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Mis secuencias mágicas de cine: Charlot cantando en 'Tiempos modernos'

Antonio Toca — Sat, 31 Jan 2009 09:28:30 +0000

En la biografía novelada ‘Yo, Fatty‘, el propio ‘Fatty’ Arbuckle al referirse a Charles Chaplin lo hace siempre como ese pequeño cómico inglés de gran talento, que le impresionaba por la cantidad de veces que ensayaba hasta tener perfecta sus secuencias. Y es que era un perfeccionista. Cuando Chaplin se metió de lleno en la realización de películas, el tiempo de preproducción, rodaje y montaje del mismo le llevaba bastante tiempo, algo fácil de entender cuando era creador absoluto de todo lo que tuviese que ver con su película. Y como también era productor, sabía jugar con ese tiempo de espera de una manera tan beneficiosa, como para despertar ansiedad entre sus seguidores de cara a un nuevo estreno.

‘Tiempos Modernos‘ es de 1936, y cuantos la han calificado de crítica social sobre el sueño americano, no es más que un canto al optimismo frente a los duros momentos de la época. En realidad, con el auge del sonoro, lo que quería Chaplin era rendirle un homenaje sentido a su gran creación, a ese Charlot que nunca dijo una palabra en pantalla, y que pese a las penurias siempre trataba de salir adelante con alegría. Representaba, y eso lo llevaba el propio Chaplin sobre sus espaldas, la ilusión del hombre bueno y con un corazón noble que siempre se reponía de las desgracias. Así que no es de extrañar, que con todo el tiempo que dedicaba a preparar sus películas, unido a su inmenso talento, ‘Tiempos modernos’ tengan tantas secuencias a destacar, empezando por la de la fábrica, la crisis del Charlot obrero, y ese viaje por las tripas del capitalismo que suponen su tránsito por los engranajes de la máquina…

Sin embargo, si por algo destaca ‘Tiempos modernos’ es porque incluye la única escena en la que Charlot personaje habló en el cine, y hasta ahí Chaplin estuvo sobrado de talento. Siendo icono del cine mudo, cantó en vez de hablar, y no en inglés sino con palabras inventadas, incomprensibles, como si realmente diera igual que hablase o no, insinuando que el talento no dependía de la llegada del sonoro. Afirmación que encerraba muchísimas verdades.

En el filme se incluyeron algunos efectos sonoros como música, cantantes y voces provenientes de radios y altavoces, así como la sonorización de la actividad de las máquinas. Pese a eso, Chaplin se mantuvo fiel a la idea de que sus personajes y Charlot (recordemos que en realidad el personaje y más en concreto en esta película es The Tramp o El Vagabundo) no hablasen. La combinación puede resultar extraña, aunque por el contrario lo que consiguió fue gran expresividad de todos sus actores, todos sus movimientos están medidos al detalle.

De todas formas uno entiende que en realidad, tal como está estructurada la película, con esa introducción tan particular del sonoro y el hecho de que sus personajes estén mudos, que el objetivo real de Chaplin es ir preparando el camino, y para que los espectadores vayamos haciéndonos a la idea: en algún momento de ‘Tiempos modernos’ Charlot va a hablar. Que por fin, los millones de admiradores del personaje van a oír su voz. El acontecimiento, por único, sucede al final del film y con sorpresa.

Charlot trabaja de camarero en un restaurante, y es un desastre, aunque tiene la suficiente habilidad como para ser capaz de entretener a los clientes del establecimiento. Tiene que hacer un número de música, cantando una canción cuya letra no logra aprender. Para salir adelante, el personaje de Paulette Goddard le escribe en un nota la letra de la canción, que Charlot mete en la manga de su camisa, y cuando va empezar a cantar comprueba que la ha perdido, que su única solución consiste en improvisar la letra.

Y ahí Chaplin de nuevo arremete con su enorme talento, permitiendo poder escuchar brevemente su voz, cantando una versión de la canción de Léo Daniderff, Je cherche après Titine, pero con una letra sin sentido, conocida como “Charabia“, e inventada, cuyos sonidos tratan de asemejarse a una mezcla de francés e italiano, con alguna palabra reconocible en inglés. El público en el restaurante no entiende nada pero se divierten, y los espectadores al verlo se preguntan, ¿qué estará diciendo?, y también sonríen. La broma y crítica de Chaplin es fuerte, me imponen unas reglas, pero en realidad soy yo quien va a imponer sus reglas. ¿Queréis oír mi voz? Pues será a mi manera. Charlot le pertenece a él, y no habla, o para la única vez que lo hace, no se le entiende, lo que viene a ser lo mismo. Paga lo que de verdad se deseaba por la época de su estreno, ahí tenéis mi voz para que la escuchéis.

Durante la exposición que le dedicaron a Charles Chaplin el pasado año en el Forum de la Caixa, la secuencia anterior tenía una sala dedicada, con la letra de la canción superpuesta para entender lo que decía, las palabras sueltas unidas sin sentido, pero también existía otros momentos dedicados a esta película.

Es parte de su final, también universal, porque Chaplin lo que estaba haciendo era mostrarnos el adiós de Charlot, acompañado en el camino hacia el futuro que representa esa carretera hacia ninguna parte y que desconocemos lo que la misma les va a deparar. Lo hace con alegría, Charlot no podía acabar triste, no en vano a esta escena se la conoce como Smile, con Charlot tirando de ternura para conseguir que el personaje de Paulette Goddard saque a relucir una sonrisa en sus labios ante tanta mala suerte.

