La directora suiza Ursula Meier, experimentada en documentales y televisión, estrena su primera cinta dirigida a la gran pantalla, ‘Home, ¿dulce hogar?’ (‘Home’, 2008), este viernes, 30 de octubre. La película está protagonizada por Isabelle Huppert, Olivier Gourmet, Adélaïde Leroux, Madeleine Budd y Kacey Mottet Klein, y nos presenta a una estrafalaria familia que habita en un extraño lugar donde se comienza a construir una autovía.

Se trata de un film pequeño, entrañable, con aires algo antiguos y muy europeo o también: muy de autora. Meier introduce, dentro de una realización realista y funcional, algunos interludios poéticos, donde la música cobra más fuerza y el estilo de los encuadres se hace más fijo y pausado, que son poderosos y bellos —hasta la fotografía parece mejorar en esos planos—. Una vez la narración se vuelve a poner en marcha, nos metemos en una espiral de situaciones alocadas y claustrofóbicas nada fáciles de sobrellevar.

Es imprescindible tener la buena voluntad de ver en pantalla lo que la directora ha declarado en sus intenciones para percibir ‘Home, ¿dulce hogar?’ como una alegoría y aceptar, de esta forma, todas las incongruencias de sus personajes como algo intencionado y supeditado a esa simbología. Sin embargo, cualquier espectador que acuda a la sala sin los deberes hechos, lo que se encontrará es una serie de despropósitos de principio a fin, a unos personajes cuyas decisiones le son imposibles de comprender y a un statu quo más que inverosímil. Haría falta una clave hacia el inicio que nos indicase que tenemos que abstraer para atisbar los hechos como algo tan ideológico que es necesario no preguntarse por ellos. Es muy valioso que una película contenga la posibilidad de ser leída a varios niveles, pero ‘Home’ se salta el primero y sólo puede ser apreciada si se llega a los más profundos directamente.

POSIBLE SPOILER: Hacia el final, la evolución de los personajes se precipita hasta la locura de forma tan repentina que para muchos es difícil encajar este cambio de tono. Mi forma de verlo es la contraria: únicamente en esos minutos finales, donde ya se nos dice abiertamente que la familia está desquiciada, puedo comprender que se comporten como se comportan. Ahí comienzo a ver un designio buñueliano que me ayuda a saber que se ha buscado a propósito una situación absurda. Antes de eso, cuando se nos están presentando como cuerdos, no soy capaz de entender sus convicciones. FIN DEL SPOILER

Es sencillo detectar una primera metáfora: el progreso que irrumpe en una vida tranquila. Simbolizar este avance social con una carretera es anticuado y manido, además de sumamente obvio. Paralelamente, podemos interpretar una crítica a la situación familiar, y una oda poco positiva al inmovilismo, a adaptarse siempre a lo que venga.

Meier declara que está mostrándonos el contraplano de una road-movie y esta afirmación puede ser lo más cerca que estemos a situar esta película en un género. Con destellos de comedia y mucho de drama, ‘Home, ¿dulce hogar?’ presenta, más que nada, un psicodrama cercano al psicothriller. Este camino, esta última opción, en la que la psicología se estudiase con mayor realismo y donde se llevasen hasta las últimas consecuencias las sensaciones de claustrofobia e imposibilidad por romper con las cadenas, habría sido la ideal para mí: me habría gustado que la película indagase en cómo se llega psicológicamente a una situación semejante. Pero, aunque hay mucho de eso, no termina de convertirse en el retrato que me habría interesado: lo cotidiano o rutinario es más preeminente que cualquiera de estos experimentos.

En definitiva: un intento que, en mi opinión, no se ha logrado; un esfuerzo que se ha quedado a medio camino. Detalles o elementos de gran interés no le faltan, no obstante no la encuentro plenamente conseguida.

