¿Cuál es la diferencia entre un abogado y una puta? La puta dejará de joderte cuando estés muerto…

-Rudy Baylor

Algunos lectores nos han defendido, en los comentarios, la anterior película de Coppola, la minúscula ‘Jack’ que dio bastante dinero y que afianzó un poquito más la recuperación económica de este irrepetible hombre de cine. Y por económica nos referimos a la confianza de los inversores para concederle libertad a la hora de elegir proyectos. Sin embargo, Coppola siguió cauto, por última vez. Tanto es asi que podemos considerar ‘The Rainmaker’ (título más estimulante que ‘Legítima defensa’) su última película profesional, del modo, al menos, en que él entiende esto.

Si ya habíamos tenido ‘Mario Puzo’s The Godfather’ y ‘Bram Stoker’s Dracula’, ahora Coppola ejecuta su enésima adaptación de un material literario preexistente (de hecho, él es el encargado en solitario del guión) y presenta ‘John Grisham’s The Rainmaker’, un melodrama magnífico que, si bien no puede colocarse al lado de ‘El padrino’ o ‘La conversación’, sí que está a la altura, sin duda, de la bella ‘Rebeldes’. Un emocionante relato, más complejo de lo que parece a simple vista, y que está narrado por Coppola con una precisión majestuosa.

El último hombre honesto

‘Legítima defensa’ tiene como protagonista a un abogado a punto de colegiarse cuya honradez y rectitud son a toda prueba…excepto en el caso de que continuase con una profesión que recibe un duro varapalo por parte de Coppola. En ese sentido, la abogacía se puede poner en paralelo a la mafia o a los vampiros: cuanta más sangre bebes (literal o metafóricamente), más hundido moralmente estás. El único abogado decente que conoceremos es el propio Rudy, que, desesperado, ha terminado trabajando en el bufete de Bruiser Stone (un divertidísimo Mickey Rourke).

De hecho hay mucho de quijotesco en este personaje, que junto al sanchopancesco Deck Shifflet (hilarante, perfecto Danny DeVito), huirá literalmente de ese bufete y montará un propio desde el cual acometerá un importantísimo caso contra una corrupta aseguradora que deja morir de leucemia a un chaval. Además, es el narrador en off de la historia, ejerciendo no sólo de hábil recurso para la ironía, sino también como feroz crítico a una profesión para la que es demasiado noble.

Rudy deberá dejarse la piel no en uno, realmente, sino en tres casos diferentes de muy distintas características. El principal, por supuesto, es el que le enfrentará a la todopoderosa compañía de seguros Great Benefit. Pero tendrá dos casos más: una muchacha maltratada por su marido (encantadora Claire Danes) de la que se enamorará, y una anciana que se apiadó de él (la mítica Teresa Wright, en su último papel para el cine) y le dejó una habitación en alquiler, cuya falsa fortuna es codiciada por sus canallescos hijos.

Nos creemos con facilidad la existencia de un personaje tan abnegado, por la gran capacidad fabuladora de Coppola, capaz de hablar con lucidez de los perdedores, y de ponerse al lado de ellos.

Emoción sin complejos

Hay una gran sinceridad, y un amor compasivo de Coppola hacia sus personajes. Él mismo dice que le encanta trabajar con actores jóvenes, y viendo la película nadie puede dudar de ello. Es admirable el modo en que extrae de Matt Damon y Claire Danes una verdad y una belleza incontestables, basada en la complicidad, la dignidad humana y el dolor. Pero no hay sentimentalismos ni énfasis de ninguna clase, salvo por una bella música de Elmer Bernstein que conjuga con sensibilidad el jazz más enérgico con las melodías más suaves, e incluso con temas bufonescos.

Los tres casos de Rudy se van entrelazando con fluidez hasta que, en la segunda parte, nos vemos inmersos en un apasionante juicio de imprevisibles consecuencias, aunque lejos de transformar el tono de la historia, continúa creciendo sobre sí misma sin perder jamás el control. Como melodrama que es, Coppola no teme cargar las tintas a la hora de dibujar a los buenos y a los malos. La razón por la que el relato no se resiente de ello, es la humanidad desenfadada que inunda cada secuencia. Así, los abogados de la aseguradora (comandados por un genial Jon Voight, en otro papel que le va como un guante), que cobran mil dólares por minutos, son una panda de miserables sin escrúpulos. Así es el mundo en verdad, aunque en una película a veces pueda parecer maniqueo.

Pero Rudy no estará solo. En su hermosa peripecia se verá ayudado por personajes como el compasivo juez Kipler (maravilloso Danny Glover, que actúa en la película sin aparecer en los créditos), o la perdedora Jackie Lemancyzk (Virginia Madsen de nuevo estupenda, como siempre), aunque a menudo tocará fondo pues los frentes son demasiados y las fuerzas escasas. De su mano y de la de Coppola conoceremos, conmovidos, la tragedia de los que no tienen seguro y mueren cuando la sociedad cuenta con médicos excelentes; la de las personas solitarias y abandonadas que se casan con el tipo equivocado o cuyos hijos nunca las quisieron.

Mirando el dolor frontalmente, tenemos a un Coppola con ojos doloridos, que no teme desequilibrar su relato con momentos como aquél en el que el padre del difunto les muestra a los canallas la foto de su hijo en pleno juicio, o la mirada inolvidable de la anciana que agradece la fidelidad de su joven abogado. Coppola pronuncia un discurso del lado de los desfavorecidos, y ataca sin piedad a los tipos sin escrúpulos que se aprovechan del sistema y de los más débiles. De nuevo, es la historia de un hijo fallecido, al igual que le ocurrió a él con su hijo Gio. De nuevo su vida y su arte se tocan sin fisuras.

