Cine francés

En la mañana de hoy, la Academia del Cine francés ha dado a conocer la lista de nominados a los Premios César 2012. ‘The Artist’ aspira a diez, el mismo número de candidaturas que en los Oscar y en los mismos apartados, con la diferencia de que Bérénice Bejo opta como mejor actriz protagonista y no como secundaria. Sin embargo, esta triunfadora internacional no ha sido la que más nominacines ha obtenido, pues ha sido superada por dos cintas:

‘Polisse’, la película de Maïween, con Riccardo Scamarcio, Maïween, Fréderic Pierrot, Joeystarr, Nicolas Duvauchelle, Karole Rocher, Marina Foïs y Karin Viard ha resultado la indiscutible triunfadora al acumular 13 nominaciones: mejor película, mejor dirección, mejor guion, mejor actriz (Karin Viard y Marina Foïs), mejor actriz secundaria (Karole Rocher), mejor actor secundario (Nicolas Duvauchelle, Joeystarr y Frédéric Pierrot) y actriz revelación (Naidra Ayadi), mejor fotografía, mejor montaje y mejor sonido. ‘Polisse’, que Juan Luis pudo ver en Cannes, habla de la rutina diaria para los policías de la Unidad de Protección Juvenil del Departamento de Policía: arrestar pederastas, perseguir carteristas menores de edad y discutir problemas de pareja a la hora de comer; interrogar a padres maltratadores, recoger declaraciones de los chicos, hacer frente a los excesos de la sexualidad adolescente, disfrutar la solidaridad con los colegas y reír incontroladamente en los momentos más insospechados. Sabiendo que lo peor existe y viviendo con ello, ¿cómo mantienen el equilibrio entre sus vidas privadas y la realidad que afrontan cada día de trabajo?

‘L’exercice de l’état’, de Pierre Schöller, logra 11 nominaciones, incluyendo película, director y actor protagonista. Michel Blanc y Olivier Gourmet protagonizan este film que plantea una brutal mirada sobre el sistema democrático, sobre la débil implicancia de lo humano en las decisiones políticas. Se comenta que se trata de un impactante largometraje con certeros diálogos e impecable realización, en el que la psicología de los personajes envuelve al espectador en ese laberinto tenebroso de la conciencia humana y, más aún, en los laberintos que el hombre se construye para su propia supervivencia.

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Uno de los pocos disgustos que me dio el Pueblo cuando se estrenó ‘Origen’ (Inception, 2010) fue que nadie se pusiera a hablar de esta ‘Alphaville’ (1965) de Jean-Luc Godard que inauguraba una vía enloquecida para la ciencia-ficción que nunca se continuó: una ciencia ficción imposible, es decir, una ciencia-ficción de Godard, de ensayo y diálogos cargados de poesía, de ponerse a parlotear sobre cuestiones de gran importancia sin que mediara siempre la excusa narrativa o sus mecanismos, sin que forzara el argumento.

La película no ha dejado de ser hermosa, imperfecta, extraña. Vista hoy es casi una osadía bizarra ¿cómo se atreve el francés a poner sobre la mesa una película que desnuda la puesta en escena, al parecer requisito obligado para hacer una ciencia ficción distópica, y obliga a ese Eddie Constantine, viejo lobo de la serie B, a plantearse cuestiones sobre la poesía y la conciencia? Y encima Godard rescataba al personaje, a Lemmy Caution, como si se pudiera coger un detective y hacerlo habitar un terreno imposible. Pero es que lo contaba mejor Dave Kehr: todo nos es familiar, pero nada resulta reconocible. ¿Quién ha tomado esos saltos estéticos para plantearse un futuro, ahora bañado todavía en el loop del imaginario propuesto por Ridley Scott? Pienso en la audacia de un Cuarón, pero pocos ejemplos más vienen a mi cabeza.

Godard es un poco más abstracto que esas historias preciosas que imaginan la tensión de un androide con su lágrima y lo que hace es imaginar la incomprensión de una mujer ante la conciencia y el amor. La línea final es valiente, suicida: una hermosa declaración de amor que desmiente a los que pensaron en él como un cineasta frío e impasible por tener sentimientos y no sentimentalismo, que nunca vinieron a ser lo mismo.

