El director Abel Ferrara, conocido, entre otros títulos, por ‘Teniente corrupto’ (1992), ha confirmado al diario Le Monde que Gérard Depardieu tendrá el papel protagonista en su película inspirada en el escándalo sexual que acabó con la carrera política de Dominique Strauss-Kahn. El cineasta neoyorquino añadió que Isabelle Adjani interpretará a Anne Sinclair, la esposa de Strauss-Kahn, antigua presentadora de televisión y heredera de una fortuna, que lo apoyó durante todo el proceso.

Adjani y Depardieu ya han compartido cartel en ocasiones anteriores y se declaran amigos e incluso cómplices. Se conocieron en 1976 durante el rodaje de ‘Barroco’ (‘Barocco’). Han participado juntos en ‘La pasión de Camille Claudel’ (1988), ‘Les cent et une nuits: las cien y una noches’ (1995), ‘Bon voyage’ (2003) y su última colaboración se pudo ver en ‘Mammuth’ (2010), peculiar propuesta, donde la actriz interpretaba al fantasma de la desaparecida esposa del protagonista.

El productor Vincent Maraval, director de la productora Wild Bunch, no había confirmado hasta ahora los rumores acerca de la película sobre Strauss-Kahn. Pero Ferrara, que en estos momentos se encuentra en París por la promoción de su próximo film ‘Go-Go Tales’, ha declarado que él puede hablar libremente del proyecto porque es el director. En sus declaraciones ha detallado que el rodaje tendrá lugar, a partir de junio, en Nueva York, Washington y, obviamente, en Francia y que tratará sobre gente poderosa y adinerada.

El director gerente del Fondo Monetario Internacional desde el 1 de noviembre del 2007 hasta el 19 de mayo del 2011 y candidato socialdemócrata a la presidencia francesa, Dominique Strauss-Kahn, fue acusado de violar y golpear a una camarera del hotel donde se hospedaba, lo que le obligó a renunciar a su cargo. La manera espectacular en la que se produjo la detención, así como las teorías que circularon sobre los verdaderos motivos de quitarlo de en medio podrían, efectivamente, dar pie a un interesante film político. Veremos qué enfoque le aporta Ferrara.

Vía | The Hollywood Reporter.

En la mañana de hoy, la Academia del Cine francés ha dado a conocer la lista de nominados a los Premios César 2012. ‘The Artist’ aspira a diez, el mismo número de candidaturas que en los Oscar y en los mismos apartados, con la diferencia de que Bérénice Bejo opta como mejor actriz protagonista y no como secundaria. Sin embargo, esta triunfadora internacional no ha sido la que más nominacines ha obtenido, pues ha sido superada por dos cintas:

‘Polisse’, la película de Maïween, con Riccardo Scamarcio, Maïween, Fréderic Pierrot, Joeystarr, Nicolas Duvauchelle, Karole Rocher, Marina Foïs y Karin Viard ha resultado la indiscutible triunfadora al acumular 13 nominaciones: mejor película, mejor dirección, mejor guion, mejor actriz (Karin Viard y Marina Foïs), mejor actriz secundaria (Karole Rocher), mejor actor secundario (Nicolas Duvauchelle, Joeystarr y Frédéric Pierrot) y actriz revelación (Naidra Ayadi), mejor fotografía, mejor montaje y mejor sonido. ‘Polisse’, que Juan Luis pudo ver en Cannes, habla de la rutina diaria para los policías de la Unidad de Protección Juvenil del Departamento de Policía: arrestar pederastas, perseguir carteristas menores de edad y discutir problemas de pareja a la hora de comer; interrogar a padres maltratadores, recoger declaraciones de los chicos, hacer frente a los excesos de la sexualidad adolescente, disfrutar la solidaridad con los colegas y reír incontroladamente en los momentos más insospechados. Sabiendo que lo peor existe y viviendo con ello, ¿cómo mantienen el equilibrio entre sus vidas privadas y la realidad que afrontan cada día de trabajo?

