaciones son positivas. No es que, de entre los doce chavales, distingamos doce caracteres diferenciados, pero al menos comprendemos al protagonista, a su mejor amigo Tonda (Brühl) y al mago… Incluso el personaje de la chica, con una aparición tan breve, no se percibe como un pegote ni como un objeto. Los intérpretes están todos en su lugar y el único cuyo trabajo se podría cuestionar es el del maestro.

Mentiría si dijese que he detectado en el film una segunda lectura que el autor, criado en la Bohemia septentrional, dice haberle aportado a la novela. Declara que con este acercamiento al poder y sus capacidades seductoras está reflejando aquello por lo que pasó su generación en los años treinta. Muchos de los jóvenes de entonces sucumbieron a esas tentaciones y terminaron involucrándose en los terribles hechos que ya todos conocemos. No sé si en las intenciones de los guionistas estaba que se entendiese esta alegoría. De ser así, consideraría el film mucho más fallido de lo que estaba comentando hasta ahora. En ese caso, no sería cuestión únicamente de realizar un remontaje que lo aligerase, sino de haber sido capaces, ya en guión, de profundizar mucho más en los personajes y de crear una psicología en la que se viese la atracción de esa agrupación en la secta, de los poderes que la magia confiere… Lo único que se ve es que debe acudir a lo que el maestro le pide por obligación, pero no percibimos esas tentaciones.

Suponiendo que no existan esas intenciones, me hago consciente de que no nos encontramos ante un film de aspiraciones profundas o elevadas y que los defectillos que he señalado —voz en off, efectos especiales— no son motivo de que le otorgue una puntuación tan baja. Podría tratarse de una buena película juvenil, con el aliciente del contenido de magia negra, con un personaje que vive una evolución y con el ingrediente romántico… sí, si durase ochenta minutos. Tal como está, dudo mucho de sus posibilidades.

Tráiler de ‘Krabat y el molino del diablo’.

Mi puntuación:

En 1927, Walther Ruttman, pintor de profesión, rodó el documental ‘Berlín sinfonía de una ciudad’ (‘Berlin: Die Sinfonie der Grosstadt’), a partir de de un guión suyo y de Karl Freund, que a su vez se basaba en una idea de Carl Mayer. Se trata de un film mudo, concebido para ser acompañado por una partitura de Edmund Meisel que estuvo desaparecida durante décadas. Aunque se recuperó en 2007, todavía circulan copias con una banda sonora alternativa, compuesta posteriormente para el film.

Narrativamente documental, ‘Berlín sinfonía de una ciudad’ es, no obstante, un film muy elaborado y cargado de intervenciones del autor en lo estético: encadenados y otros efectos de truca se suman a una fotografía cálida en su blanco y negro y una diversidad de encuadres y movimientos de cámara, para mostrarnos una visión muy personal y muy moderna para su época. Estos juegos con la imagen suponen el valor que más ha pervivido de la película y la convierten en una curiosidad que no tendría que perderse en el olvido. Por algo fue precursora de otros films y marcó un hito como aportación experimental.

La película se divide en cinco actos que van surgiendo según los momentos del día y éstos, a su vez, se segmentan en bloques. Cada uno de estos episodios muestra un ritmo diferente, al igual que lo mostraría cualquier metrópolis según las horas a las que nos acercásemos a ella: el amanecer tranquilo donde sólo algunos comercios van abriendo sus cierres, la hora punta con frenética actividad, el trabajo, el medio día, la agradable tarde de cafés y terrazas y la noche cosmopolita. El visionado de los cinco actos puede resultar excesivo y cansino, pues parece que poco más se pudiese aportar, una vez establecidas las primeras observaciones, pero siempre hay algún aspecto novedoso y curioso que anima cada fragmento.