El plano final, con el punto de vista de la cámara desde detrás, viendo alejarse a los dos, es la marca de la casa de todos los trabajos de Chaplin con Charlot. La diferencia estriba en que esta vez Charlot no hace el viaje solo, que ahora tiene una compañera y piensa vivir una aventura con ella, pero que nosotros nunca sabremos cual será. Así quiso apartar Chaplin a su creación.

En 1936, con ‘Tiempos modernos’, Chaplin abandonó a su personaje en la cima, antes de que terceros avariciosos le dijesen que hacer con él, y pese a que quisieron que lo recuperase más tarde con ‘El gran dictador’, ya no era un vagabundo, sino un barbero. The Tramp no podía hablar, su mundo era el cine mudo, el cine sonoro debía pertenecer a nuevos personajes. Esa carretera, y el final que no se ve, es lo que piensa Chaplin de la nueva situación. No sabe que le va a deparar el futuro, pero se adentra en él, como crítica velada a una sociedad que no sabía como levantarse ante el duro despertar del sueño americano.

Otras secuencias mágicas, más cine especial e inolvidable.

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Mis secuencias mágicas en blogdecine:

Robert Mulligan y ‘Verano del 42’

Buster Keaton y los cortometrajes que inspiraron a Pixar en 'Wall-E'

Antonio Toca — Fri, 19 Sep 2008 20:20:14 +0000

Entender la parte muda de Wall-E, no sólo implica pensar en Charlot, supone también pensar en el slapstick y en Buster Keaton, sobre todo por la enorme variedad de gags visuales de esta leyenda del cine que sirvieron de inspiración para los animadores. Resulta que es más conocido por sus largometrajes, y sin embargo, la gente de Pixar se fijó en las obras menos conocidas por el gran público para inspirarse. ¿Y cuáles fueron éstas? Sus 19 cortos de la época muda (que dejándome llevar son una pasada).

Cuentan la siguiente anécdota de ‘Buster’ Keaton, que explica perfectamente su espíritu. En una visita que realizó a Cuba en 1932 se iba a hospedar en el Hotel Nacional, y según contaba el botones que le acompañó a la habitación, cuando abrió la puerta, Keaton siguió andando hasta la ventana, la cruzó y desapareció por ella. El susto del botones fue tan grande, que soltó las maletas y salió disparado hacia la ventana para encontrarse de sopetón al cómico agarrado del alero de la ventana con una mano (se comenta que por aquella época estaba pasando por un divorcio, y sus reacciones eran de lo más imprevisibles). Así eran las especiales bromas del genio, regalos envenenados dirigidos a un único espectador, si eran capaces de disfrutarlas

En los orígenes del cine mudo había un género de la comedia al que se conocía con el nombre de slapstick, gags visuales donde la violencia cómica se ponía al servicio de unos personajes que lograban encandilarnos y divertirnos por medio de la interpretación gestual. En este tipo de género Sennet, Fatty o Harold Lloyd, pero por encima de ellos terminaron destacando Charles Chaplin y ‘Buster’ Keaton, a quien rinde un evidente homenaje Pixar con ‘Wall-E‘ (o como algunos denominan con acierto Buster-E). El slapstick requería y requiere de unas habilidades que se han perdido, y parte de culpa se debe a que hoy en día no se tiene el talento de aquellos genios pioneros. Como comentó el director Leo McCarey, recalcando el estilo libre y sin freno de los días en los que se hacían las slapstick comedies, “Todos tratábamos de apoderarnos de cada uno de los otros gagmen. Pero no tuvimos suerte con Keaton, porque él preparaba los mejores gags para sí mismo y nadie podía robárselos.“

Pero la entrada, como recalcamos al principio de la misma, está dedicada a realizar un repaso a la figura de ‘Buster’ Keaton. En concreto, a la filmografía de sus cortometrajes mudos, aquellos en los que fue el protagonista, no tan conocidos como la de los largometrajes, pero igual de importantes y necesarios para comprender su obra posterior.

Su nombre era John Francis, pero se cogió el apodo de ‘Buster’ cuando el mago Houdini comentó que lo que acababa de ver era un buster (caída de espalda), el cómico había tenido una aparatosa caída haciendo uno de los números y lo había continuado como si no hubiera pasado nada. La sangre del espectáculo le corría por la venas, nació en el seno de una familia de vodevil, con sus padres formó el grupo The Three Keatons, yendo de ciudad en ciudad, representando sus números cómicos llenos de acrobacias con fuertes caídas, hasta que se dio cuenta de que la gente se reía más con él en escena cuanto más serio estaba en la actuación y menos se inmutaba con los golpes que se daba. Ahí fue cuando se convirtió en el cómico impasible de la cara de palo.

A Buster Keaton se le conocía en España con el apodo de ‘Pamplinas‘, algo así como ‘un poquito de nada’, sobrenombre que no le gustaba. Para la historia se quedó con el nombre de ‘Buster’ Keaton. Volviendo a su etapa anterior a sus grandes largometrajes, decir que empezó como secundario en las obras de Roscoe Arbuckle, más conocido como Fatty, donde ya se empezaba a hacer famoso con su característico sombrero stapleton plano. Corría 1917 cuando descubrió el cine, pero tuvo que hacer un parón para incorporarse a filas. Después de regresar de la I Guerra Mundial, se reincorporó a la compañía de Fatty de quien terminó por aprender el oficio.

Otro personaje importante en la carrera de Buster Keaton fue el productor de aquellos trabajos, Joseph Schenck, hermano de Nicholas Schenck (un alto ejecutivo de la Metro Goldwyn Mayer que operaba en Nueva York), y el jefe de la compañía Comique. Tras rodar ‘Fatty en la feria’ la compañía se trasladó a Hollywood continuando su labor hasta que la Paramount ofreció un suculento contrato a Roscoe Arbuckle que no dudó en dejarles, convirtiendo de paso a Buster en la nueva estrella de la compañía.

