Mi conocimiento sobre Carlos Aguilar se remonta en el tiempo casi tres décadas, cuando se publicaba la primera edición del libro por el que muy probablemente le conoció casi todo el mundo, la famosa ‘Guía del Vídeo Cine’, llamada actualmente ‘Guía del Cine’. Actualizada cada cierto tiempo, es el diccionario de películas más amplio que mis ojos han llegado a ver, un excepcional libro de consulta que estoy seguro ha servido de gran ayuda a muchos cinéfilos. En dicho libro ya puede apreciarse el estilo de Aguilar, que tira hacia la síntesis bien entendida, y sobre todo su contundencia a la hora de expresar sus opiniones, lo cual le ha conllevado cierta fama de polémico en el sector. Entre sus obras dedicadas al séptimo arte podemos encontrar, entre otros, libros sobre Sergio Leone —la edición del 2009, muy diferente a la del 99, y cuya lectura la considero obligada para todo amante del cine—, Clint Eastwood, y el muy reciente dedicado a la figura de Jesús Franco. También ha escrito libros de ficción, en los que el cine tiene una importante presencia, como por ejemplo ‘Nueve colores sangra la luna’.

Español de nacimiento, italiano de corazón, Carlos Aguilar sigue fiel a sí mismo desde que empezó, algo que no pueden decir muchos. Ha sido un verdadero placer realizar la entrevista que Carlos ha concedido a Blogdecine, ya no sólo por lo que su libro más famoso ha significado para mí, sino por mantener con él una de esas conversaciones en las que se disfruta y de las que siempre se quiere más. Una extensión de nuestras charlas por medio de ese invento tan cuestionado hoy día: Internet. En su facebook y su página web podréis encontrar más información sobre Carlos Aguilar y su obra. Aquí os dejo esta suculenta entrevista que no dejará indiferente a nadie.

• Te gusta más que te llamen escritor que crítico, pero lo eres. ¿Se hace o se nace?

Bueno, prefiero que me llamen “escritor” porque es un término que engloba el de “crítico” y también el de las otras facetas de la escritura que he cultivado (novelista, ensayista); entonces, es más completo y está más justificado. En cuanto a la segunda parte de la pregunta, el crítico primero Nace y después se Hace. Como el músico, o el pintor. Es decir, requiere unas condicionas innatas, sin las cuales no hay nada que hacer, y después aprender el oficio, en el sentido profesional del concepto.

• ¿Consideras que la escritura sobre cine o crítica cinematográfica en España posee un buen nivel?

Nuestro nivel al respecto no es mejor ni peor del que puedan tener en Francia o Italia, por elegir países europeos cercanos. Tanto ellos como nosotros tenemos de todo, de lo mejor a lo peor. Así que de complejo de inferioridad, nada.

En la presentación del libro sobre Jesús Franco, con Jack Taylor y Raúl García

• ¿Cómo ves la nueva ola de escritores que han surgido gracias a ese invento tan odiado y amado por muchos llamado Internet?

Predomina lo malo, en el sentido de que abunda la falta de rigor e incluso la chulería, el “esto es así porque lo digo yo en mi blog”. Pero también ha surgido gente válida, que está aportando textos interesantes, e incluso rellenando huecos.

• Compaginas tus libros de ficción con ensayos cinematográficos sobre todo de directores (Leone, Eastwood), ¿con qué te encuentras más cómodo y por qué?

Ambas facetas tienen sus satisfacciones, pero me resulta más excitante la de novelista. Crear una historia, desarrollarla guardando un ritmo y plasmando una atmósfera, inventar personajes y relacionarlos, atinar con los diálogos… me aporta una actividad intelectual creativa más estimulante que cualquier análisis cinematográfico.

• La famosa Guía del Cine ha ayudado a generaciones enteras de cinéfilos siendo un imprescindible libro de consulta. ¿Cómo surgió la brillante idea de hacer un libro que recopilase el mayor número de películas posibles?

Bueno, era el momento. Había aparecido ya algún diccionario de películas en inglés (TV Movies, Halliwell’s Film Guide) y aún nada en Alemania, Francia, Italia… Sí en España, un recopilatorio editado por la Guía del Ocio, pero era espantoso. Por añadidura, el caos del sector videográfico español reclamaba una obra de este tipo, clarificadora y con sentido crítico, y así se planteó, dando prioridad a las películas editadas en tal formato. Superado el boom del video, desapareció la palabra del libro y mejoré el planteamiento. Pero ya en la primera edición, me empeñé, para personalizarlo más allá de mi criterio, en incluir todo el cine español, pues tal recopilación entonces no existía en obra alguna, ni oficial ni comercial. Y me lancé a la tarea, cuando apenas había fuentes de documentación a las que recurrir, no digamos ya Internet. Las primeras ediciones están escritas con una máquina de escribir que ni siquiera era eléctrica, una olivetti roja que nunca olvidaré. Así que ya puedes imaginar la odisea que representó escribir este libro, no sólo intelectual sino material! Al comienzo de cada jornada, me levantaba con unas agujetas tremendas por culpa de la anterior.

• Cada cierto tiempo lo vas actualizando, ¿qué sueles tener primero en cuenta, nuevos títulos o repasar aquellas películas que casi no recuerdas?

De todo. Repasar películas que ya están, incluir producciones nuevas… pero también antiguas, de todas las épocas, países y modalidades, con ánimo de ampliar la obra adelante y atrás, cronológicamente hablando.

• Siempre faltarán títulos en el libro, pero ¿aspiras a la utópica realidad de que el libro esté completo?

Nunca he aspirado a realidades utópicas. Simplemente, procuro que el libro sea lo mejor posible en la medida de mis posibilidades. Pero perfecto, o impecable, jamás podrá serlo, porque la naturaleza de la obra lo impide.

Carlos Aguilar, Anita Haas y John Phillip Law

• ¿A quiénes consideras tus maestros en la crítica de cine?

A nadie en particular. Pero de jovencito me gustaban mucho críticos como César Santos Fontenla, José Luis Guarner, Juan Tébar, Juan Cobos, Jaime Picas y Miguel Marías.

• Te caracterizas por poseer una capacidad de síntesis realmente envidiable. ¿Rehuyes del análisis sesudo de una película o crees que no es necesario profundizar tanto en algo que a la mayoría de la gente no le interesa?

Ni lo uno ni lo otro. Simplemente suscribo lo de “lo bueno, si breve, dos veces bueno”, por un lado, y, por otro, con los años me he ido volviendo progresivamente sintético, respecto a evolución estilística. Por añadidura, pienso que un texto no es necesariamente más profundo por ser más largo.