‘L’exercice de l’état’, de Pierre Schöller, logra 11 nominaciones, incluyendo película, director y actor protagonista. Michel Blanc y Olivier Gourmet protagonizan este film que plantea una brutal mirada sobre el sistema democrático, sobre la débil implicancia de lo humano en las decisiones políticas. Se comenta que se trata de un impactante largometraje con certeros diálogos e impecable realización, en el que la psicología de los personajes envuelve al espectador en ese laberinto tenebroso de la conciencia humana y, más aún, en los laberintos que el hombre se construye para su propia supervivencia.

‘Intocable’, dirigida por Olivier Nakache y Eric Toledano, y protagonizada por François Cluzet (‘Pequeñas mentiras sin importancia’, ‘No se lo digas a nadie’) y Omar Sy (’Micmacs‘), está nominada en nueve categorías: Mejor Película, Mejor Director (Eric Toledano y Olivier Nakache), Mejor Actor (François Cluzet), Mejor Actor (Omar Sy), Mejor Guion, Mejor Fotografía, Mejor Montaje, Mejor Actriz Secundaria (Anne Le Ny) y Mejor Sonido. Esta comedia, basada en hechos reales, trata sobre dos hombres que nunca deberían haberse encontrado: un aristócrata herido en un accidente y un joven de los suburbios de París quien se convierte en su asistente y le devuelve las ganas de vivir.

Les siguen ‘L’apollonide (souvenirs de la maison close)’ con 8 candidaturas, pero sin presencia en las categorías principales; ‘Declaración de guerra’, con seis, y ‘Le Havre’, de Aki Kaurismäki con tres. ‘De Nicolas a Sarkozy’ obtiene dos: al mejor actor por Denis Podalydès y mejor actor secundario por Bernard Le Coq y ‘La delicadeza’ una nominación al mejor guión adaptado, donde compite con ‘Un dios salvaje’, de Roman Polanski.

Los franceses no se han olvidado de España. Carmen Maura ha sido nominada en la categoría de mejor intérprete de reparto por ‘Les femmes du 6ème étage’. ‘La piel que habito’, de Pedro Almodóvar, está preseleccionada en la categoría de mejor película extranjera.

Vía | Cinema Series

La película no ha dejado de ser hermosa, imperfecta, extraña. Vista hoy es casi una osadía bizarra ¿cómo se atreve el francés a poner sobre la mesa una película que desnuda la puesta en escena, al parecer requisito obligado para hacer una ciencia ficción distópica, y obliga a ese Eddie Constantine, viejo lobo de la serie B, a plantearse cuestiones sobre la poesía y la conciencia? Y encima Godard rescataba al personaje, a Lemmy Caution, como si se pudiera coger un detective y hacerlo habitar un terreno imposible. Pero es que lo contaba mejor Dave Kehr: todo nos es familiar, pero nada resulta reconocible. ¿Quién ha tomado esos saltos estéticos para plantearse un futuro, ahora bañado todavía en el loop del imaginario propuesto por Ridley Scott? Pienso en la audacia de un Cuarón, pero pocos ejemplos más vienen a mi cabeza.

Godard es un poco más abstracto que esas historias preciosas que imaginan la tensión de un androide con su lágrima y lo que hace es imaginar la incomprensión de una mujer ante la conciencia y el amor. La línea final es valiente, suicida: una hermosa declaración de amor que desmiente a los que pensaron en él como un cineasta frío e impasible por tener sentimientos y no sentimentalismo, que nunca vinieron a ser lo mismo.

Pierrot Le Fou (1965) de Godard (me resisto a llamarla Pierrot el Loco, ya sea por el nombre, ya sea por capricho) es todavía la película más libre de su etapa con Anna Karina. No es la más hermosa, de esa ya hemos hablado, pero sí la más libre. Era el cierre de una época, Godard lo sabía, y parecía llegar a uno de los límites con su estilo.

La conversación que mantiene Jean-Paul Belmondo es con Samuel Fuller, para Godard el gran resistente secreto del cine americano, también para cualquier espectador más o menos sensible, más o menos educado. Nada es casual con Godard. Ni la elección de Fuller ni la de Belmondo, el protagonista de su primera película.