En 1920, Buster Keaton rodó su primer largometraje, ‘Pasión y boda de Pamplinas‘ (The Saphead, 1920) , pero antes de seguir por este camino, y dado el empujón que le dio la película, Joseph Schenck prefirió foguear al equipo, ya entendía las dificultades que suponía el rodaje de las comedias de Buster, compró los Estudios Chaplin a Charles Chaplin que acababa de fundar United Artist, y se lanzó a la realización de varios cortometrajes para que todo el mundo cogiera la suficiente experiencia.

Es decir, para entender las grandes largometrajes que luego interpretó Buster Keaton, siempre en su época muda, es necesario valorar en su justa medida todos los cortometrajes que realizaron entre 1920 y 1923, justo hasta ‘The Three Ages‘ (Las tres edades, 1923). Y la verdad es que están repletos de hallazgos: una realización perfeccionista, con planos muy calculados y una comicidad basada en la sorpresa. Lo importante, que Keaton consigue completar a la perfección la etapa de aprendizaje, en esta fase le ayudó en la dirección de los cortometrajes Eddie Cline, y vistos con calma, lo que se puede afirmar con todas estas obras es que Buster Keaton prometía algo gordo con sus largometrajes. Disfrutadlos, que esto es difícil de ver por televisión, y valorar su necesaria compra, que es la razón final de esta entrada. A continuación las 19 obras.

‘El guardaespaldas‘ (The High Sign, 1920)

Buster interpreta a un vagabundo al que echan de un tren junto a un parque de atracciones en la costa. Allí encuentra trabajo en una galería de tiro que pertenece a un jefe de una banda mafiosa llamada Blinking Buzzards, donde le encargan cargarse a un rico hombre de negocios. Sin embargo, termina protegiéndolos a él y a su bella hija, ayudándoles a amañar su casa con escotillas, pasadizos secretos, y trampillas mecánicas.

Como anécdota contar, que Keaton tuvo en cuarentena esta obra un año. ¿La razón? Que no se sentía muy satisfecho con ella, ya que la veía muy parecida a los trabajos que rodó con Arbuckle, y su búsqueda de la perfección le hacía querer deslumbrar a la audiencia con su primera película cómica.

‘Una semana‘ (One Week, 1920)

Buster Keaton se casa con una guapa joven y los dos reciben los parabienes y felicitaciones de los invitados. También agradecen los regalos, entre los que se encuentra una casa prefabricada para montar pieza por pieza, pero su rival en amores le cambia la numeración de las distintas cajas y Buster une los bloques equivocadamente.

‘Pamplinas presidiario’ (Convict 13, 1920)

Pamplinas juega al golf en un campo situado en las proximidades de un presidio. Un prisionero fugado intercambia con él la ropa, a resultas de lo cual, tras varias peripecias, los guardias le atrapan y encierran. Lo peor es que el destino que le aguarda es la horca.

Aquí es donde a Buster Keaton, se le empieza a notar que está depurando su estilo, aguantando a la cámara su variedad de registros faciales en las escenas que le enfrentan a un fornido prisionero. Contiene gags desternillantes: Keaton burlando a los guardianes, los del ahorcamiento con una cuerda de goma y los presos como salvaje público, o los de Keaton convertido en improvisado vigilante de los prisioneros.

‘El espantapájaros‘ (The Scarecrow, 1921)

Dos amigos, pero rivales en el amor, comparten casa y trabajan en el campo. Su casita es muy apañada, tiene todo tipo de ingeniosos mecanismos para poner la mesas, lavar la vajilla, deshacerse de los desperdicios… Pero la hija del granjero les ha robado el corazón, y ambos se la disputan.

‘Vecinos‘ (Neighbors, 1920)

Es una versión pícara de la historia de Romeo y Julieta, ambientada en un bloque de pisos sin glamour alguno. Buster y su novia, Virginia Fox, viven en edificios colindantes. Sus patios traseros están separados por una valla de madera desvencijada, y sus familias, que siempre están peleándose, pretenden mantener a los jóvenes amantes separados.

‘La casa encantada‘ o ‘Pamplinas y los fantasmas‘ (The Haunted House, 1921)

Unos ladrones atracan el banco en el que trabaja Buster Keaton, aunque el director piensa que ha sido él quien ha cometido el robo. Keaton huye del banco y se esconde en una casa que parece encantada y que resulta ser la guaridad de los ladrones.

‘Pamplinas nació el día 13‘ (Hard Luck, 1921)

Al quedarse sin trabajo Pamplinas intenta suicidarse. Para ello bebe de una botella de veneno que en realidad contiene alcohol. El presidente de un club deportivo habla de la necesidad de promover el club, y el pobre ebrio se hace con el puesto, para lo cual deberá aprender a pescar, a cazar y a montar a caballo.

‘El chivo‘ (The Goat, 1921)

Buster es, sin saberlo, confundido con el famoso forajido Dead Shot Dan, siendo perseguido a través de la ciudad por el jefe de la policía local. Allí encuentra a Virginia, una jovencita a la que va a visitar buscando dónde esconderse, descubriendo poco después que el padre de la chica es el jefe de la policía.

‘El gran espectáculo‘ (The Playhouse, 1921)

Buster Keaton recrea el mundo del espectáculo desde todos sus ángulos. Los espectadores, la orquesta, los artistas, los técnicos o el productor son protagonistas de los numerosos “gags” de esta cinta.

‘La barca‘ (The Boat, 1921)

Buster Keaton construye un barco con el que él y su familia pretenden emprender un viaje. Sin embargo, la navegación se verá afectada por continuos desastres desde el principio.