Conclusión

Se cierra así la década menos productiva de Coppola, que durante diez años, y salvo trabajos no acreditados, no volvería a presentar ninguna película. ‘Legítima defensa’ era su tercera venganza consecutiva hacia los grandes estudios: de nuevo una producción comercial que aunaba profesionalidad y sensibilidad, y que dejaba dinero en taquilla. Nada de todo eso servía para asegurar una futura gran obra como la largamente anunciada ‘Megalopolis’, pero saciaba su necesidad de redención.

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Con motivo del inminente estreno de uno de los probables blockbusters de este verano, la cuarta parte de Terminator, cuyo relato primigenio imaginara el gran James Cameron hace nada menos que veinticinco años, me he acordado, en mala hora, de la tercera parte (por decir algo) de esta franquicia, una más que los lumbreras de Hollywood han terminado por destrozar. Tras la grandísima sorpresa, allá por 1984, de uno de los títulos cimeros de la ficción científica, Cameron agrandó aún más aquel mito inolvidable con una segunda parte que era, en parte, un remake que la renovaba, siete años después. Ahí debió quedar todo.

Pero claro, no está el horno para bollos. Y no es que los “guionistas de Hollywood” (ese abstracto grupo de personas de los que medio mundo nombra a la madre, y no precisamente para santificarla, como si alguien les obligara a ir a ver ‘Watchmen’...) estén sin ideas. Allí hay muy buenos guionistas. Lo que pasa es que eso de arriesgar, pues como que ya no se estila. Y no estaban dispuestos a dejar ahí la saga, cuando podían seguir llenando la caja registradora. Además, los derechos ya no los tenía Cameron, o sea que podían hacer lo que les viniera en gana, ¿no?. Y tanto que lo hicieron. Pocas veces en el cine de ficción científica se ha visto una tal carencia de imaginación y talento.

Tenía yo una cierta esperanza en Jonathan Mostow, un realizador avezado, como demuestran la estimulante ‘Breakdown’ (en la que conseguía sostener con no poca habilidad los resortes del suspense), y la brillante ‘U-571’, una notable película bélica, en la que destilaba la precisión y la sobriedad de los clásicos. No lo tenía nada fácil, asumiendo las riendas de un relato que Cameron había cerrado por todo lo alto. Pero sí que tenía bastante fácil entregar un producto medianamente divertido, medianamente intenso, con algunas buenas ideas, con acción y dinamismo. ‘Terminator 3’ no tiene absolutamente nada de eso. Ni una idea, ni una secuencia memorable. La nada.

Bajo mi punto de vista (que como su nombre indica, es absolutamente subjetivo, y a mucha honra) ‘The Terminator’ (1984) es una de las dos o tres más hermosas y terribles películas de ficción científica de la historia. Y ‘Terminator 2: el juicio final’ (1991) es una de las experiencias sensoriales y puramente cinemáticas de la historia, además de un relato sombrío y conmovedor. Y ‘Terminator 3’ es una de las peores películas de lo que llevamos de década. No sólo es indigna por coger esa historia y darle una vuelta de tuerca infame, sino que es infantiloide y risible. Vamos por partes.

Sarah y John habían destruido la posibilidad de que tuviera lugar ese siniestro futuro, destruyendo tanto el chip que daría vida a Skynet, como el chip del exterminador, para quedarse tranquilos. Pero el futuro ahora no se puede evitar. Me parece bien, pero si la guerra contra las máquinas es imparable, es lícito preguntarse qué esperaban conseguir las máquinas asesinando a Sarah o a John, ya que el futuro no se puede cambiar. Y sobre todo qué espera conseguir el T-X asesinando a Kate Brewster (con el talento que tiene Claire Danes y está completamente desaprovechada), o a los lugartenientes. Vale, de acuerdo, aceptamos barco. Como dicen algunos lectores cuando les tocan la fibra: “no le des tantas vueltas a la trama, hombre”. Está bien.

Hablemos entonces de la formulación de este relato, de su puesta en escena. Cojamos cualquier imagen o momento en los que no haya una explosión, o un centenar de balazos y la sosería y la impersonalidad campan a sus anchas. Eso no es lo peor. Lo peor es que cuando hay persecuciones o peleas, a la sosería la sustituye la incompetencia y a la impersonalidad el aburrimiento. ¿De verdad este director es el mismo que nos contó cómo un submarino alemán se sumergía en el último segundo para no colisionar contra la quilla de un destructor? Se frota uno los ojos de incredulidad. Para que luego digan que cualquier mindundi puede coger una gran superproducción y hacer lo que le pase por la cabeza. Eso no es así. Hay que tener tantos redaños y coraje en una superproducción como en una modesta. Las dificultades para lograr una buena película son las mismas, sólo que con diferentes nombres.

Una persecución es algo más que miles de dólares desperdiciados destruyendo objetos urbanos. Hace falta algo de lo que hablábamos hace poco, ritmo, y que aquí, como todo lo demás, brilla por su ausencia. La horrenda secuencia de la persecución del camión, que intenta emular a la de la segunda parte, es un interminable catálogo de destrucciones sin sentido, que acaba provocando dolor de cabeza y que queda muy lejos de la proeza lograda por Cameron en la famosísima y legendaria secuencia del camión y la moto por los canales de L.A. Y como esa, todas las demás. Sin gracia, sin ingenio. No es cuestión de atacar la película simplemente porque sí, sino de describir como se puede lo que hay.

