Ken Russell llevaba más de 20 años sin realizar un trabajo para el cine, concretamente desde 1991 con ‘Puta’ (‘Whore’). A pesar de que siguió realizando films para televisión y algún que otro documental, su nombre probablemente no es conocido para las nuevas generaciones de cinéfilos. Pero en los años 60 y 70 fue uno de los realizadores más extravagantes y extraños que ha dado el cine británico en toda su existencia. El día de hoy amanecía con la noticia de su fallecimiento, a los 84 años de edad, mientras dormía.

Su carrera en el cine comenzó con la película de espionaje ‘El cerebro de un millón de dólares’ (‘Billion Dollar Brain, 1967), protagonizado por Michael Caine y Karl Malden, un film muy distinto a lo que luego caracterizó su filmografía. Su siguiente trabajo, la reputada ‘Mujeres enamoradas’ (‘Woman in Love’, 1969), con Glenda Jackson —se alzó con el Oscar a la mejor actriz principal—, Alan Bates y Oliver Reed, le valió una nominación al Oscar al mejor director en la ceremonia de 1971. En esa misma década destaca el musical ‘Tommy’ (id, 1975), y termina con la desquiciante ‘Viaje alucinante al fondo de la mente’ (‘Altered States’, 1980), protagonizada por William Hurt.

Ya en los 80 se atreve con ‘La pasión de China Blue’ (‘Crimes of Passion’, 1984), con la muy de moda en aquellos años Kathleen Turner —en la película sale simple y llanamente espectacular— y Anthony Perkins, en una historia sobre el sexo. ‘Gothic’ (id, 1986) y ‘La guarida del gusano blanco’ (‘The Lair of the White Worm’, 1988) introducen a Russell en el horror con resultados muy discutibles. Curiosamente, una de sus últimas películas es ‘The Rainbow’, que es una precuela de ‘Mujeres enamoradas’, y que le volvió a reunir con Glenda Jackson.

Hasta siempre Ken.

Vía | Las horas perdidas

Que ironía. Ahora que la mítica productora británica vuelve para intentar, o no, reverdecer viejos laureles produciendo films de terror —películas como la maja ‘Déjame entrar (Let Me In)’ (Matt Reeves, 2010) o la penosa ‘La víctima perfecta’ (‘The Resident’, Antti Jokinen, 2011) son algunas de las producciones con las que la productora vuelve a estar en activo—, el que fuera una de sus piezas clave, Jimmy Sangster, desaparece. Uno de los mejores escritores que ha tenido el cine fantástico y/o de terror ha fallecido esta mañana a los 83 años de edad.

Sangster, natural de Gales, escribió su primer guión cinematográfico para ‘X: The Unknown’ (Leslie Norman, 1956), película que se ofreció como una especie de secuela de uno de los grandes éxitos de la casa, ‘El experimento del Dr. Quatermass’ (‘The Quatermass Xperiment’, Val Guest, 1955). Poco más tarde, el que justo antes de su carrera aseguró que no tenía ni idea de escribir un guión, sorprendió a propios y extraños revolucionando por completo el cine con sus libretos para películas como ‘La maldición de Frankenstein’ (‘The Curse of Frankenstein’, Terence Fisher, 1957), ‘Drácula’ (‘Horror of Dracula’, Terence Fisher, 1958) o ‘Las novias de Drácula’ (‘The Brides of Dracula’, Terence Fisher, 1960), films que reinventaban, incluso mejoraban, las visiones de los mitos del terror de la Universal en los años 30.

En los años 60 escribió los guiones de una serie de films que se adentran dentro del thriller psicológico, muy de moda en aquellos años. Ahí destacan films como ‘El sabor del miedo’ (‘Taste of Fear’, Seth Holt, 1961), ‘El alucinante mundo de los Ashby’ (‘Paranoiac’, Freddie Francis, 1963) o ‘El abismo del miedo’ (‘Nightmare’, Freddie Francis, 1964). También probó suerte en la dirección, realizando tres films, ‘El horror de Frankenstein’ (‘The Horror of Frankenstein’, 1970), ‘Lust for a Vampire’ (id, 1971) y ‘Miedo en la noche’ (‘Fear in the Night’, 1972), su último trabajo para la Hammer y también uno de sus films más famosos. Después de eso se recluyó en la televisión.