Mi puntuación:

Ayer se estrenaba en nuestro país ‘El Imaginario del doctor Parnassus’ (‘The Imaginarium of Doctor Parnassus’), un film muy sorprendente y original, que cuenta con algunos hallazgos maravillosos. Como ya adelantaba en la entrada sobre los estrenos, lo mejor de la película es lo que las circunstancias le han brindado a Terry Gilliam sin que él lo haya buscado ni lo haya escrito en el guión en su momento: Heath Ledger, que había rodado cantidad de escenas antes de su fallecimiento, sería sustituido por tres actores: Jude Law, Johnny Depp y Colin Farrell.

Sabiendo este dato, cuando comienzas a ver la película, toda tu curiosidad está en ver en qué escena se cambia de actor, cuál de ellos lo sustituye y si realmente se nota. Y los momentos elegidos para pasar a otros no podrían ser más acertados. El juego de ‘Ese obscuro objeto del deseo’ es tan adecuado a lo que cuenta la película, que parece pensado desde antes del rodaje o de que ningún desgraciado acontecimiento hubiese sucedido.

Sería de mala educación decir que, no sólo el cambio de actores introduce un elemento imaginativo interesantísimo, sino también que cualquiera de ellos actúa igual o mejor que el propio Legder. En realidad, Depp, que es quien lo sustituye por primera vez, siempre me pareció que era como un mentor para Heath y que sus gestos y voces eran muy similares. Así, la transformación primera es la que menos traumática resulta y, poco a poco, se van diferenciando más de él.

El doctor Parnassus es un anciano que lleva una barraca de feria con su hija y dos empleados. En ella, cualquier espectador puede penetrar en sus fantasías, pero presenta el peligro de que no siempre es fácil volver de ellas. El negocio no va muy bien y, además, la familia tiene que enfrentarse a una apuesta que hizo el padre años atrás y en la que pone en peligro a su hija. Casualmente, se encuentran con un hombre que padece amnesia colgando de un puente y permiten que se una a su troupe, lo que hará que cambie mucho su situación. El negocio mejora, sí, pero la joven hija del dr. Parnassus, que hasta ese momento flirteaba con el ayudante, empieza a tener dificultades para saber si le gusta más él o el olvidadizo recién llegado.

La historia, como se ve en ese resumen, es enjundiosa y tiene bastante conflicto. Sin embargo, Gilliam la narra con algo de torpeza o, probablemente, de indiferencia: lo que menos le importa es contarnos el argumento. El film tarda mucho en arrancar y, una vez lo hace, tiene bastantes parones de ritmo con escenas largas que no son necesarias o que no es imprescindible que duren tanto. Pero esto no es algo que lastre demasiado el film, pues, en su locura general, un desarrollo tan deslavazado es casi lo que mejor encaja.

Tanto deslumbra el juego de los cuatro actores que representan a Tony que nos olvidamos de comentar a todos los demás—por eso he optado por las fotos en las que no hay nada de esto—. Christopher Plummer, en el personaje del título, está cargado de peso, tanto de maquillaje, como actoralmente, ya que su Parnassus cuenta que ha vivido muchos años. Papel difícil, es de suponer, y que da un resultado más forzado que fluido. Tom Waits, como enemigo acérrimo del doctor, y con una transformación casi igual de notoria, está más suelto y más divertido en su personaje. Casi llega a ocurrir eso de que los malos nos caen mejor que los buenos. Lily Cole es la jovencita Valentina, una chica muy enigmática, a la que el extraño físico de la actriz le queda como un guante. Ella lo hace muy bien y su personaje es realmente interesante. Lo es también el encarnado por Andrew Garfield, Anton, un joven pagafantas que no tiene nada que hacer contra el atractivo del recién llegado Legder, pero que es quien de verdad ama a Valentina. Verne Troyer, por supuesto, lo que compone es ni más ni menos que el alivio cómico y el puntito de mala leche que evita que la película pastelee demasiado en los terrenos amorosos.