Arnie está sencillamente bochornoso repitiendo en el papel más famoso de su carrera, que debió abandonar en 1991, en el apogeo de su físico. Ahora parece una momia a punto de derrumbarse. ¿Se ha fijado el lector que no echa ni una carrera en toda la película? No sé el resto, pero yo a una película de acción le pido algo llamado “fisicidad”, que otorga verismo e intensidad a la acción. Sin ella, apenas quedan tiros y explosiones. Para remate, sus diálogos se esfuerzan por una ironía y comicidad que no funcionan en ningún momento. El mito del terminator ya había realizado el viaje de ida y vuelta, de villano a héroe, transformado por una amistad que en manos de otro director hubiera quedado ridícula, pero que se veía confirmada por la sensibilidad del director. Ya no hay más viaje posible para este personaje. Regresar a él supone deformarlo, estrangularlo, como así ocurre aquí.

Pero yendo en un calamitoso “más difícil todavía”, Mostow y sus colaboradores inventan el T-X (también tiene coña el nombre) encarnado por Kristanna Loken, una vuelta de tuerca al T-1000 escalofriante de la segunda parte. Ahora no sólo es de metal líquido (y está como un tren), sino que además puede transformar sus extremidades en armas, cosa que el anterior adversario no podía hacer. Me quito el sombrero ante tanto ingenio. Todo ello para contarnos el devenir del juicio final, en un crescendo insatisfactorio porque no logra aunar todas las líneas narrativas y emocionales de forma concisa. En otras palabras, nos importa un comino el fin del mundo, y lo que le pase a los personajes. Es imposible involucrarse con ellos.

Habrá quien quiera ver gran cine de acción en este intento demencial de Arnie por regresar a la primera línea de los actores más cotizados del mundo. No es mi caso. Al final, en ese búnker, queda un tufillo a secuela rancia y prescindible tipo la cuarta parte de ‘El planeta de los simios’. ‘Terminator: Salvation’, que se estrena en menos de un mes en todo el mundo, lo tiene muy fácil para subir algo el listón. Aunque mucho me temo que tampoco será una maravilla. Iremos a verla sin prejuicios. Pero Cameron sólo hay uno, desgraciadamente.

Leo en Dark Horizons que hay más nombres para el reparto de lo nuevo de Richard Linklater, que lleva por título ‘Me and Orson Welles’. Mi compañera Beatriz nos habló recientemente de este proyecto.

En concreto, suben a bordo Claire Danes, Imogen Poots (la niña de ‘28 Semanas Después’), Eddie Marsan y Leo Bill. Los cuatro acompañarán, por tanto, a los confirmados Ben Chaplin, Zac Efron y Christian McKay (que será Orson Welles).

Parece que Danes vuelve a salir a flote, cosa que me alegra; llevaba un tiempo que no le veíamos el pelo. Recordemos que últimamente la hemos podido ver en ‘Stardust’ y en ‘El Caso Wells’. De Linklater, director que personalmente me gusta bastante, lo último que vimos en España fue la ácida ‘Fast Food Nation’.

Richard Linklater prepara ya su próxima película, ‘Me and Orson Welles’, que se basa en la novela de Robert Kaplow.

En 1937, Richard Samuels, un estudiante de instituto de Nueva Jersey, de diecisiete años, entra por casualidad en el Mercury Theatre de Broadway, Nueva York, el teatro que ha fundado un Orson Welles de veintidós años, pero que aún no ha sido inaugurado. A Samuels le ofrecen el papel de Lucio en la representación de Julio César, la obra que dirigió y protagonizó Welles y que le catapultó a hasta la cima. Durante los ensayos y representaciones, Richard se enamora, sufre cuando le rompen el corazón y ve cómo sus sueños de entrar en el mundo del espectáculo se desmoronan, lo cual desencadena una maduración en su persona.

Christian McKay hará de Welles, mientras Ben Chaplin dará vida al actor inglés George Coulouris. El chavalín estará interpretado por Zac Efron, a quien se conoce por ‘Hairspray’ y ‘High School Musical’ y que pronto rodará la comedia ‘Seventeen’, como os anuncié.

Actualización del 1 de febrero: Claire Danes se une al reparto. Kelly Reilly, Eddie Marsan, Leo Bill, Imogen Poots y Aidan McArdle también tendrán papeles.

El guión es de Holly Gent Palmo, que fue coordinadora de producción en ‘Dazed and Confused’, de Linklater; y Vince Palmo, que fue primer ayudante de dirección en muchas de las películas de este cineasta. Anne Carli, que trabajó en ‘Fast Food Nation’, será productora. La financiación del proyecto es independiente.

El rodaje tendrá lugar entre mediados de febrero y marzo en Nueva York, Londres y la Isla de Man, más concretamente en el teatro Gaiety. Cuando termine, Efron volverá a su franquicia, con el rodaje de ‘High School Musical 3: Senior Year’, que dará comienzo a mediados de abril.

Fuente | The Hollywood Reporter.