No hay en la actualidad un guionista que tenga la mala leche e inventiva de Sangster, al menos dentro del cine de terror y/o fantástico. Creo que es hora de dar inicio al largamente retrasado especial de la Hammer. Una forma de rendir tributo a uno de los grandes escritores que tuvo el cine británico.

Hasta siempre Jimmy

Vía | HAMMER

Pido disculpas por la tardanza en publicar la resolución de los Premios BAFTA, que se entregaron el mismo día que nuestros Goya y cuyas nominaciones ya había publicado.

Como era de esperar, ‘El discurso del rey’ ha sido la gran triunfadora, al conseguir siete de los catorce premios a los que había sido nominada: mejor película, película británica más destacada, mejor guion original, actores principal (Colin Firth, en la fotografía) y de reparto, actriz de reparto y música original.

David Fincher fue premiado como mejor director por la película ‘La red social’. ‘Cisne negro’, que optaba a un total de doce galardones, se llevó únicamente el de mejor actriz para Natalie Portman. ‘Origen’ consiguió tres premios BAFTA. ‘Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’ fue considerada la mejor cinta extranjera.

He comentado infinidad de veces que, aunque la considero más que correcta, no me entusiasmó ‘El discurso del rey’, así que poco más necesito añadir sobre estas decisiones de la academia británica, salvo que, al menos, lo entiendo mejor al tratarse de una película suya, de lo que lo entenderé cuando le entreguen numerosos Oscar.

Aquí se puede consultar la lista completa de ganadores a los BAFTA.

Como estamos pendientes del resultado de las nominaciones a un actor que interpreta a un rey que desarrolla una férrea amistad con un civil, puede ser buen momento de comentar la película ‘El último rey de Escocia’ (‘Last King of Scotland’, 2007) que le sirvió para ganar el Oscar y numerosos galardones más a uno de sus intérpretes: Forest Whitaker, y que también cuenta la historia de una amistad peculiar entre un gobernante y un ciudadano. Bueno, ¿para qué ocultarlo?, surge el momento porque tuve la oportunidad de verla cuando la pusieron anoche en TVE2.

La película está dirigida por Kevin Macdonald. El guion, de Peter Morgan y Jeremy Brock, se parte de la novela homónima de Giles Foden, quien se inventa al personaje ficticio del doctor escocés, Nicholas Garrigan (James McAvoy), para introducir unos ojos en el palacio presidencial, con los que observar de cerca al dictador. Para ello se basa en Bob Astles, un soldado que llegó a consejero de Amin. Éste, además de otorgarse otros títulos rocambolescos, se autoproclamó Rey de Escocia, ya que pensaba que estaba en posición de liberar a esta nación del dominio inglés.

Por supuesto, la interpretación de Forest Whitaker es brutal, como lo ha sido en todas sus encarnaciones. No solo hay un parecido físico que le ayuda, sino que los brotes psicóticos y los arranques de histeria están clavados de forma que producen terror, así como las bromas y la simpatía al principio nos lo acercan tanto que posteriormente cuestionamos lo que hemos sentido. Pero no creo que sea lo único valioso del film.

Resulta especialmente apreciable el uso que se hace del efecto bola de nieve y del punto de no retorno, recurso que encuentra aquí uno de sus más claros ejemplos. El personaje de McAvoy va cayendo dentro del agujero de forma inconsciente e impulsiva, sin darse cuenta del auténtico peligro. Cuando por fin se hace evidente la situación, es demasiado tarde para echarse atrás.

Idealista y activo, pero demasiado joven e impresionable, este doctor cae en la seducción de Amin. No solo se deja comprar con cochazos y una vida de lujos, sino que realmente siente una cierta atracción hacia la figura del presidente. Lo que podría aparentar ser un lento inicio del film es el inteligente estudio psicológico de este proceso de conquista, imprescindible para que se extienda lo que llega más adelante.

Al mismo tiempo, sin que sea el auténtico protagonista, se hace un retrato tan certero de Idi Amin, tan humanizado, que casi es posible comprender sus decisiones. Se transmite la sensación de que cualquier persona, hasta la más cuerda o bondadosa, en la situación de gobernar un país con más poderes de los que otorga la democracia, se vería obligada cometer actos de la índole de los que comete este dictador. Por supuesto, en este caso también se deja claro que se trataba de un chalado que actuaba por capricho y no se justifica ninguno de sus actos, pero la penetración psicológica es tan honda que se llega mucho más allá de la mera constatación maniquea de la locura de un jerarca absolutista. Podría pensarse que un retrato tan profundo es mérito únicamente del actor, pero hasta el mejor intérprete necesita una buena base de guion para llegar hasta algo como esto.

