Seguimos con información sobre premios cinematográficos. Aquí os traigo el palmarés de la 28ª edición del festival de Sundance, centrado como sabéis en el cine independiente (o eso dicen) y celebrado en Salt Lake City (Utah). La triunfadora de este año 2012 ha sido ‘Beasts of the Southern Wild’ del debutante Benh Zeitlin, que ha logrado el gran premio del jurado en el apartado de drama. La película, a la que pertenece la imagen de arriba, es una fábula sobre el fin del mundo protagonizada por una niña de seis años que vive con su padre. Fox Searchlight ha adquirido los derechos de distribución y la estrenará a lo largo de este año. Parece ser que gustó mucho y no se discute su victoria.

Prestigiosos realizadores como Spike Lee y Stephen Frears competían en Sundance con sus últimos largometrajes, ‘Red Hook Summer’ y ‘Lay the Favourite’, pero no recibieron premio alguno. Tampoco el español David Trueba, que presentó ‘Madrid, 1987’, protagonizada por José Sacristán y María Valverde. Otro español, Rodrigo Cortés, presentó su nuevo y esperado trabajo, ‘Luces rojas’, y aunque no aspiraba a ningún galardón, volvió a lograr comentarios muy positivos y una sana controversia (y distribución internacional). Objetivo cumplido en su caso. Cabe destacar que hubo suerte para dos largometrajes chilenos; ‘Violeta se fue a los cielos’ de Andrés Wood (coproducción española, nominada al Goya a la mejor película iberoamericana) y ‘Young & Wild’ de Marialy Rivas recibieron premios a la mejor película internacional y el mejor guion internacional, respectivamente. La primera narra la vida de la popular cantante Violeta Parra y la segunda gira en torno a una adolescente criada en el seno de una familia religiosa que es acusada de “fornicadora”.

Por lo demás, comentaros que el otro gran premio del jurado fue para el documental ‘The House I Live In’ de Eugene Jarecki (una reflexión sobre la batalla de Estados Unidos contra el narcotráfico) y que ‘The Surrogate’ de Ben Lewin, con John Hawkes, Helen Hunt y William H. Macy entre los protagonistas, se alzó con el premio especial del jurado al mejor reparto y uno de los galardones que entregó el público (la película trata sobre el escritor Mark O´Brien, que a los 36 años decide contratar a una “especialista” para tener sexo por primera vez). Podéis consultar el extenso palmarés en la web oficial del certamen.

PD: Se presentaron 117 largometrajes de 30 países diferentes; 45 de ellos dirigidos por debutantes (24 competían).

Uno de los títulos más esperados del festival de Sundance 2012 era ‘Wrong’, el nuevo trabajo del francés Quentin Dupieux, conocido en el ámbito musical como Mr. Oizo. Por lo que he leído (en Indiewire, /Film y Geektyrant) el director de la original ‘Rubber’ (sobre un neumático asesino…) ha vuelto a sorprender al público con una propuesta excéntrica, absurda y divertida que ha sido calificada como un remake de ‘Atrapado en el tiempo’ (‘Groundhog Day’) ideado por Luis Buñuel. Deseando verla desde ya. En este post os dejo los avances que se han distribuido hasta el momento, un tráiler, tres vídeos con extractos de escenas y un cartel. Os recomiendo echar un vistazo al tráiler, solo dura un minuto y deja buenas sensaciones. Eso sí, como ha quedado claro, no esperéis algo… normal.

A los que os gusta saber de qué van las películas, os aclaro que ‘Wrong’ gira en torno a un hombre llamado Dolph Springer, que al levantarse una mañana descubre con inmensa tristeza que acaba de perder al amor de su vida: su perro Paul ha desaparecido. Dolph inicia entonces un viaje para encontrar a Paul en el que cambiará radicalmente la vida de todos los que se cruzan en su camino (un detective de mascotas, un oportunista jardinero, una vecina adicta al jogging, una repartidora ninfómana…) y pondrá en juego su salud mental. Jack Plotnick, Eric Judor, Alexis Dziena, Steve Little y William Fichtner encabezan el reparto de esta interesante rareza, que llegará a los cines de Francia en junio. No hay fecha de estreno para España todavía (quizá se pueda ver antes en Sitges).