Cuando mi compañera Beatriz hizo su crítica de ‘El Atardecer’ (‘Evening’, 2007), la comparó con ‘Los Puentes de Madison’ (película que por cierto no gusta a algunas mujeres porque tal vez las retrata mejor de lo que les gustaría). Creo que yo ahora mismo encontraría más similitudes entre un bocadillo de mortadela y la vida sexual de las cucarachas en África del Sur que entre esas dos películas. No, miento, en las dos sale Meryl Streep, por lo que entonces también podemos decir que ‘El Atardecer’ se parece a ‘La Decisión de Sophie’ o a ‘Leones por Corderos’. Porque si vamos a hablar de la diferencia generacional entre padres e hijos, o que los hijos descubren cosas sobre su padre o madre cuando éstos eran jóvenes, entonces la segunda película de Lajos Koltai se parece a otros muchos títulos que hay desde que el cine es cine.

‘El Atardecer’ cuenta la historia de una mujer moribunda que en los últimos instantes de su vida recuerda a su gran amor, al que nadie parece conocer. Sus hijas hacen frente a esta situación, que además les sirve para enfrentarse a sus propios problemas personales. Un argumento muy televisivo, que en manos de Koltai logra adaptarse al medio cinematográfico única y exclusivamente por su espectacular fotografía.

La película no tiene un mal comienzo, con Vanessa Redgrave adueñándose enseguida de la función, y haciéndonos ver que muy probablemente su personaje será el que más nos fascine de toda la historia, pues la entrega de la actriz en todas aquellas escenas en las que aparece es total y absoluta, logrando algún que otro momento bastante emotivo. El problema empieza cuando la película viaja al pasado y empezamos a enterarnos de todo lo que le ocurre al personaje de Redgrave cuando era joven. Tanta historia guardada, tanto secreto importante, tanta emoción en los recuerdos, que el espectador tiene la sensación, y esperanza, de que la historia pasada es por lo menos la más grandes historia jamás contada. Es lamentable cuando descubrimos que la mencionada historia no llega ni a rumor de barrio, que aquello que pasó hace años no es tan importante como intentan hacérnoslo ver, y así se produce un desequilibrio entre la importancia de los recuerdos de la Redgrave, y lo que vivió este personaje cuando era joven, siendo interpretada en esos instantes por una no demasiado molesta Claire Danes.

También hay demasiadas historia entrelazadas de los distintos personajes que pululan por el film, y ninguna en absoluto queda completamente cerrada, además de que apenas resultan interesantes, sino más bien todo lo contrario, son corrientes e incluso anodinas. El problema está en que uno de sus guionista es Michael Cunningham, de quien ya hemos visto sus desastroso trabajo en ‘Una Casa en el Fin del Mundo’, y que en esta película, ayudado por la propia autora del libro en el que se basa, recuerda demasiado a una de sus obras, ‘Las Horas’, que conoció una estupenda adaptación. Si allí los saltos en el tiempo funcionaban bastante bien, aquí están realizados sin ton ni son y de forma totalmente aleatoria sin que afecte demasiado al orden de la narración, y careciendo por completo de ritmo. Vamos de adelante para atrás al antojo del guionista y porque sí, y mientras tanto vamos abriendo la boca por el aburrimiento que hace mella en nosotros.

Ni siquiera su espectacular reparto logra llamar nuestra atención. Dejando a un lado a Redgrave, el resto se pasean por el film con más y menos fortuna, pero sin deslumbrarnos ni lo más mínimo. Glenn Close y Meryl Streep salen bastante poco, y mientras la primera hace gala de su molesto histrionismo, la segunda intenta emocionar con su serenidad, sin conseguirlo demasiado. Toni Collette y Natasha Richardson dan vida a las hijas de la moribunda con unos personajes bastante tópicos y mal perfilados, y que contienen además diálogos bastante ridículos. De Hugh Dancy podríamos decir que es de los mejores, aunque su personaje nunca termina de obtener la supuesta importancia que parece tener en un principio. Y de Mamie Gummer que es igualita a su madre.

El reparto se la pega completamente con Patrick Wilson, en uno de los errores de cásting más escandalosos y evidentes de cuantos se hayan visto. El actor da vida a alguien muy importante en la vida de uno de los personajes centrales, o mejor dicho, de varios. Pero entre que el actor está totalmente inexpresivo, y su rol no está del todo desarrollado, nos es imposible creernos que su paso por esta vida haya dejado una huella tan profunda en determinadas personas. Es el aspecto más increíble y forzado de toda la película, con lo cual su gran baza se desmorona por completo.

Lajos Koltai no tiene ni la más mínima personalidad dirigiendo, su puesta en escena está basada solamente en una extraordinaria fotografía, aspecto éste que Koltai ha cuidado mucho en sus dos películas como director (de la otra os hablé hace poco), dado que durante muchos años se encargó del trabajo de fotografía de muchas películas. Así pues, la labor de Gyula Pados es ejemplar, componiendo en ciertos momentos planos que son auténticos cuadros, y devorando completamente la historia, dada la enorme debilidad que ésta posee.

Un film aburridísimo y falto de interés, donde ni siquiera la música del excelente Jan A.P. Kaczmarek llega a los niveles deseados, recordando en algunos instantes a la que compuso para la maja ‘Descubriendo Nunca Jamás’. No creo que dure mucho en cartelera, los empleados de los cines no estarán por la labor de despertar a los clientes al término de la función.

