Aunque su guionista y director, Gustavo Taretto, no declara haberla tomado como inspiración, la coproducción hispano-germano-argentina ‘Medianeras’ (2011) narra punto por punto los sucesos que acaecen en la historieta ‘Un amor de ciudad’, del italiano Luca Novelli, que Totem publicó hace unas décadas en lengua castellana.

Pilar López de Ayala y Javier Drolas son los protagonistas, casi exclusivos, de una historia de desencuentros, de un amor tan imposible como destinado a acontecer. Dos seres retraídos, maniáticos y antisociales, que son prácticamente vecinos y que nunca se hacen conscientes de cruzarse en la calle, en los establecimientos, de atisbarse por la ventana… fracasan en todos sus intentos sentimentales empedrando un camino que, sin saberlo, los está llevando al uno junto al otro.

Se cuente como se cuente, la sinopsis no elude la sensación de que podríamos encontrarnos ante un cortometraje estirado. Y, en efecto, más que una impresión, se trata de una realidad, ya que Taretto había dirigido esta misma historia en formato breve en 2005. Resquicios de la herencia “cortista” se pueden hallar en muchos momentos, cuando la película se desploma en ritmo o en interés y parece necesitar una nueva arrancada para recuperarse y capturar de nuevo nuestra complicidad. Pero la habilidad para completar los 95 minutos no puede negársele a su autor, realizador publicitario de profesión –y se nota en sus encuadres–, que introduce, en medio de la mínima anécdota argumental, multitud de ejercicios estéticos, observaciones y caprichos que funcionan de forma aislada, pero en ocasiones cobrando mayor valía que la comedia romántica de base.

Los personajes

El humor, la cercanía, la credibilidad y, por lo tanto, la empatía, están con el personaje masculino. Hipocondriaco como los seres de Woody Allen –cuya influencia no se oculta, pues las lágrimas ante ‘Manhattan’ son uno de los nexos entre los protagonistas–, agorafóbico y abandonado, Martín se aferra al Internet, que le da de comer, para encontrar todo lo que necesita, incluso el amor o la compañía. Elemento con el que no habría podido contar Novelli: la red y, dentro de ella, las redes sociales, constituye una de las claves de esta vida moderna que se coloca sobre el tapete.

El personaje de ella, sin embargo, es más vacío y, aparte de transmitirnos su obvia soledad, lo tiene más difícil para comunicar con nosotros, los espectadores. Con ella, Taretto hace un ejercicio de fetichismo, muy similar al que ella lleva a cabo con los maniquís con los que trabaja. Pilar López de Ayala –con un acento muy convincente, por lo menos escuchado desde este lado del charco– parece posar en la película, más que actuar. Su belleza perfecta, de actriz a la que no habrían rechazado directores tan exigentes en este sentido como Rohmer, y su gracilidad le sirven al director para construir cuadros, para diseñar postales. Pero, aunque se le conceda tanto tiempo y protagonismo como al hombre y aunque el punto de vista esté repartido por igual, no resulta tan cercana o creíble como él.

Los secundarios apenas existen –quizá la tercera más importante es la perrita–, cuando se les incluye es de forma episódica, para aparecer y desaparecer, simbolizando otra de las constantes de las relaciones humanas actuales en las que las amistades duran lo que dura lo que se puede extraer de ellas. Inés Efrén, Carla Peterson, Adrián Navarro, Rafael Ferro y Miguel Dedovich son, por lo tanto, destellos en un film muy lineal y carente de subtramas, como lo son habitualmente los cortos alargados. Sin ninguno de ellos, la película se podría haber contado tal cual.

La arquitectura

Después de ‘El hombre de al lado’, nos encontramos ante la segunda película argentina del año que toma a la arquitectura como protagonista. Tiene tantos elementos en común que incluso presenta la apertura ilegal de una ventana, pero su propósito y su concepto son muy diferentes. Los primeros minutos de ‘Medianeras’, dedicados en cuerpo y alma a analizar los edificios bonaerenses y lo que estos provocan en su población o lo que representan como metáfora de su comportamiento, suponen la parte más interesante del film, si bien su integración en la historia o su componente narrativo son limitados. Plano tras plano de bloques de viviendas, acompañados de una explicación en off de su funcionamiento, nos introduce en la ciudad tanto como en el conflicto particular que compartirán los dos protagonistas.

Se extraen interesantes conclusiones, extrapolables en su mayoría a los habitantes de casi cualquier urbe superpoblada. Pero la película niega al rato todo lo dicho, al achacar las razones de los desencuentros de estos dos personajes más a sus propias rarezas que a la incomunicación provocada por la vida moderna, las prisas y la rutina. El fumetto –puesta a utilizar una palabra extranjera, como sería “cómic”, me quedo al menos con la adecuada– de Novelli presentaba al hombre y a la mujer viviendo pared con pared y repitiendo cotidianamente los movimientos del otro, con un desfase –el diccionario no admite “decalaje”, que me gustaría más– suficiente para que no lleguen a cruzarse hasta que, al igual que en la versión de Taretto, un apagón los lleve a su primer encuentro. Son dos maneras de entenderlo y a cada uno le corresponderá escoger cuál es la más interesante, pero quizá la película ha perdido algunos de los juegos que permitía la vecindad y que se han trasladado en adaptaciones sí declaradas de la idea del italiano a cortometraje.