PD: A Dupieux/Mr. Oizo le debemos esto:

A punto de que nos invada la temporada de premios con lo mejor del año, los Gotham Awards 2011, o lo que es lo mismo, los premios al mejor cine independiente del año, se adelanta como aperitivo. Que para eso son independientes (eso dicen las productoras).

Así nos encontramos que la mejor película ha tenido dos ganadores, una forma elegante y poco arriesgada de congratular. El caso es que la obra de Terrence Malick ‘El árbol de la vida’ y ‘Beginners (Principiantes)’ de Mike Mills comparten el galardón de la mejor película en los Gotham Awards de este año, la alternativa a los habituales Spirit (recordemos, anunciados por la New York Film Critics Circle).

En cuanto al mejor documental el ganador ha sido ‘Better This World’ de Kelly Duane y Katie Galloway, uno de los favoritos del año, que ha rascado algún que otro premio. Eso sí, ya fue descartado por la Academia de Hollywood para optar al Oscar, con la consiguiente polémica. lo que no quita que se antoje como una opción indispensable para los amantes de los buenos documentales.

En el apartado interpretativo, los actores Ewan McGregor, Christopher Plummer (ojo que suena potente para la dorada estatuilla) y Melanie Laurent comparte galardón por ‘Begginers (Principiantes)’, del mencionado Mike Mills. El mejor director revelación recayó en Dee Rees por ‘Pariah’, la mejor actriz revelación para Felicity Jones por ‘Like Crazy’ y el premio del público fue para ‘Girlfriend’ de Justin Lerner. Para concluir el galardón Mejor película que no están proyectando en un cine próximo es para ‘Scenes From a Crime’ dirigida por Blue Hadaegh y Grover Babcock.

Esto es solo un aperitivo, un avance. En breve dispondremos de raciones generosas de premios, recopilaciones y resúmenes para elegir lo mejor del año en todos los géneros y categorías.

Vía | NTDaily y @ifpfilm
Sitio oficial | Gotham Independent Film Awards

-¿Por qué su hijo iba a robarle su gata?

-Porque está celoso de ella. Muy celoso.

‘Win Win’, distribuida en nuestro país como ‘Win Win (Ganamos todos)’, es el tercer título como director en la filmografía del estadounidense Tom McCarthy, rostro reconocible gracias a su trabajo como actor en producciones tan variadas como ‘Los padres de ella’ (‘Meet the Parents’, 2000), ‘Michael Clayton’ (2007), ‘2012’ (2009) o ‘Caza a la espía’ (‘Fair Game’, 2010). Su nueva película, cuatro años después de ‘The Visitor’, viene con la etiqueta de haber sido seleccionada en Sundance y tiene ese aire al cine independiente norteamericano cuyas constantes empiezan a cansar. Me refiero a esas historias con personajes caracterizados por excentricidades que lo pasan mal por las circunstancias de la vida, y luego muy mal pues todo se va complicado por haber tomado decisiones equivocadas, hasta que llega un punto en el que todo se soluciona, porque se dan cuenta que lo diferente es bueno, que tienen otra oportunidad, y que la vida es maravillosa, acabando entre risas y abrazos. En cierta manera, la que nos ocupa es así, pero no del todo. McCarthy se acomoda más de la cuenta, pero logra un relato cargado de vitalidad, humor y amargura, divertido y serio en justa medida.

Fui al cine el pasado viernes, y me alegró ver a tanta gente haciendo cola. ¿No estábamos en el país de la piratería?, preguntaba yo a mi acompañante, que solo tenía ojos para las chucherías. Ingenuo que es uno, me apresuré a comprar las entradas, eligiendo sitio y todo. Tras una pequeña espera, la gente empezó a entrar en las salas. Y de pronto, mi pareja y yo descubrimos que éramos los únicos que íbamos a ver ‘Win Win’. Se proyectó para nosotros. Un lujo, sí, pero, ¿dónde estaban todos los demás? Ah, bueno, se estrenó ‘Transformers 3’, esa cosa. Espero que ninguno de los que fueron a verla se quejaran a la salida con frases tan habituales como “dos horas tiradas a la basura”, “Hollywood se ha quedado sin ideas”, “el 3D es una estafa” o “quiero que me devuelvan el dinero”, porque han podido elegir. Y han elegido alimentar al monstruo, a esa industria que produce películas en cadena, y que se ha vuelto tan vaga que ya ni siquiera filma persecuciones o accidentes, las recicla. Si quieres que hagan mejor cine, empieza por seleccionar mejor lo que ves.