• ¿Es la crítica de cine necesaria?

Siempre lo ha sido, y siempre lo será. Contribuye a apreciar, o despreciar, más y mejor la película, enriqueciendo o relativizando el criterio del lector.

• ¿Qué crees que un crítico debe aportar, y en tu caso particular, cuáles son los puntos que más te interesan a la hora de escribir sobre una película?

Pienso que lo ideal es compaginar la información objetiva con la valoración subjetiva. Lo primero, para que el lector sepa cómo, cuándo y por qué se ha hecho la película, conozca el contexto en que surge y sepa quienes son los profesionales que la han hecho posible. Lo segundo, para suscitar un cierto debate con el lector, debate que si se hace bien puede ser apasionante para éste, si ha visto la película, o emplazarle de cierta manera, si no la ha visto.

• ¿Lees blogs de cine, y en general qué opinión te merecen?

Sí que los leo, a menudo. En cuanto a opinión, reitero mi respuesta a la pregunta tercera.

• Tienes fama de polémico y el público a veces reacciona en contra, ¿te has acostumbrado ya a ello o simplemente no tienen razón?

Me he acostumbrado a ello. Figúrate, ya tengo a la espalda casi treinta años de ser polémico, si no me hubiera habituado me habría vuelto esquizofrénico o paranoico.

• La pregunta que siempre le hacemos a todos, tus pasiones cinéfilas y también tus fobias. Mójate.

Bueno, pasiones cinéfilas guardo muchas y de toda clase. De los clásicos mudos al cine italiano de los años 60, fíjate si podría decirte… Pero siento una devoción especial por Orson Welles, John Ford, Max Ophuls, el Buñuel mexicano y el Bergman en blanco y negro. Estas pasiones decaen con el cine que se hace desde mediados de los años 80, considero que a partir de entonces el Séptimo Arte comienza a desnaturalizarse y degradarse, progresiva e irreversiblemente. Respecto a fobias, también hay tantas… si quieres nombres, entre los fallecidos digamos Stanley Kubrick, Tony Richardson y Arthur Penn. Entre los que están en activo, Lars von Trier, Wong Kar Wai y González Iñarritu. Pero son los primeros que me han venido a la cabeza.

* Muchas veces has expresado tu descontento con el cine actual, pero tu rechazo llega hasta límites insospechados. ¿A qué se debe ese descontento? ¿Hay algún director o directores al que le eches la culpa en concreto? ¿Qué crees que se ha perdido realmente? y ¿de verdad no hay esperanza?

Sucede que considero que el Cine comenzó a decaer y degenerar desde mediados de los años 80, al perder sus propiedades, su especificidad, en todos los órdenes. Echar la culpa en concreto, no es fácil… pero a buen seguro en el cine comercial todo comenzó cuando “las películas comenzaron a parecer su propio trailer”, como genialmente resumió Wenders. En cuanto al de autor, por mantener la dicotomía tradicional, capto que comenzó a amanerarse, por un lado, y quedarse sin ideas, argumentales y formales, por otro.

• Entre los realizadores en activo, ¿quién consideras que es un genio o se acerca a dicha concepción?

Aki Kaurismaki. Es el único que jamás me ha decepcionado. Si me hubieras formulado la pregunta hace unos años, habría añadido a Jim Jarmusch. Pero el cine de éste ha caído en picado desde que trabaja con Bill Murray, que es una de mis fobias. Curioso, es un poco como Scorsese desde que se juntó con DiCaprio.

• Cine español, ¿opinas como Tomás Fernández Valentí, que dice es una pérdida de tiempo?

En absoluto. Disiento, con todos mis respetos para Tomás, gran amigo y gran crítico. El cine español ahora está muy mal, ciertamente, pero ahora están muy mal todas las cinematografías. Pero si te fijas en el grueso de su producción, adviertes que se compone de genialidades, medianías, mimetismos, experimentos, estupideces, subproductos, películas mejores, películas peores… resumiendo, nada que no se aprecie fácilmente en el resto de las cinematografías europeas, cuya historia y evolución, o involución, ha sido, históricamente hablando, bastante menos traumática.

• Vamos con tu admirado Kubrick, ¿no hay una sola que salves de la quema? y ¿qué consideras que hacía mal en sus películas?

Considero que Kubrick es la pomposidad y la vanidad artísticas hechas cine. Por sistema se sitúa por encima de lo que cuenta, cree que cada película suya es LA PELÍCULA, más allá de las modas, los géneros y las épocas. No soporto esa actitud, esa petulancia.

• ¿Qué consideras esencial para que una película sea buena? Pon algún ejemplo.

Pues algo tan somero como la identificación entre propósito y resultado. Cuanto más se aproximen ambos, mejor me parece la película.

• ¿Dónde crees que reside la grandeza de los directores de serie B como Mario Bava, John Carpenter, Terence Fisher o Tourneur?

Resumiendo mucho, en el enorme talento con el cual creaban un mundo artístico propio y reconocible dentro de una serie de convenciones, industriales y artísticas, dentro de las cuales debían amoldarse.

• ¿Hacía Sergio Leone cine de autor, o dicha etiqueta sólo está reservada a aquellos que no hacen cine de género?

Está reservada la etiqueta, efectivamente, dentro de los parámetros convencionales de la Crítica. Mas Leone demostró que dentro del cine de género puede existir una purísima perspectiva de autor, sin que ambas se entorpezcan.

• ¿Crees que Quentin Tarantino aporta algo al cine o sólo es un refrito de videoclub?

Tarantino es inteligente y astuto, sabe rodar y tiene mano para trabajar con los actores. Le pierden la autocomplacencia y el hecho de sentirse obligado a ser reconocible y reconocido, o sea a realizar películas expresamente para la satisfacción de sus fans.

• ¿Crees que Billy Wilder no le llegaba a la suela de los zapatos a Ernst Lubitsch? ¿Y Mitchell Leisen, eran tan malo como Wilder decía?

No, discrepo. El caso de Wilder y Lubitsch me parece el típico ejemplo del alumno que supera al maestro, como Chandler y Hammett en la literatura negra. Y a Leisen no le considero un director malo; no es genial y tiene mucho bodrio, pero también películas tan memorables como ‘Medianoche’ (‘Midnight’, 1939).

• Diez películas que considerarías deben pasar de generación en generación.