‘Rostro pálido‘ (The Paleface, 1922)

Un sicario de un rico empresario del petróleo roba la escritura de propiedad de las tierras de una tribu india y éste les da veinticuatro horas de plazo para abandonar el lugar. Pero el jefe indio dice a sus súbditos que maten al primer hombre blanco que atraviese la puerta de la Reserva. El primer hombre blanco que entra en la Reserva es Buster Keaton, quien interpreta el papel de un naturalista despistado, que lleva un cazamariposas para atrapar insectos. Los indios le siguen a todas partes con ánimo de cazarle, pero el resultado será bien distinto.

‘La mudanza‘ (Cops, 1922)

Buster Keaton intenta devolverle una cartera a su dueño, lo que provoca un equívoco que desencadenará multitud de situaciones absurdas y cómicas.

‘Las relaciones de mi mujer‘ (My Wife’s Relations, 1922)

Buster Keaton se casará por error con una mujer que le dobla en tamaño y carácter, con cuatro hermanos y un padre sumamente quisquilloso que le harán la vida imposible. Esto es así, hasta que se descubre el contenido de una carta que guarda Keaton.

‘El herrero‘ (The Blacksmith, 1922)

Buster Keaton sobrevive trabajando en una fragua, que también hace las veces de taller de reparación de automóviles y en la que se sucederán continuos desastres.

‘Pamplinas en el Polo Norte‘ (The Frozen North, 1922)

La última estación de metro de Nueva York está en el Polo Norte. Pamplinas se apea allí. Al llegar a casa se encontrará con una desagradable sorpresa, su mujer besando a otro hombre. La tragedia está servida.

‘La casa eléctrica‘ (The Electric House, 1922)

Tras graduarse como Botánico, Buster Keaton es contratado, por error, por un hombre rico que desea instalar la electricidad en su mansión. Cuando la familia regresa de las vacaciones, Keaton le ha preparado innumerables mecanismos automáticos para hacerles la vida más fácil.

‘Los sueños de Pamplinas‘ (Daydreams, 1922)

Buster Keaton desempeñará los más distintos trabajos para conquistar al padre de su novia y conseguir el permiso para celebrar la boda.

‘Pamplinas aeronauta‘ (The Balloonatic, 1923)

Tras montarse accidentalmente en un globo, Buster Keaton aterriza en mitad de la campiña, donde intentará enamorar a una chica mientras sortea toda clases de imprevistos con los animales que se encuentra.

‘Pamplinas lobo de mar‘ o ‘Nido de amor‘ (The Love Nest, 1923)

Buster se despide de Virginia y del resto de mujeres y se dispone a navegar con su barco, “Cupido”. Cuando se queda sin comida ni bebida, es rescatado por el “Love Nest” capitaneado por un hombre malvado y mezquino.

Nota: Hemos dejado fuera todo el cine sonoro de Buster Keaton porque la intención de la entrada era seguir, como ocurrió con el caso de Charles Chaplin, la obra muda. Además, en la Filmoteca de Andalucía, hay varios estudios de algunos de los cortometrajes que aquí os reseñamos muy interesantes, y con vistas a aquellos que quieran aumentar el conocimiento de esos cortometrajes.

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‘Wall-E’, poesía cinematográfica

Steam Trek, una parodia muda de Star Trek

Antonio Toca — Sun, 24 Aug 2008 08:27:22 +0000

Mientras el proyecto de J.J. Abrams sobre Star Trek sigue adelante, un grupo de aficionados (Ad Hoc Film Society) en 1994 se propusieron realizar un homenaje en plan parodia a la saga galáctica, pero planteándola si hubiese sido realizada hace un siglo, en plena época del cine mudo y dirigida por George Melies. ¿Cómo sería el resultado? Pues este cortometraje que responde al nombre de ‘Steam Trek’ (obviamente el Enterpraise iría a carbón y sería una nave de vapor).

La idea surgió de un encuentro que tuvo lugar en el National Film Theatre, en el que Ashley Levy, la persona quien está detrás de esta idea, leyó un desarrollo de una historia que se iba a titular ‘Star Trek – The Silent Generation’. A partir de ahí se hizo un guión, se planteó la película muda, y se rodó en super 8 para dar lugar al cortometraje que podéis ver más arriba. Una muestra de ingenio sobre efectos especiales, y cómo se las hubiera apañado gente del sonoro para hacer una película hace un siglo.

Vía | No puedo creer
Más información | Steam Trek – The Moving Picture

Charlot, Chaplin en imágenes, sus grandes cortometrajes y Wall-E

Antonio Toca — Tue, 15 Jul 2008 14:00:21 +0000

Para los pocos que aún no lo sepan, la muestra ‘Chaplin en imágenes’ estará en la sede de CaixaForum de Madrid hasta el 19 de octubre de este año. La exposición hace un repaso a su obra. En concreto, reúne alrededor de 250 documentos entre álbumes, recortes y fotografías, e incluso se pueden visionar algunos divertidos extractos de películas, junto a series de fotos y material inédito de uno de los mayores genios del 7º arte.

Esta introducción sirve para refrescar la memoria sobre la figura de
Charles Chaplin y sobre el personaje que inmortalizó, Charlot, que es un nombre que sólo se utiliza en español, en francés y en italiano (por ejemplo, en Brasil le llaman Carlitos). En realidad, el personaje de Charlot no tenía nombre, era simplemente un vagabundo, o “The tramp”, como así aparece reconocido en todos los créditos de sus obras. Quizás esa sea su grandeza, la de un desconocido sin nombre. Chaplin se inventó un personaje tanto en sus ideales, como en sus gestos, sus pensamientos, y su manera de vestir. Quería algo diferente a lo que veía en la realidad en el día a día, buscar la forma de poner los pies en el suelo en el denominado sueño americano. Su particular crítica social. Así, definió un hombre con las maneras refinadas y la dignidad de un caballero, emotivo, sentimental, melancólico frente a la injusticia de la sociedad moderna. Además, le quiso hacer caminar de una manera inconfundible y reconocible.