Tom McCarthy y Joe Tiboni firman la historia de ‘Win Win’, adaptada a la gran pantalla por el realizador, que vuelve a situar la acción en su ciudad natal, Nueva Jersey. El personaje central es Mike (excelente Paul Giamatti, como de costumbre), abogado en crisis y entrenador del mediocre equipo de lucha libre del instituto, en sus ratos libres. Es un hombre estresado, agobiado por los gastos y la falta de ingresos, atrapado en una situación sin fácil arreglo y de la que no puede escapar; de hecho, se levanta temprano para correr, como un hámster que piensa que va a alguna parte haciendo girar la rueda de su jaula. En una de las primeras frases del guion, modificada torpemente por el doblaje español, una de sus hijas pregunta si Mike está huyendo de algo o de alguien. El hombre ama a su familia y le gusta lo que hace, aunque no esté dando frutos deseados, no piensa en huir, pero en cierto modo lo está haciendo. En lugar de encarar lo que está mal y de afrontar los conflictos, agacha la cabeza, sigue adelante y dejar pasar el tiempo, como si fueran a corregirse solos. Un comportamiento en el que se cae a menudo, ¿no es verdad?

Por cierto, la primera línea de diálogo de la película es: “Shit“ (“Mierda”). Y queda estupendamente porque la dice la misma niña que pensaba que su padre estaba huyendo, y aunque éste la corrige, instándola a hablar bien, tanto él como su esposa no pueden evitar soltar la misma palabra (delante de la pequeña) al afrontar sus respectivas rutina. Parecen condenados a repetir el mismo día, en una realidad que cada vez va a peor, porque todo envejece, se ensucia, se rompe y se estropea, y todo cuesta dinero. Mike cree haber encontrado una solución temporal a todos sus problemas gracias a unos ingresos que obtiene de manera fraudulenta, fingiendo que se encarga de cuidar a un cliente con síntomas de demencia senil, al que deja en una residencia. Casualmente (vago recurso de los guionistas), el nieto del cliente, Kyle (Alex Shaffer, formidable hallazgo), aparece en escena, y Mike lo acoge en su hogar, mientras resuelven la situación (es decir, mientras espera que se resuelva, y de manera provechosa para él), con la inmensa suerte de que el chico no solo está bien educado y encantado con su nueva familia provisional, sino que es un prodigio de la lucha libre. Los endebles cimientos con los que Mike está construyendo su vida feliz se derrumbarán cuando aparezca la madre del chaval.

La historia no deja de ser sencilla y previsible, con su mensaje sobre la superación personal (bien calzado, inevitable en la situación de crisis en la que nos encontramos) y la solidaridad del ser humano (que parece ser el tema central de este cineasta), no hay incoherencias, trampas, subrayados ni falsedades en el intento de McCarthy por retratar la vida y los problemas de unos personajes que resultan creíbles y auténticos, humanos e imperfectos, interpretados con mucha naturalidad por un elenco intachable (aparte de los mencionados, cabe destacar a Amy Ryan, Bobby Cannavale, Jeffrey Tambor o Burt Young). El buen hacer de los actores, en la piel de roles bien definidos, evita que desentonen los aspectos más cómicos de un relato amable y optimista que, sin embargo, nunca abandona un cierto tono amargo (o realista, la escena con la que se cierra la película es un puñetazo al “happy end”), que nos recuerda que tenemos más responsabilidades de las que queremos asumir, que la vida da pocas oportunidades, y que ante todo están las personas que te rodean, sin las cuales la existencia sería todavía más triste, terrible y aburrida.