Sin repetir directores: ‘Nosferatu, el vampiro’ (‘Nosferatu, eine Symphonie des Grauens’, F.W. Murnau, 1922), ‘Metrópolis’ (‘Metropolis’, Fritz Lang, 1927), ‘Ciudadano Kane’ (‘Citizen Kane’, Orson Welles, 1941) , ‘Pasión de los fuertes’ (‘My Darling Clementine’, John Ford, 1946), ‘Viridiana’ (Luis Buñuel, 1961), ‘El manantial de la doncella’ (‘Jungfrukällan’, Ingmar Bergman, 1960), ‘Toby Dammit’ (el episodio de Federico Fellini de ‘Historias extraordinarias’, 1968), ‘Psicosis’ (‘Psycho’, Alfred Hitchcock, 1960), ‘La cabeza contra la pared’ (‘La tête contre les murs’, Georges Franju, 1959) y ‘El bueno, el feo y el malo’ (‘Il Buono, il brutto, il cattivo’, Sergio Leone, 1966).

• Muchísimas gracias por tu tiempo, Carlos.

De nada, hombre, ha sido un placer.

El productor y distribuidor Enrique Cerezo es uno de los más conocidos en nuestro país y su fama no es precisamente positiva. Por lo tanto, parece que podríamos echarnos a temblar al leer que este hombre va a aportar tres intérpretes —dos femeninas y uno masculino—, parte del personal técnico y financiación al próximo proyecto de Dario Argento, que será una nueva película sobre el Drácula, de Bram Stoker, pero esta vez en 3D.

‘Dracula 3D’, como la llamarán tras devanarse los sesos, constituirá una coproducción entre Italia, Francia y España de la que ya se viene hablando desde mayo, donde surgió durante el mercado cinematográfico de Cannes, pero que hasta ahora no se había convertido en realidad. Y eso ha ocurrido gracias a la participación de Multimedia Film Prods y Les Films de l’Astre. El rodaje, que se hará en inglés y contará con un presupuesto inicial de 13’2 millones de euros, está previsto que comience en febrero del 2011 en Hungría.

Con la noticia del último rodaje de Argento, explicaba lo que se entiende por giallo y de dónde procede la idea de llamar «amarillo» al terror italiano. Dario Argento es el mayor representante de este género, con títulos tan conocidos como ‘Suspiria’, ‘Rojo oscuro’ (‘Profondo Rosso’) o ‘Inferno’ , entre muchísimos otros. Así que, cuando hablamos de su proyecto, no hablamos de cualquier cosa.

Vía | Variety.

La reciente muerte de Mario Monicelli me de vuelto a la memoria una comedia que marcó mi infancia: ‘Habitación para cuatro’ (‘Amici Miei’, 1975). Durante años siempre hablaba de «aquella película en la que un grupo de señores ya entrados en edad se dedicaba a reunirse para hacer el gamberro: cosas como ir a la estación de tren a dar tortazos a la gente que se despedía desde el vagón». Cuando, tras mucho tiempo, pude revisarla, la película no había perdido en absoluto. Seguía siendo igual de única, vital, desesperada y divertida que aquella maravilla que había visto hacía tanto tiempo.

‘Habitación para cuatro’ nos cuenta la historia de un grupo de amigos que sólo se sienten verdaderamente vivos y felices cuando son capaces de escapar de su «vida» cotidiana. Son gente como el periodista Perozzi (Philippe Noiret), el arquitecto Melandri (Gastone Moschin), el barman Necchi (Duilio del Prete), dueño del bar en el que todos se reúnen por la noche, y el conde Mascetti (Ugo Tognazzi), un noble arruinado que malvive en un sótano, pero que no renuncia a intentar mantener las apariencias, y que, además de mujer e hijo, tiene una amante.

La película nos narra todas las bromas pesadas que estos gamberros creciditos se dedican a cometer, logrando no sólo un efecto desternillante – algunas escenas son de antología de la comedia –, sino también contagiar una euforia liberadora que produce esa búsqueda de la alegría de vivir que una vez tuvieron.

De alguna forma, ‘Amici Miei’ —que en realidad se traduciría por «amigos míos»— es una especie de respuesta o continuación a esa magnífica película de Federico Fellini que era ‘Los inútiles’ (‘I Vitelloni’, 1953). En aquella película, protagonizada por Alberto Sordi, se analizaba la falta de perspectivas o el no querer afrontar ciertas cuestiones que aparecen en puntos cruciales de la vida. La visión de Fellini, entre crítica, compasiva o triste sobre unos personajes que preferían seguir siendo unos «inútiles», tiene un interesantísimo relevo en la película de Monicelli: años después, unos personajes que han tomado sus elecciones vitales, reniega de prácticamente todo: familia, trabajo… En su camaradería masculina – un tema recurrente en Monicelli, a pesar de que ‘Habitación para cuatro’, en un primer momento, fuese a ser dirigida por Pietro Germi – es donde encuentran la verdadera felicidad.

Evidentemente, ‘Habitación para cuatro’ no se limita a ser una mera acumulación reiterativa de gamberradas. Contiene un crescendo, que se logra mostrando consecuencias cada vez más peligrosas de sus acciones, como acabar en un hospital o provocar un gran conflicto conyugal. Lo brillante, sin embargo, es la forma tan divertida y casi anarquista en la que la película sabe resolver cada situación. Como, por ejemplo, que Melandri, enamorándose de la mujer del doctor Sarassoli (Adolfo Celi), termine (spoiler) logrando no sólo que éste último se divorcie sino que, además, pase a formar parte del grupo (fin del spoiler).

Una película de este tipo exige mucho de sus actores para lograr funcionar. Y, con pesos pesados como Philippe Noiret o Ugo Tognazzi, está claro que ‘Habitación para cuatro’ cumple ese expediente con nota. Da casi vértigo pensar a qué cotas de calidad se hubiese llegado de contar – como llegó a estar previsto – con Marcello Mastroinni en el reparto.

Si algo se le puede reprochar a esta espléndida comedia es que no le hubiese venido mal un montaje más afinado. Sus 140 minutos de duración se hacen algo excesivos, sobre todo en escenas como la del hospital, que parece que fuese a constituir el segundo acto de la película en su integridad. Sin embargo, luego logra remontar el vuelo con gags memorables que no voy a relatar para no destriparlos. Como muestra, el siguiente escatológico momento:

Sin embargo, el radical, consecuente y espléndido final es el que termina por poner un broche de oro a ‘Habitación para cuatro’ y convertirla en una película coherente y poderosa. (spoiler) En un momento dado, el personaje de Philippe Noiret muere de un infarto. En la escena final, que es la de su funeral, sus amigos, en vez de tener una revelación con la que cambiar su actitud, lo que ven es otra posibilidad para gastar una de sus bromas. Nada es serio en la vida: ni la familia, ni el trabajo, ni la iglesia ni ninguna institución. Hasta la muerte es otro inmenso chiste y la muerte real de Monicelli parece una malvada respuesta del destino (fin del spoiler).