SPOILER: Curiosa la comparación de esa vida en las grandes metrópolis con los dibujos de ‘¿Dónde está Wally?’, aunque no sé si su utilización para provocar el final termina de convencerme (fin del spoiler).

Conclusión

El tráiler siguiente lo cuenta casi todo, en él está prácticamente la película entera. A quien le atraiga lo que ve ahí y quiera más, no le hace falta más que bajarse hasta la sala de exhibición. Encontrará una cinta amable, simpática y con ciertos detalles logrados. Con una estética publicitaria muy marcada, la diminuta historia sirve como excusa para disertar sobre el amor, sobre la vida en la ciudad, sobre Buenos Aires en particular y funciona, por ello, mejor como compendio de observaciones y de ejercicios desunidos que como conjunto unitario: esos monoambientes o cajas de zapatos que constituyen un inmueble podrían representar los retazos que aquí se van retratando. Me da la impresión de que ‘Medianeras’ es una de esas propuestas que a nadie puede disgustar, aunque no habrá tampoco nadie que se adhiera apasionadamente a su causa, pues más bien me temo que será de esas películas que rápidamente se olvidan.

Mi puntuación:

La ópera prima de la directora y guionista Ana Piterbarg, ‘Todos tenemos un plan’, ha finalizado su filmación estos días en los platós de la Ciudad de la Luz, en Alicante, tras haber rodado los exteriores en Argentina –tal cual se produjo ‘Un cuento chino‘–. El estadounidense Viggo Mortensen, que habla español debido a que se crío en el país sudamericano, protagoniza esta película, junto con Soledad Villamil y Javier Godino, ambos intérpretes de la oscarizada en 2010 ‘El secreto de sus ojos’.

‘Todos tenemos un plan’, que se describe como un thriller muy original, nos remite a un hombre que, tras la muerte de su gemelo, con quien no se entendía, deseoso de abandonar su frustrante existencia en Buenos Aires, asume una nueva vida suplantando la identidad de su hermano en la choza de sus abuelos, en la misteriosa región del Delta del Tigre, en el delta del río Paraná.

El film trata de reflejar la dualidad y las contradicciones entre dos gemelos. El actor ha declarado que, pese a que su personaje miente al enfundarse en una identidad que no es la suya, finalmente llega a apreciar a su hermano –que vivía una existencia muy distinta, ya que estaba involucrado con criminales– y, de esta manera, alcanza “a conocerse a sí mismo”. La premisa de los hermanos idénticos y de las identidades confundidas se ha explorado ya en el cine y ha dado pie, no solo a entretenimientos infantiles, sino también a psicodramas como ‘Inseparables’, de David Cronenberg, que profundiza de la forma más enferma en las complicaciones de compartirlo todo desde el nacimiento. Si Piterbarg hace un buen trabajo, esta película también podría contarse entre las interesantes aproximaciones psicológicas a esta cuestión.

Las escenas en las que aparecen ambos hermanos han supuesto uno de los principales retos técnicos y para este trucaje, los planos se han llevado a cabo en España. Durante la etapa argentina del rodaje, las inclemencias climáticas fueron las que impusieron la otra dificultad principal. Pero lo que más asustaba a Mortensen era desdoblarse en los dos personajes: “sabíamos que iba a ser muy complicado, un rompecabezas y, quizá, a lo que más miedo tenía por encima de los retos físicos de los exteriores”. Para todo ello, la directora ha contado con un presupuesto de 3,5 millones de euros y, tras un par de meses de rodaje, la fecha de estreno prevista para ‘Todos tenemos un plan’ será abril y junio de 2012 para España y Argentina, respectivamente.

Vía | Fotogramas.

Este primero 22 de julio se ha estrenado estrenará en España ‘El hombre de al lado’, un film de Mariano Cohn y Gastón Duprat —‘Enciclopedia’, ‘Yo presidente’, ‘El artista‘—, que ha supuesto un gran éxito, de público y premios, en Argentina.

Leonardo es un fino y prestigioso diseñador de mobiliario vanguardista, que vive en Ciudad de la Plata Buenos Aires, en la única casa planificada por Le Corbusier para América. Su acomodada y esnobista existencia se tambaleará cuando un vecino recién instalado, Víctor, decida abrir un hueco en su muro para «agarrar un poquito de sol». No solo el diseño intocable del idolatrado suizo correría peligro, sino que una persona tan distinta a la de la familia de Leonardo se acercaría demasiado a ellos, rompiendo así una barrera más social que arquitectónica.

Esta sencilla premisa, cuyo significado es más que evidente, da pie a un interesante estudio de las diferencias entre dos personalidades muy marcadas y de cómo una insignificancia puede trastocar la vida de algunas personas, acostumbradas a tenerlo todo, hasta el punto de no permitirles continuar con normalidad con su existencia. Una crítica contra el autoaislamiento, el elitismo y el inmobilismo se deja ver sin disimulos a través de esta película, tan minimalista como la decoración que su protagonista propugna, que es más una situación que una historia.

Retrato de un gafapasta

El retrato de ambos personajes supone el mayor acierto de un film que no cuenta con trama ni con intriga, pero que logra enganchar gracias a este aspecto.