Las secuencias de la imaginación van siendo más bellas y arrebatadoras según avanza el metraje. Y el gran bloque final, donde convergen varios de los actores y hay una lucha entre varios de los seres vivos y entre éstos y los elementos de ficción es extraordinario. Sin embargo, no es fácil que alguien imagine por nosotros. Y, por muy universales que sean los anhelos que se muestran tras ese espejo o por mucha variedad de ellos que Gilliam plantee, es muy posible que ninguno encaje con nuestros sueños plácidos ni con nuestras pesadillas. Me ocurría ya en otras ocasiones, que las películas donde se reflejan las imaginaciones de sus protagonistas, si bien se me antojaban preciosas y fantásticas, no me aportaban otro disfrute que no fuese el estético. Y esto, por supuesto, es algo sumamente personal.

Recuerdo lo poco que convenció en general ‘Tideland’, que defendí por algunos de sus elementos. Con ‘El Imaginario del doctor Parnassus’ nos encontramos, por el contrario, con un film que puede contentar mucho más que el anterior, ya que es más universal, más vendible y agradable, y ya que cuenta con esos cuatro actores y el morbo de tratarse de una cinta póstuma.

Mi puntuación:

En este país se suelen sentir animadversiones contra los directores o actores sin conocerlos en vivo, sólo por la imagen que se percibe de ellos en los medios. Si extraigo vibraciones de esta forma, Icíar Bollaín me cae bien, por absurdo que sea formular tal afirmación de alguien a quien no se ha tratado en persona. Por ello se me hace cuesta arriba reconocer que su cine es bueno y aporta visiones de interés, pero que no termino de encontrarlo todo lo logrado que, en mi opinión, podría estar.

Con el anuncio del rodaje de una nueva película suya están mis esperanzas por que en esta ocasión me convenza más el resultado. En este caso se trata de ‘También la lluvia’, el quinto largometraje de la directora, que comenzará a filmarse mañana, sábado, 17 de octubre, en Bolivia y México D.F.

Este film estará protagonizado por Luis Tosar, Gael García Bernal, Karra Elejalde, Emma Suárez, Raúl Arévalo, Carlos Aduviri y Carlos Canto.

El guión de ‘También la lluvia’ está basado en ‘Even the Rain’, de Paul Laverty —habitual guionista de Ken Loach—, y se centra en la llamada Guerra del agua, un conflicto social que se vivió, entre enero y abril de 2000, en la ciudad de Cochabamba, donde se pretendía privatizar el agua. Se ha descrito como un argumento con fuerte contenido crítico, humano y social.

Narra la historia de dos hombres: un director de cine y un productor, que llegan a Cochabamba para rodar una película sobre Cristóbal Colón. Sebastián (García Bernal) quiere mostrar a un descubridor obsesionado por el oro, cazador de esclavos y represor de indios. A Costa (Tosar) sólo le importa sacar la película adelante, con un modesto presupuesto, y éste es el motivo de filmar en Bolivia, uno de los países más baratos y con mayor población indígena de América Latina. Pero, cuando van a empezar, se topan las protestas sociales por la privatización del agua y la represión policial violenta.

La productora Morena Films, en coproducción con Vaca Films y la empresa francesa Mandarin Films, maneja para este proyecto un presupuesto de cerca de cinco millones de euros. Se presume una duración del rodaje de nueve semanas. El estreno de ‘También la lluvia’ está previsto para el año 2010.

Vía | El informador.

Hay ciudades que han condicionado la forma de hacer cine. El carácter de la metrópolis se cuela en las películas que transcurren en ella. Muchas décadas atrás, esa urbe fílmica por antonomasia era París, mientras hoy en día y desde hace ya un tiempo, se trata de Manhattan. Por ello, las películas ‘Paris, je t’aime’ y ‘New York, I love you’ —esta última se estrena el 16 de octubre— parecen seguir un orden lógico.

Los cortometrajes de que componen este mosaico urbano, dirigidos por Fatih Akin, Natalie Portman, Mira Nair, Yvan Attal, Joshua Marston, Shekhar Kapur, Shunji Iwai, Jiang Wen, Brett Ratner, Albert y Allen Hughes; penetran en la ciudad y aprehenden su esencia o, quizá, como decíamos en el párrafo anterior, permiten que el alma de la ciudad se filtre en ellos. Están realizados con gran actualidad estética y logran un bello resultado formal que convierte su visionado en agradable.