Monicelli dirigiría una secuela de esta película: ‘Un quinteto a lo loco’ (‘Amici Miei, Atto II’, 1982) y Nanni Loy rodaría la tercera parte, ‘Amici Miei, Atto III’, en 1985. ‘Habitación para cuatro’ me parece tan redondo que dudo que estas secuelas aporten algo más que el querer seguir escapando de nuestras miserias viendo a la gente que tuvo el valor de hacerlo hasta sus últimas consecuencias. No es poco.

Después de esto apagaré el ordenador, ni siquiera veré mi película diaria y me meteré en la cama deseando despertar en un día que sea mejor que éste, cinematográficamente hablando. El director de cine Mario Monicelli se ha suicidado a los 95 años en Roma. Monicelli saltó desde la ventana de la habitación del hospital en el que estaba ingresado.

Guionista en más de 100 películas y director de casi 60, Mario Monicceli fue uno de los maestros de la comedia italiana, tan poco considerada por estos lares. Su trabajo como escritor aspiró al Oscar en la categoría de mejor guión en dos ocasiones, ‘Camaradas’ (‘I Compagni’, 1963) y ‘Casanova 70’ (id, 1965), y tres de sus películas como director optaron al premio de mejor película de habla no inglesa: ‘Rufufú’ (‘I soliti ignoti’, 1958), una de sus películas más famosas, un enorme éxito que parodiaba las películas de golpes perfectos, estilo ‘Rififi’ (‘Du rififi chez les hommes’, Jules Dassin, 1955) —de ahí su estúpido título español—, ‘La gran guerra’ (‘La grande guerra’, 1959) y ‘La ragazza con la pistola’ (id, 1968), que ofrecía la vis cómica de la actriz Monica Vitti.

Monicelli trabajó con algunos de los más famoso actores y actrices italianas, desde Vittorio Gassman hasta Marcello Mastrioanni, pasando por Totò, con el que realizó la saga sobre el personaje de mismo nombre, y que tuvieron un enorme éxito en nuestro país en sus pases televisivos. Para muchos de nosotros es imposible no relacionar nuestras tardes de sábado frente al televisor con películas como ‘Totó busca piso’ (‘Totò cerca casa’, 1949) o ‘Totò e Carolina’ (1955), que sin ser grandes obras conseguían con creces lo que muchas comedias de hoy no hacen: divertir.

Hasta siempre Mario

Vía | Las horas perdidas

Por algún motivo que no acierto a explicarme, ya que se trata de una cinematografía con una tradición magistral y del país con el que probablemente más idiosincrasias compartamos, se estrenan en nuestro país escasos títulos de cine italiano. Afortunadamente, para paliar la inexplicable carencia que se produce en las carteleras, durante una semana, los habitantes de Madrid tendrán la posibilidad de ver el cine de nuestros vecinos que se han estado perdiendo.

Desde mañana, 25 de noviembre, y hasta el 2 de diciembre, tendrá lugar la tercera edición del Festival de cine italiano de Madrid, en la que encontraremos títulos firmados por directores como Gabriele Salvatores, Giuliano Ricci, Andrea De Sica, Mario Martone, Ascanio Celestini o Massimo Coppola, entre otros.

Se dedicará un homenaje Pier Paolo Pasolini, quien fue asesinado en misteriosas circunstancias hace treinta y cinco años, que contará con la proyección de un vídeo sobre él y la exposición fotográfica ‘Imágenes Corsarias. Retratos de Pier Paolo Pasolini‘. Y no será la única exposición fotográfica que se englobe en este festival italiano, pues en el CaixaForum puede verse la titulada ‘Federico Fellini. El circo de las ilusiones’.

Durante la inauguración, se hará entrega del Premio a toda una Carrera a Mario Martone. Su último film, ‘Noi credevamo’ , basado en la novela de Anna Banti y centrado en la unificación de Italia, de la que se cumplen 150 años en 2011; se proyectará el día 26 a las 19:30, por primera vez fuera de Italia, y con la presencia del propio Martone.

De ‘Noi credevamo’ («creíamos») se habló, no precisamente de forma halagüeña, durante el Festival de Venecia de este año. Se decía que se sospechaba que estuviese en el Festival sólo por ser de la nacionalidad de la casa, aunque eso se contrapondría con que el director describe a Italia como un país «obtuso, soberbio y asesino». Pero eso no parece ser lo malo del film, sino su duración: pocos soportaron los 204 minutos. En Italia, sin embargo, la versión reducida, pero tampoco muy corta, de 170 minutos, ha sido un éxito de público, ya que se estrenó el día 12 de noviembre con 30 copias y este número ya ha tenido que duplicarse.

Otro film presentado en Venecia podrá verse igualmente durante este festival. Se trata de ‘La pecora nera’ («La oveja negra»), de Ascanio Celestini (a este film corresponde la imagen del inicio).

Se completa la sección oficial de largometrajes con ‘20 Sigarette’, de Aureliano Amadei; ‘Gorbaciof’, de Stefano Incerti; ‘Hai Paura del buio’ , de Massimo Coppola; ‘Into Paradiso’, de Paola Randi; ‘Malavoglia’, de Pasquale Scimeca; ‘La passione’, de Carlo Mazzacurati; ‘La prima cosa bella’, de Paolo Virzì, y ‘Pietro’, de Daniele Gaglianone.

El festival se completa con la Sección de Documentales y con la de Cortometrajes a concurso y con actividades paralelas, entre las que se cuenta el homenaje al cine de animación con la proyección de ‘Allegro non troppo’, de Bruno Bozzetto. Además de eso, durante el Festival será posible encontrar a sus protagonistas todas las mañanas a las 12 horas en el Instituto Italiano de Cultura de Madrid, tomando un café.

Las proyecciones tendrán lugar desde el 26 de noviembre hasta el 2 de diciembre, en versión original subtitulada, en los Cines Verdi de Madrid. El ingreso será libre hasta completar el aforo. Los horarios pueden consultarse aquí.

También en Blogdecine | Primera edición del Festival de cine italiano de Madrid (2008).

Vía | Página web oficial del Festival de cine italiano de Madrid.

Voy terminado por fin con Sitges 2010, con esta entrada lista ya sólo me queda una más, donde además aprovecharé para responder a una petición que han realizado algunos lectores: una lista con los títulos más destacados. Tras los comentarios sobre tres producciones asiáticas, os traigo ahora mis impresiones sobre tres europeas, entre las que destaca un extraño y sugerente thriller italiano.