Ahora bien, el gran problema que tengo yo con esta película, y por el cual llegué a desconectar (esas veces que te das cuenta de que no estás prestando atención a lo que ocurre en la pantalla, y te cuesta volver), es el cómo. Visualmente, ‘Win Win (Ganamos todos)’ es un producto aburrido, facilón, que abusa de una realización televisiva, con mucho primer plano y plano medio, en lugar de buscar soluciones más arriesgadas o imaginativas (como la primera escena de Giamatti); da la impresión de que no se ha planificado lo suficiente la puesta en escena, quizá por falta de tiempo y/o dinero, bastando con encuadrar a los actores de manera convencional, confiando en la fuerza de la historia. Si quisiera sacar alguna conclusión apresurada diría que McCarthy se ha estancado, que ya lo ha dado todo y solo puede repetirse, y es posible, pero no quiero creerlo. No todavía. Vamos a esperar a ver qué propone con su cuatro trabajo, seguirá siendo más interesante que ver el enésimo blockbuster de 200 millones de dólares destinado a arrasar en taquilla y convertirnos en meros clientes de las marcas más poderosas.

¿De qué va el amor?

Con ese eslogan tan soso se nos vende aquí la interesante comedia norteamericana ‘Beginners’, rebautizada para nosotros como ‘Beginners (Principiantes)’, que llega a los cines españoles el próximo viernes 8 de julio. Para mí es uno de los títulos más apetecibles del año (aunque se trata de una producción de 2010), y a pesar de lo que pueda sugerir el cartel, no es una comedia romántica corriente. Por eso os he puesto antes el tráiler (que no recomiendo ver entero, desvela más de lo deseable), porque si os pongo el póster primero estoy convencido que pasaríais de este post y, lo que es mucho peor, de la película. Y puede que al final sea un rollo, desde luego, otra cosa intrascendente repleta de tópicos de cine independiente con personajes forzadamente raros, pero no lo parece.

‘Beginners (Principiantes)’ es el segundo largometraje de Mike Mills, quien debutó hace seis años con la sobrevalorada ‘Thumbsucker’. La historia, escrita por el propio Mills, se centra en Oliver, que conoce a la impredecible Anna unos meses después de la muerte de Hal, su padre; mientras florece la relación con Anna, Oliver repasa la existencia de Hal, un hombre que, tras más de cuatro décadas de matrimonio, salió del armario a los 75 años. Ewan McGregor, Christopher Plummer, Mélanie Laurent, Goran Visnjic, Mary Page Keller y Kai Lennox, entre otros, protagonizan la película, presentada en los festivales de Toronto, San Francisco y Seattle.

PD: A estas alturas, McGregor todavía no ha sido candidato a un Oscar.

Vía | Lasillacómoda

El paisaje más fascinante del mundo es el rostro humano

-John Ford

Existe un cierto tipo de directores que, aparte de lograr conmovernos o no con las bondades de sus películas, poseen otra característica igualmente importante: hacen avanzar el arte del cine, en el sentido de que son directores que crean nuevos caminos por los que transitarán más cineastas de ahí en adelante. Abren puertas, son cineastas-llave. Quizás Quentin Tarantino sea uno de ellos. Otro fue John Cassavetes, padre del cine independiente ahora conocido por el irritante apodo “indie”. Sus películas podrán gustar más o menos, pero la importancia de su cine llega hasta nuestros días. El cine de Ken Loach, Fernando León de Aranoa, los hermanos Dardenne, Pedro Almodóvar , el Festival de Sundance y otros tantos directores no existiría (o sus películas serían otras) sin John Cassavetes. También ejerció de mentor espiritual de un tal Martin Scorsese.

Para el gran público, Cassavetes siempre será el actor que hizo de marido de Mia Farrow en ‘La semilla del diablo’ (‘Rosemary’s Baby’, Roman Polanski, 1968). Pero detrás de ese nervioso intérprete de rostro antipático, se esconde un realizador como la copa de un pino. Después de debutar con una sensacional ‘Shadows’ (id, 1959), sucumbió a los cantos de sirena de Hollywood y realizó allí dos películas que serían un fracaso de crítica y taquilla. Así que el señor Cassavetes volvió a sus orígenes y realizó una poderosa película en rabioso blanco y negro y sin estrellas en el reparto. La película fue nominada a tres Oscars. Su nombre: ‘Faces’.