Se podría decir que la protagonista de la película no es otra que la ciudad de Berlín, pues el documental no se centra en ningún individuo concreto. El autor elige mostrárnoslo todo a través de un personaje múltiple que se divide en cientos de ciudadanos, cuyos rostros se detienen unos segundos ante la cámara para quedar eternamente plasmados en el celuloide. La cotidianidad de los instantes reflejados nos hace pensar que conocemos bien a todos ellos, pues nos los encontramos en situaciones en las que nos podríamos ver nosotros mismos un día cualquiera. Ruttman desindividualiza, pero no despersonifica. La cuidad, paradigma de la modernidad, aliena a estos seres de los que sólo se nos ofrecen primeros planos para mostrarnos su angustia.

‘Berlín, sinfonía de una ciudad’ comienza con imágenes de trenes y otras máquinas que, además de hablarnos de la modernidad y de la industria, parece que se hubiesen humanizado y que fuesen los intérpretes de la sinfonía que se menciona en el título. Los edificios simularían un baile a su compás. Considero que este film habría alcanzado la categoría de obra maestra si efectivamente hubiese logrado hacernos sentir la música sólo con ruidos de la ciudad. Ya que la banda sonora que conocemos no es la original, no sería demasiado osado realizar el experimento de dar música a base de un juego de efectos de sonido —he hallado un fragmento de un intento de algo similar—. Siguiendo esta reflexión, concluiríamos que la orquesta que aparece al final rompe con el truco al diegetizar esta música.

Históricamente también tiene un valor especial que quizá supera las aspiraciones de Ruttman. Nos encontramos en Alemania en la época de entreguerras, es decir, un momento de recuperación para un país que estaba sumido en las deudas y pagando por errores pasados y que muy pronto caería en una hecatombe aún mayor.

La intención documental que tuvo Walther Ruttman cuando rodó ‘Berlín, sinfonía de una gran ciudad’, en última instancia, se mantiene, pero aumentada con estos valores históricos y con el valor fílmico que supone recuperar, casi noventa años después, una reliquia que merece estudios profundos por parte de historiadores cinematográficos. Si bien como película de entretenimiento no podríamos disfrutarla en el presente, es decir, si bien no nos diría nada si nos ponemos sólo en el papel de espectadores; el film sí puede ser interesante como objeto de análisis y nos aportará si nos situamos ante ella como estudiosos o arqueólogos del cine.

‘Vicky, el vikingo’ es todo lo que uno se imagina cuando se ponen actores de carne y hueso a los rudos y simpáticos personajes de la serie. Y su realizador se afanado en lograr que la esencia quede bien registrada, cuidando cada elemento. Eso sí, con una historia original escrita (con total similitud a la serie) al efecto.

La cinta sirve de revival para todos aquellos padres que acuden con sus hijos, aunque no encontrarán la profundidad ni la segunda lectura que hoy día ofrecen otras grandes adaptaciones cinematográficas de clásicos infantiles. Se limita a dar lo mejor que supone un personaje infantil como Vicky, subrayando en exceso los valores que ya se evidenciaban en la serie. Por eso, el público infantil que apenas conozca los personajes, puede disfrutar por completo del largometraje, ya que no requiere de memoria para encontrar diversión (ni complicidad) por completo.

El ritmo resulta apropiado para dar a conocer todos los personajes del poblado de Flake, cuyo casting supone un enorme acierto, incluido el protagonista, el niño espabilado que ansía vivir las aventuras de su padre, como buen vikingo. Aunque, sin embargo, la trama que se plantea tras la presentación, resulta tan insulsa, previsible y simple como las habituales de la propia serie. No parece que hayan querido traicionarse, y ofrecer una aventura con más pretensiones, aprovechando el enorme presupuesto con el que contaban.

El humor simple por encima de cualquier atisbo de complicidad con el conocedor de los personajes, deja una sensación insuficiente, especialmente por comprobar que se podía llegar más lejos, sin romper con el esquema de la serie. Sin embargo, el entretenimiento no falta, y la aventura planteada se disfruta (sin excesivo entusiasmo) hasta el final.