También fue determinante su indumentaria de vagabundo. Parece ser que el famoso traje se lo compuso mediante aportaciones de cómicos amigos: la chaqueta de Charles Avery, estrecha, los pantalones de Fatty Arbuckle y las botas de Ford Sterling, más grandes que su talla, el bigote de Mark Twain, que era pintado, un sombrero bombín que le venía pequeño y un bastón arqueado, lo único propio de Chaplin que incorporó a la indumentaria.

Todo lo anterior, tanto en cómo elaboró el perfil del vagabundo, como los elementos visuales que le caracterizarían, quedaron determinados en el final de ‘The Tramp’, un mediometraje de la Essanay, en el que sobresale su lírico y triste final, con Charlot de espaldas, alejándose por el camino, hasta que empieza a moverse alegremente (quien puede olvidar el salto en aire con golpe de talones), mientras la cámara ha ido cerrando paulatinamente el iris a negro. Imagen que es uno de los iconos de la historia del cine.

La primera ocasión en la que apareció el personaje de Charlot fue en ‘The Kid Auto Race In Venice’, que interpretó para Mack Sennett dentro de Keystone. No era el actor principal, pero en ese trabajo dio sus primeras pinceladas el personaje. Su debut como protagonista sucedió en ‘Making a Living’, también para Keystone, al que muchos consideran de verdad el primer papel de Charlot, y que le dio fama y éxito instántaneo.

Sin embargo, sus mejores trabajos en el mundo del cortometraje, y en estos primeros años, fueron primero para la productora Essanay, y después para Mutual (en esta última con control absoluto sobre toda la obra), todo esto antes de fundar el mismo United Artists con otros actores. En esos años 1915 a 1917, principalmente, y ya cuando dirigía sus propias películas, estableció su método de trabajo. Se reunió de un grupo estable de actores y colaboradores habituales y de confianza, entre los que destacaba la actriz Edna Purviance (de la que se puede decir que fue su gran pareja artística). Allí, estableció un estilo dirigiendo: obsesivo en su trabajo, repetía cuantas veces fuese necesario las tomas hasta que la coreografía de los personajes encajaba perfectamente (recordar que estamos en la época del cine mudo).

Por ese motivo, os traemos varios de los trabajos de esta época de su filmografía, auténticas joyas, que en los años 20 y siguiente verían su continuación en obras como ‘El chico’, ‘La quimera del oro’, ‘El circo’, ‘Luces de la ciudad’, ‘Tiempos modernos’ y ‘El gran dictador’. En ‘Tiempos modernos’ se dice que Chaplin enterró el personaje de Charlot, con un final en el que caminaba sin rumbo hacia lo que el futuro le deparase. Sin embargo, recuperó el personaje en estilo, no como un vagabundo sino como un barbero, en El gran dictador, donde se puede decir que el personaje de Charlot en sí hizo su última aparición.

¿Os preguntaráis por qué ‘Wall-E’ aparece en el título de la entrada? La razón es simple. Wall-E es un homenaje al cine mudo que representaron Charles Chaplin y Buster Keaton. Los gags son visuales, y la sinceridad, expresividad, inocencia y ganas de luchar corresponden a Charlot, que en la mayoría de sus aventuras se movía siempre por amor. Cualquiera que vea la película de Pixar y lo compare con todos estos cortometrajes de Charles Chaplin y su vagabundo, entenderá lo que digo. Pixar demuestra que se los vio, y los acopló a la caracterización de su robot. Porque el personaje de Wall-E es tan grande, que cumple, y con creces en su homenaje al maestro en que se basó. Ese Charlot, Charles Chaplin, que uno tiene como momento álgido del cine de toda la vida. Esa es una razón, entre otras, para ver ‘Wall-E’.

The Kid Auto Race In Venice, 1914

Making a living (Charlot periodista), 1914

Chaplin interpreta a un falso aristócrata inglés, que adquiere trabajo como reportero, donde, entre otras ocurrencias, roba las notas y la cámara de un compañero para darse la autoría de una noticia. El afectado lo persigue en una secuencia cómica muy caótica, en la que terminan ambos en el quita piedras de un tranvía.

The Tramp (Charlot vagabundo), 1915, Parte 1

El vagabundo Charlot salva a una damisela en apuros, que pasea por el bosque con su dinero demasiado a la vista. Agradecido, su padre le ficha para que trabaje en su granja, donde arma más de un lío mientras se enciende su amor por la chica.

The Tramp (Charlot vagabundo), 1915, Parte 2

The Champion (Charlot boxeador), 1915

Charlot, en una memorable interpretación, es un vagabundo sin futuro que para comer se mete de sparring de boxeo. Sin querer tumba a un boxeador y le entrenan para combatir por el campeonato del mundo. Entre medias quieren amañarle el combate y se enamora de la hija de su entrenador.

De esta película es complicadísimo encontrar una versión completa con los 30 minutos que la forman. Hay distintas versiones con cortes, saltos en el tiempo, retirada de carteles con información. A los genios también los maltrataban en los albores del cine. La que hemos encontrado es una versión de 20 minutos, que deja ver la genialidad de Chaplin pese a los recortes.