Por un lado, tenemos al diseñador, profesor universitario y respetado padre y marido. A pesar de su superioridad, este hombre es el paradigma del calzonazos, que irá rebotando como una pelota de su esposa, una auténtica arpía, a su nuevo vecino en una pelea sin fin. Solo puede escudarse en unas normas que no son ley y que apenas le apoyan. Así que, al carecer de una personalidad inquebrantable, sus argumentos pronto se agotan. Rafael Spregelburd da vida a este personaje con plena credibilidad.

Los pequeños retazos que completan el retrato del «gafapasta» componen grandes momentos que podrían funcionar de forma aislada —como clips de vídeo, que podrían verse sueltos— para definir a esta casta. Destacaría en concreto la escena de la fotografía anterior, en la que Leonardo está escuchando música con su amigo «cultureta», a la vez que beben vino y comentan los compases. Y es que los autores parece que saben de lo que hablan, ya que ellos mismos pertenecen a esta elite, al haberse dedicado al videoarte, disciplina en la que han realizado más de una veintena de obras y numerosas exposiciones en importantes museos; como el Museo de Arte Moderno de New York (MOMA), el Centro Georges Pompidou y la Cinemateca de París, entre otros. Esto puede significar que esta ridiculización no es intencionada, quién sabe.

No hay que olvidar el uso de la arquitectura como representación del elitismo, además de como la ya mencionada metáfora de la cercanía social. Para sus propietarios, vivir en el único Le Corbusier de toda América supone una esclavitud más que un privilegio, pero ellos acatan esa tiranía del edificio sobre las personas que lo habitan porque así se les ha hecho creer que deben ser las cosas. Son muy elocuentes, por ello, todos los diálogos que tratan a este respecto, como aquel en el que alguien sugiere que instale rejas.

En el extremo opuesto está el antagonista, que debería ser molesto y desagradable, pero que, gracias a la interpretación del actor Daniel Aráoz, acaba despertando mayor o igual simpatía que el protagonista debido a que tiene mucho mayor carisma. Este contraste entre ambos seres traslada una comparación entre dos maneras de ver el mundo. Víctor, al contrario que Leonardo, puede no ser un intelectual, pero es fuerte y sabe siempre lo que quiere, así como la forma de conseguirlo.

Atracadores ex machina (spoilers)

Por causa de su escasa trama, esta es una de esas películas que habitualmente acabarían sin más, dando la impresión de que la situación se mantenía sine die. Por mucho que nos quejemos de ese tipo de finales, a veces son preferibles a la inclusión de una forzada resolución, como la que tiene ‘El hombre de al lado’. Parece patente que los autores no encontraban manera de resolver el conflicto y por ello introducen un elemento que, si bien se ha planteado antes —la mencionada conversación sobre las rejas— no por ello deja de verse artificial. Más que por la falta de verosimilitud este final me chirría porque se sale del tono del film y porque no es necesario. El protagonista, es decir, los autores, se libran del conflicto en lugar de hacer algo con él, lo cual resulta un tanto frustrante.

Conclusión

Podría ser este perfectamente uno de esos casos en los que yo encuentro algo muy cachondo y se lo recomiendo a la gente y a nadie le hace ni pizca de gracia. Por lo tanto, antes de decir que la película tiene grandes hallazgos y un retrato de los «culturetas» que ya hace que merezca la pena, recalcaré que apenas tiene progresión o sustento argumental, es decir, que no va casi de nada y que no pasa casi nada. La trama no supone más que una metáfora, a la vez que una excusa, para mostrarnos estas vidas y provocar esta confrontación que resulte en el contraste de los personajes. Pero si tenéis amigos diseñadores, arquitectos o similar y queréis reíros un poco a sus expensas, ‘El hombre de al lado’ es la película.

Mi puntuación:

Acudí al cine a ver ‘Un cuento chino’ (2011) animada por un trailer muy prometedor y algunas palabras muy encomiadoras que había escuchado sobre ella. La presencia de Darín y el tipo de película —comedia muy centrada en la evolución de sus personajes, liberadora y con un poso de aprendizaje sobre la vida— hacían que pudiese ser un producto perfecto para mí. Y no es que me haya decepcionado o haya fallado a la hora de satisfacer esa expectativa concreta que tenía con respecto al film, pues casi todo lo que esperaba encontrar me lo ofreció. No obstante, lo cierto es que hubo un par de detalles que no terminaron de convencerme.

Esta coproducción entre España y Argentina es el segundo largometraje de Sebastián Borensztein. Nos habla de Roberto, un hombre maduro, que fuerza su soledad con una actitud desabrida: aunque podría mantener una relación con la cuñada de lo más parecido a un amigo que tiene, se niega a seguir viendo a esta mujer. Es un obsesivo compulsivo que se esmera por ofrecer un buen servicio en su mísera ferretería y da mucha importancia a que las cosas se hagan bien. Roberto colecciona figuritas de cristal y recorta noticias similares a las de los premios Darwin, es decir, de muertes absurdas. Su otra afición es ver aviones. Una de las tardes en las que está merendando junto al aeropuerto para ver aterrizar los aparatos, un chino ensangrentado es expulsado de un taxi junto a él y Roberto no duda en ofrecerle auxilio.