Godard es un ensayista.

El espectador también. Por eso Fuller dice que una película es un campo de batalla.

Como todas las películas de Godard, hay mucho de ensayo. Y me parece hermoso que en este diálogo, Godard deje volar las palabras. Para ello usa una presencia cómplice de su escena intelectual, el filósofo Brice Parain. La conversación es también una muestra de la cultura vasta de Godard: Platón, el interés por las palabras, una obvia connotación poética. Pero todo fluye con harmonía en el diálogo, las conversaciones resultan frescas, naturales, pero llenas de una poesía maravillosa. Las mejores películas de Godard, en especial del Godard inicial, tienen una vitalidad insólita, admirable, que explica, al menos sociológicamente, la etiqueta arte y ensayo.: de repente, el arte importa, puede hablar de cualquier cosa, incluso de esos temas que parecían reservados. Claro que existían ya Vertov, Chaplin, Dreyer o Buñuel, por citar unos cuantos, pero el efecto de Godard cambió a una generación.

A nivel fílmico, Godard se muestra estratégico: cuando el diálogo se vuelve más hermoso, cuando llega a su clímax aforístico, permite a la voz hablar a un ritmo distinto de la secuencia. Es un efecto todavía sutil. Nick Pinkerton admiró la película y escribió que la composición era “cuidadosamente indiscriminada”, algo que me parece muy adecuado. Susan Sontag describió la película como uno de las obras de arte más originales, hermosas y profundas que conocía. Viendo solamente estos diez minutos, me basta para afirmar lo mismo. Y viéndola de nuevo, no puedo ser más contundente.

El cine francés arrastra, desde los movimientos a los que dio origen en los años ’60 y ’70, la fama de una cinematografía comprometida, de arte y ensayo y, para el público muy generalizado, aburrida o difícil. Sin embargo, aunque siguen haciendo alguna película de autor con calado social, lo que nos llega en esta época del país vecino son en su mayoría comedias de aire optimista y casi complaciente o cintas de propósito comercial claro que apelan, sin ningún disimulo, a la emoción del espectador antes que a su sesera. En Francia ya se han dado cuenta de ello y sus estrenos son absolutos éxitos de taquilla, por encima en ocasiones de lo que les llega del otro lado del charco. En el resto de Europa o quizá solo aquí en España, aún parece que no nos desprendemos de esa imagen del cine francés como algo que causa rechazo previo. La fama de cine sesudo puede perjudicar quizá al triunfo económico de sus cintas fuera de sus fronteras, pero también beneficia a su cinematografía al darle a todo lo que producen un barniz de cine bien hecho que no le presupondríamos a películas españolas o de otros países europeos de similar tono cómico.

Estas presuposiciones pueden ser acertadas, ya que los franceses han sabido encontrar una serie no muy numerosas de fórmulas, que siguen al pie de la letra una y otra vez y que siempre parecen funcionar. En estas propuestas se aprecia una profesionalidad, se ve que las películas se han producido bien y de manera seria, y que todo lo escogido tiene razones de estar ahí. Pero al mismo tiempo se ve también la mano personal de los autores que aportan cierta magia que hace que sus obras no parezcan productos prefabricados destinados al estreno televisivo. Para llevarlas a cabo siempre cuentan con estupendos profesionales, ya sean actores a los que se sabe lo que se les puede pedir –Gérard Jugnot sería el claro exponente de ese papel dentro del film del que trato–, ya sean técnicos y artistas.

Entre estas fórmulas de comedia amable, encontramos la del encuentro de amigos o conocidos de edad madura en la que predominan los diálogos y el humor agudo que saca a la luz cuestiones sociales y psicológicas. Algunas de estas propuestas, siempre corales y siempre pobladas de actores de renombre, están basadas en obras de teatro y otras pueden tener la misma apariencia teatral sin provenir de ahí. Encontramos, por otro lado, la clásica comedia romántica en la que se exacerban los sentimientos tratando de evitar caer en la ñoñería. Están las películas de seres extraños o monstruitos de feria que despiertan la total comprensión e identificación del espectador…

‘La guerra de los botones’