The vagabond (Charlot músico ambulante), 1916, Parte 1

Charlot es un músico ambulante que hace amistad con una joven que ha sido raptada por unos gitanos. Aquí es donde demuestra el patetismo y a la vez la más genial ternura de sus primeras actuaciones.

The vagabond (Charlot músico ambulante), 1916, Parte 2

The vagabond (Charlot músico ambulante), 1916, Parte 3

One AM (Charlot a la una de la madrugada), 1916, Parte 1

Charlot vuelve a la casa de un amigo después de una noche de juerga. No tiene la llave y sufre diversos tropiezos con una pecera, animales embalsamados, un suelo encerado y una cama empotrada en la pared.

One AM (Charlot a la una de la madrugada), 1916, Parte 2

The pawnshop (Charlot prestamista), 1916

Charlot trabaja en una tienda de empeños. Todo le sale mal hasta que un día afortunado salva a la tienda y a su jefe de un robo en la misma.

Easy street (Charlot en la calle de la paz), 1917, Parte 1

Charlot se presenta para guardia municipal y consigue el trabajo. Ahora tendrá que buscar el valor para desempeñar su arriesgada misión ante los delincuentes.

Easy street (Charlot en la calle de la paz), 1917, Parte 2

Easy street (Charlot en la calle de la paz), 1917, Parte 3

The adventurer (Charlot presidario), 1917, Parte 1

La alarma suena y un presidiario desesperado se escapa de manos de la ley. Charlot, es el preso por “error” que origina los problemas más increíbles a la policía.

The adventurer (Charlot presidario), 1917, Parte 2

Más información | El País

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'La Antena', curioso experimento visual con floja historia de fondo

Jesús León — Wed, 21 May 2008 04:33:03 +0000

Se trata de una osadía arriesgadísima en los tiempos que corren llevar a cabo una producción como ‘La Antena’ del argentino Esteban Sapir. Es una de esas cintas que escapan tangencialmente del cine popular y mediático con el que coincide en la cartelera. Por ello, merece la pena que no pase desapercibida, puesto que, dentro de su experimentalismo, nos logra embaucar con un espectáculo visual de primera categoría, que sin embargo queda muy por encima de una historia que se mueve entre la fábula, la metáfora y la crítica sociopolítica, aunque algo insípida y descafeinada.

A pesar de ello, la película no deja indiferente y consigue que el espectador más escéptico caiga en las redes de un producto visualmente impactante, con imágenes cautivadoras e hipnóticas que visten a una narración, con abundantes altibajos, que peca de simplona, además de intentar, tenuemente, aplicar un mensaje moralizante. Una trama estirada, que con una duración de cortometraje hubiese logrado mayor consideración.

Se trata de un cuento fantástico que nos traslada al escenario formado por una ciudad donde las voces han sido robadas y el silencio se torna habitual, en un paisaje urbano (en riguroso blanco y negro) con una nieve permanente. Allí, la televisión juego un importante papel, ya que todos los habitantes se encuentran, en cierto modo, sometidos al único medio de comunicación, repetitivo y machacante, que envuelve la vida de todos. El propietario de la cadena es el malvado Sr. TV, un totalitario y dictatorial personaje, que trama un siniestro plan para apoderarse de la única voz de la ciudad. Esa voz es la de una atractiva mujer, rubia y cantante de rostro desconocido, que ameniza el silencio de la ciudad. Ella, a cambio de entregarse a un experimento con su voz, le exige al villano que su hijo recupere la vista. Pero El Inventor, testigo de la trama malvada decide actuar usando una antena para transmitir la voz del hijo, virtud que ha heredado, y que supone la clave para solventar el entuerto.

La historia está contada como el mismísimo cine mudo, donde los rótulos que subtitulan los escasos diálogos se integran con la historia y los personajes, dotados de dinamismo, formando parte tangible de la trama, casi como un personaje más. Junto con la obvia referencia al clásico cine mudo, no sólo por su planteamiento narrativo, la película está repleta de referencias y símbolos (que acaban siendo un batiburrillo que despista). Por una parte al nazismo, encarnado por el villano de turno, y por otra al cine de animación, e incluso al más puro expresionismo alemán. El director se muestra entusiasmado con estas referencias y símbolos, que pueblan el metraje de la película, como son ‘Metrópolis’ de Fritz Lang, ‘Viaje a la Luna’ de George Méliès o ‘Luces de la ciudad’ de Charles Chaplin. Pero también sabe integrar elementos del cine negro clásico, como los escenarios urbanos, la cantante y el sórdido plan del maquiavélico Sr. TV.

Todo este universo multirreferencial, próximo a la ciencia ficción, está acompañado de forma magistral por las partituras de Leo Sujatovich (prolífico y prestigioso compositor), que están integradas en las imágenes y en la historia de un modo impactante, resultando uno de los más destacables aciertos.

Sin embargo, Sapir no mantiene el pulso firme a la hora de narrar la historia, de enorme simpleza, y cae en constantes altibajos, donde la sucesión de fantásticas imágenes nos hacen perder algo el hilo de la misma. Es más, en ciertas escenas el relato queda supeditado al aspecto visual. También, dilata en exceso alguna trama secundaria que provoca que la llegada de la resolución de la película se prolongue en exceso. Las interpretaciones, ante la dificultad de restarles la voz, resultan en algunos casos excesivas y casi caricaturescas, restando verosimilitud a la historia.

En cualquier caso, no se puede restar valor al interesante trabajo plástico, próxima a lo experimental, con unos elementos que poco o nada tienen que ver con el tipo de cine al que estamos acostumbrados en la actualidad. Sapir, habitual director de fotografía, demuestra un afinado talento para la narración con imágenes, algo que queda patente con cada plano, cuidado al extremo. Y con un trabajo de edición espléndido que otorga algo de brío y fuerza al relato, que además se pierde en una diversa ramificación de referencias, una especie de collage que peca de pretencioso.