Juan Luis Caviaro, en su crítica sobre ‘Paris, je t’aime’, distingue unas historias de otras y nos habla de un conjunto poco cohesionado, aunque con buenas piezas. En esta nueva entrega, la visión global se ha conseguido a través de las transiciones y los paralelismos que aporta el montaje, uno de los aspectos más logrados del film, por su novedad y efectismo. Pero ‘New York, I love you’ se presta a una crítica única por otro motivo: los defectos que tienen unos segmentos, también se les pueden reprochar a otros.

Diálogos que gustan demasiado a sus guionistas, es decir, que se alargan y recrean para que suenen mucho, vampirizan la posible humanidad o profundidad de las minihistorias, que se revelan insulsas. La ciudad está ahí, claro. Pero el título del film nos habla igualmente de amor y, sin embargo, no encontramos una pista de este sentimiento. La película, por lo tanto, se contempla, pero no se vive. Las situaciones o las semblanzas de personajes podrían haber estado en alguna de esas comedietas que con tanta tranquilidad se desprecian, sin que aquí haya nada que las convierta en más valiosas.

No soy capaz de elevar uno de los cortos por encima de los demás para salvarlo o condecorarlo como el mejor —quizá el de Shunji Iwai, con Orlando Bloom y Christina Ricci— y, si bien sí podría decir cuáles me enervaron más, prefiero reservarme una opinión que condicionaría tanto a los espectadores.

Nombres de gran prestigio y atractivo llenan el elenco de ‘New York, I love you’. Sus interpretaciones son buenas, como cabría esperar en ellos. Pero nada de lo que hacen puede suplir las carencias que existen en los guiones, incluso aunque esos diálogos tan rebuscados queden casi bien proviniendo de sus bocas. Esto quiere decir que si los actores hubiesen sido de peor calidad o de menor fama, la película tendría poco en lo que aferrarse. Por mencionar sólo a algunos de ellos: Robin Wright Penn, Ethan Hawke, Anton Yelchin, Chris Cooper, Shia LaBeouf, Hayden Christensen, Andy Garcia… lo bueno de un reparto así es que seguro que cualquiera encuentra a alguno que le gusta, ya sea como intérprete o por su físico. En mi caso, se trataría de Hawke y valga como ejemplo para decir lo que ocurre con todos los actores: encarna a la perfección un personaje complicado al que dota de un gran carisma y cuyos diálogos interpreta con soltura y mucho gracejo. Pero la historia que le corresponde no se me hace creíble ni me sorprende como pretende su desenlace.

‘New York, I love you’ es un cine ameno, que trata un tema muy universal sin profundizar en conflictos o psicologías. Las firmas de sus autores y el aire externo la dotan de una cariz prestigioso que se queda en eso. Es un perfecto terrón de azúcar para paladares que aseguran no conformarse con lo más vendible, pero para los que tampoco es viable lanzarse por algo de mayor dureza o complejidad. Sus intenciones se corresponden con elevadas cintas de autor para elites privilegiadas, sin embargo, su realidad se queda muy corta en el intento por alcanzar esas pretensiones.

Mi puntuación:

Jacques Tardi puede ser el autor de bandes desinées* más célebre de Fancia. Sus retratos de París y su crítica social gustan mucho a los habitantes del país vecino. Es autor de diferentes series, de adaptaciones novelescas y creador de personajes de gran popularidad, como Nestor Burma.

Una de sus creaciones que mejor acogida ha recibido es la del personaje de Adèle Blanc-Sec, una escritora borde e indiferente, que se ve envuelta en aventuras policíacas, con algunos toques sobrenaturales o fantásticos –momias, velocirraptores…—. Mi opinión sobre los álbumes de Adèle es que me encantan los personajes y la ambientación en los años veinte parisinos, pero que me parece que tienen demasiado texto y que requieren demasiadas explicaciones aparte, para ser comprendidas (el propio Tardi se reía de las llamadas a volúmenes anteriores). Además, el tamaño álbum no parece suficiente para lo que quiere contar y las historias se precipitan en algunos momentos.