Con una película como ‘El atardecer’ (‘Evening’) no sería necesario ni escribir una crítica, sólo con decir las actrices que aparecen en ella, seguro que mueve a una gran parte del público a la taquilla. Aquí va la retahíla por orden alfabético: Glenn Close, Toni Collette, Claire Danes, Vanessa Redgrave, Natasha Richardson y Meryl Streep. Además de ellas, están Patrick Wilson, Hugh Dancy, Mamie Gummer y Eillen Atkins.

Se trata de uno de esos films grandiosos en los que, además del espectacular y oscarizable reparto, todo se mueve en mansiones de lujo y lugares idílicos, la fotografía es bonita y los sentimientos que experimentan los personajes son intensos y convierten cada momento en el más crucial de sus vidas. Es uno de esos dramas norteamericanos que casi siempre aparentan ser cine de una calidad mayor que la que realmente poseen. Una de esas películas con tanta fachada que parece difícil penetrar en ellos y más aún despiezarlos o criticarlos. Deslumbrante, podría ser la palabra, pero no por lo brillante, sino por el efecto cegador de su aparato estético.

‘El atardecer’ está basada en la novela de Susan Minot, que ella misma ha adaptado para la gran pantalla con el ganador del Pulitzer, Michael Cunningham (‘Las horas’). La dirección corre a cargo de Lajos Koltai (‘Sin destino’). Como en ‘Los puentes de Madison’ —película que tengo comprobado que, a pesar de su apariencia, gusta mucho más a los hombres que a las mujeres—, unas hijas descubren que su madre tenía un amor del pasado que ellas desconocían. En su lecho de muerte, Ann (Vanessa Redgrave) recuerda a una persona a la que sus hijos no conocen: Harris. Vemos entonces a Ann de joven (Claire Danes) acudir a la boda de su mejor amiga, Lila (Mamie Gummer) y enamorarse de Harris, un hombre al quien también ama, aunque de forma no correspondida, la futura esposa.

Con ello, la película trata de explorar la idea de las oportunidades perdidas, los errores vitales y la renuncia a la felicidad. Estos conceptos son interesantes, aunque la forma en la que se abordan, además de ser excesivamente obvia, no es todo lo profunda que podría ser. Ya que tenemos a varias mujeres que se preguntan si han tomado las decisiones correctas en su vida —pues la hija pequeña de Ann (Toni Collette) también tiene dudas—, se podría haber hecho que alguna de ellas sí hubiese luchado por lo que amaba, incluso aunque hubiese tenido que renunciar en última instancia. Pero al ver que nadie se esfuerza por lograr su objetivo, el que no lo alcancen no se puede comprender como un fracaso.

Aparte de esto, el mensaje final de la película es tremendamente conservador, ya que se concluye que no hay por qué perseguir la felicidad, sino conformarse, o que para una mujer tener hijos debería ser lo más satisfactorio de su vida. Esta idea queda más que sentenciada en la frase “no existen los errores”, que se enuncia más de una vez. La decisión del personaje de Collette también recalca esta moraleja.

Lo narrado a través de flashbacks se limita a dos o tres días y lo que ocurre en el tiempo presente es igual de breve. Para que comprendiésemos mejor el arrepentimiento por el que pasa Ann, tendríamos que ver otros momentos de su juventud. Contemplamos el momento en el que conoce a Harris, se enamora de él, pero no vemos cuándo lo deja. Eso sí, sabemos que lo deja desde el principio, pues sus hijas no lo conocen. Aunque la película se quiere centrar en esa equivocación, lo que vemos en el recuerdo no es esa decisión, sino algo muy anterior. Y quien realmente es protagonista de estos flashbacks, mucho más que Harris, es Buddy, el hermano de la joven que se va a casar. Quizá el motivo por el que no se transmite bien la sensación que se quiere dar sea que lo que se cuenta del pasado se centra más en Buddy, con el que Ann tiene una especial amistad, que en Harris. El arrepentimiento de Ann tendría que referirse a la figura de Buddy. Y, a pesar de todo lo que ocurrió aquellos días, la Ann del presente no siente ningún remordimiento sobre ese aspecto.

Sin ser el protagonista que ‘El atardecer’ quiere tener, Buddy, es el elemento más interesante de todo el film. Su personaje sostiene la película y gracias a él tenemos suficientes momentos de buen cine, profundización psicológica y conflicto, como para que ver ‘Evening’ no sea una pérdida de tiempo completa. El actor que le da vida, Hugh Dancy (en la foto de más arriba), hace un trabajo excelente, quizá gracias a que sobre guión es el único que tiene un personaje con aristas, con debilidades, pero que dice la verdad cuando es necesario y que trata de encontrar esa felicidad a la que todos han renunciado ya desde tan pronto.

Sin embargo, no es intención de los autores que Buddy sea el protagonista. Sus personajes principales son las mujeres, pero ellas carecen de personalidades bien definidas y consiguen una empatía muy escasa. Las actrices están muy correctas en sus papeles, siendo Claire Danes la que más destaca, pero desde guión sus formas de ser no quedan nada claras.

Harris, personaje del que se enamoran todos los seres vivientes que hay por la película, está interpretado por Patrick Wilson (en la fotografía de la izquierda). Esto puede ser únicamente mi apreciación, pero me da la sensación de que es un error de cásting, pues no es ni mucho menos, un hombre del que todo el mundo se pueda enamorar a simple vista. Sin ser tampoco feo, carece de encanto, de carisma, tiene tanto aspecto de estirado como el marido con el que Lila se casa por despecho. Así que, esta deficiencia en el reparto hace que sea muy difícil comprender la forma de actuar de las protagonistas. Claro que no sólo el actor es anodino, como personaje tampoco tiene el más mínimo matiz que lo convierta en interesante.