En Blog de Cine | ‘La Antena’, frío homenaje al cine mudo

Películas gratis a puñados (VI): Amanecer de Murnau

Antonio Toca — Fri, 16 May 2008 16:46:35 +0000

Si alguna vez le preguntamos que director de cine mudo nos viene a la mente, lo usual, para el que no es cinéfilo, sería Charles Chaplin, y no sería mala elección. Pero el problema es que hubo alguien de nombre F.W. Murnau que se dedicó a rodar obra maestra tras obra maestra. La mejor es ‘Amanecer’, una historia de amor que el director alemán rodó en USA, y usando una novela de dudosa calidad. No voy a entrar de lleno en la película, una de las mejores obras del cine mudo, pero es un curso en todo regla sobre como preparar y contar una historia, sobre cómo hacer cine, y en 1927, para aquellos que piensan que el cine bueno se inventó en la década de los 80.

El cine mudo es un continuo proceso de aprendizaje, y esta película es una obra maestra, como todo el cine de F.W. Murnau, todo un adelantado a su tiempo, y que conviene disfrutar con calma, no sólo para los jóvenes cinéfilos. Sobre todo para los amantes del cine: principio y fin del séptimo arte.

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En blogdecine, la serie sobre las películas gratis a puñados:

Más información | Cinéfilo compulsivo
Más información | Cahiers du Cinema

Películas gratis a puñados (V): Charlot y 'La quimera de oro'

Antonio Toca — Sun, 11 May 2008 19:57:10 +0000

Reconozco que no es la forma correcta de ver estas películas, pero es una posibilidad que existe y dentro de lo que hay si sirve para que el público en general, que no ha tenido al cine mudo entre sus opciones cinéfilas, la valore, pues bienvenido sea. Retomamos de nuevo la figura de Charles Chaplin, con otra de sus obras maestras, ‘La quimera del oro’ (The golden rush).

Dicen que las películas de Charlot se veían en USA como una forma de escapar a los malos momentos, de olvidarse los problemas de la depresión. Y que no comentar de esta película a lo que ya aportó Alberto en su lista de sus favoritas del cine mudo, que tiene algunas de las secuencias más inmortales de la historia del cine: el baile de los panes, las botas comestibles, la casa pendular sobre del desfiladero, el salón del oeste imaginario…, la película al completo. Sin embargo, voy a comentar lo que supuso para mí ver esta película. De nuevo un cine club de La2, cuando sólo había dos canales en televisión. Fue la primera película que vi de Charles Chaplin, la segunda muda, poco después de ‘Nosferatu’, y para mí fue la confirmación de lo grande que era el cine de los pioneros. A partir de ahí, Charlot me ganó el corazón.

Como comenta un lector en la entrada de las películas favoritas del cine mudo, existen dos versiones de ‘La quimera del oro’, la original y una revisión del propio director realizada en 1942, donde ponía una voz en off para narrar algunas de las secuencias, poniendole sonido y cambiando de 18 a 24 fotogramas por segundo, todo por la sensación que tenía el director de hacer más cortos los intervalos entre las secuencias de humor. También cambió el final, lo que motiva que algunos, yo entre ellos, prefiramos el original a la revisión que realizó. No obstante, para que valoréis ambas, en la continuación de la entrada las tenéis disponibles. Y pensado para aquellos que quieren seguir soñando con el cine mudo.

La quimera del oro, versión 1942

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La quimera del oro 3/9

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Películas gratis a puñados (IV): Charlot y 'Luces de la ciudad'

Antonio Toca — Sun, 27 Apr 2008 22:13:54 +0000

Recuerdo como si fuese ayer mismo, un domingo de hace seguramente 20 años, el ciclo que La2 le dedicó durante bastantes tardes de domingo consecutivas al cine de Charles Chaplin. Si algún pero me pongo, fue que me enganche tarde al mismo, todo porque a mi joven edad, el cine mudo poco menos que era algo que sabía que existía, sin acercarme a él por pura pereza, ¿quién querría ver una película donde los personajes no hablaban y en blanco y negro?, pensaba erróneamente. Un buen amigo me comentó con acierto, “no sabes lo que haces, si algo bueno tienen las películas mudas, es lo difícil que resulta encontrar una que sea mala, y además ninguna aburre”, acto seguido me entregó el vídeo de ‘Nosferatu’, y me obligó a verla. El resto es una amor declarado al cine mudo, desde esas tardes de domingo.

Si me piden que escojan un largo de Charles Chaplin, no podría. Si me dicen que diga cuál es mi favorita, responderé sin dudar que ‘City Lights’ (Luces de la ciudad), y no sólo por la grandiosa secuencia del combate de boxeo, sino por la banda sonora que no paro de tararear en mi cabeza, por como Chaplin narra una historia de amor tan bonita, porque Charlot es el entrañable vagabundo de enorme corazón que forma parte del séptimo arte… y porque, como dijo Alberto en su serie de sus películas favoritas de los años 30, “pocas películas producen el mismo efecto que ésta”, y más con el auge del sonoro que se vivía. Una vez entras en su juego, ‘Luces de la ciudad’ te atrapa.

Una de las obras maestras de este director, una de las más grandes historias de amor de la historia del cine. Para áquellos que no la hayan visto, la encontráreis entera en la continuación de la entrada, son algunas de las joyas del cine que se pueden encontrar disponibles en Internet gratis.