Quizás haya pesado demasiado la influencia de Michael Herbig, un comediante, actor, guionista, músico y también realizador que ha sido el principal artífice de esta adaptación. Al menos, ha conseguido en la realización no caer en excesos, ni en edulcorar la aventura, consiguiendo su propósito. Y eso que se reserva el papel del narrador, muy diluido y del todo imprescindible, por suerte. No hay que restarle, sin embargo, el resultado de una realización fiel y respetuosa al original y sacando el máximo partido a todos los personajes, y no dejando que Vicky sea el que acarre con el peso de la historia. Excelente el papel de su padre y del resto de habituales, muy por encima del tratamiento otorgado a los villanos, más desdibujados, pero que cumplen su función. Punto negativo para la versión española de la canción original, que resulta prescindible.

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘Vicky el vikingo’, una entretenida aventura que mantiene los valores de la serie

Mi puntuación:

El trailer de ‘Vicky el vikingo’ (‘Wickie und die starken männer’) parece hecho a propósito para dar una imagen negativa de la película: elige los chistes más facilones y presenta los momentos más tontos. Afortunadamente, el film que se estrena el 2 de octubre es superior a esta preconcepción: la aventura está bien llevada, la acción bien rodada y, como adaptación, es perfecto.

La serie puede haber sido mi favorita de la infancia, por lo que las posibilidades de que me emocionase al escuchar la música y ver aparecer a los personajes eran altas. Pero creo que se puede disfrutar sin conocer tan en profundidad la versión animada.

Las localizaciones donde se ha rodado ‘Vicky el vikingo’ son de gran belleza y los encuadres y movimientos de cámara están realizados con gusto. Se podría criticar algún efecto especial, que no está todo lo disimulado que nos gustaría, pero son cosas que no tienen importancia, pues están más relacionadas con el presupuesto de la producción que con el talento de sus creadores. La historia avanza con ritmo y no presenta momentos muertos, como podría haber ocurrido al trasladar una trama de veinte minutos a un largometraje.

Lo que más me sorprendió fue el parecido de los actores con los personajes. Estamos hablando de que un ser de carne y hueso se asemeje físicamente a un dibujo muy poco realista, a una caricatura. Es algo que casi nunca ocurre y las versiones de imagen real de dibujos animados suelen decepcionar o simplemente parecer otra cosa, un trabajo hecho desde cero. Pero aquí la similitud es asombrosa. En ello ha influido la elección del reparto, el maquillaje y también la dirección de actores de Michael Bully Herbig. No me detengo en nombres de actores —pues el único conocido en España es Jürgen Vogel, que apareció en ‘La ola’ y ‘Un conejo sin orejas‘— pero sí diré que las interpretaciones son perfectas.

El parecido de las voces de los actores alemanes con los dobladores de la serie no sólo hace pensar en lo bien que están elegidos los intérpretes del film, sino también en lo bien que estuvieron en su día seleccionados los dobladores españoles pues, suponemos, se parecen mucho a las voces originales de la serie. Por cierto, si os echa para atrás la canción interpretada por El Canto del Loco, no dejéis de verla por eso, tened en cuenta que también se puede optar por la v. o.

El título alemán, “Vicky y los hombres fuertes”, denota la diferencia de enfoque de los problemas que tiene el niño con respecto a su padre y a los demás marineros del barco. Mientras ellos todo lo quieren hacer utilizando la fuerza bruta, Vicky echa mano del ingenio y de la inteligencia y, antes que luchar, prefiere resolver las cosas pactando o superando a sus enemigos mentalmente. Vicky es un niño debilucho y, sobre todo, muy cobarde. Pero su recelo se reivindica, en lugar de presentarse como un defecto que va superando según avanza la película. Así se ridiculiza la valentía sin sentido, es decir, la bravuconería.