Y –no para concluir porque seguro que hay más, pero como fin de esta improvisada lista que no pretende ser exhaustiva– las de niños algo gamberretes, pero de buen corazón, donde entraría la que nos ocupa: ‘La guerra de los botones’. Con títulos como ‘Los niños del coro’ o ‘M. Batignole’ se ha demostrado el tirón de estas propuestas y por ello, Christophe Barratier, que ya tiene experiencia en seguir estas fórmulas con ‘Los chicos del coro’ (2004) y ‘París, París’ (2008), no ha dejado pasar la oportunidad de retomar un clásico para encandilar con igual efectividad a sus espectadores. El título original es ‘La nouvelle guerre des boutons’ (2011) no solo para reconocer que se trata de un remake de la película de 1962 –los créditos confiesan que no es una nueva adaptación de la novela de Louis Pergaud, sino que parte del guion de la de Yves Robert–, sino también para distinguirse de otra ‘La guerre des boutons’ (2011), de Yann Samuell, que también se ha producido y estrenado este año en Francia. Existe, asimismo, una coproducción con Reino Unido de 1994 titulada ‘War of the Buttons’.

‘La guerra de los botones’ transcurre durante la II Guerra Mundial en la Francia ocupada por los alemanes y tiene como protagonistas a dos pandillas de chavalines. No han sido pocas las veces en las que las consabidas películas españolas sobre la Guerra Civil o su posguerra han tomado el punto de vista de niños para narrarnos sus horrores. Con la diferencia de que aquí el tono casi siempre ha sido dramático con una gran carga de intensidad para demostrar, no solo cuán tremenda fue la situación, sino también el mensaje ideológico de quienes realizan la cinta. Nos quejamos habitualmente de que siempre se tocan estos temas, pero quizá sería más sabio reivindicar, en lugar de un cambio de ese escenario histórico, un cambio en el tono. Esta película francesa nos demuestra que tratar una coyuntura semejante con un tono ligero y entrañable no supone una atenuación de la capacidad comunicativa de la película. Por ende, no me importaría ver de nuevo una película sobre niños en los años treinta y cuarenta españoles si la pudiese ver con estos sentimientos que la cinta que nos ocupa ha hecho que broten en mí.

De todas las virtudes de ‘La guerra de los botones’, que he mencionado antes, aunque no hablase de ella en particular, sino de propuestas similares en general –la profesionalidad, los actores perfectos para cada papel, el toque diferenciador…– lo que más admiración me causa supongo que viene de la novela, que no he leído. Me refiero a que se entra en la ficción con cuestiones meramente infantiles y ligeras haciendo creer que se va a ver una obra dirigida a niños y niñas con la que estos podrán pasar un buen rato identificándose con esos catárticos juegos al aire libre que hoy en día cada vez son más difíciles de llevar a cabo. Y más adelante, sin que la narración sufra ningún cambio de tono y sin que parezca que la estructura se resiente al haber introducido los hechos importantes con el metraje avanzado, la película va adentrándose en cuestiones más adultas y graves y termina por convertirse en una traslación del conflicto bélico a un juego de niños. Así, cuando se empiezan a ver las verdaderas fealdades de la guerra y el racismo imperante entonces, ya se está dentro de la película arrastrado por entrañables personajes adultos y menores.

Habría que destacar la interpretación del niño más pequeño Clément Godefroy, que con su descaro e inocencia, pone el alivio cómico en cualquier momento, por peliagudo que sea. Jean Texier, como el adolescente líder de la banda protagonista, tiene un papel complejo que encarna sin dificultad. Ilona Bachelier, como la chica nueva que lo desencadenará todo, resulta igual de convincente, como lo está el resto de los actores infantiles de la película. En el bando adulto, Laetitia Casta y Guillaume Canet logran comenzar con una apariencia inocente para demostrar, en ambos casos, que sus personajes escondían mucho más de lo que se podría sospechar, encajando así con lo que comentaba como mayor virtud de la película en general. Kad Merad y Gérard Jugnot completarían el reparto con propuestas más cómicas, pero igualmente logradas y con la misma capacidad de virar hacia lo importante cuando es necesario.