Resumiendo: ‘El atardecer’ es una película que deslumbrará por su elenco y su elegante realización, pero a la que en seguida se le pueden encontrar fallos si se profundiza un poco. Con un protagonismo equivocado, el guión se empeña en dar una conclusión que ni siquiera ha sabido plantear y que tiene que introducirla con frases obvias.

Andrew Lau es el americanizado nombre de Lau Wai-keung, conocido por el aficionado al tratarse de uno de los directores de la famosa trilogía hongkonesa ‘Infernal Affairs’, cuyo primer título ‘Juego Sucio’ fue espléndidamente revisionado por Scorsese, quien se llevó unos cuantos premios por ello. Que un director, en cierta medida de culto, acabase dirigiendo en los USA era cuestión de tiempo, y por supuesto algo no exento de interés. Que su primera película en dicho territorio fuera un thriller era algo de esperar; que estuviese protagonizada por Richard Gere y Claire Danes ya no nos hacía albergar demasiadas esperanzas.

‘El Caso Wells’ (en el original ‘The Flock’, que podría traducirse como “el rebaño”) narra las andanzas de un empleado del departamento de seguridad pública que se dedica a supervisar las vidas de todos los delincuentes sexuales que han sido reinsertados en la sociedad. Al mismo tiempo iniciará junto a su nueva sustituta una investigación para encontrar a una chica desaparecida, y que nuestro protagonista sospecha está en manos de uno de sus visitados.

Lo que más llama la atención de ‘El Caso Wells’ es el lamentable trabajo de dirección de Lau, que parece ser tuvo algunos retoques por parte de Niels Mueller, el director de la fallida ‘El Asesinato de Richard Nixon’. Lau quien había demostrado en alguna de sus anteriores película poseer una pericia narrativa, recae aquí en un montón de topicazos estilísticos impropios de un director oriental. Flashes de luces por doquier, efectos de sonido que marean al espectador con el volumen de los mismos, montaje atropellado que marea todavía más, falta de continuidad en las escenas. Todo eso no hace más que alejar al público de la historia que nos relata el film, en lugar de acercarnos a ella.

Una historia por otro lado que si bien tiene su punto de interés en los delitos sexuales, lamentablemente tan anunciados por los medios hoy día, es verdaderamente penosa en el caso concreto que nos cuenta: la desaparición de una chica, a la que hay que encontrar evidentemente antes de que termine la película para que nuestro protagonista se sienta realizado. Toda la trama de suspense, por así llamarla, está cogida por los pelos, y muchas de las cosas resultan forzadas, ayudadas convenientemente por la falsa información que le dan al espectador en la mayor parte del metraje. Dicha parte está entrelazada con el retrato del personaje central, un hombre demasiado obsesionado con su trabajo y que no cree en la reinserción social de un montón de degenerados que en su momento abusaron de un niño, o una niña, o varios. Ésta sea quizá la parte más interesante de una película que avanza tambaleándose torpemente entre el thriller escabroso y el film de denuncia social. Lamentablemente, el dibujo de personajes se queda en la superficie, y sólo algún que otro apunte al respecto merece la pena ser rescatado, pero resulta insuficiente para salvar la película.

Por supuesto, la pareja protagonista no ayuda demasiado a que la cosa mejore. Y eso que Richard Gere no molesta tanto como otras veces, quizá porque según va pasando el tiempo, este actor va quedando mejor en pantalla, por así decirlo. No obstante, Gere pone todo su empeño en dar vida a un personaje en el que parece sentirse muy a gusto, quizá por lo que representa, y seamos sinceros ¿a cuántos nos gustaría escarmentar a delincuentes sexuales tal y como lo hace Gere en la película sin ningún tipo de remordimiento? A su lado, Claire Danes no aporta absolutamente nada, la actriz no convence en ningún momento y no resulta creíble en sus reacciones al irse adentrando en el mundo de su mentor, con el que por cierto se establece la típica relación entre maestro y alumno tan vista en este tipo de películas sin resultar mínimamente original.

Una película muy floja, enormemente decepcionante por venir de quien viene, y es que uno se esperaba más por parte de un director que habría podido hacer mucho más que rodar el típico thriller lleno de momentos efectistas, sobre todo en su parte final, y que camina por senderos demasiado pisoteados ya. Esperemos que en su segundo trabajo como realizador dentro de tierras norteamericanas, tenga otros resultados.

Desde que Peter Jackson nos sorprendiese a todos con su extraordinaria adaptación de ‘El Señor de los Anillos’, todos han querido explotar a la gallina de los huevos de oro, y todo libro de fantasía conocido, o cómic, o lo que sea que tenga que ver con historias semejantes a las que Tolkien escribía, están siendo, y serán, adaptados, dado que la mayoría consiguen excelente recaudaciones en taquilla, debido a la demanda del público de este tipo de historias.

‘Stardust’ es una de ellas, y cogiendo como base la historia de Neil Gaiman, el film nos narra las aventuras y desventuras de una estrella caída, a la búsqueda de la cual ha ido el protagonista de nuestra historia para probar el amor que siente por su amada, quien le aceptará en matrimonio si consigue la mencionada estrella. Nuestro héroe, que guarda un secreto importante sobre su procedencia, vivirá un sinfín de aventuras acompañado por la bella estrella.