El aliciente mayor de ‘Un cuento chino’ es su actor protagonista, Ricardo Darín, quien vuelve a uno de sus personajes bordes y cortantes, pero sin perder por ello la brillantez, la vis cómica y la capacidad para provocar la empatía. Huang Sheng Huang, que el director encontró gracias a un cásting de chinos que llevó a cabo en Buenos Aires, parece perfecto para el papel, pues despierta una gran ternura y transmite mucho desamparo sin necesidad de que le entendamos una sola palabra. De esta manera, ‘Un cuento chino’ se convierte en una película con mucho encanto y la justa mala baba para no ser demasiado entrañable.

Mencionaba no hace tanto estas comedias francesas de esquema similar al que nos ocupa y lo cierto es que el otro país donde más se puede encontrar una corriente muy afín a la gabacha es Argentina. Por algo también son buenos a la hora de psicoanalizar a sus personajes y de profundizar con historias aparentemente sencillas. ‘Un cuento chino’ es consciente de ello y bebe bastante de referentes que podemos encontrar en el país vecino. La música que acompaña la película de Borensztein suena muy francesa y la colorida y artificial fotografía que ilustra los recuerdos o momentos imaginados podría recordar a Jeunet, salvando las distancias, no solo geográficas.

Al igual que el tráiler de la película, el inicio de esta resulta muy aparente. En el primer tramo se reparte una buena dosis de momentos cómicos y la actitud del protagonista tiene la suficiente fuerza como para impactar y hacer reír. Además, la presentación de los personajes te permite anticipar lo que sabes que tiene que ocurrirles, pero no en el sentido de preverlo y perder la capacidad de sorprenderte, sino en el de estar esperando que ocurra para ver su desenlace. Sin embargo, hacia la mitad, ‘Un cuento chino’ comienza a hacerse algo repetitiva y, más adelante, la resolución carece de la emoción de un clímax de elevada temperatura. A la relación del protagonista con el personaje de Muriel Santa Ana —en la fotografía que se ve a continuación— no solo le falta química, es que le falta de todo.

El punto de partida

De todo lo que ocurre en la parte final lo que encontré menos logrado fueron ambas explicaciones, a modo de flashback, de los comportamientos del protagonista y del chino. Visualmente me parecieron una ruptura del tono, pero no por el cambio estético del tipo de fotografía, que entiendo que es intencionado —en la imagen siguiente—, sino porque se produce un excesivo quiebro en el fluir cuando entran estas escenas. Aún así, esta brusquedad no fue lo que más me descolocó, sino el hecho de introducir unas justificaciones que considero innecesarias.

Resulta curioso es que estos elementos, de los que personalmente habría prescindido, son las chispas que hicieron brotar el proyecto para el director y guionista. Borensztein encontró la noticia de la vaca y pensó en hablar de las guerras absurdas, como la de las Malvinas. Y con estos dos ingredientes creó la historia. A lo que el autor llama «premisa» en realidad es solo un punto de partida del que le surgió una premisa nueva que vampirizó a la anterior. Alrededor de ambas anécdotas, se formó algo que cobró mayor realidad y vida y que por sí solo podría haber funcionado mejor sin estas explicaciones.

Conclusión

No niego que la nimiedad que le achaco a ‘Un cuento chino’ no solo es una observación muy personal, sino también algo tan mínimo que no puede servir para echar por tierra el resto de las características de la película. La falta de intensidad final tampoco es grave, ya que el resto del metraje, es decir, la gran mayoría de sus minutos, aporta lo que podemos esperar de una comedia como esta, pero sin ser tan formularia como algunas de las que me he quejado recientemente. El rato agradable se da por descontado y Darín no puede decepcionar.

Mi puntuación:

Ayer nos llegó, con bastante retraso, como suele ser habitual, el estreno de ‘Rompecabezas (Puzzle)’, la película argentina de Natalia Smirnoff, protagonizada por María Onetto, que nos cuenta cómo una mujer de cincuenta años halla en su afición a los puzzles la liberación de una anodina vida entregada a los demás.

Siempre me han interesado las narraciones de catarsis femeninas, no solo por el componente de anti-machismo que puedan contener, sino principalmente porque me gusta cualquier historia que implique una evolución del personaje principal, sea del sexo que sea, cuando este comienza con una vida desperdiciada y descubre la felicidad. El hecho de que se encuentre ese camino a través de algo insospechado, igualmente me resulta de sumo interés. Por ese motivo, como expresé aquí, la premisa de ‘Rompecabezas (Puzzle)’ me sonó bien desde el inicio y me dispuse a verla con total entusiasmo.

No hay duda sobre ese punto de partida, es decir, la película no tiene el problema de resultar confusa en cuanto a sus intenciones, pues plantea algo obvio. Sin embargo, sí encontré que se quedaba corta a la hora de ofrecer —de forma emocional, pues racionalmente se ha captado de antemano— su mensaje.

El motivo de ello lo supongo en la falta de conflicto inicial. Para entender la necesidad de respiros de esta mujer, sería necesario ver que su vida previa resulta insufrible y que sus posibilidades de liberarse son nulas, por causa de tener un marido incomprensivo o unos hijos egoístas. Pero nada de eso está planteado así: la familia es positiva y la apoya en todo momento —como mucho, van un poco a su bola, pero ¿en qué núcleo familiar no se da ese comportamiento? — Con esto, opino que la consigna del film y su sustento narrativo se quedan en nada.