Es interesante, asimismo, la progresión en la presentación de su crueldad, es decir, en la imagen que se ofrece al espectador del comportamiento del dictador. Al igual que el personaje de McAvoy —quien encarna al verdadero protagonista porque es su punto de vista el que se toma— va aprendiendo cosas sobre la forma de ser de este hombre, lo aprende quien ve la película. El cambio, de un extremo al otro, se ofrece con progresión y credibilidad. Si se conocen desde el inicio los hechos históricos, se echará por tierra este efecto de sorpresa que puede ser uno de los mayores alicientes de ‘El último rey de Escocia’.

Desde la distancia y el conocimiento de los sucesos, es fácil tachar de ingenua la aproximación de Garrigan. Pero esta candidez inicial no es exclusiva suya, ya que su percepción de Amin es la misma que tienen los ugandeses y la opinión internacional, cuando parece un gobernador generoso y preocupado por sus ciudadanos. El personaje del doctor funciona, de esta forma, como una representación de esta opinión pública que tardó mucho en darse cuenta de la verdadera naturaleza del jefe de estado y, por lo tanto, se convierte en mucho más que un mero personaje. Esta historia de amor-odio no se produce entre el médico y el presidente, sino entre el pueblo y su gobernador.

Dentro de lo que son los biopics y las películas históricas, que suelen resultar aburridos porque están cortados por el mismo patrón, éste destaca bastante. Las peculiaridades del personaje real en el que se basa —de quien se sospechaba que cometía canibalismo, además de las atrocidades que ejecutó como dictador— se prestaba para un interesante retrato.

Gillian Anderson, Simon McBurney y Kerry Washington completan el elenco con buenas interpretaciones para personajes de poca envergadura y que se introducen para servir claros propósitos de guion. McBurney cuenta con un interesante personaje que podría haber tenido un mayor peso en la historia, si ésta hubiese estado enfocada más hacia lo político que hacia lo personal.

Macdonald —‘La sombra del poder’ (‘State of Play’, 2009)— refleja con cámara en mano los convulsos hechos de una época no menos agitada. La dictadura de Amin duró desde 1971 hasta 1979 y el director homenajea el cine de aquellos años con efectos de montaje y otras recreaciones en lo que a la estética se refiere.

Mi puntuación:

Otras críticas en Blogdecine:

• ‘El Último Rey de Escocia’, un inmenso Whitaker sostiene una floja película, por Juan Luis Caviaro.

• ‘El Último Rey de Escocia’, inmenso Forest Whitaker, por Alberto Abuín.

Se han anunciado en Londres esta mañana las películas y personas preseleccionadas para los premios de la BAFTA, es decir, de la Academia Británica para el cine y las artes televisivas (British Academy of Film and Television Arts).

Como era de esperar, la gran apuesta inglesa por el cine premiable, ‘El discurso del rey’ (‘The King´s Speech’), lidera la lista de nominados con catorce categorías. ‘El cisne negro’ (‘Black Swan’) se presenta a doce premios, mientras que ‘Origen’ (‘Inception’) tiene nueve y ’127 horas’ (‘127 Hours’) y ‘Valor de ley’ (‘True Grit’), cuentan con ocho cada una. ‘La red social’ (‘The Social Network’) no opta más que a seis nominaciones, pero no sospechamos que esta película, claramente superior a la de Tom Hooper tenga menos opciones simplemente por su nacionalidad.

Javier Bardem está nominado por ‘Biutiful’ en la categoría de mejor actor principal, donde sabemos que no tiene nada que hacer contra Colin Firth. El resto de los seleccionados en esta sección son Jeff Bridges, Jesse Eisenberg y James Franco. El actor inglés recientemente fallecido Pete Postlethwaite cuenta con una nominación como secundario por ‘The Town (Ciudad de ladrones)’. No me extrañaría que se lo concediesen a modo de homenaje.

Nada que pueda sorprendernos o que no haya sido ya preseleccionado para premios de otras academias. Es lo que tiene hablar de cine en habla inglesa que, aunque nos alejemos de país e incluso de continente, al final estamos tratando del mismo cine.