‘Stardust’ no engaña a nadie, y precisamente por eso, más su falta total de pretensiones, se trata de un producto más que digno, lleno de ritmo y entretenimiento. Podríamos decir que estamos ante un cuento de hadas puro y duro. Tenemos el príncipe, tenemos a la princesa, a los padres, a la bruja, al malvado bonachón, un reino, un trono que ocupar y un maquiavélico plan. La historia es sencilla, sin demasiadas complicaciones y de una claridad absoluta. En la película todos los elementos están servidos con eficacia, esmerándose lo suficiente como para no tratar al espectador como si fuera tonto, y abarcando muy bien al público al que va dirigida la película. Puede ser disfrutada en igual medida tanto por un adulto como por un niño, equilibrio que no consiguen otros films del mismo estilo.

La puesta en escena de su director, Matthew Vaughn, es lo suficientemente espectacular como para resultar llamativa, sin caer en ningún tipo de efectismo visual, aunque por momentos termine siendo algo impersonal. Todo en ella está aprovechado al máximo, desde los excelentes paisajes abiertos, hasta el interior de una posada o de un tenebroso castillo. Evidentemente estamos ante una película llena de efectos especiales, pero éstos no se comen la trama en ningún momento, llegando a estar siempre al servicio de la historia. Una historia bastante bien condensada, aunque tanto el prólogo como el epílogo sean bastante apresurados, y sobre todo en el segundo haya alguna que otra incongruencia.

‘Stardust’ está repleta de actores conocidos a los dos lados del bien y del mal. Los más conocidos, sin duda unos cachondos y entregados Robert De Niro y Michelle Pfeiffer, siendo ésta la verdadera reina de la función, con un personaje encantador que cobra fuerza al ser interpretado por la excelente actriz, que no se corta ni lo más mínimo a hacer lo que sea, ya sea aparecer terriblemente guapa, como horrorosamente fea y decrépita. Espero sinceramente que el nuevo renacer de la Pfeiffer dure mucho tiempo. De Niro se atreve con un personaje si cabe más facilón, el de un pirata con dos caras, y no digo más. Sólo mencionar que dicho personaje parece una respuesta al de Johnny Depp en ya sabéis qué saga, y que incluso se atreve a llegar donde aquél no fue capaz. Puede que a algunos se les caiga la cara de vergüenza con ciertos matices del pirata de De Niro, pero yo me lo pasé en grande. Aún así, dicho personaje daba para mucho más, y al final se tiene la sensación de que ha sido bastante desaprovechado.

Claire Danes y Charlie Cox son la pareja protagonista, y a pesar de que hay cierta química entre ellos, lo cierto es que son los peores del reparto, tal vez porque él, que no sé porqué me recordó durante toda la película a Robert Sean Leonard, sea un poco inexpresivo, y porque ella simplemente porque no suele resultar demasiado creíble en sus papeles, aunque curiosamente en este film la credibilidad es una de sus cualidades. Nada en ella nos resulta fuera de lugar o forzado, nos la tragamos y creemos enterita. Sienna Miller es otro prodigio de inexpresividad, y Peter O´Toole y Rupert Everett salen lo suficientemente poco como para no ser disfrutados. Al respecto de éste último decir que muchas de las intervenciones de los actores son en situaciones cómicas, que tal vez haya demasiadas a lo largo y ancho del film, algunas están bien planteadas, como las de ciertos fantasmas, y otras no lo están tanto e incluso chirrían, como por ejemplo, las que se plantean alrededor de la pareja protagonista.

Lo que sí se disfruta, y sin ningún tipo de prejuicio es toda la película, la cual logra que durante dos horas nos olvidemos del mundo real, y consigue trasladarnos al otro lado del muro, un sitio donde los sueños pueden hacerse realidad, donde puedes hablar con las estrellas o subirte al barco pirata de un ladrón de rayos, y todo ellos aderezado con una excelente banda sonora de Ilan Eshkeri, que llena todo el film, consiguiendo momentos de gran fuerza, de esas bandas sonoras que cuando sales del cine te compras el disco.

Un buena película, en definitiva, y que lamentablemente no ha tenido el éxito que se esperaban sus productores, y por supuesto el que se merecía. Películas como ésta necesitamos que se hagan más. No son la octava maravilla del mundo, pero cumplen perfectamente su cometido con cierta inteligencia, haciéndonoslo pasar bien.

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• ‘Stardust’, fantasía sin garra

El pasado 26 de octubre llegó a nuestros cines (cuyo final, dicen, está cerca) la esperada ‘Stardust’, una fantástica historia romántica dirigida por Matthew Vaughn (‘Thor’ pasará por sus manos). A partir de una obra del popular Neil Gaiman, la película resulta muy llamativa en su aspecto visual (aunque la mano de ordenador canta a veces bastante) y apoyada en una preciosa banda sonora de Ilan Eshkeri, así como en un reparto acertado en su mayoría, consigue que el rato que estamos en la sala se pase volando y salgamos de la misma con una sonrisa en los labios. Vaughn se arriesga muy poco, abusando de una factura de videoclip, y la historia es demasiado “bonita”, algo cursi y para todos los públicos, como para poder hablar de un título que dejará marca, pero sí para catalogarla de una propuesta refrescante y divertida.