Lo dicho anteriormente se podría apreciar de modo positivo, ya que ese tímido hincapié en una situación asfixiante nos aleja de esos dramas cargados de una exagerada densidad. Soy la primera en apreciar la sutileza, cuando de verdad la hay. Aquí la directora no tiene pudor a la hora de incluir subrayados y de ocuparse muy mucho de que nuestra atención vaya a los lugares necesarios. Valgan como ejemplo las imágenes que muestras que «quedó escrito feliz en la tarta», que además viene recalcado con la intervención de uno de los personajes, por si no nos habíamos dado cuenta; o el momento de hacer el puzzle con los añicos del plato roto. La música que acompaña las primeras composiciones del rompecabezas de la protagonista, a solas en su casa, todavía sirve más al propósito de la autora acentuar la carga emocional de esos instantes.

María Onetto es la protagonista y sobre ella recae la responsabilidad total de hacernos sentir todas las cosas que he ido mencionando. Encuentro correcta a la intérprete, simpática y cercana en la mayoría de los momentos. Sin embargo, me falta algo más de fuerza en su carácter, algo más de implicación, de sentimiento… pasa con demasiada indiferencia por estas vivencias, lo acrecenta esa falta de implicación mencionada.

Un final que apenas resuelve

Decía al arranque que me gustan las películas de catarsis y evolución de personajes. Por ese motivo, que el final de ‘Rompecabezas (Puzzle)’ sea tan insignificante, me deja con una sensación de frustración. (Spoiler) Debemos extraer que, a pesar de no viajar a Alemania y de no continuar con su afición y su compañero de composición de puzzles, ella ya ha sentido la liberación que necesitaba (fin del spoiler). De acuerdo, no acaba repentinamente y sin resolver el planteamiento. Pero el cambio en la actitud o en las circunstancias de la protagonista es tan mínimo que reduce mis posibilidades de sentirme satisfecha con lo visto.

Comprendo que existan películas cuyas intenciones sean contar una historia pequeña, sencilla... no hacer que se tambaleen los cimientos de la existencia humana ni cambiar el mundo. También tienen cabida en las carteleras las películas amenas y poco rompedoras. Pero creo que incluso éstas deben tener algo más de contenido.

Conclusión

‘Rompecabezas (Puzzle)’ es una bonita película. Sin embargo, a mí personalmente no logró emocionarme ni entusiasmarme. No significa que no haya entrado en la ficción, que no haya compartido los sentimientos que la autora trataba de imprimirle, que no haya comprendido las intenciones. Lo entiendo todo y lo busco, mientras la veo. Pero esa conciencia racional de lo que Smirnoff ha querido hacer no se acompaña de un sentir emocional de todas esas intenciones. No obstante, no puedo afirmar categóricamente que la película no funcione, ya que existen quienes sí han percibido todo tal como está pretendido, así que supongo que se debe todo a percepciones muy personales.

Mi puntuación:

Otra crítica en Blogdecine | ‘Rompecabezas (Puzzle)’, una pequeña obra maestra’, por Adrián Massanet.

Ayer se estrenó la película argentina ‘Cuestión de principios’ (2009), dirigida por Rodrigo Grande e interpretada por Federico Luppi, Norma Aleandro, Pablo Echarri, María Carámbula, Pepe Novoa, Óscar Nuñez, Mónica Antonopulos, Mabel Pessen, Óscar Alegre, Mario Vidoletti, Mateo Izza, Emanuel Gardini y Natalia Dalmolin.

No suelo empezar hablando sobre el reparto de una película, pero voy a hacer una excepción, por variar y porque estos intérpretes lo merecen. Si nos dicen que Federico Luppi, a quien conocemos de sobra, y que Norma Aleandro, a quien vimos, por ejemplo, en esa obra maestra llamada ‘El hijo de la novia’, protagonizan un film, muy mal tendrían que ponerse las cosas para que no pudiésemos esperar algo grandioso.

En esta película, ambos veteranos, así como los intérpretes de menor edad, están formidables y disfrutan de papeles con los que pueden sacar a flote toda su maestría. El personaje de Luppi aprovecha del actor todo su potencial, incluidos sus defectos, pues se trata de un señor con demasiado orgullo y extremadamente tozudo, pero que despliega una integridad y una entereza inusitadas. Aleandro también resulta idónea para su papel, pues su personaje, sin dejar de exigir lo que le corresponde, tiene esa dulzura que solo esta actriz sabe transmitir. E igual de óptimo está Pablo Echarri.