‘De mayor quiero ser soldado’, Spanish History X

Cuenta Christian Molina que su tercer largometraje, ‘De mayor quiero ser soldado’ (2010), nació a raíz de una estadística. Según parece, cuando un joven alcanza la mayoría de edad, sus ojos han contemplado 40.000 asesinatos y 200.000 actos de violencia, a través de medios como la televisión, el cine o los videojuegos. Imagino que una parte de vosotros se habrá escandalizado con los datos, y estará negando dramáticamente con la cabeza, mientras que otra parte estará arqueando una ceja y sospechando qué camino ha elegido Molina con su nuevo trabajo. Si no, ya os lo digo yo: ha optado por el fácil. El realizador español aseguró en Sitges que su película no pretende ser aleccionadora, pero no es lo que uno se encuentra; así que o se hace el tonto o ha errado totalmente con su enfoque.

Para que os hagáis una idea, y sin estropear ninguna sorpresa de la trama, el chico protagonista pide insistentemente a sus padres tener una televisión en su cuarto, como la tienen todos sus amigos. Cuando la consigue (la figura paterna es muy criticada en el film), nada más encenderla se encuentra con imágenes reales de guerra y muerte; cambia de canal, y lo mismo; pone otro, y más lo mismo. Molina ilumina la cara del chaval con las luces de las explosiones, los disparos y las muertes. Y nace un monstruo. El acceso a la violencia cambia por completo al chico, por dentro y por fuera (así como la decoración de su habitación), de dulce y cariñoso a tenso y agresivo, de querer ser astronauta a soñar con ser soldado.

‘De mayor quiero ser soldado’ (coproducción entre España e Italia que internacionalmente se vende como ‘I Want To Be A Soldier’) está escrita por Cuca Canals y Molina (‘Rojo sangre’, ‘Diario de una ninfómana’), y cuenta con un elenco en el que destacan los nombres de Valeria Marini, Robert Englund y Danny Glover, esto es, iconos del sexo, el terror y la acción. Ninguno de los tres protagoniza la historia, la primera interpreta (es un decir) a la maestra del chico, el segundo da vida a un psiquiatra (poco creíble, es el apoyo científico al mensaje del guión) y el tercero encarna al director del colegio. Este último solo interviene al principio y al final del film, tras los créditos, para ser la voz de la responsabilidad y la moralidad, dando un discurso muy serio y profundo, bonita y hueca palabrería, que invita más al cachondeo que a la toma de conciencia.

Aparte de la simplista visión de las cosas (incluso peligrosa por lo que intenta resolver, como si prohibiendo ver la tele o los juegos violentos arregláramos el mundo), hay que reconocer que se trata de una producción técnicamente impecable, y que hay dos personajes a los que saca un gran rendimiento. Sin duda lo más sobresaliente del film son las interpretaciones del joven Fergus Riordan (llamado Alex en la ficción, un nombre ligado a cierta polémica película de Stanley Kubrick), muy bien dirigido, aportando una autenticidad impagable al relato, y de Ben Temple, sensacional dando vida al amigo imaginario de Alex, primero un amistoso héroe de la exploración espacial y luego un inflexible instructor militar (calcado a otro mítico personaje de la obra de Kubrick). Con un guión más inteligente, menos manipulador, menos exagerado, podríamos estar hablando de una película importante.

‘Les sept jours du Talion’, una venganza demasiado fría

‘Les sept jours du Talion’ (2009) comienza con una serie de planos estáticos que muestran el interior de una casa; silenciosa, descuidada, fría, muerta. La puerta de una de las habitaciones está bloqueada por un tablón de madera. El dueño de la vivienda, que estaba acostado en el sofá (se intuye que no ha podido dormir), se levanta y se sienta frente a la televisión. Enciende el vídeo y comienza una grabación de una cámara de seguridad; una mujer es tomada como rehén por el asaltante de una tienda, que en un momento determinado le dispara en la cabeza. El hombre rebobina y vuelve a ver el mismo suceso. No necesitamos diálogos, voz en off o letreros para entender qué ha ocurrido. La película va a narrar la historia de otra persona que puede acabar de la misma forma, en el mismo infierno, y nos invita a mirar, reflexionar y ¿condenar?

Escrita por Patrick Senécal, a partir de su novela homónima, ‘Les sept jours du Talion’ (conocida internacionalmente como ’7 Days’) nos traslada a Drummondville, Canadá, donde un matrimonio está despidiéndose de su hija de ocho años, que se marcha al colegio. No volverán a verla viva; la pequeña es raptada, violada y asesinada. Por fortuna, la policía atrapa pronto al culpable. Sin embargo, el padre (Claude Legault) no está satisfecho, quiere venganza y no está dispuesto a dejar el asunto a la justicia, por lo que traza un plan y secuestra al pederasta. Cuando lo tiene en su poder, avisa a la policía que piensa retener y torturar al asesino de su hija durante siete días, y que luego lo ejecutará.

Aunque hay sangre y escenas desagradables, Senécal y el debutante Daniel Grau, alias Podz (hasta ahora realizador de televisión y publicidad), no están interesados en ofrecer otro producto “torture-porn”, otra ‘Saw’; ‘Les 7 jours du Talion’ muestra actos violentos pero no los convierte en espectáculo. La idea principal es plasmar la desesperación de un hombre y reflexionar sobre su idea de justicia, el viejo ojo por ojo. ¿Está bien lo que hace? ¿Harías tú lo mismo? ¿Y luego qué? La película no tiene piedad, es muy seca y no da respuestas fáciles, esto no es Hollywood. Por otro lado, Podz se toma demasiado tiempo para narrar una historia demasiado simple, se recrea y subraya situaciones de escaso contenido. Su ópera prima queda muy descompensada, lenta, cuesta seguirla con interés, y de perturbadora pasamos a una desesperante venganza.

‘La doppia ora’, inquietante realidad

‘La doppia ora’ (2009) también la firma un debutante, Giuseppe Capotondi (fotógrafo y realizador de publicidad y videoclips), e igualmente es una propuesta de estilo visual sobrio, elegante, realista; una factura totalmente alejada del producto estadounidense que invade las carteleras. Sin embargo, mientras que la película canadiense está construida alrededor de una situación cuyo desarrollo se estanca y deja de resultar interesante, la italiana (además de durar unos veinte minutos menos, que siempre se agradece) propone una ingeniosa mezcla de géneros que va del drama romántico al terror psicológico. Peca de rellenar metraje con planos vacíos (uno de los males del cine europeo y de autor), supongo que con la excusa de crear atmósfera o aportar personalidad al relato, pero la película funciona, genera mucha tensión y resuelve los interrogantes planteados de manera impecable.