Pierrot Le Fou (1965) de Godard (me resisto a llamarla Pierrot el Loco, ya sea por el nombre, ya sea por capricho) es todavía la película más libre de su etapa con Anna Karina. No es la más hermosa, de esa ya hemos hablado, pero sí la más libre. Era el cierre de una época, Godard lo sabía, y parecía llegar a uno de los límites con su estilo.

La conversación que mantiene Jean-Paul Belmondo es con Samuel Fuller, para Godard el gran resistente secreto del cine americano, también para cualquier espectador más o menos sensible, más o menos educado. Nada es casual con Godard. Ni la elección de Fuller ni la de Belmondo, el protagonista de su primera película.

Godard es un ensayista.

El espectador también. Por eso Fuller dice que una película es un campo de batalla.

‘Vivir su vida’ (Vivre sa vie, 1962) conserva todavía la energía de las mejores obras de Jean-Luc Godard aunque su validez sea con frecuencia debatida. La validez, me refiero, de si es o no es de las mejores películas de Godard, no de que se trata de una película interesante, con una interpretación íntima y logradísima de Anna Karina (además de hipnótica) como la prostituta Nana. Dave Kehr, por ejemplo, escribió que la película no es “el trabajo más estimulante del Godard inicial, pero lo muestra empezando a alejarse de los patrones de montaje tradicionales y de la concepción de secuencias”. Para empezar, el film tiene doce viñetas, sin buscar una estructura más o menos convencional de tres actos.

Como todas las películas de Godard, hay mucho de ensayo. Y me parece hermoso que en este diálogo, Godard deje volar las palabras. Para ello usa una presencia cómplice de su escena intelectual, el filósofo Brice Parain. La conversación es también una muestra de la cultura vasta de Godard: Platón, el interés por las palabras, una obvia connotación poética. Pero todo fluye con harmonía en el diálogo, las conversaciones resultan frescas, naturales, pero llenas de una poesía maravillosa. Las mejores películas de Godard, en especial del Godard inicial, tienen una vitalidad insólita, admirable, que explica, al menos sociológicamente, la etiqueta arte y ensayo.: de repente, el arte importa, puede hablar de cualquier cosa, incluso de esos temas que parecían reservados. Claro que existían ya Vertov, Chaplin, Dreyer o Buñuel, por citar unos cuantos, pero el efecto de Godard cambió a una generación.

A nivel fílmico, Godard se muestra estratégico: cuando el diálogo se vuelve más hermoso, cuando llega a su clímax aforístico, permite a la voz hablar a un ritmo distinto de la secuencia. Es un efecto todavía sutil. Nick Pinkerton admiró la película y escribió que la composición era “cuidadosamente indiscriminada”, algo que me parece muy adecuado. Susan Sontag describió la película como uno de las obras de arte más originales, hermosas y profundas que conocía. Viendo solamente estos diez minutos, me basta para afirmar lo mismo. Y viéndola de nuevo, no puedo ser más contundente.

El cine francés arrastra, desde los movimientos a los que dio origen en los años ’60 y ’70, la fama de una cinematografía comprometida, de arte y ensayo y, para el público muy generalizado, aburrida o difícil. Sin embargo, aunque siguen haciendo alguna película de autor con calado social, lo que nos llega en esta época del país vecino son en su mayoría comedias de aire optimista y casi complaciente o cintas de propósito comercial claro que apelan, sin ningún disimulo, a la emoción del espectador antes que a su sesera. En Francia ya se han dado cuenta de ello y sus estrenos son absolutos éxitos de taquilla, por encima en ocasiones de lo que les llega del otro lado del charco. En el resto de Europa o quizá solo aquí en España, aún parece que no nos desprendemos de esa imagen del cine francés como algo que causa rechazo previo. La fama de cine sesudo puede perjudicar quizá al triunfo económico de sus cintas fuera de sus fronteras, pero también beneficia a su cinematografía al darle a todo lo que producen un barniz de cine bien hecho que no le presupondríamos a películas españolas o de otros países europeos de similar tono cómico.