Conclusión

‘La guerra de los botones’ es lo que aparenta que podría ser: una película confeccionada a la perfección según cierta fórmula de la que no se despega, por lo que no podrá satisfacer a quienes busquen en el cine solo originalidad o sorpresa. Pero, al mismo tiempo, una cinta muy efectiva en todos sus propósitos, entrañable y con actores que transmiten mucho y resultan cercanos. Supone un buen rato garantizado, aunque quizá algo inocuo, pero no por ello insubstancial.

Mi puntuación:

‘El discurso del Rey’ se encuentra con ‘Paseando a Miss Daisy’ en ‘Intocable’

(The Hollywood Reporter)

Tras su paso por los festivales de San Sebastián y Tokio (donde se llevó el premio a la mejor película y el mejor actor), la comedia dramática ‘Intocable’ (‘Untouchables’) se estrenó el pasado 2 de noviembre en Francia convirtiéndose en uno de los mayores éxitos del año en el país vecino. Es la producción francesa más vista en 2011 (más de 2 millones de espectadores en una semana) y el tercer estreno más taquillero después de las superproducciones ‘Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte 2’ y ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’; en una semana recaudó 13 millones de euros, una salvajada. Y además no pinta nada mal. Un poco edulcorada, sí, pero hay días en los que se agradece un enfoque más amable de la vida. Os dejo el tráiler por si os tenéis curiosidad, lamentablemente no ha sido editado aún en español y solo lo he podido encontrar con subtítulos en inglés. Pese a todo, aunque no entendáis nada de francés o inglés, creo que podéis ver el avance y tener una idea muy aproximada de qué cabe esperar del film, casi todas las escenas se explican sin necesidad de diálogos.

Eric Toledano y Olivier Nakache han escrito y dirigido ‘Intocable’, que está protagonizada por François Cluzet (‘No se lo digas a nadie’, ‘Pequeñas mentiras sin importancia’) y Omar Sy (‘El embolao’, ‘Micmacs’), a quienes acompañan Anne Le Ny, Audrey Fleurot, Clotilde Mollet, Grégoire Oestermann y Christian Ameri, entre otros. La historia gira en torno a la sorprendente amistad que surge entre dos personas que no tienen nada en común: un millonario que se ha quedado tetrapléjico tras un accidente y el hombre al que contrata para que lo cuide, un inmigrante proveniente de los suburbios de París que acaba de salir de la cárcel. A Contracorriente Films se encarga de la distribución de la película en España; no llegará a nuestros cines hasta el 9 de marzo. Tarde.

PD: The Weinstein Company tiene los derechos para distribuir la película en Estados Unidos y hacer el remake. ¿Qué os parecen Dustin Hoffman y Djimon Hounsou?

Vía | Impawards

Esta tarde se estrena ‘Tímidos anónimos’ (‘Les émotifs anonymes’, 2010), de Jean-Pierre Améris. Benoît Poelvoorde e Isabelle Carré interpretan a dos personas extremadamente tímidas que, por causa de su incapacidad para los intercambios sociales, no han tenido relaciones amorosas serias o duraderas y se encuentran muy solas, a pesar de sus avanzadas edades. El destino ha tenido a bien juntarlos, así que, cuando ella pierde el trabajo y solicita un nuevo empleo como chocolatera en la fábrica de él, la conexión es inmediata. Completan el reparto Lorella Cravotta, Lise Lamétrie, Swann Arlaud, Pierre Niney, Stéphan Wojtowicz y Jacques Boudet.

Rodada en París y Lyon, esta coproducción franco-belga se ajusta a la imagen que tenemos del cine francés, principalmente acuñado por Jean-Pierre Jeunet. Esto se aprecia en su banda sonora, en los colores vivos y contrastados, en las localizaciones y en el comportamiento inocente y encantador, casi infantil, de sus protagonistas, que encandiló a medio mundo en la película ‘Amèlie’.