Alessandro Fabbri, Ludovica Rampoldi y Stefano Sardo son los responsables del estupendo guión de ‘La doppia ora’ (también conocida como ‘The Double Hour’), cuya historia gira en torno a Sonia (Ksenia Rappoport, elegida mejor actriz en el festival de Venecia por este papel), una inmigrante de Europa del Este que limpia habitaciones en un hotel de Turín. Nada más iniciarse la película, y mientras Sonia está en el baño, una joven se lanza inesperadamente por la ventana. No será la única muerte cercana a la protagonista, que parece desconectada de la realidad, como un ente aparte de todo lo demás. Entonces conoce a Guido (Filippo Timi), un solitario expolicía, y la relación parece cambiar su vida, justo antes de que otro suceso violento se cruce en su destino. Merece la pena tirar del hilo y descubrir el resto, si no vais buscando el típico thriller made in USA. No es ninguna maravilla, pero engancha, Capotondi se desenvuelve con soltura con un sorprendente relato que nunca pierde fuerza, pese a los giros y el constante cambio de tono.

El productor italiano Dino De Laurentiis ha fallecido hoy en su casa de Los Ángeles, a la edad de 91 años. Laurentiis nació el 8 de agosto de 1919 en la localidad de Torre Annunziata, pero desde principios de los 70 vivía en los Estados Unidos, a donde se fue con toda su familia para seguir probando suerte como productor, después de la crisis en el cine italiano que le obligó vender sus estudios Dinoccitta, creados por el propio De Laurentiis tras su ruptura con el famoso Carlo Ponti a finales de los 50.

En su etapa italiana el nombre de Dino De Laurentiis estuvo asociado a títulos tan conocidos como ‘La strada’ (id, Federico Fellini, 1954) o ‘Las noches de Cabiria’ (‘Le Notte di Cabiria’, Federico Fellini, 1957), y también de famosas coproducciones históricas, como el caso de las magníficas ‘Guerra y paz’ (‘War and Peace’, King Vidor’, 1956) o ‘Barrabás’ (‘Barabba’, Richard Fleischer, 1961). En su etapa hollywoodiense fue productor de películas como ‘Serpico’ (id, Sidney Lumet, 1973), ‘Los tres días del cóndor’ (‘The Three Days of Condor, Sidney Pollack, 1975), ‘Flash Gordon’ (id, Mike Hodges, 1980), ‘Ragtime’ (id, Milos Forman, 1981), ‘Conan el bárbaro’ (‘Conan the Barbarian, John Milius, 1982), ‘Dune’ (id, David Lynch, 1984) —protagonizando un estruendoso enfrentamiento con su director, debido al mal humor del productor italiano—, ‘Manhattan Sur’ (‘Year of the Dragon, Michael Cimino, 1985), ‘El ejército de las tinieblas’ (‘Army of Darkness, Sam Raimi, 1992) o ‘Hannibal’ (id, Ridley Scott, 2001).

Se casó dos veces, la primera con la actriz Silvana Mangano, y la segunda con la productora Martha Schumacher. Su hija Raffaella De Laurentiis también se dedica a la producción de cine, desde el año 1987. Dino De Laurentiis recibió numerosos premios a lo largo de su carrera, entre los que destaca el Irvin G. Thalberg, otorgado en el 2000 por la Academia de Hollywood.

Hasta siempre, Dino

Vía | El país (gracias a todos los que nos habéis avisado)

Estáis fuera de toda legalidad, nadie en la tierra sabe que estáis aquí. Por lo que respecta al mundo, vosotros ya estáis muertos.

Cecil B. deMille decía que las películas deberían empezar por un terremoto, y a partir de ahí, subir en intensidad. Pues bien, respetando esta máxima, empezamos el especial de cine polémico por lo más alto (o lo más bajo, según se mire): la terrible ‘Saló o los 120 días de sodoma’ (‘Salò, o le 120 giornate di Sodoma, Pier Paolo Pasolini, 1975). Sin lugar a dudas, la experiencia más extrema que he vivido jamás con un film. No existe nada igual. Nada. Es una película que mucha gente conoce sólo de oídas, o, a lo sumo, ha visto alguna escena en concreto que le ha provocado el más absoluto de los rechazos.

Prohibida en infinidad de países, un atentado contra Dios según la iglesia, una película fascista y sanguinaria según cierta parte de la crítica, los desvaríos de un loco comunista según la otra parte. Un escándalo para todos. Lo que voy a intentar explicar con esta crítica es si ‘Saló’ es simplemente la obra de un enfermo o hay más tras sus imágenes de violencia y vejación, tras la sangre y la mierda. No será un viaje agradable, pero en fin, yo mismo me lo he buscado. Bienvenidos a la República Independiente de Saló. Bienvenidos al infierno.

El Imperio del Mal

Pasolini: ateo, comunista, homosexual, escritor, poeta, cineasta. Un ser profundamente contradictorio: tanto como para hacer un film como ‘El evangelio según San Mateo’ (‘Il Vangelo Secondo Matteo’, 1964), ampliamente celebrado por el Vaticano y después crear este ‘Saló’, poco menos que el Anticristo para la iglesia católica. ¿Qué significa este perverso objeto inclasificable? ¿Una aberración sin sentido alguno, o una Obra magna irrepetible? Intentemos echar un poco de luz sobre el asunto: la República de Saló (1943-45) fue un estado creado por Benito Mussolini tras su destitución y cambio por Pietro Badoglio en el norte de Italia. El último bastión fascista ante el avance de la resistencia y los aliados en la postrimerías de la Segunda Guerra Mundial. Pero el que realmente movía los hilos de este gobierno era un tal Adolf Hitler. Éste será el marco en el que Pier Paolo Pasolini desarollará la que será su última película antes de que lo asesinaran, basada a su vez en el libro del Marqués de Sade ‘Los 120 días de Sodoma’, cuya gestación se narra en ‘Quills’ (id, Philip Kaufman, 2000). En el escenario de una suntuosa mansión conoceremos a cuatro personajes con nombres harto elocuentes: El Presidente, El Duque, El Obispo y el Magistrado, que representan los cuatro poderes, todos corruptos, todos infernales. Los retratos humanos más repulsivos jamás vistos en una pantalla. Ellos serán jueces y verdugos absolutos de toda vida que pase por sus manos. El poder—el mal—en estado puro.