‘Cuestión de principios’ nos habla de justo lo que indica su título: la cuestión por la que el protagonista y el antagonista pelean carece de valor económico e incluso su valor sentimental es falso. Sin embargo, esa revista que el viejo posee, pero ni sabe dónde la guarda, y que el otro desea adquirir como sea para completar su colección, cobrará unas dimensiones y un valor inmensos solo por los principios que repentinamente se asocian a ella. El objeto, de pronto, representa la valentía y la incorruptibilidad de un señor cuya valía nunca se había apreciado y que, casi en su jubilación, decide plantar cara por primera vez a un superior. Para el más joven, el ejemplar representa el triunfo…

Cuestión de matices

Dejaba lo último en suspensión porque de ahí surge otro de los valores mayores del film. Este hombre, de aproximadamente cuarenta años, que al protagonista le resulta desmedidamente joven para el cargo que acaba de ocupar y que se sienta en su sillón debido a másters, viajes, idiomas y cosas de hoy en día de las que el viejo ni sabe en qué consisten… este hombre, decía, se muestra altivo y soberbio en un principio y de forma muy clara toma el lugar de la némesis. Pero no se tarda nada en descubrir que es otra víctima más, que sufre tanto o más como su contrincante, que se aferra a la completitud de la colección, no por un orgullo y por la falta de costumbre de perder, sino porque quizá es el único flotador que le queda en una vida vacía, en la que todos le han abandonado y ha tenido que renunciar a sus logros anteriores. Igualmente, el señor íntegro e insobornable demuestra enseguida ser un cabezota incorregible cuyos principios no comparte ni comprende ni siquiera su mejor amigo, militante izquierdista.

Esa ausencia de maniqueísmo, es decir, de personajes blancos o negros, demuestra la grandeza de su director, que se gana el apellido que lleva, y del coguionista, Roberto Fontanarrosa, un enorme autor de cómics, que ya antes había colaborado en el cine, autor del relato en el que se basa este film. Aunque haya una carga crítica e incluso una lección vital, no se dan moralinas, sino que se aportan siempre las dos caras de la moneda.

El conjunto de la película es grandioso, pero al mismo tiempo está compuesto por escenas con enorme fuerza y por pequeños detalles que emocionan, divierten y nos invitan a reflexionar. La secuencia final es sin duda uno de los momentos más altos, con esa forma de acabarlo que no nos podríamos esperar. Pero antes existen ya instantes sublimes, como la conversación en la tienda en la que Aleandro se resiste a caer en la seducción de Luppi arguyendo que está montando un número como de película norteamericana. Son solo dos ejemplos de muchos otros pasajes destacables.

Con su fotografía no muy vistosa y una producción mediana, ‘Cuestión de principios’ es mucho más de lo que aparenta, ya que lo que está por debajo de esa estética, su contenido, así como sus interpretaciones, tienen la capacidad de emocionar, hacer reír y, a la vez, de reivindicar las actitudes correctas ante la vida. Sin apariencia de gravedad, sino tratada como una comedia ligera, la película es, no obstante, profunda. Se trata, en definitiva, de un film más que recomendable que no habría que dejar pasar.

Mi puntuación:

No es que tenga muy claro esto de celebrar el «Día de la mujer». Se le quitó lo de «trabajadora», pues ya se sabe que, cuando se estableció la fecha, trabajar, trabajaban todas las mujeres y mucho, solo que lo hacían en sus casas. No obstante, no creo que se haya arreglado demasiado por dejarlo en «mujer» a secas. A pesar de todo, no está de más hacer un pequeño homenaje a esta conmemoración, detrás de la cual sí existen efemérides de gran relevancia para el papel de la mujer en la sociedad, como la consecución del voto y otros derechos; con la mención de una película dirigida, escrita y protagonizada por mujeres.

Se trata de ‘Rompecabezas’, la ópera primera de la directora argentina Natalia Smirnoff, que cuenta en su elenco con María Onetto (‘La mujer sin cabeza’, de Lucrecia Martel), Gabriel Goity (‘Un novio para mi mujer’, de Juan Taratuto) y Arturo Goetz (‘El nido vacío’ y ‘Derecho de familia’, de Daniel Burman; ‘La niña santa’, de Lucrecia Martel y ‘Los condenados’, de Isaki Lacuesta).

‘Rompecabezas’ trata sobre una madre, ama de casa, que descubre una pasión y habilidad para los puzzles que jamás había sospechado. A pesar de la falta de apoyo por parte de su marido, se entrega a esta nueva afición y encuentra un camino de libertad interior y felicidad, además de un compañero de juegos, cuya complicidad no podrá desvelar a su esposo.

Adrián Massanet la encontró preciosa cuando la vio en Berlín. Aunque el trailer, que se puede ver a continuación, no dé mucha idea de esta belleza, estoy segura de que será tal como dice mi compañero, ya que el los últimos tiempos el cine argentino nos está proporcionando más satisfacciones que casi ninguna otra cinematografía. Podremos comprobarlo en salas españolas a partir del 6 de mayo de este año.

Vía | Golem Distribución.

Esta tarde se estrena ‘Sin retorno’ (2010), primer film del argentino Miguel Cohan, que cuenta con las interpretaciones de Leonardo Sbaraglia, Federico Luppi, Bárbara Goenaga y Martín Slipak. Este thriller psicológico, coproducción hispano-argentina, cuyo tráiler adelanté aquí, obtuvo en la Seminci 2010 la Espiga de oro —ex-aequo junto con ‘Copia certificada’— a la Mejor Película y el Premio Pilar Miró al mejor nuevo realizador, así como el premio Fipresci a la Mejor Película, concedido por la crítica internacional.