Ahora que se va a llevar todo esto a la pantalla en ‘Les aventures extraordinaires d’Adèle Blanc-Sec’, habrá espacio suficiente para desarrollar las tramas sin tanto atropello. Y espero que esa ventaja se aproveche. Quien está detrás de este proyecto es el francés que parece que lo produce todo: Luc Besson.

Este film será el comienzo de una trilogía. La primera de las películas incluirá las historias de los cuatro primeros volúmenes de la serie de bds y los otros cinco tomos se repartirán en las siguientes entregas. No sé qué tal resultará, ya que las tramas tienen una continuación en cuanto a sus personajes, pero suelen ser autoconclusivas, así que, si Besson –que se ha encargado del guión—, no las intercala bien, puede crear algo que abra y cierre demasiadas veces el argumento.

El papel protagonista lo encarnará la modelo y presentadora bretona de 28 años, licenciada en Bellas Artes, Louise Bourgoin, que ha aparecido en ‘La fille de Monaco’, ‘Sweet Valentine’, ‘Le petit Nicolas’, y ha rodado ‘Blanc comme neige’ y ‘L’autre monde’, de Gilles Marchand.

Los lectores y algunas lectoras no me discutiréis que es una buena elección para el personaje. Sin embargo, si dejamos atrás gustos personales, podemos apreciar que no es lo más adecuado, ya que Adèle era una mujer hermosa –y aquí no hablo únicamente de la belleza— y, en los últimos álbumes estaba incluso entradita en carnes. En la época en la que se sitúa la historia, eso era lo que se consideraba mejor y tiene poco sentido aplicar los cánones estéticos actuales, si no se va a cambiar el momento en el que transcurre. Para los gestos despectivos de la escritora tampoco sé si la veo capaz. Pero está claro que la elección se ha hecho pensando en el tirón de público.

El reparto se completa con Mathieu Amalric, en el papel del antagonista; con Gilles Lellouche, como el inspector Caponi; con Jean-Paul Rouve, haciendo de aventurero, y con Frédérique Bel.

El rodaje comenzó a mediados de agosto y la cinta verá la luz en la gran pantalla durante la primavera del año que viene, después del estreno de ‘Arthur y la venganza de Maltazard’, segunda entrega de la trilogía ‘Arthur y los Minimoys’, que se estrenará en Francia el 2 de diciembre.

*El uso del francés en ese caso no es pedantería: es que decir “cómic” puede tener tan poco sentido como decir “chorizo” y la palabra “tebeo” a muchos les suena, absurdamente, peyorativa.

Vía | Comme au cinèma.

El 9 de octubre llegará ‘París’ (‘Paris’), una cinta de Cédric Klapisch (‘Como en las mejores familias’, ‘Una casa de locos’), que está nominada al César a Mejor Película de 2009. No hará falta decir que los César son los premios más notorios de la cinematografía francesa, algo así como los Goya de aquí, salvando distancias, y algo así como los Oscar de allí, salvando quizá una distancia más extensa y no estoy hablando de kilómetros.

‘París’ es la historia de un parisino enfermo que imagina su muerte, lo que le da nuevo significado a su vida, a la vida de otras personas e, incluso, a la vida de toda la ciudad.

Los protagonistas del film son Romain Duris (‘De latir mi corazón se ha parado’), Juliette Binoche (‘El paciente inglés’, ‘Chocolat’), Fabrice Luchini, Albert Dupontel, François Cluzet, Gilles Lellouche, Karin Viard…

En Francia salió el 20 de febrero. Aquí probablemente han esperado a que obtenga la nominación al César, aunque no debería ser necesario, ya que los films de Klapisch se han estrenado habitualmente con éxito en nuestro país. A continuación se puede ver el tráiler en v. o. subtitulada y también otros carteles, entre ellos el español, que es el más sosito.