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City lights 8 / 8

Escena nunca añadida a City Lights

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Películas gratis a puñados (III): Descubriendo a Buster Keaton

Antonio Toca — Mon, 31 Mar 2008 19:15:51 +0000

A mediados de febrero, nuestros compañeros de El Blog Salmón comentaron que la colección Rohauer con más de 700 películas en su haber y varias colecciones de los mejores actores y directores del cine mudo, fue puesta en venta (con el negocio que supone el flujo de dinero continuo por cada pase de estas películas por televisión). Parte importante en esta colección son las películas de Buster Keaton, el hombre que a pesar de hacer comedias nunca esbozó una sonrisa en los papeles que interpretó. La noticia de la venta de la colección Rohauer es la excusa perfecta para continuar con aquella dosis de entradas sobre las películas gratis que podíamos encontrar en Internet, sobre todo las de Buster Keaton. Así que puestos a buscar, nos hemos dado una vuelta para poner en conocimiento de todos las magistrales obras que realizó, clásicos de la época muda, o lo que es lo mismo, de toda la historia del cine.

Su legado no se componía sólo de cortometrajes, de los que Buster Keaton realizó bastantes, sino que la parte importante de su filmografía, fueron sus largometrajes, en los que había grandísimas innovaciones. Además, cuando hablamos de la valentía de Jackie Chan al rodar las escenas de riesgo sin doble, no hacía más que copiar lo que Buster Keaton realizaba 80 años antes, y sin las seguridades de ahora. No quiero influir en vuestra opinión, lo mejor es que saquéis vuestras propias conclusiones, como hace cualquiera que tenga curiosidad por algo, pero ‘Sherlock Jr.’ (El moderno Sherlock Holmes), ‘Three Ages’ (Las tres edades) y ‘The General’ (El maquinista de la General), son películas que no conviene dejar de ver. Una vez hecho esto, continuar con ‘Our Hospitality’ (La ley de la hospitalidad), The Navigator (El navegante), ‘Steamboat Bill Jr.’ (El héroe del río) o ‘The Cameraman’. A continuación, las tres primeras películas que comentábamos.

Sherlock Jr

Three Ages

The General (Parte 1/2)

The General (Parte 2/2)

Mis películas favoritas (I): cine mudo

Alberto Abuín — Mon, 01 Oct 2007 13:24:24 +0000

A partir de hoy y a lo largo de diez semanas os iré ofreciendo una serie de posts sobre mis películas favoritas, que como son tantas, he decidido separarlos por décadas. Aún así, y escogiendo únicamente diez títulos por cada vez, ni están todas las que son ni son todas las que están. Muchos ya sabéis lo difícil que es elegir films entre todos los que se han visto, y que la lista cambiaría justo después de hacerla eligiendo otras tantas películas.

‘Amanecer’. Considerada como la obra maestra del especialista en obras maestras, F.W. Murnau. Una de las mejores historias de amor de toda la historia del cine. Y la primera película que ganó el Oscar al mejor film, junto con ‘Alas’ de William A. Wellman, que también podría estar en esta lista.

‘Metrópolis’. De Fritz Lang podría haber escogido cualquiera, la verdad, pero ‘Metrópolis’ es el primer film mudo que un servidor vio, y le tengo un especial cariño por ello, al descubrirme todo un tipo de cine que desconocía y que me cautivó desde el primer momento. ¿A quién se os parece ese robot de la foto?

‘Tres Hombres Malos’. Un claro precedente de la infravalorada ‘Tres Padrinos’ de John Ford, y sin lugar a dudas uno de sus mejores films de la época muda, junto con ‘El Caballo de Hierro’.

‘El Acorazado Potemkin’. Después del film de Lang antes citado, la siguiente película muda que vi fue ésta. Una obra imperecedera y enormemente influyente en el cine posterior de todas las épocas. A saber cuántas veces han plagiado y homenajeado la famosa escena de las escalinatas. Probablemente la película muda que más veces he visto. Y de Eisenstein también podría meter ‘La Huelga’.

‘Avaricia’. Una película del genial Erich von Stroheim, la cual fue objeto de un remontaje hace poco a base de fotos fijas, ya que faltaba más de una hora de metraje que se había perdido. Aún así el montaje anterior de casi dos horas y media es impresionante. Uno de los mejores estudios jamás realizados sobre la codicia humana. A ver si la editan en dvd de una vez.

‘Y el Mundo Marcha’. Aunque la etapa muda de King Vidor es casi toda imprescindible, me quedo con esta inmortal historia sobre un perdedor que lo único que tiene es el amor y la confianza de su hijo. Otra cuenta pendiente en el mercado del dvd.

‘Lirios Rotos’. Griffith será mundialmente recordado por ‘El Nacimiento de una Nación’ e ‘Intolerancia’, pero un servidor se rinde ante esta trágica historia de amor entre un oriental y una occidental, en uno d los films más bellos líricamente hablando que se hayan hecho jamás.

‘El Viento’. Y seguimos con más cuentas pendientes en el mercado del dvd. Victor Sjöström hizo lo impensable en esta película, al lograr mediante una increíble fuerza visual que el espectador oyese literalmente el sonido del viento. La demostración palpable de que el sonido muchas veces no hace falta, claro que hay que ser tan buen director como lo era Sjöström para lograrlo.

‘La Quimera del Oro’. Una de las obras maestras del genial Chaplin, con escenas tan memorables como la del baile de los panecillos, o aquella en la que se come una bota.

‘El Séptimo Cielo’. Uno de los directores más sensibles que haya dado el cine, Frank Borzage, con la que para un servidor es la mejor película de toda su filmografía, alzándose con el primero de los dos Oscars que consiguió como director.

Ahora podéis contribuir si queréis con vuestros films favoritos, pero por favor, ateniéndose a la época a la que hago referencia. La semana que viene, años 30.