John Cassavetes cultiva el naturalismo. Es el suyo cine áspero, rugoso, vivo. Desde el primer momento, el estilo marca a fuego lo que la pantalla nos muestra: movimientos sincopados de la cámara, planos irregulares, rostros al límite del encuadre. La imagen tiene un grano brutal: nos transmite inmediatez, verismo, cercanía. Los diálogos se suceden sin tregua. Algunas cosas de las que oímos son interesantes, otras no, la película no hace distinciones, tampoco la vida.

Nada más comenzar el film, asistimos a una reunión entre hombres de negocios y poco a poco nos damos cuenta de que trabajan en el cine y van a ver el primer copión de una película llamada ‘Faces’. A la salida, el protagonista Richard Forst, Jeannie Rapp —Gena Rowlands, la musa de Cassavetes— y un amigo común, quedan enmarcados por un cartel luminoso que hay en la calle: “losers”. Las cosas claras desde el principio. La iluminación de las escenas tanto de exteriores como de interiores es prodigiosa. Pocas veces el blanco y negro ha lucido tanto. Me recuerda a ‘Let´s get lost’., el apabullante documental sobre Chet Baker realizado por el fotógrafo Bruce Weber. Nuestro trío de perdedores se reúne en casa de una Gena Rowlands que representa la aventura para Richard, su vía de escape frente a un matrimonio que no le aporta nada nuevo. Los personajes están borrachos y hablan de Ingrid Bergman, de la TV, de música. Viven en el mundo real, y lo que el espectador entiende por película se viene abajo. Las imágenes son demasiado reconocibles. Este no es el mundo del cine. Es nuestro mundo.

La reunión de borrachos empieza a degenerar cuando los dos machos comienzan a disputarse a la chica. El alcohol habla por boca de los personajes y no hacen más que herirse unos a otros. Las borracheras sin literatura no son divertidas, son tan idiotas como en la vida real, e igual de hirientes. Cassavetes no se lo pone fácil al espectador. Los seres humanos no son tan interesantes vistos desde la lupa de entomólogo del realizador americano. El sonido es directo, no hay música que no sea diegética. El guión es laxo, el realizador aprovecha cualquier ocurrencia de los actores y el film gana en verdad. Las relaciones son contradictorias, y las conversaciones, procaces. A la vuelta a casa, Richard pide el divorcio, pero no hay manera de saber si lo dice en serio o es otra broma de borracho. Su mujer —una fantástica Lynn Carlin— abrumada, decide disfrutar también de una “night off”. Acude a un club donde hay un concierto de rock. Allí conoce a un chico con aires de playboy y joven rebelde, y en compañía de unas amigas lo lleva a su casa, con una mezcla de despecho y tristeza. Los personajes de Cassavetes son seres nocturnos, parecen recién salidos del cuadro de Edward Hopper “Nighthawks”.

Las acciones transcurren en paralelo, y la mujer de Richard despide a todas sus visitas menos al playboy en un fantástico plano secuencia, mientras apaga todas las luces de la casa, en metáfora meridianamente clara. Richard está de nuevo en casa de su amante. Ella intenta retenerlo, pero sólo será el madero al que agarrarse en medio del naufragio que es la vida de Jeannie, quizá el personaje mas patético de la película, en una cinta que no escasea precisamente de patetismo. El rostro de Gena Rowlands es el desamparo en persona.

Mientras tanto, las cosas salen mal en casa de la mujer de Richard. Después de la borrachera y la infidelidad, llega el arrepentimiento, y tras una abrupta elipsis, descubrimos que la esposa cornuda e infiel ha intentado quitarse la vida. Y el Cine con mayúsculas se enseñorea de la pantalla: su pareja de una noche se lanza a rescatarla de la muerte, obligándola a vomitar, a andar, a ducharse, a vivir, y la señora Forst resucita ante nuestros ojos en una escena de una fuerza dramática arrebatadora. Al poco, el marido arrepentido vuelve a casa a tiempo para ver a su rival huyendo por la ventana. No sabe nada de lo que ha pasado instantes atrás. Sólo importa el rencor y la acritud. Poco a poco, el matrimonio, mediante medias palabras y miradas doloridas, deja de discutir. Quizás se separen para siempre, Quizás sólo ha sido una noche más. La fiesta más triste ha terminado por hoy.