Los Cuatro Círculos Infernales

La película se divide en cuatro partes, cuatro terribles movimientos, cuatro círculos concéntricos basados en los nueve círculos en los que se dividía el Averno de ‘La Divina Comedia’ de Dante. En el Anteinfierno, asistiremos al secuestro de 18 jóvenes que se convertirán en las víctimas propiciatorias. Ante una suntuosa mansión, se reúnen los cuatro torturadores y dan un ominoso discurso a sus presas: ‘la escapatoria es imposible. Abandonad toda esperanza’. Pasolini no engaña. Desde el inicio nos sitúa en el infierno. De ahí pasaremos al interior de la mansión, en la que un salón majestuoso, un pianista y unos impecables movimientos de cámara contrastarán brutalmente con el contenido de los mismos: una vieja arpía se dedicará a narrar procaces historias para deleite de los aberrantes íncubos mientras los muchachos y muchachas les rodean desnudos y en sumisa actitud, prestos a satisfacer los arrebatos sexuales de sus dueños (recordemos que cualquier tipo de comportamiento que no sea la obediencia total se castiga con la muerte). En esta parte, se asientan las bases del mortal juego. Una de las chicas es asesinada por rezar. El único dios existente aquí son los cuatro (repulsivos) jinetes del apocalipsis. En otro momento, los jóvenes, desnudos y con correas, son obligados a comer del suelo, como perros. Lo primero es matar el espíritu humano. Más tarde se encargarán del cuerpo. En todo este tiempo no hay progresión argumental, la figura retórica dominante es la repetición. Día tras día, relatos y humillaciones se suceden en el espacio único del salón del palacio, con lo que se consigue una asfixiante atmósfera de pesadilla circular.

Y así, entre vejaciones sin más motivo que la propia impunidad de llevarlas a cabo, llegamos al ‘Círculo de la mierda’, y los espectadores abandonan la sala en oleadas. Por méritos propios, es ésta la parte más célebre del film. Aquí se vuelven a repetir los mismos escenarios (el salón-auditorio de las perversas historias), los actores (los cuatro abominables, las viejas y repugnantes prostitutas, las desnudas y aterrorizadas víctimas), pero cambia el contenido de los relatos de las perversas cuentacuentos. Nos adentramos en terrenos tabú, en los más oscuros y repulsivos deseos sexuales. Las humillaciones a las presas humanas llegarán a su culmen, y todo desembocará en un nauseabundo festín—orquestado como si un bouffet de lujo se tratara—de excrementos humanos. El espectador no podrá aguantar la mirada. Pasolini ha llegado al límite del aguante de una imagen fílmica. Después de esto, el director nos niega en redondo cualquier atisbo de final feliz, y en la última parte, el ‘Círculo de la sangre’, comprobaremos que no hay salida posible. Varios de los cautivos son ejecutados por haber mantenido relaciones entre ellos. Todo lo que hace que un ser humano lo sea, de este modo, queda proscrito. Y el final de muchos de ellos será atroz: marcados como ganado, quemados, arrancado el cuero cabelludo, descuartizados bajo un sol abrasador en la escena más desasosegante y cruel jamás filmada. De fondo, dos de los ayudantes de los monstruosos señores, bailan un vals. No hay remordimientos. No hay catarsis. No hay salida.

Conclusión

El cuerpo con arcadas, la mente apaleada, el alma herida. Ésas son las sensaciones que me dejó el visionado de ‘Saló’. Dicho esto, la considero una de las películas más importantes que se han hecho en la Historia del cine. Hablar aquí de Obra Maestra o de horror absoluto está de más. El ser humano es capaz de lo peor, y eso no es ser pesimista, sino realista. Desgraciadamente la historia ha dado ejemplos sobrados de lo último. La lección—brutal—de Pasolini es ésta: que jamás vuelva a existir en ningún momento, en ningún país, en ningún régimen político, sea del signo que sea, una posición de poder tal que pueda disponer de la vida de otros seres humanos a su antojo. Jamás debe volver a pasar. Esta película quiere (y debe) funcionar como revulsivo para los espectadores. Nunca deben darse las circunstancias para otro nazismo. Aquí no disponemos de ningún héroe, de ningún “Schindler”. El que quiera ver, que lo vea, que no le ciegue la mierda. Nunca más la veré. Pero hay que saber. Para no repetir la historia. Como una señal de peligro, como una baliza con una leyenda que ponga: ‘recordad a Pasolini. Recordad Saló’.

Estimado señor: vi sus películas Ciudad abierta y Paisà, que me gustaron muchísimo. Si necesita a una actriz sueca que habla muy bien inglés, que no ha olvidado su alemán, que no es muy comprensible en francés y que en italiano sólo sabe decir “ti amo”, estoy lista para ir a hacer una película con usted.

-Ingrid Bergman (carta a Roberto Rossellini).

Revisando mi colección de DVD’s, reparé en esta ‘Stromboli, tierra de dios’ (‘Stromboli, terra di Dio’, 1950) de Roberto Rossellini. Famosísima en su época sobre todo por el romance extramatrimonial que vivieron durante el rodaje Rossellini, su director, e Ingrid Bergman, su protagonista. Esto provocó que tuviera una acogida crítica nefasta (que no de público) y aún hoy lleva el estigma de ser un mero vehículo de lucimiento para Ingrid Bergman como regalo de un enamorado Rossellini.

Me lancé a ella de inmediato, porque acababa de devorar la fantástica ‘Te querré siempre’ (‘Viaggio in Italia’, 1954) y también por un motivo sentimental: es la película favorita de mi padre. Al terminar de verla, me quedaron claras tres cosas: que ya no hay actrices como la Bergman, que Rossellini hace obras maestras como churros y que mi padre tiene un gusto espectacular.

Roberto Rossellini acababa de dirigir la obra fundacional del neorrealismo, ‘Roma, ciudad abierta’ (‘Roma, città aperta’, 1945), un fantástico alegato antinazi y una carta de amor a los italianos que dieron su vida por la resistencia. El film, aparte de ser inmediatamente prohibido en nuestro país, se llevó la Palma de Oro del festival de Cannes, y acuñó un nuevo género cinematográfico: el neorrealismo italiano, caracterizado por las tramas realistas, actores no profesionales interpretando roles de las capas bajas de la sociedad (a veces, simplemente se interpretaban a sí mismos) y sonido directo.

Ingrid Bergman, actriz sueca y la estrella más grande de Hollywood por aquel entonces. La protagonista de Casablanca (id, Michael Curtiz, 1942) o Encadenados (Notorious, Alfred Hitchcock, 1946). Ganadora de un Óscar. Cuatro veces nominada. Deja la fábrica de sueños y se larga a una ignota isla italiana a rodar en un idioma que no conoce y en unas condiciones extremas. Dos mundos en colisión. El resultado es una Obra Maestra absoluta.