Estas presuposiciones pueden ser acertadas, ya que los franceses han sabido encontrar una serie no muy numerosas de fórmulas, que siguen al pie de la letra una y otra vez y que siempre parecen funcionar. En estas propuestas se aprecia una profesionalidad, se ve que las películas se han producido bien y de manera seria, y que todo lo escogido tiene razones de estar ahí. Pero al mismo tiempo se ve también la mano personal de los autores que aportan cierta magia que hace que sus obras no parezcan productos prefabricados destinados al estreno televisivo. Para llevarlas a cabo siempre cuentan con estupendos profesionales, ya sean actores a los que se sabe lo que se les puede pedir –Gérard Jugnot sería el claro exponente de ese papel dentro del film del que trato–, ya sean técnicos y artistas.

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‘El discurso del Rey’ se encuentra con ‘Paseando a Miss Daisy’ en ‘Intocable’

(The Hollywood Reporter)

Tras su paso por los festivales de San Sebastián y Tokio (donde se llevó el premio a la mejor película y el mejor actor), la comedia dramática ‘Intocable’ (‘Untouchables’) se estrenó el pasado 2 de noviembre en Francia convirtiéndose en uno de los mayores éxitos del año en el país vecino. Es la producción francesa más vista en 2011 (más de 2 millones de espectadores en una semana) y el tercer estreno más taquillero después de las superproducciones ‘Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte 2’ y ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’; en una semana recaudó 13 millones de euros, una salvajada. Y además no pinta nada mal. Un poco edulcorada, sí, pero hay días en los que se agradece un enfoque más amable de la vida. Os dejo el tráiler por si os tenéis curiosidad, lamentablemente no ha sido editado aún en español y solo lo he podido encontrar con subtítulos en inglés. Pese a todo, aunque no entendáis nada de francés o inglés, creo que podéis ver el avance y tener una idea muy aproximada de qué cabe esperar del film, casi todas las escenas se explican sin necesidad de diálogos.

Eric Toledano y Olivier Nakache han escrito y dirigido ‘Intocable’, que está protagonizada por François Cluzet (‘No se lo digas a nadie’, ‘Pequeñas mentiras sin importancia’) y Omar Sy (‘El embolao’, ‘Micmacs’), a quienes acompañan Anne Le Ny, Audrey Fleurot, Clotilde Mollet, Grégoire Oestermann y Christian Ameri, entre otros. La historia gira en torno a la sorprendente amistad que surge entre dos personas que no tienen nada en común: un millonario que se ha quedado tetrapléjico tras un accidente y el hombre al que contrata para que lo cuide, un inmigrante proveniente de los suburbios de París que acaba de salir de la cárcel. A Contracorriente Films se encarga de la distribución de la película en España; no llegará a nuestros cines hasta el 9 de marzo. Tarde.

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Esta tarde se estrena ‘Tímidos anónimos’ (‘Les émotifs anonymes’, 2010), de Jean-Pierre Améris. Benoît Poelvoorde e Isabelle Carré interpretan a dos personas extremadamente tímidas que, por causa de su incapacidad para los intercambios sociales, no han tenido relaciones amorosas serias o duraderas y se encuentran muy solas, a pesar de sus avanzadas edades. El destino ha tenido a bien juntarlos, así que, cuando ella pierde el trabajo y solicita un nuevo empleo como chocolatera en la fábrica de él, la conexión es inmediata. Completan el reparto Lorella Cravotta, Lise Lamétrie, Swann Arlaud, Pierre Niney, Stéphan Wojtowicz y Jacques Boudet.

Rodada en París y Lyon, esta coproducción franco-belga se ajusta a la imagen que tenemos del cine francés, principalmente acuñado por Jean-Pierre Jeunet. Esto se aprecia en su banda sonora, en los colores vivos y contrastados, en las localizaciones y en el comportamiento inocente y encantador, casi infantil, de sus protagonistas, que encandiló a medio mundo en la película ‘Amèlie’.