Sí, el cartel que tenéis ahí arriba pertenece a la nueva película del peculiar Gus Van Sant. El director estadounidense, uno de los iconos del cine independiente, cómodo tanto con encargos industriales como con caprichosos experimentos de autor, ha optado esta vez por un drama romántico titulado ‘Restless’, protagonizado por Mia Wasikowska (la Alicia de Tim Burton) y Henry Hopper (hijo del mítico protagonista de ‘Easy Rider’).

Escrita por Jason Lew, ‘Restless’ gira en torno a dos jóvenes solitarios unidos por la muerte. Él tiene la costumbre de asistir a funerales, y su mejor amigo es el fantasma de un piloto japonés de la II Guerra Mundial, mientras que ella se presenta como una voluntaria en un hospital, pero en realidad es una paciente con serios problemas. El tráiler lo tenéis abajo, y no está mal, la verdad, Van Sant es un artesano con experiencia y no va a entregar ningún churro aunque la historia no le entusiasme demasiado (hay jóvenes, soledad y muerte, puede que le encantara). En Estados Unidos la podrán ver a partir del próximo 28 de enero; por ahora no hay fecha para España.

PD: Bryce Dallas Howard es coproductora de la película. Al parecer, conoció a Lew en la universidad y le animó a escribir ‘Restless’, su primer guión. Qué suerte eso de tener amigos famosos.

Vía | Impawards

‘Amigo’, la visión de John Sayles de la guerra entre Estados Unidos y Filipinas de finales del siglo XIX, era uno de los títulos más esperados de la competición oficial por la Concha de Oro en esta 58ª edición del Festival de Cine de San Sebastián, 2010. Adelanté que confiaba en el cineasta y sus tremendas capacidades narrativas y para crear emociones, por lo que, ahora, me resulta duro comunicar que su cinta ha causado decepción entre los que han podido verla.

Se ha considerado fallida casi por unanimidad y se descrito como «una película que en ningún momento coge el ritmo y en la que todo parece un poco improvisado». Se añade que el presupuesto filipino ha resultado escaso y que «los actores no parecen creerse en ningún momento sus personajes». La tachan de tontorrona y no escatiman desprecios, a pesar de declarar un previo amor por el director y sus trabajos anteriores.

Sayles ya había estado en Donostia en tres ocasiones, siempre causando muy buena impresión. En 1997 acompañó ‘Hombres armados’ (‘Men with guns’), presentó ‘Silver city’ en 2004 y ‘Honeydripper’ le valió el premio al mejor guión en 2007. En la rueda de prensa declaró, entre otras cosas, que ‘Amigo’ trataba sobre Filipinas, pero que perfectamente podría extrapolarse a muchos otros conflictos que ha sufrido este planeta. En la misma sesión, ofreció una visión pesimista del futuro del cine independiente.

‘Aita’, de José Mari de Orbe

Aunque hablan de división de opiniones con respecto a ‘Aita’ (padre), de José Mª de Orbe, lo primero que me encuentro es una crítica demoledora que desde el principio declara que es incomprensible que se incluyese en la sección oficial «un producto pretencioso e inane […], una película de no ficción, sin concesión alguna, que se dedica en hora y media de duración a realizar un amplio recorrido por estancias de una enorme casa con pedigrí».

No se queda más corto el comentario en vídeo de Carlos Boyero, quien no sabe ni si habría que llamar cosa o película a esta «tontería notable de argumento incomprensible» que tiene «planos que duran de cinco a siete minutos en los que un señor abre o cierra ventanas y puertas». Añade que se trata de un «prototipo de cine impostor, farsante, en el que no ocurre nada, con buena prensa entre cuatro modernos». Y concluye diciendo que es «lo más indecente que he visto en este festival».