Mejor película de imagen real

• ‘El cisne negro’ (‘Black Swan’)
• ‘Origen’ (‘Inception’)
• ‘El discurso del rey’ (‘The King´s Speech’)
• ‘La red social’ (‘The Social Network’)

• ‘Valor de ley’ (‘True Grit’)

Mejor película de animación

• ‘Toy Story 3’
• ‘Gru, mi villano favorito’ (‘Despicable Me’)

• ‘Cómo entrenar a tu dragón’ (‘How To Train Your Dragon’)

Mejor director

• Danny Boyle, por ’127 horas’ (‘127 Hours’)
• Darren Aronofsky, por ‘El cisne negro’ (‘Black Swan’)
• Christopher Nolan, por ‘Origen’ (‘Inception’)
• Tom Hooper, por ‘El discurso del rey’ (‘The King´s Speech’)

• David Fincher, por ‘La red social’ (‘The Social Network’)

Mejor guion original

• Mark Heyman, Andrés Heinz, John McLaughlin, por ‘El cisne negro’ (‘Black Swan’)
• Scott Silver, Paul Tamasy, Eric Johnson, por ‘The Fighter’
• Christopher Nolan, por ‘Origen’ (‘Inception’)
• Lisa Cholodenko, Stuart Blumberg, por ‘Los chicos están bien’ (‘The Kids Are All Right’)

• David Seidler, por ‘El discurso del rey’ (‘The King´s Speech’)

Mejor guion adaptado

• Danny Boyle, Simon Beaufoy, por ’127 horas’ (‘127 Hours’)
• Rasmus Heisterberg, Nikolaj Arcel, por ‘Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’ (‘Män som hatar kvinnor’, 2009)
• Aaron Sorkin, por ‘La red social’ (‘The Social Network’)
• Michael Arndt, por ‘Toy Story 3’

• Joel Coen y Ethan Coen, por ‘Valor de ley’ (‘True Grit’),

Mejor película de habla no inglesa

• ‘Biutiful’
• ‘Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’ (‘Män som hatar kvinnor’)
• ‘Yo soy el amor’ (‘Io Sonno L’amore’)
• ‘De dioses y hombres’ (‘Des hommes et des dieux’)

• ‘El secreto de sus ojos’

Mejor actor principal

• Javier Bardem, por ‘Biutiful’
• Jeff Bridges, por ‘Valor de ley’ (‘True Grit’)
• Jesse Eisenberg, por ‘La red social’ (‘The Social Network’)
• Colin Firth, por ‘El discurso del rey’ (‘The King´s Speech’)

• James Franco, por ’127 horas’ (‘127 Hours’)

Mejor actriz principal

• Annette Bening, por ‘Los chicos están bien’ (‘The Kids Are All Right’)
• Julianne Moore, por ‘Los chicos están bien’ (‘The Kids Are All Right’)
• Natalie Portman, por ‘El cisne negro’ (‘Black Swan’)
• Noomi Rapace, por ‘Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’ (‘Män som hatar kvinnor’)

• Hailee Steinfeld, por ‘Valor de ley’ (‘True Grit’)

Película británica más destacada

• ‘127 Hours’
• ‘Another Year’
• ‘Four Lions’
• ‘El discurso del rey’ (‘The King´s Speech’)

• ‘Made In Dagenham’

El resto de las nominaciones se pueden conocer haciendo clic aquí.

Hoy da comienzo otro año y por ese motivo queremos traeros el trailer de ‘Another Year’, la última película de Mike Leigh, que se dice que podría obtener alguna candidatura a los Oscar, ya que en estos momentos está viviendo su estreno en EE. UU. —la fecha del español aún no está prevista—.

En los festivales por lo que pasó, ‘Another Year’ ya obtuvo aclamaciones. Habíamos comunicado los comentarios que recibió en Cannes, por ejemplo. Tanto Leigh como los actores de esta película poseen ya varias estatuillas de diferentes galardones, pero cuando se le plantean sus posibilidades con la Academia norteamericana, el británico asegura que «lo creeré cuando lo vea».