De las dos películas de Klapisch que se mencionan como ejemplo ‘Como en las mejores familias’ me gustó muchísimo debido al guión, que está basado en una obra de teatro de Agnès Jaoui y Pierre Bacri, dos de los intérpretes.

‘Una casa de locos’, sin embargo, me parecía una comedia fallida que podría haber explotado mucho más el humor de los pisos compartidos y las torres de Babel.

Este tráiler tiene un aspecto bastante bueno, así que supongo que Klapisch se amolda a las historias y si le quedan mejor o peor depende del contenido. La idea de que alguien piensa que va a morir y se lo replantea todo me resulta atractiva. No es original lo de las historias cruzadas con una importante ciudad de fondo, pero habrá que tener la esperanza de que aporte algo novedoso con respecto a todos esos films que ya habían intercalado tramas románticas sobre un tapiz urbano. A mí de momento no me cansa ver París en el cine, pues es una ciudad que me encanta, pero ya va siendo exagerada la explotación que hacen de ella y llegará un momento en el que nos saturemos del Sena, los acordeones y los balconcitos.

Vía | Página oficial

El 4 de septiembre se estrenará ‘La Clienta‘ (‘Cliente‘), un film de Josiane Balasko, basado en su propia novela homónima. La película está protagonizada por la directora, Nathalie Baye, Isabelle Carré y Eric Caravaca.

En esta película se cuenta cómo Judith (Nathalie Baye) contrata frecuentemente a un gigoló hasta que esposa de éste se entera de las actividades de su marido.

A continuación se puede ver el tráiler doblado (si se prefiere en v. o., se puede ver a través de este enlace):

No he visto nada de Balasko que no sea su famosa película, protagonizada por Victoria Abril, ‘Felpudo maldito’ (‘Gazon maudit’) y, sinceramente, en su momento no me convenció demasiado.

Este nuevo film no parece que se vaya a despegar tampoco de ser una sarta de situaciones tópicas a las que ni siquiera parece que se les hubiese sacado mucha punta. Viendo el tráiler, es difícil determinar si se trata de un drama o de una comedia.

Entiendo que quizá el propósito de Balasko es reivindicativo y que quiere demostrar que no sólo las mujeres se prostituyen y no sólo los hombres sienten un deseo sexual que se puede resolver sin implicaciones románticas. Pero me parece que todo eso lo tenemos más que claro y superado, por lo que es posible que ‘La clienta‘ ni siquiera tenga valor como declaración de intenciones.

Vía | Web oficial.

‘No estoy hecho para ser amado’ (‘Je ne suis pas là pour être aimé’, 2005), de Stéphane Brizé, nos cuenta cómo vive Jean-Claude (Patrick Chesnais), un soltero de avanzada edad que lleva el negocio de cobro de impagos que le dejó su padre y cuyo único entretenimiento en la vida es acudir a clases de tango en una academia que se ve desde la ventana de su oficina. Françoise (Anne Consigny) también toma clases porque pronto se va a casar y quiere bailar bien en la ceremonia de su boda.

El desarrollo argumental es reducido y en la película se ven muchas escenas largas en las que apenas está ocurriendo nada. Sin embargo, ese tiempo no está vacío de sensaciones, pues la interpretación de Chesnais nos transmite mucho y la contemplación de su vida monótona y triste nos hace ir desarrollando un cariño hacia el personaje que ha renunciado a lo que la vida puede ofrecer. Jean-Claude piensa que para él ya no existirá la oportunidad de encontrar a nadie o de cambiar su existencia. Y está resignado a ello.

La expresión que describe muchos de los momentos de esta película es la vergüenza ajena. Efectivamente, él no está hecho para ser amado, por lo que, en muchas situaciones, duda con respecto a la manera de proceder y los instantes se hacen incómodos. La diferencia con respecto a cualquier comedia romántica interpretada por atractivos actores, cuyos personajes saben cómo comportarse en cada momento, está aquí. Las situaciones son mucho más auténticas porque en la vida real se producen esos silencios embarazosos y esas coyunturas en las que reaccionamos torpemente y sin compaginarnos a la perfección con el otro.