En una época en la que los intentos de sacar del hastío a la comedia romántica resultan en películas frías y vacías, aprecio encontrarme con una canónica propuesta del género. Aquí, los personajes no tienen dudas sobre sus sentimientos o sobre su opinión acerca del asunto amoroso. Sin embargo, se enfrentan a un conflicto que impide que estén juntos, un conflicto que viene del interior de ellos mismos, de sus personalidades, sus miedos y sus defectos. Aunque entiendo la postura de muchos espectadores, que preferirán lo primero, por mi parte, si no hay más remedio que elegir, declino dejarme engatusar por fórmulas originales –que, al final, no suelen serlo tanto–, si a cambio me llevo unas risas y algo de sentimiento. Es decir: que me quedo con lo de siempre, bien hecho, antes que con un experimento fallido por dar con algo nuevo –no critico que se ensaye, sé que es fundamental, pero preferiría esperar a que se acierte, que ir viendo los resultados de tanta prueba y error–.

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Se estrenó el pasado jueves, gracias al esfuerzo de una distribuidora naciente, la película francesa ‘Stella’ (íd., 2008), protagonizado por Léora Barbara, Karole Rocher, Guillaume Depardieu –quien aún rodó tres películas más, tras esta, antes de dejarnos– y el cantante Benjamin Biolay y escrita y dirigida por Sylvie Verheyde. En esta cinta semiautobiográfica, la hija de los dueños de un bar –más preocupados por sus fiestas y problemas que por la educación de la niña– llega a un nuevo colegio en el que luchará por hacer amigas, pasar de curso y ser medianamente feliz, a pesar de tenerlo casi todo en contra.

Verheyde hace un retrato certero y comprometido, pero frío y desdramatizado. Un acercamiento calmado, mucho más personalizado de lo que estaría un documental, nos sitúa junto a esta preadolescente, para tratar de dejarnos ver cuáles son sus sentimientos y sensaciones según pasa por los momentos más cruciales de su etapa de crecimiento. Recursos clásicos como la voz en off y los primeros planos detenidos en el tiempo de miradas de la actriz dejan demasiado clara la intención de crear una cercanía y pueden, quizá, ser contraproducentes para esa función.

Léora Barbara se introduce en la piel de Stella y, parafraseando el título de Almodóvar, la habita. Porque la actriz es auténticamente esa niña, que vive una época en la que aún no había nacido, y nos hace ver los contrastes entre la excesiva madurez que le ha aportado el ambiente libertino en el que está creciendo y los miedos y necesidades infantiles. Grandes secundarios, como la amiga de origen argentino, la que la espera en el pueblo, o los padres y quienes los rodean, completan un elenco dirigido con mano certera y en el que cada uno de los actores ha absorbido su papel como si se transformase.

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Claude Lanzmann no es la clase de cineasta al que se mencione con frecuencia, más allá de los circuitos de festivales y de los interesados en el cine documental y en el cine de arte y ensayo. Uno no se sorprende: en estos tiempos, uno de los principios que rigen a productores, distribuidores y espectadores es rendir culto y respeto a las fuerzas del comercio. ¡Qué pinta un francés con un intachable historial (moral, político, intelectual) en estas lides! Pues casi nada. Le lièvre de Patagonie ha sido publicada ahora en castellano, por Seix Barral, y es una gran noticia para descubrir tanto el libro como la obra de un cineasta demasiado olvidado y demasiado importante para nuestra historia reciente. Nadie como él ha tratado el Holocausto y suya es la obra definitiva.

El libro es un relato lleno de drama y huidas. Lanzmann luchó en la resistencia francesa y también tuvo que huir del comunismo. Lanzmann, además, estuvo en Los tiempos modernos, esa revista francesa e insolente que fundaron Jean-Paul Sartre y Simone de Beauvoir. La misma Beauvoir le dedicaría una de sus novelas tardías y Lanzmann pasaría con prontitud a dirigir la revista. Pero también se nos cuenta el nacimiento de un cineasta, de una mirada demasiado importante e insobornable como para ser ignorada todavía.

Su primer documental fue ‘Pourqoi Israel’ (id, 1974) una cinta en la que adelantaba mucho de sus temas y que fue polémica por su tratamiento, aparentemente sionista, del país recién fundado. Pero las acusaciones me parecen forzadas o al menos un poco descontextualizadas: la historia de Lanzmann es la de los residentes de un país apenas reciente, es la historia de los emigrados, no es tanto la glorificación de la tierra, como la prueba de que sus habitanes son fruto de una diáspora más bien trágica.

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