La película trata de un matrimonio feliz, interpretado por Jim Broadbent y Ruth Sheen, que se ve rodeado, durante las cuatro estaciones de un año cualquiera, de sus amistades, compañeros de trabajo y familia. Todos estos parecen tener algún componente de infelicidad en sus vidas, por ejemplo, una de las amigas, a la que da vida Lesley Manville, es alcohólica.

Mike Leigh es un director que confía en la improvisación y al mismo tiempo en el guion. ¿Que cómo se come eso? Leigh plantea la premisa, desarrolla los personajes y crea un mundo tridimensional. Con todo ello, ya en la localización, se ponen en práctica las situaciones que el autor había previsto y se improvisa sobre ellas. Partiendo de esa improvisación, se transcribe al guion lo que se ha dicho, que luego se revisa y reescribe, para que sea tan preciso como al cineasta le gusta. Y eso se ensaya las veces que sean necesarias.

Vía | Youtube.

Dentro de poco se editará en DVD en nuestro país una joya de Jacques Tourneur —uno de esos directores que merecerían un revisionado completo de su obra para que no caiga en el olvido—, ‘La noche del demonio’ (‘Night of the Demon’, 1957), magnífica muestra del cine de su autor, que mezclaba muy inspiradamente el Film Noir —en el que su director destacó con obras maestras como ‘Retorno al pasado’ (‘Out of the Past’, 1947)— con el género de terror, concretamente en una vertiente poco explotada en aquella época, el satanismo. Dicho film tiene entre otras particularidades, el ser una de las películas más influyentes del género. Y precisamente, una de las obras en las que más se nota su sombra es este ‘Night of the Eagle’, que dirigió en 1962 el poco conocido Sidney Hayers.

Hayers fue un realizador prolífico sobre todo en televisión, en cuyo campo dirigió numerosos episodios de un buen montón de serie conocidas de los años 60, 70, y 80, nada menos. En cine consiguió cierto prestigio por films como el que nos ocupa, que fue distribuido en los USA por la American International Picture —la respuesta americana a la mítica Hammer Films—, y que cuenta en sus créditos de guionistas con Richard Matheson, del que ya hemos hablado con anterioridad. Curiosamente el autor de ‘Soy leyenda’ no suele mencionar este trabajo cuando se le pregunta por su aportaciones al séptimo arte.

Anotemos que la película es un adaptación de la novela ‘Conjure Wife’ de Fritz Leiber Jr., que conoció tres versiones cinematográficas, siendo la que nos ocupa la segunda de ellas, y también la más destacable. La sinopsis nos cuenta cómo un hombre, Norman Taylor (Peter Wyngarde) de ciencia que no cree en cosas como la brujería o los fenómenos paranormales se irá dando cuenta de que tal vez las cosas no son como él pensaba, cuando descubre que está casado con una mujer, Tansy (Janet Blair) que afirma ser una bruja, la cual pone en práctica una serie de conjuros que hacen que la vida del matrimonio sea apacible y provechosa. Norman no puede creer que sus éxitos como profesor sean producto de supersticiones.

De esta forma el personaje central recuerda al interpretado por Dana Andrews en el film de Tourneur, aunque ‘Night of the Eagle’ luego va por otros derroteros, muy cercanos al drama psicológico y el cine de suspense. Uno de sus aciertos es mimar, por así decirlo, con mucho tacto la ambigüedad del relato, en el que hasta llegar al tramo final no sabremos si realmente todo es producto de la brujería, o por el contrario, Tansy está loca y obsesionada con el tema debido a un viaje que hizo a Jamaica. Hayers va introduciendo poco a poco elementos visuales, esclarecedores y muy sutiles que conducirán hacia el clímax del relato, lleno de acción y sorpresas varias. En ese aspecto es encomiable la tensión que se va produciendo en la historia, producto del perfecto ritmo del film. Eran años en los que el cine británico demostraba sus superioridad en el terreno fantástico, género en el que además demostraban una gran capacidad de síntesis, palabra que parece haber desaparecido del diccionario de los actuales directores y guionistas.

Cuando el film presenta todas sus cartas, coincidiendo con la ruptura de creencias por parte de Norman, se producen dos cambios trascendentales en el film. Por un lado, observamos que Norman, siendo un hombre muy inteligente —dicha inteligencia le lleva a descubrir al verdadero culpable de todo—, se siente superado en todo momento por algo que no entiende y en lo que no cree, a pesar de que ya tiene evidencias para hacerlo. Esto curiosamente le lleva a no ser precisamente el héroe de la función, un riesgo que no se tomaban en otras producciones similares. Por otro lado, el film abre todo un catálogo de fantasía al concentrar la furia de la bruja malvada en un águila de piedra que cobrará vida ante los atónitos ojos de Norman, y sobre todo del espectador. Atención a los efectos visuales de ese tramo, absolutamente eficientes y asombrosos por sencillos.