Como decía, Patrick Chesnais está muy bien elegido para el papel. Todo nos lo da con una interpretación minimalista en la que, más que actuar, se limita a estar ahí y transmitírnoslo todo con su aspecto. Anne Consigny también es un acierto, pues tiene un punto encantador con su sonrisa, pero nos creemos que pueda interesarse por él, a pesar de la diferencia de edad y de que ella sea más atractiva. Lo que queda exagerado del reparto es la elección de Lionel Abelanski para el papel del prometido de Françoise, pues no era necesario que fuese tan feo y desagradable para que entendiésemos la postura de ella, solo con su pasotismo hacia la relación la comprenderíamos. Hablando del reparto, destacaría esa escena prolongada en la academia de tango, en la que vamos viendo pasar por delante de la cámara parejas imposibles compuestas por curiosas figuras humanas.

La trama secundaria del padre de Jean-Claude, que podría parecer típica, está muy bien integrada con el argumento principal y logra darnos los puntos de inflexión y producirnos una emoción. Están igual de bien encajadas las tramas de su ocupación, su relación con su hermano en el negocio, y de los desahucios que se ve obligado a llevar a cabo. Hasta este momento, el protagonista había aguantado con estoicismo todos estos aspectos de su vida, pero por fin ahora comenzará a cuestionarlos.

La estructura del guión no se despega del canon clásico de las comedias románticas. SPOILER Tanto es así que incluso tenemos, cerca del final, ese momento de enfado en el que parece que todo va a ir mal, para luego acabar felizmente. FIN DEL SPOILER. Sin embargo, el tratamiento y los personajes son tan diferentes que no parece que estemos viendo la misma película de siempre.

La música, como se puede suponer por lo narrado en la sinopsis, desempeña un importante papel en la película y en la evolución de los personajes. Como en ‘The Visitor’, film con el que éste guarda muchas similitudes, pues también trataba sobre un hombre que vuelve a vivir cuando se suponía que no le quedaba nada; es el ritmo exótico de un país lejano, pero mucho más animado, lo que le lleva a sufrir esa transformación y lo que hace que entre el calor en sus venas. Al igual que esta música contrasta con la vida de Jean-Claude, también los colores de la academia de baile chocan con la ausencia de ellos en los lugares que él frecuenta.

‘No estoy hecho para ser amado’ es un ejemplo de cómo con casi nada se puede conseguir mucho. Un dechado de sobriedad y de sencillez que no por ello acusa la carencia de acciones, sino que te mantiene pendiente todo el tiempo para ver el desenlace.

Mi puntuación:

El 8 de abril se estrena el film de Christophe Barratier ‘París, París’ (‘Faubourg 36’), que cuenta en su cartel con Gérard Jugnot y Clovis Cornillac, y que repite la fórmula de los buenos sentimientos y los personajes entrañables que tan bien funcionó en ‘Los chicos del coro’ o ‘Monsieur Batignole’.

Primavera de 1936, un distrito de clase obrera en el norte de París llamado Faubourg: el teatro de variedades Chansonia lleva ya cuatro meses cerrado y sus antiguos empleados Pigoil, Milou y Jacky, se encuentran en paro. Con el apoyo de los vecinos, los tres protagonistas, que a su vez tienen sus conflictos personales, deciden ocupar el Chansonia para producir el musical de éxito que les permita comprar el local.

Como se aprecia en la sinopsis, la premisa de ‘París, París’ es bastante tópica, pero ése no es el problema, ya que muchas veces no te importa que te cuenten la misma historia de siempre: no vas al cine con intención de que te sorprendan, sino de ir disfrutando el devenir de una trama amable, entretenida y con algunos elementos novedosos. Por lo tanto, el que este film sea una explotación más de un producto que ya se sabe que ha triunfado no es el verdadero inconveniente, lo es que ni siquiera eso está conseguido.