Otros la califican de «sólido poema audiovisual lleno de belleza y sentido del equilibrio […], una exaltación intimista, una propuesta fílmica férreamente sólida, un pequeño regalo fílmico…». No sé si esto estará dicho con sinceridad o por apoyo patriotero, pero da igual porque estas palabras positivas indican lo mismo que las negativas de antes, nos hablan por igual de la pretenciosidad de la cinta. Personalmente, me echan atrás tanto como las observaciones negativas de las críticas anteriores. Lo que se argumenta en forma de elogio, en mis oídos se transforma, más o menos, en un «huye». Aunque no puedo asegurar nada porque si, antes de saber nada de ella, me hubiese dado por acercarme a una sala donde se proyectase, quién sabe si, en contra de todo pronóstico, algo así me podría haber gustado.

Y es que esto de informarse sobre las opiniones que se vierten tras las proyecciones en los festivales es de lo más desolador. Se quitan las ganas de ver cualquier película. No sé si realmente las candidatas serán tan malas como se comenta y esto nos sirve para ahorrarnos unas horas y unos euros o si se tratará de una desidia que invade a los críticos y asistentes por ver demasiadas películas seguidas. Pero lo que parece que queda claro es que cada vez es más difícil acudir al cine tras haber leído sobre una película y que la única forma de caer en algunas cosas es la intrepidez de llegar sin saber nada.

Quizá para entender las intenciones del rodaje de ‘Aita’, llevado a cabo sin guión, habría que leer las declaraciones de su director y del productor, Luis Miñarro.

A continuación se puede ver el tráiler, que parece de humor:

En Blogdecine, Festival de cine de San Sebastián 2010:

• ‘I Saw the Devil’, de Kim Ji-woon, crea polémica en San Sebastián.

• Julia Roberts recoge el Premio Donostia mientras presenta ‘Come, reza, ama’

• ‘Pa negre’ de Villaronga eleva el nivel.

Vía | Página web oficial.

Bruce Willis, Malin Akerman, Forest Whitaker y Kate Mara han firmado para protagonizar un drama con tintes criminales, de producción independiente, titulado ‘Catch .44’. El guión es de Aaron Harvey, que también se encargará de trasladarlo a la gran pantalla; previamente, este tipo había realizado el film de terror ‘The Evil Woods’ (2007), que no he visto y que en Imdb (con todo lo entusiastas que son puntuando) está valorado con un llamativo 2,9 sobre 10. Pero bueno, sólo era su debut…

Al parecer, la historia se centra en tres mujeres de Las Vegas (Akerman, Mara y otra más, que no es Willis ni Whitaker, podéis respirar tranquilos) que al intentar escapar de sus tristes vidas se ven inmersas en una complicada situación en la que también están implicados un asesino psicópata, un camionero deprimido y un falso cocinero. Whitaker encarnará al asesino mientras que Willis será un capo mafioso, la mente que hay detrás de todo el asunto. No pinta mal, pero no deja de resultar raro que estos cuatro actores (sobre todo Willis y Whitaker) se hayan metido en una película independiente dirigida por este tal Harvey, con la de gente que querrá contar con ellos. Confiaremos en que se trata de un gran guión, ¿no?, y a ver el tráiler cuando salga. El rodaje comenzará el 11 de julio en Shreveport, donde ya sabéis que hacen unas tortitas de rechupete. Por el momento no hay fecha para el estreno.

PD: ‘Cop Out’ (‘Vaya par de polis’), con Willis y Tracy Morgan, sigue sin estrenarse en España. Y no encuentro fecha.

Vía | ComingSoon

Su físico y actitud se alejan de lo establecido por los grandes estudios de Hollywood para ser una gran estrella, pero ella, sin duda, lo es aunque se haya convertido en actriz de renombre gracias a pequeñas producciones, cintas arriesgadas y propuestas de cineastas menos típicos.

Con todo, Katherine Keener aúna ese poso de excelente actriz, con una presencia encantadora y atractiva. Siempre cumpliendo con sus papeles, algunos de menor presencia, pero sabiendo imponer su estilo con cada interpretación. Y reconozco que me costó acostumbrarme a ella, por ser una actriz que, en sus comienzos, pasaba desapercibida, pero que poco a poco, ha sabido ganarse el reconocimiento.