Si algo le achaco al film es su repentino y quizá algo forzado final, en el que se piensa más en el espectador que en la coherencia de la historia. Hubiese sido mucho más interesante que cierto personaje se hubiese salido con la suya, pero los productores saben que el espectador está enamorado desde siempre de los finales felices. Con todo, esto no perjudica considerablemente una cinta llena de apuntes originales, y momentos de gran intensidad, como aquel en el que una foto de Norman cae por accidente en el fuego de una chimenea, provocando una inquietante locura en su esposa, que se altera ante un inminente peligro, mientras el espectador se debate entre la incredulidad y la fe.

Entre el 27 de noviembre y el l 4 de diciembre de 2010 se celebrará en la ciudad malagueña la primera edición del Festival Internacional de Cine de Ronda, que tiene como lema «Cine político para el siglo XXI».

El director británico Ken Loach recibirá la Goyesca de Honor. Como homenaje, se organiza la muestra ‘Loach by Laverty, Ken by Paul’, en la que el guionista Paul Laverty elegirá una serie de títulos de Ken Loach, que ambos comentarán, tras sus proyecciones, en un diálogo abierto al público. Como broche de oro de este homenaje, se presentará en primicia ‘Route Irish’, la última película de Loach, que también ha firmado Laverty.

‘Route Irish’ cuenta la historia de un militar de profesión que no acepta la historia que le han contado sobre la muerte de un amigo en Irak y que, por lo tanto, se dirige hasta allí para averiguar la verdad. El título, «ruta irlandesa», hace alusión al camino que tomaron las tropas estadounidenses en 2002 y 2003 para llegar a Irak a través de Irlanda. Esta ruta provocó que se formase un movimiento antibelicista en el aeropuerto de Shannon en contra de la invasión de Irak, que logró romper la máscara de neutralidad con la que vivía Irlanda.

El film, que cuenta con coproducción española, además de con la de varios otros países, está protagonizado por Najwa Nimri, Mark Womack, Andrea Lowe, John Bishop y Trevor Williams. A continuación se puede ver el tráiler:

Festival Internacional de Ronda, Cine político para el siglo XXI

En la Sección oficial del Festival Internacional de Ronda, se podrá ver una selección de largometrajes de ficción y documentales con dos premios en juego: la Goyesca de Oro dotada con 50.000 euros (10.000 euros para el director y 40.000 euros para el distribuidor en España) y la Goyesca del Público, dotada con 10.000 euros.

‘Ventana abierta’ estará compuesta por una selección de películas documentales sobre temas que afectan de lleno a la vida del ciudadano de nuestro siglo XXI en cualquier parte del mundo. Esta sección está dotada con un Premio CinéCinéma de 15.000 euros.

Dirigido por Piluca Baquero, este festival quiere contar, no sólo con cineastas, crítica y público, sino también con el otro lado de los implicados en las cuestiones que tratan los films, es decir, con los verdaderos políticos y también con un grupo escogido de universitarios que, desde el público, pueda participar en los debates. Miguel Ángel Aguilar, secretario general de la Asociación de Periodistas Europeos, animará el debate político del festival en torno al tema: ‘Quién tira de los hilos…’, que reunirá a figuras internacionales de la política y el cine. El tema de debate tendrá su vertiente cinematográfica en la sección ‘A todo plano’, compuesta por películas que intentan aclarar claves menos evidentes de los acontecimientos políticos y económicos que están conmocionando el mundo.

‘La vida es corta’ es una sección en la que se podrán ver cortometrajes contundentes de corte político o ciudadano. El Premio Egeda-Filmotech de 3.000 euros será elegido por el público mediante votación on-line en el portal Filmotech.com.

Vía | Ronda Film Festival

Chris O’Dowd, el irlandés de ‘Los informáticos’ (‘The IT Crowd’), retoma su papel de nerd en ‘Frequently Asked Questions About Time Travel’ (2009), un telefilm de la BBC y la HBO, de 75 minutos, en el que se homenajean las películas y novelas sobre viajes en el tiempo.