La mayor pega, como en tantas otras ocasiones, se atribuye a su duración. Para narrar esta historia no son necesarias dos horas ni mucho menos. Por ese motivo, la presentación se hace tediosa y, cuando llegamos a la segunda mitad, por mucho que ‘París, París’ se anime, ya estamos tan aburridos que es difícil recuperar el entusiasmo para disfrutar de los momentos interesantes que contiene esta parte.

Y es que incluso dentro de esta mitad más lograda, no todo termina de funcionar como debería. La mayor parte de los elementos se podrían haber construido mejor desde el guión. Pero tampoco la manera en la que se han realizado es la más acertada, pues a veces resultan flojos, a veces poco creíbles y casi siempre anodinos. Los conflictos personales que tiene cada uno de los protagonistas –de entre los que la custodia del hijo de Pigoil es el principal— no tienen la fuerza dramática que sería de esperar porque no conseguimos empatizar con los personajes.

He ahí otra de las objeciones que le encontré a ‘París, París’. Un film como éste basa su eficacia en que los personajes creen ternura en el espectador. En otro tipo de película quizá podría importar poco que no se simpatizase con ellos e incluso algo de rechazo podría funcionar. Sin embargo, aquí es lo fundamental y no ocurre con todo el éxito que debería. Los intérpretes ponen en marcha su modo humorístico y tratan de hacernos reír, no a carcajadas, pero sí con esa sonrisa cómplice de las comedias amables. Pero en pocos momentos los actores provocan esas risas, tampoco Jugnot, y por ello, no hay tanta cercanía como debiera.

La conclusión podría ser que ni siquiera seguir una fórmula es fácil, que ni siquiera es tan sencillo hacer lo de siempre y crear películas a partir de un molde. Se supone que cualquiera podría hacer, si se pusiera, muchos tipos de films ya establecidos para los que parece que sólo hay que juntar una serie de ingredientes comerciales y que no se intenta por falta de interés. Esta película es una buena prueba de que todo hay que saber hacerlo, de que nada es tan fácil o tan rutinario como se supone y menos aún en la creación de algo destinado a triunfar.

Acabo, como siempre, con la recomendación: si se esperan encontrar otra ‘Los chicos del coro’, verán muchos de sus elementos y podrán reírse en alguna ocasión, disfrutar de algunos momentos y especialmente, ver la belleza del París de los años ’30. Pero no encontrarán un producto a la altura de aquella. De todas maneras, puede ser la única oferta de este estilo que encuentren y quizá les vale la pena verla, a pesar de sus defectos, si tienen muchas ganas de ojear una historia humana y entrañable.

Página oficial de ‘París, París’.

Mi puntuación:

El próximo viernes 27 de marzo se estrena en las pantallas españolas el film francés ‘Un cuento de Navidad’ (‘Un conte de Nöel’), dirigida por Arnaud Desplechin. Casi un año después de su paso por Cannes y tras estrenarse en Estados Unidos, esta película que cuenta con un reparto de altura encabezado por la veterana Catherine Deneuve, además de Chiara Mastroianni, Mathieu Amalric y Anne Consigny, ha logrado un notable éxito y, aunque nos llega, desfasado en el tiempo, creo que bien merece la pena.

‘Un cuento de Navidad’ relata la historia de una familia disfuncional que sufre una extraña enfermedad genética y deben encontrar un donante para no perder a otro miembro de la misma. Enfrentamientos y dificultades que intentan solventarse aprovechando las fechas navideñas. Todo hace apuntar que cuenta con un excelente trabajo de todo su reparto, además de contar la innegable garantía de la brillante y espléndida Catherine Deneuve.

La película fue la encarga de inaugurar el pasado Festival de Cannes y parece que no desagradó, con este drama familiar con notas de humor y sensibilidad, además de algún toque de surrealismo, propio del autor. También estuvo multinominada a los premios César del cine francés, en un año impresionante para su cinematografía.

Vía | Alta Films