Estos valores de pacifismo y de ensalce de la inteligencia por encima de la fuerza ya estaban en la serie y se han trasladado fielmente a la adaptación. Pero lo mejor es que no se transmiten en forma de moraleja ñoña, que cree más rechazo que aceptación, como habría hecho una película americana. Lo que se hace no es soltar un discursito a favor, sino simplemente demostrar que mola más lo que hace Vicky y hacer que los niños lo prefieran, pues lo ven como algo divertido, no como una privación.

En definitiva, un entretenimiento mucho más que correcto, divertido y que transmite emotividad y buenos valores sin caer en lo empalagoso. Sé que habrá más prejuicios que otra cosa con respecto a ‘Vicky el vikingo’ y no me molesta porque espere que vayáis a verla, a mí eso me da igual; pero sí porque parece que hay un tipo de películas ante el que es legítimo ejercer el desprecio sin siquiera haberlas visto, mientras a otro tipo no se les puede sacar siquiera un mínimo defecto, incluso después de su visionado. Cuando nos logramos desprendernos de estas ideas preconcebidas o ir contra ellas, muchas veces nos sorprendemos gratamente.

Mi puntuación:

Dennis Gansel (‘Napola’) dirige a Jürgen Vogel (‘La suerte de Emma’, ‘Der freie wille’, ‘Mi nombre es Bach’, ‘Good bye, Lenin!’), Jennifer Ulrich (‘Las partículas elementales’, ‘Mi vida empieza hoy’) y Max Riemelt (‘Napola’) en ‘La ola’ (‘Die Welle’), película basada en el libro de Morton Rhue, que se estrena el día 28 de noviembre.

Haciendo clic en “leer más” (a la derecha), se puede leer la sinopsis y ver el tráiler.

Al profesor de instituto Rainer Wenger (Jürgen Vogel) se le ocurre la idea de un experimento que explique a sus alumnos cuál es el funcionamiento de los gobiernos totalitarios en la Alemania de hoy en día. En apenas unos días, lo que comienza con una serie de ideas inocuas como la disciplina y el sentimiento de comunidad, se va convirtiendo en un movimiento real: La Ola. Al tercer día, los alumnos empiezan a aislarse y amenazarse entre sí. Cuando el conflicto finalmente rompe en violencia durante un partido de waterpolo, el profesor decide no seguir con el experimento, pero para entonces es demasiado tarde…

Si preferís ver un tráiler en v. o., lo podéis encontrar en este enlace.

‘La ola’ ha concursado en el Festival de Sundance, en los Premios del Cine Europeo 2008, tiene dos premios y dos nominaciones de los Premios Alemanes de Cinematografía y estuvo nominada al tráile extranjero más original en los Golden Trailer Awards.

Esta película recrea los hechos reales que ocurrieron en 1967 en Palo Alto, California: el profesor de historia Ron Jones dirigió una recreación experimental de la Alemania Nazi con alumnos de secundaria. Al no poder explicar a sus alumnos por qué los ciudadanos alemanes (especialmente los no judíos) permitieron que el Partido Nazi exterminara a millones de judíos y otros llamados “indeseables”, decidió mostrárselo. Jones comenzó con cosas simples, como la disciplina en el salón de clases, y logró convertir a su clase de historia en un grupo con un gran sentido de propósito.

El experimento cobró vida propia, con alumnos de toda la escuela uniéndose a él. Jones se preocupó acerca del resultado del ejercicio y lo detuvo haciendo ver a sus alumnos que el movimiento tenía un líder mundial: Adolf Hitler. Se rumoreó que hubo implicaciones, como el suicidio de uno de los alumnos, pero poco ha trascendido sobre el asunto.

Todd Strasser se basó en este experimento para escribir, con el seudónimo Morton Rhue, la novela en la que se basa ‘Die Welle’. Antes de esta adaptación de Gansel, el libro conoció otras en cine y teatro.

Más información en Blogdecine sobre Dennis Gansel

Fuente | Página Web Oficial