En una época en la que los intentos de sacar del hastío a la comedia romántica resultan en películas frías y vacías, aprecio encontrarme con una canónica propuesta del género. Aquí, los personajes no tienen dudas sobre sus sentimientos o sobre su opinión acerca del asunto amoroso. Sin embargo, se enfrentan a un conflicto que impide que estén juntos, un conflicto que viene del interior de ellos mismos, de sus personalidades, sus miedos y sus defectos. Aunque entiendo la postura de muchos espectadores, que preferirán lo primero, por mi parte, si no hay más remedio que elegir, declino dejarme engatusar por fórmulas originales –que, al final, no suelen serlo tanto–, si a cambio me llevo unas risas y algo de sentimiento. Es decir: que me quedo con lo de siempre, bien hecho, antes que con un experimento fallido por dar con algo nuevo –no critico que se ensaye, sé que es fundamental, pero preferiría esperar a que se acierte, que ir viendo los resultados de tanta prueba y error–.

Vergüenza ajena

Ambos personajes están retratados con mucho acierto y se consigue de ellos que den mucho juego en todas las situaciones. Las soberbias interpretaciones hacen que se comprenda sin problema su particular tesitura, a pesar de que se plantea en un grado bastante extremo, que pocos espectadores compartirán, pero que hará recordar a muchos, en su particular medida, instantes vividos de azoramiento semejante y consecuencias aún más catastróficas. Entre Angélique y Jean-René se aprecia la química necesaria para percibir sus sentimientos y anhelar la feliz consecución de su idilio. Un protagonista con un físico tan alejado del ideal de galán romántico y que despierte los mismos sentimientos solo puede lograrse gracias a una excelente actuación.

La etiqueta de comedia romántica le encaja tan bien que incluso esa faceta que muchas veces se olvida en las producciones de este género, y que debería aportar la mitad del interés de la película, está presente con creces. Me refiero al humor, obviamente. La vis cómica del belga Poelvoorde se pone al servicio de varios momentos en los que la vergüenza ajena es desbordante. Sin llegar a los niveles de un ‘Mr. Bean’, nos encontramos a un personaje algo cercano a ese negado para la interacción humana. A situaciones que hemos visto ya en numerosas comedias anteriores, como la necesidad de compartir habitación de hotel, se les saca una punta nueva, llevándolas a cotas de incomodidad contagiosa no alcanzadas hasta ahora.

Compuesta por una escasa cantidad de secuencias, cada una de ellas de considerable duración, la película dura apenas ochenta minutos. El desarrollo de la historia no queda precipitado ni cojo, pero el breve metraje se justifica en que, dejando aparte la cuestión de la fábrica y del misterioso chocolatero ermitaño, la película se centra únicamente en la fábula de los enamorados principales, sin dar cabida a subtramas que atañan a los personajes secundarios. No es necesario, pues el film se sostiene con lo poco que presenta, pero sí podría haber aportado mostrar los amores o desamores de la madre o de alguno de los compañeros de trabajo.

Conclusión: es necesario dejarse llevar

Es esta una película muy pequeña, tanto de duración como de intenciones y profundidad, pero todo lo que tiene de mínima lo tiene de emotiva y efectiva. Efectiva para quien sepa dejarse llevar o, más bien, permitirse entrar en la historia. Si nos sentimos por encima de las emociones tontorronas y del humor facilón, permaneceremos impasibles y aburridos ante ella. Pero no estamos ante una película para disfrutar intelectualmente, gozando cada giro, sorpresa o aportación. Es una propuesta para saborear de forma emocional. La sensualidad del chocolate completa un conjunto tan plástico y embriagador –pero no empalagoso– que, para los amantes del cine con aire mágico, no pondrá difícil dejarse arrastrar. Por algo se ha convertido en la comedia del año en Francia, donde ha recaudado ocho millones de euros tras ser vista por un millón de espectadores. Si olvidamos, por un día, el cinismo en casa y la amargura la dejamos para el chocolate, ‘Tímidos anónimos’ puede ser un bombón.