En ella, un joven muere atropellado en un accidente de tráfico. El culpable huye sin dejar rastro. Ninguna prueba lo incrimina. Pero el padre del joven, apoyado por los medios de comunicación, exige encontrar al responsable y llevarlo a la cárcel. Una serie de acontecimientos fortuitos y una justicia contaminada por la opinión pública ponen al hombre equivocado en el banquillo de los acusados. Envueltos en el entretejido del azar y las decisiones desesperadas, estos hombres deberán enfrentarse a la culpa, la responsabilidad y la necesidad íntima de redención en una espiral que no tendrá retorno.

Con total aspecto de estar basada en hechos reales —en realidad, el director y su hermana, Ana Cohan, dedicaron cuatro años a escribir el guion a partir de una idea y una imagen—, podría sonarnos a telefilm. No obstante, la historia que se narra en ‘Sin retorno’ resulta de sumo interés y se enfoca de forma intimista y psicológica, para alejarnos del sensacionalismo y la facilidad de las películas televisivas. El director debutante le saca todo el partido, explorando la moralidad y las ansias de venganza en una cinta que sufre, aproximadamente al cabo de sus dos primeros tercios, un cambio en el punto de vista, que le permite estudiar ambos sentimientos.

Sin embargo, de alguna forma, no se me escapa nunca la sensación de que los autores de su guion podría estar yendo más allá, de que la película podría estar ofreciendo más y no sé muy bien cómo o el qué. Podría comenzar todo con la condena del inocente, resumiendo los hechos primeros en unos minutos y narrar desde ahí una historia de terror y culpa. Y no sé si con ello mejoraría o si el detenido acercamiento hacia las decisiones del joven y de sus padres supone el verdadero núcleo válido de ‘Sin retorno’. Sin creer en absoluto que las interpretaciones puedan mejorarse, se me ocurre que un remake estadounidense de este film daría pie a un atractivo producto, quizá de otro género, pero con un denso contenido.

De nuevo, nos encontramos ante el estudio de la fuerza que detenta el cuarto poder, es decir, los medios de comunicación, y cómo las autoridades deben acomodarse a sus exigencias. Si en la película cuya crítica enlazo, una joven se enfrentaba a las desmesuradas consecuencias de un suceso sin aparente importancia, aquí nos encontramos con un muchacho que debe lidiar con la ausencia de consecuencias ante un hecho de desmesurada envergadura. Es interesante contraponer ambos films para tratar de encontrar cuál sufrimiento sería mayor, si el de la culpa cumplida ante la sociedad o si el de la sufrida únicamente en nuestro interior.

El cine argentino, siempre atento a las cuestiones morales o psicológicas entronca, de alguna forma, con una tradición europea, especialmente francesa, que nos aporta films con la capacidad de hacernos pensar o reflexionar. ‘Sin retorno’ cuenta con esta posibilidad, al acercarnos, con suma fidelidad, al sufrimiento de sus personajes y el resonar universal de los hechos planteados. Solo con eso, ya vale la pena ver esta película.

‘Sin retorno’ está muy bien interpretada, no solo por lo que convencen los personajes, sino también por los diferentes roles que interpretan y lo perfectamente que encajan cada uno de los actores en ellos. Se irá viendo, con el avance de los minutos, cómo algunos sufren una tremenda evolución —Sbaraglia, soberbio en esta transformación—, mientras que otros permanecen en su cobardía e infantilismo, a pesar de hacerse ya adultos en edad —Slipak, magnífico en todos sus momentos—. Luppi, el gran Luppi, no hace más que un pequeño papel, casi genérico, que podría simbolizar a cualquier anciano o ciudadano que reclame justicia, aunque con ello y sin darse cuenta esté siendo sumamente injusto.

Valoro, en resumidas cuentas, la carga de denuncia que contiene ‘Sin retorno’, así como el análisis psicológico y moral que se efectúa sobre sus personajes y que alcanza momentos de gran intensidad en muchas ocasiones. Aunque la película se narre con excesivo detalle, nos engancha a ella la curiosidad por ver a qué desenlace llevan sus decisiones a estos seres que, en cualquier caso, ya lo han perdido todo. Las interpretaciones de todos los actores son el punto más fuerte de un film que no habría que dejar pasar.

Mi puntuación:

Se proyecta hasta el 2 de octubre, en la Sala Iberia de la Casa de América de Madrid, ‘Dos hermanos’ (2010), de Daniel Burman, director del que ya he comentado aquí un par de películas, siempre con impresiones sumamente positivas. Este film, que se estrenó en España en junio, está protagonizado por Antonio Gasalla, Graciela Borges, Elena Lucena, Omar Núñez y Rita Cortese y basado en la novela de Diego Dubcovsky, quien escribe el guión, junto con Burman.

Tras la muerte de la madre de Marcos, homosexual y soltero, y Susana, una mujer a la que nadie ha aguantado, estos hermanos descubren que sólo se tienen el uno al otro. Pero pasar tiempo juntos resulta difícil porque Susana es una mujer muy manipuladora que se aprovecha de su hermano, un hombre de carácter débil que ha pasado su vida bajo las faldas de su madre. Susana vive del negocio inmobiliario con movimientos no demasiado claros y uno de sus chanchullos le explota en la cara: si no compra definitivamente una casa en Uruguay para la que ya ha entregado una entrada, perderá el dinero.