Con un presupuesto muy escaso, Gareth Carrivick dirige el guión de Jamie Mathieson que, cual obra teatral, se desarrolla en un par de escenarios: el parque de atracciones donde Ray —sí, en ‘Los informáticos’ era Roy— consigue que lo despidan por mostrar demasiado entusiasmo al explicar los desplazamientos temporales a los niños y el pub cuyos servicios son un portal a otra época. Anna Faris interpreta a una visitante que trata de arreglar las fisuras del tejido espacio temporal.

‘Frequently Asked Questions About Time Travel’ funciona, más que como producto independiente, como complemento simpático a todos los relatos y films que desarrollan el tema de los viajes en el tiempo. En ella, dos de sus protagonistas son expertos en la materia y, en sus charlas de pub, discuten las diferentes teorías al respecto y los puntos de vista de las películas que los abordan. Presenciar estas conversaciones es como ver una tertulia cómica o escuchar un podcast sobre el tema, lo cual puede resultar gracioso a aficionados de los viajes en el tiempo que también hayan extraído sus propias conclusiones sobre esas teorías y esas películas. Semeja un guiño escrito por un fan y pensado para sus amiguetes.

La presencia de O’Dowd, con sus gestos compungidos y su resignación, es un claro punto a favor para el humor de estas secuencias de diálogo. Marc Wootton y Dean Lennox Kelly acompañan perfectamente al protagonista. La única pega que les pondría a estos tres actores es que están algo talluditos para estos papeles, pero este hecho se puede pasar por alto considerándolo una licencia.

A partir del momento en el que los personajes encuentran el portal, ‘Frequently Asked Questions About Time Travel’ comienza a hacer curiosos juegos que también reproducen muchos de los aspectos vistos ya antes en films sobre viajes —la polémica ‘Primer’, por ejemplo, tiene un claro reflejo en una de las decisiones de los tres protagonistas—. Se atisba incluso un mundo postapocalíptico, que es otro de los interesantes resultados que puede presentar un planteamiento de traslación al futuro. Todos estos desplazamientos, como digo, funcionan muy bien a modo de homenaje, no específico como se haría en algunas parodias, sino temático —es decir, que no reproducen tal cual, escenas de películas concretas, sino que toman de forma más genérica los aspectos recurrentes de cada enfoque—.

Sin embargo, el guionista no quiere adentrarse en dificultades y no se atreve a aventurar una explicación ni sobre el motivo de los viajes ni sobre una serie de cambios que los protagonistas hallan cada vez que se desplazan. Así aumenta la sensación de guiño, ya que parece que nos estuviese diciendo algo así como: vas a reconocer todos los elementos que te gustan de estos films y te vas a reír con nuestra forma de enfocarlos, pero no te voy a ofrecer una propuesta propia porque no es por eso por lo que estamos aquí.

El epílogo es una referencia clara a la preparación de la segunda parte que se hacía en ‘Regreso al futuro’, pero no sé si en este caso también planean una continuación. Si fuese así, ya os anuncio un telefilm sobre los universos paralelos de la teoría de cuerdas, lo que está menos trabajado por el cine, así que puede que les obligue a hacer un guión más autosuficiente.

O’Dowd, a quien vimos recientemente en ‘Radio encubierta’ (‘The Boat That Rocked’), también estrenó el año pasado la serie ‘FM’, en la que vuelve a meterse en la piel de un DJ de una emisora, en este caso actual, con un personaje similar al de ‘The IT Crowd’: un friqui que se pone en ridículo cada vez que intenta ligar. Cuenta con un papel, asimismo, en la recién finalizada ‘Hippie Hippie Shake’, película ambientada en los ’60, y en otros tres proyectos que aún están en creación.

En conclusión, ‘Frequently Asked Questions About Time Travel’, que se emitirá próximamente en España, es una película divertida que funciona como opción perfecta para ver en grupo y comentar después y que se podría considerar casi como visionado obligatorio para los muy aficionados al tema de los viajes en el tiempo.

Trailer de ‘Frequently Asked Questions About Time Travel’ y reseña de Zonafandom.