La película narra la historia de Karin, una inmigrante lituana sin papeles y recluída en un campo de prisioneros italiano tras la segunda guerra mundial. Ésta conoce a un humilde pescador y decide casarse con él y escapar así del campo. Él le llevará a una isla presidida por un enorme volcán en permanente peligro de erupción: Stromboli (el Etna, en realidad). El choque de Karin con este mundo es brutal. La isla es de una pobreza extrema. La lava del volcán no permite que crezca nada y las casas son poco más que cuevas. Por otro lado, los lugareños reciben de una manera hostil a nuestra heroína. Es una intrusa en un mundo cerrado, profundamente religioso y anclado eternamente en el tiempo. Una extraña en un espacio mineral, lunar, en el que el propio ser humano es un intruso. Karin ha salido de una prisión para encontrarse en otra, todo ello bajo la omnipresente amenaza del volcán. Es tremenda la escena de la Bergman vagando sin rumbo por las calles desiertas de la localidad mientras oímos el lllanto de un bebé. Nadie sale a su encuentro. Todas las puertas están cerradas y el mar hace la huída imposible. Karin grita de rabia.

El marido asiste aturdido al comportamiento de su esposa e intenta que se adapte a la austera vida de Stromboli. En algún momento parece que lo va a conseguir, pero es imposible. Sus mundos son demasiado diferentes. Karin acaba tachada de adúltera por su amistad con el farero de la isla y su marido decide encerrarla en casa. Una prisión dentro de otra prisión. Entonces todo tiembla. En la película y en la realidad (la erupción era real). El volcán entra en erupción, como una maldición que se repite una y otra vez. Los habitantes de la isla, resignados, se refugian en el mar con sus barcas y rezan a ese dios salvaje para que les perdone la vida. Karin no. Y la película entra en territorio mítico.

Mientras el volcan sigue en erupción, el personaje de Ingrid Bergman consigue huir de su casa-prisión y decide atravesar la ladera del volcán y así pasar al otro lado, donde una hipotética barca le llevaría lejos de allí. La mujer contra el volcán, contra la naturaleza y contra dios. En el trancurso de su asombroso viaje hacia un infierno de cenizas y lava, Karin dialoga consigo misma y con el volcan. Es un diálogo fiero, asombroso, pero la naturaleza es aún más fiera, y Karin acaba implorando a Dios (al volcán) por su destino. La fuerza telúrica de esta escena es pasmosa, al igual que su resolución (que no destriparé), de una modernidad absoluta. Al final, a uno no le queda más remedio que levantarse y aplaudir ante esta auténtica leccion de cine.

Bonus track: la escena de la pesca del atún

Para terminar, una perla, una pieza magistral que funciona de manera independiente al film : Karin quiere tener un gesto de acercamiento a su marido y decide visitarle en su quehacer diario, la pesca. En estos escasos minutos asistimos a un ritual, la caza del atún, que sobrecoge por su fuerza, su autenticidad y su humanismo. Rodada con los verdaderos pescadores de la isla, es un momento mágico. El hombre y el mar. Nada más. Nada menos. Disfrutad.

Además de protagonizar otra de las proyecciones venecianas, ‘Essential Killing’, de Jerzy Skolimoswki, Vincent Gallo presentó ayer a concurso ‘Promises Written In Water’ («promesas en papel mojado»), que ha dirigido tras siete años alejado de la silla de tijera. Pero no sólo dirige: el montaje, el guión, la producción y hasta la música son del propio Gallo. Los 70 minutos de duración lo muestran prácticamente sólo a él. Es decir: se trata de un ejercicio de egolatría, del cacareo de un Gallo que suspendió las ruedas de prensa y no incluyó material ni sinopsis en los catálogos para mantener la imagen de excentricidad que, tras la fugaz aparición de Phoenix, parece que se está convirtiendo en la tónica de esta 67ª Muestra de Venecia.

Gallo trata de mostrar en ‘Promises Written In Water’ temas profundos como la despedida, la muerte, la tristeza, el amor y las relaciones. Sin embargo, se comenta que fracasa en todas sus ambiciones, ya que las imágenes en blanco y negro y los escasos diálogos, en vez de parecer un ambicioso cine artístico, parecen impostadas y pretenciosas. Y no queda claro qué quiere mostrar exactamente con su película. Por lo tanto, el film fue recibido con algunas risas e incluso abucheos durante su primera proyección en el Festival de Cine de Venecia. Su anterior película, ‘The Brown Bunny’ —a la cual pertenece la imagen precedente—, fue calificada como «la peor película jamás seleccionada a concurso» en Cannes 2003, donde recibió más abucheos que la actual.

Cine italiano en Venecia

Paz Vega estuvo en la Mostra, donde parecía más interesada en lucir vestido y demostrar que la maternidad no le había estropeado la figura que en presentar ‘Vallanzasca’, de Michele Placido, donde Kim Rossi Stuart es el protagonista y Vega sólo tiene un breve papel. Esta película, que recrea la vida del criminal más odiado de la reciente historia italiana, Renato Vallanzasca, ha estado acompañada de polémica y ha sido acusada de hacer apología de la violencia, porque muestra al asesino como alguien guay. Nada que no hayan hecho ya los films sobre mafia más célebres de la historia. La diferencia es que los familiares de las víctimas, en este caso, lo tienen todo más cercano. Pero ya se sabe que la publicidad negativa sigue siendo publicidad o que es positivo que hablen de uno, aunque sea mal, así que puedo imaginar que la polémica contribuirá con la notoriedad de la cinta.

‘Noi credevamo’ («creíamos»), de Mario Martone, se dice que tenía una duración insoportable y se sospecha que estuviese en el Festival sólo por ser de la nacionalidad de la casa. Pocos llegaron al final de los 204 minutos centrados en la unificación de Italia, de la que se cumplen 150 años en 2011, y basados en la novela de Anna Banti. El director describe a Italia como un país «obtuso, soberbio y asesino». ¿Y en este caso no hay prohibición de Berlusconi?

Vía | Página oficial del Festival.

Cobertura del la Mostra de Venecia 2010 en Blogdecine:

• John Woo será León de Oro honorífico en 2010.

• Quentin Tarantino presidirá el jurado en el Festival de Venecia 2010.

• Arranca una nueva edición con Aronofsky y Rodríguez inaugurando

• Abucheos para Schnabel y frialdad ante la adaptación de ‘Tokio Blues’.

• ‘Somewhere’, de Sofía Coppola, arranca los aplausos de público y crítica.

• Casey Affleck con ‘I’m Still Here’ convierte a Joaquin Phoenix en la sensación del festival