La psicología de los personajes

Ya he observado en las dos críticas anteriores —: ‘El nido vacío’ y ‘El abrazo partido’—, que el mayor mérito de Burman es lograr un profundo y acertado retrato psicológico de sus personajes. Este mérito no es en absoluto baladí, pues muchos son los que lo intentan, pero escasos quienes lo consiguen, al menos con tanta puntería y tanto calado. ‘Dos hermanos’ es una película de personajes, pero de personajes de verdad, de ésas —pocas— en las que realmente es tan importante lo que percibimos de los protagonistas que queda muy por debajo si ocurren o no acontecimientos. Lo percibimos en sus debilidades, en sus peores momentos, en lo que no se dice, en lo que se expresa con silencios, con subtexto… Se nos transmite de una forma sutil e inteligente.

Seguimos hablando de mérito para señalar las dificultades que entraña conseguir que una mujer como Susana, con un carácter tan antipático, consiga producir lástima en el espectador. Burman desnuda a este personaje de forma que, bajo el maquillaje y los cardados, bajo los aires de superioridad, comprobemos que no hay más que una mujer que se siente muy sola y que no se gusta a sí misma más de lo que gusta a otros. Aunque lo desprecie y mangonee, ella necesita a su hermano. Y Marcos, víctima de una gran dependencia, necesita también a Susana o necesita sentirse necesitado.

La soledad, por consiguiente, es el tema de fondo de este film que acierta a dar esos momentos amargos dentro de un aire de comedia con golpes graciosos, casi siempre provenientes del comportamiento de Susana o de las absurdas situaciones a las que llevan sus pretensiones.

El cine ha retratado tantas veces la familia y el efecto que ésta tiene sobre los individuos, que ya puede ser cansino. Pero un reflejo de la relación entre dos hermanos sin ningún otro tipo de influencia, como el que hace Burman, no es tan habitual. Se trata de un parentesco especial, que podría formar una cercanía similar a la de una pareja, pero que a su vez guarda una serie de componentes negativos casi inevitables. Por mayores que sean estos hermanos del título de la película, ellos, cuando están el uno con el otro, se seguirán comportando como niños. Y posiblemente porque eso es lo que nos ocurre a todos. Debido a que nos hemos conocido en la infancia y hemos aprendido a funcionar con arreglo a lo que dictaba el núcleo familiar, parece que en la edad adulta seguimos necesitando ese arbitrio materno y paterno y que se reproducen esas actitudes de envidia o aprovechamiento que se daban en la niñez. Por lo tanto, una conclusión que podría extraerse del film es que necesitamos el cariño de nuestros hermanos, pero que nunca podremos comportarnos con madurez cuando ellos están cerca.

Intérpretes y estética

Mérito también hay que concederles a los actores principales. Tenemos ante nosotros una película que, sobre el papel, podría haber resultado cualquier cosa, pero que los intérpretes saben encajar con enorme autenticidad. Graciela Borges nos muestra esas dos caras de Susana sin miedo a convertirse en un espantajo o a mostrarse sin atavíos que disimulen su condición. Es capaz de pasar de la risa al drama con muy poco.

Antonio Gasalla, en el papel de Marcos, parece algo más impostado en un principio, pero más adelante se comprende cómo es el comportamiento de este personaje que nos desarma por completo con las atenciones que dirige a su madre. La escena del funeral, resuelta en un plano que casi no los invade, es de gran intensidad. Vemos, al cabo, que es un personaje patético.

También merece mención Omar Núñez, quien interpreta a un director de teatro del que Marcos queda rápidamente prendado. Mario también tiene una personalidad complicada y un enorme ego que se muestra en la forma de dirigir su particular visión de ‘Edipo, rey’, pero sabrá congeniar con Marcos.

La estética del film se aprecia pobre y anticuada en un intento de Burman de mostrarnos cómo de acabados están estos dos hermanos, cuyos físicos ya sólo pueden estropearse y que malviven de unas rentas muy antiguas, aferrados a un tiempo pasado que quizá no fue mejor, pero que está tan olvidado que ahora se puede glorificar.

‘Dos hermanos’ supone un interesante retrato, no sólo de dos personajes, sino de la influencia que ejercen unos personajes sobre otros, de cómo el tenerse el uno a lo otro les ayuda o aplasta. Con apreciables interpretaciones, se convierte en una magnífica opción para estos días en los que la cartelera sigue estando tan floja.

Tráiler de ‘Dos hermanos (2010).

Mi puntuación:

Vaya, esto no me lo esperaba. Quizá porque no me parece la mejor de las nominadas, pero bueno… es estupenda, los actores están muy bien (menos Soledad Villamil, que no me convence) y tiene grandes momentos, eso es verdad. Los argentinos deben estar realmente contentos ahora mismo, ‘El secreto de sus ojos’ se ha alzado con el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, o película extranjera, superando a ‘La cinta blanca’, que partía como favorita.

El director Juan José Campanella (y su equipo) ha subido a recoger la estatuilla y mientras se esforzaba por no meter la pata hablando en inglés ha lanzado otra broma más a costa de ‘Avatar’, diciendo que se alegraba que el idioma Na´Vi no contara para incluir la película de James Cameron también en esta categoría. Pues es verdad.