Su valía como actriz se puede encontrar más con su aire intelectual, racional, con sus miradas profundas, con su sonrisa encantadora. Y eso se puede hallar tanto en películas pequeñas como en otras producciones independientes de más repercusión. Siempre es ella. Se mete con maestría en cada papel pero nunca deja de ser Catherine Keener. Y aunque pudiera tener connotación negativa, es todo lo contrario, posee una personalidad interpretativa sobresaliente, con poderosa seguridad que siempre consigue hacer suyo cada personaje.

Y como decía, no siempre llamó la atención. Desde sus inicios, sus apariciones han sido discretas, con papeles a veces poco significativos, pero siempre más próxima al cine menos mainstream, algo que parece tuvo claro desde el comienzo: debutó con ‘About Last Night’ (‘¿Qué pasó anoche?’, 1986).

Con su primer papel como protagonista, en la rescatable ‘Johnnny Suede’, comedia romántica de Tom DiCillo, logró su primera nominación a los Independent Spirit Awards, y eso fue el comienzo de un largo recorrido por el cine indie, con el que ha logrado sus mayores satisfacciones. En la cinta de DiCillo hacía de una profesora que mantenía una relación incipiente con una promesa del rock, curiosamente interpretada por un desconocido, por entonces, Brad Pitt.

Posteriormente, volvería a conocer buenas críticas, elogios y alguna nueva nominación independiente con la comedia dramática ‘Walking and Talking: nadie es perfecto’, aunque reconozco que ya me encandiló en ‘Vivir rodando’, nuevo trabajo bajo las órdenes de DiCillo y ya convertida en su musa. Aquí, compartía cartel con Steve Buscemi y Dermot Mulroney (su marido). Y, por supuesto, en una de esas pequeñas películas que suelen pasar por la cartelera sin armar mucho ruido, pero que su visionado deja un gran sabor de boca. Me refiero a ‘Caja de luz de luna’ (1996), dirigida también por Tom DiCillo y que junto a John Turturro, Sam Rockwell y Dermot Mulroney. Una historia no demasiado original pero que transmite un enorme optimismo contagioso y que resulta, quizás, uno de los mejores trabajos del realizador. Keener enamora a la cámara y está sobresaliente.

Quizás también se enamoró de ella Steven Soderbergh que la acogió también como una actriz recurrente para su cine. Le dio un papel como secundaria en ‘Un romance muy peligroso’ (1998), con George Clooney y Jennifer Lopez.

Tampoco es que huyera de las grandes producciones, pero siempre se ha encontrado más a gusto en el independiente. Aún así, podemos destacar su aparición en ‘Asesinato en 8mm’ de Joel Schumacher y también en ‘La intérprete’ de Sidney Pollack, aunque ambas sean películas poco notables.

Pero con la cinta con la que alcanzó un status más alto y también mayor popularidad, fue con la inclasificable ‘Cómo ser John Malkovich’ (1999), de Pike Jonze, con la que estuvo en la terna de los premios más importantes, incluidos el Globo de Oro y el Oscar a la mejor actriz de reparto. Situación que volvió a repetir con ‘Truman Capote’ en 2005, valorada cinta en torno al popular escritor y en el que, nuevamente, Keener impregnaba cada aparición suya con notable talento.

A pesar de lo comentado Catherine Keener es una actriz versátil, capaz de moverse con soltura en el drama, la comedia y el cine más experimental (‘Full Frontal’ de Soderbergh como ejemplo).

Más recientemente la hemos visto en títulos tan dispares como la brillante ‘Hacia rutas salvajes’, el dramón (fallido) de Winterbotton ‘Génova’ y ‘En donde viven los monstruos’ nuevamente con Jonze, ‘El solista’ o ‘Percy Jackson y el ladrón del rayo’. Pendiente queda el experimento alabado de Kaufman ‘Synecdoche, New York’, cinta que no aún no ha llegado a nuestras pantallas, a pesar de las buenas críticas obtenidas.

Todo hace indicar que Catherine Keener ya tiene su puesto afianzado en el cine independiente y aún le queda mucho recorrido, y seguros éxitos en él. Hoy cumple 51 años y sigue espléndida como siempre.