Mi puntuación:

Se estrenó el pasado jueves, gracias al esfuerzo de una distribuidora naciente, la película francesa ‘Stella’ (íd., 2008), protagonizado por Léora Barbara, Karole Rocher, Guillaume Depardieu –quien aún rodó tres películas más, tras esta, antes de dejarnos– y el cantante Benjamin Biolay y escrita y dirigida por Sylvie Verheyde. En esta cinta semiautobiográfica, la hija de los dueños de un bar –más preocupados por sus fiestas y problemas que por la educación de la niña– llega a un nuevo colegio en el que luchará por hacer amigas, pasar de curso y ser medianamente feliz, a pesar de tenerlo casi todo en contra.

Verheyde hace un retrato certero y comprometido, pero frío y desdramatizado. Un acercamiento calmado, mucho más personalizado de lo que estaría un documental, nos sitúa junto a esta preadolescente, para tratar de dejarnos ver cuáles son sus sentimientos y sensaciones según pasa por los momentos más cruciales de su etapa de crecimiento. Recursos clásicos como la voz en off y los primeros planos detenidos en el tiempo de miradas de la actriz dejan demasiado clara la intención de crear una cercanía y pueden, quizá, ser contraproducentes para esa función.

Léora Barbara se introduce en la piel de Stella y, parafraseando el título de Almodóvar, la habita. Porque la actriz es auténticamente esa niña, que vive una época en la que aún no había nacido, y nos hace ver los contrastes entre la excesiva madurez que le ha aportado el ambiente libertino en el que está creciendo y los miedos y necesidades infantiles. Grandes secundarios, como la amiga de origen argentino, la que la espera en el pueblo, o los padres y quienes los rodean, completan un elenco dirigido con mano certera y en el que cada uno de los actores ha absorbido su papel como si se transformase.

El montaje de Christel Dewynter deja reposar todas las escenas por igual, tanto las cargadas de intensidad como las del día a día. De esa forma nos ofrece un metraje poco uniforme en cuanto a su fuerza dramática, que puede hacerse excesivo no solo porque la película para algunas personas es susceptible de resultar larga y pesada, sino también porque la idea que se quiere transmitir ya había quedado clara con mucho menos.

Se puede apreciar que, como decía, ‘Stella’ no dramatiza, no carga las tintas, y tiene un tono nada pretencioso, cursi o estridente. Pero estas solo son virtudes si funcionamos en comparación con otros films, no lo son por sí mismas. O podrían serlo incluso por sí mismas si, a pesar de la ausencia de todos esos elementos, la implicación emocional que despertase la película fuese tremenda. Y seguro que lo será para muchos de los espectadores, pero no para mí personalmente.

La mínima extrapolación que la película me obliga a hacer a la misma etapa de mi infancia, transcurrida casi una década después, sí me remueve algo. Sin embargo, aquí Verheyde solo es responsable de hacerme recordar, ya que todo lo que siento se debe a lo que me tocó vivir. No obstante, la conclusión de que no se trata de una edad fácil, sean cuales sean tus circunstancias, no se escapa tras a este visionado. Con ello, hay que admitir que, si bien muchos instantes de ‘Stella’ tenían la incapacidad de conmoverme como sí han conmovido a otras personas de la crítica –por lo que he podido leer–, no es con indiferencia como he abandonado la sala. Ese “solo” que he escrito antes de decir que tiene la virtud o culpa de hacerme recordar, estaría de más si entendemos que retrotraerte a cualquier fragmento del pasado es más difícil de lo que aparenta.

La estética, que recrea el final de la década de los setenta, así como las canciones que escuchan la niña, sus padres y los amigos de éstos pueden ser otro punto a favor para cierto sector. En particular, no me conmueven. Adoro París, la música de los años setenta incluye a gran parte de mis sonidos preferidos y soy incluso favorable de aquella forma de vestir. Sin embargo, lo reflejado en ‘Stella’ es la versión melancólica y triste de todo aquello y, ya que la nostalgia en mi caso no vale porque no lo viví, este retorno al pasado es incapaz de comunicar conmigo.