Mi puntuación:

Este ‘Robin Hood’ es el menos Hood de todos los Robin del cine por dos razones. La primera, la más obvia. En su búsqueda por afrontar este personaje y su historia ha situado el argumento en los tiempos preliminares de Hood. Cuando se le conocía como Robin Longstride, un aguerrido arquero al servicio del rey Ricardo Corazón de León, que tras la muerte de éste regresa a Nottingham donde el destino lo convierte en un pieza esencial para luchar por la libertad y la igualdad de Inglaterra. Scott se afana por descubrirnos el origen del mito, como reza en el cartel: la historia jamás contada.

Hasta aquí vale. La propuesta necesitaba una base argumental para apoyar un proyecto millonario que intentaba desmarcarse de lo visto hasta ahora en torno a Robin Hood. La puesta en escena, su dominio formal en la narración, el espectacular diseño de producción, vestuario, efectos, etc. Todo bien logrado, en un esforzado guión, que no da lugar a una brillantez excesiva, pero cumple con esta premisa de partida.

La segunda razón por la que este Robin es el menos Hood de los conocidos radica más en la debilidad, no sólo del guión por falta de riesgo o por exceso de ambición, de la mano de Scott en la dirección. Corroborando que no ha sabido impregnar del suficiente carisma, entusiasmo, magia y encanto que el personaje posee y que tantas veces se ha explotado. Aquí ha querido salirse del camino más fácil pero se ha adentrado en un terreno que sólo es posible recorrer con mano firme, talento y apoyado en un manejo de la narración mucho menos plegado al mainstream. Incluso se podría haber logrado, pero el director de ‘Gladiator’ ha querido recurrir a una fórmula de éxito, y todo suena a incapacidad de aprovechar ese punto de partida que pretendía ser el punto diferenciador.

Más apariencia que trasfondo

Ridley se ha dejado llevar por una producción exquisita en el diseño, entusiasta en la ambientación, todo muy logrado y nada se le puede tachar. Un envoltorio satisfactorio, pero carente del suficiente gancho. Russell Crowe dibuja su personaje con cierta apatía y eso se aprecia en un personaje que no consigue enamorar, ganarse al público y más cuando tiene referentes fácilmente imitables pero difícilmente superables (Errol Flynn seguirá siendo el Robin Hood por antonomasia). Sin embargo, quizás sea más achacable esta sensación a la realización de Ridley Scott, que no extrae toda la emoción y el carisma del protagonista, así como del resto.

A lo que hay que añadir que se hace un poco mayor a Crowe para el papel, en el que se supone es el origen del arquero que durante varios años después se erigiría en una leyenda para los más necesitados ocultado en el popular bosque y perseguido por el incansable sheriff de Nottingham. Además de que Crowe, precisamente no destila la elegancia, finura y “limpieza” que nos dejó el inolvidable Errol Flynn.

A Scott le ha faltado pulso y vitalidad

Porque a pesar de la extraordinaria presencia de una Cate Blanchett que nunca decepciona y de un plantel de secundarios que podrían arropar al proscrito Robin Hood con suficiente habilidad, todos los personajes se quedan sin terminar de romper su aferrado estereotipo (aunque sobresale por veteranía un impecable Max Von Sydow como Sir Walter Loxley). Personajes planos, secundarios con escasa presencia y un villano (uno de ellos), interpretado por el siempre excelente Mark Strong, propio de un film infantil. A Ridley Scott le ha faltado el pulso, el entusiasmo o quizás la vitalidad para convertir a este Robin Hood en algo más que un pasaje épico con algunas escenas espectaculares pero que no son el resorte suficiente para apoyar un film decepcionante en su conjunto.

Contiene algunas escenas y diálogos que dan buena cuenta de la falta de chispa del guión. Un relato que promete más de lo que realmente da. Quizás si hubiese prescindido de ciertas lecciones políticas y hubiese potenciado más la acción, que al fin y al cabo, es lo que se espera de una figura como Robin, hubiese sido más deseable. También mucho más convencional, de lo que ya resulta esta cinta de Scott.

Con todo, creo que lo más destacable es cuando vemos a Robin despojado de la acción. En las distancias cortas e intentando intuir su corazón: su acercamiento a Sir Walter Loxley y el coqueteo con Lady Marian resultan las escenas más emotivas, por encima, para quien suscribe, de las batallas masivas con planos ralentizados y recreándose en momentos insustanciales.

En Blogdecine | ‘Robin Hood’: los orígenes de un mito