Conclusión

‘Stella’ es una película sin trama, constituida únicamente por momentos cotidianos de desigual interés, que, gracias al efecto acumulativo, consiguen despertar, en sus minutos finales, una leve –no tan leve para otras personas– emoción por lo que el futuro pueda deparar en la niña y ante los mínimos cambios que han surtido en su personalidad. Si bien no podría decir en buena ley que se trate de un mal film o que sus objetivos no estén cumplidos, lo que sí afirmo sin pudor es que personalmente me interesa poco y me llega escasamente. La siguiente calificación, por lo tanto, alude a lo que me ha permitido disfrutar y no a la calidad que le achaco, que es, por supuesto, mayor.

Mi puntuación:

El libro es un relato lleno de drama y huidas. Lanzmann luchó en la resistencia francesa y también tuvo que huir del comunismo. Lanzmann, además, estuvo en Los tiempos modernos, esa revista francesa e insolente que fundaron Jean-Paul Sartre y Simone de Beauvoir. La misma Beauvoir le dedicaría una de sus novelas tardías y Lanzmann pasaría con prontitud a dirigir la revista. Pero también se nos cuenta el nacimiento de un cineasta, de una mirada demasiado importante e insobornable como para ser ignorada todavía.

Su primer documental fue ‘Pourqoi Israel’ (id, 1974) una cinta en la que adelantaba mucho de sus temas y que fue polémica por su tratamiento, aparentemente sionista, del país recién fundado. Pero las acusaciones me parecen forzadas o al menos un poco descontextualizadas: la historia de Lanzmann es la de los residentes de un país apenas reciente, es la historia de los emigrados, no es tanto la glorificación de la tierra, como la prueba de que sus habitanes son fruto de una diáspora más bien trágica.

Su siguiente proyecto le tomaría más de una década. Es el que mejor aparece retratado en este libro de memorias, aquí titulado La liebre de la patagonia. Es un proyecto arriesgado, uno que necesitó no ya financiación sino un gran recuento de testigos que no querían aparecer. Pero sobre todo es fruto de su visión del mundo, de su experiencia, es fruto de una educación en la que supo sacar lo mejor de un panorama intelectual dominado por el existencialismo en el que el lenguaje y las cosas tenían una importancia crucial, en el que la política era algo más que una mera opción política.

La lección que nos deja Lanzmann es profundamente moral, la misma que aparece en el libro Explaining Evil: The Search of Origins of His Evil. El periodista Rosenbaum se pregunta por qué Hitler era malo. Y Lanzmann responde que las razones no importan. Pues claro que no importan, porque las razones, la misma conversión de Hitler en algo que se parezca a un melodrama o a una versión, no es que nos incomoda, como sostienen algunos relativistas, es que no quita la única verdad fundamental del ser humano. A parecida conclusión llega Slavoj Zizek en Violencia, cuando asegura que todas las memorias de descendientes de los más sádicos torturadores del Gulag hacían un dibujo humano de la persona y atribuían, por supuesto, las grandes responsabilidades a otro. Las razones carecen de importancia porque somos nuestros actos y los hechos no necesitan otra cosa más para Hitler: es responsable del genocidio judío y sus datos biográficos, por curiosos que nos parezcan, no explican realmente nada.

Eso hace en Shoah (id, 1984), Lanzmann por cierto. No aparece ni una sola imagen del horror, nada de las imágenes de archivo documental disponibles. Lanzmann escoge los testimonios. Escoge la voz. Decide así rodar en localización, en el riguroso directo, con los paisajes ya en ruinas. Identifica a sus testigos. Los neutrales, las víctimas y los perpetradores. Todos hablan. Cuentan la historia de un mundo y de un horror. Esta obra maestra absoluta demuestra las posibilidades del cine para acumular memoria, para hacer justicia con ella, una vez que sale a la luz. Es un proyecto titánico que sugiere una idea artística demasiado elevada, pero es una experiencia sobrecogedoras, más de nueve horas, que todo el mundo debe ver para conocer las voces que sobrevivieron a Treblinka y Auschwitz sin que medie la espectacularización del cine. Porque ver la obra magna de Lanzmann es también aprender a ver con una exigencia estética e intelectual el mundo y una manera legítima de representar el Horror. Acaso la única.