‘Stardust’ (no se han atrevido a traducirlo esta vez) comienza en el pequeño pueblo de Muro, cuyo nombre viene de la imperfecta muralla de piedra que mantiene a sus habitantes alejados de las amenazas del universo paralelo y sobreantural que está al otro lado, poblado por todo tipo de seres fantásticos. Sin embargo, el joven Tristan Thorne hace una promesa a su amada Victoria para lograr que ella se comprometa con él: le traerá una estrella caída del cielo. Para cumplir esto, el joven deberá traspasar la frontera de piedra…

La película es un cuento de hadas, cosa que queda manifiesta desde el principio, con la narración de la susurrante voz en off (Ian McKellen en el original), permitiendo que nos acomodemos en la butaca como si volviéramos a nuestra infancia y nuestro abuelo se dispusiera a leernos una historia antes de dormir. En este sentido, sorprende la gran cantidad de elementos fantásticos que aparecen en ‘Stardust’. Hay de todo. Hay brujas, príncipes, animales que se transforman en personas (y viceversa), una estrella con forma de mujer, piratas, amuletos mágicos, y hasta un (tonto) unicornio. Igualmente, los escenarios en los que transcurre la historia son variadísimos y por supuesto no faltan los ya típicos planos aéreos que asociamos a la trilogía del anillo. En este sentido, donde Peter Jackson triunfaba, dirigiendo de forma inmejorable todo un universo para contar una historia, Vaughn se queda algo corto, quizá por presiones del estudio (hay un par de fallos de montaje que me chocaron bastante) o quizá por, sencillamente, este tipo no ha dado la talla. Menos mareo de cámara y más imaginación a la hora de componer los planos le habrían venido fenomenal a esta película.

El cartel de ‘Stardust’ está compuesto por caras conocidísimas, si bien no son estrellas que precisamente estén en su momento más radiante. El caso más representativo es el de Robert De Niro, actor que ha pasado de intocable a ser muy discutido. Su presencia en “cosas” como ‘Showtime’ o ‘El Escondite’, por no hablar de las lamentables secuelas de ‘Una Terapia Peligrosa’ o ‘Los Padres de Ella’, han provocado que ya no sintamos, ni de lejos, el mismo interés cuando su nombre acompaña al título de un film determinado. A años luz de su trabajo en ‘Taxi Driver’ o la más reciente ‘Heat’, De Niro parece totalmente perdido. Supongo que os puede resultar divertido, o algo similar, pero a mí me produjo verdadera vergüenza ajena contemplar hasta dónde ha llegado este hombre en ‘Stardust’. No me ha causado pesadillas, menos mal, pero no creo que olvide nunca la imagen de un De Niro maquillado y vestido de mujer, bailando como una loca frente a un espejo, en una de las escenas del film que nos ocupa. Ojalá se tomara un descanso y se replanteara su carrera.

De forma totalmente opuesta, Michelle Pfeiffer consigue recuperar no sólo la mirada fascinada del público sino también su (debilitado) prestigio. Si ya logró un trabajo más que notable en la divertida ‘Hairspray’, en ‘Stardust’ sigue por esa senda y nos regala una interpretación jugosísima; el suyo es uno de los mejores personajes del film. Gracias a unos efectos especiales resultones que necesita para hacer creíble la transformación de su rol, la Pfeiffer está preciosa y divertidísima como la mala de la historia, una bruja que busca a la estrella caída para recuperar su juventud. Genial el momento en que se mira el culo en el espejo y nos dedica un gesto coqueto.

También destacan las intervenciones de Mark Strong (uno de los nombres del futuro, es un gran actor), Rupert Everett, Peter O´Toole y Ricky Gervais (que sale poco, pero lo suficiente como para hacer reír, su gran especialidad), pero el protagonismo de ‘Stardust’ recae especialmente en el desconocido Charlie Cox y, en menor medida, Claire Danes, la estrella que cae del cielo, convirtiéndose en el objetivo de casi todos los personajes de la historia. Mientras que Cox hay veces que está sencillamente inaguantable, Danes es, junto a Pfeiffer, uno de los mayores aciertos del casting. La joven aparece tan radiante como lo exige su personaje y protagoniza algunos de los mejores momentos del film (hacia el final hay uno, en el castillo de la bruja, que me parece antológico). El problema de Cox, muy soso, es quizá problema de la forma en que se ha enfocado a su personaje, pero creo que otro actor le habría sacado mucho más jugo a ese papel de muchacho soñador, enamorado y muy torpe, que busca la forma de conseguir el amor de la más guapa del pueblo; rol de Sienna Miller, por cierto, también estupenda. Es inevitable, al menos para mí, pensar en Orlando Bloom al ver a Cox en la segunda parte de la historia, incluyendo melenita al viento, miradita de estrella pop y pose con la espada. Ni uno ni otro estropean el conjunto, pero siempre queda la sensación de que otro en su puesto lo habría mejorado.

‘Stardust’ no pasará a la Historia como uno de los mejores ejemplos del género fantástico, a pesar de que tenía madera para ello, pero sin duda su visionado resultará muy entretenido. Le falta garra, una puesta en escena más imaginativa y algo de mala uva, pero le sobra encanto, belleza y diversión. Por cierto, sé muy bien que el cine está caro, pero en pantalla grande es como mejor se puede disfrutar de un título como éste. Y si encontráis la banda sonora en alguna tienda, dadme un toque, no consigo dar con ella.

Richard Gere está presente actualmente en nuestra cartelera por ‘La Gran Estafa’, que aunque bien podría narrar muchos sucesos de la vida política española, en realidad trata de un escándalo editorial norteamericano. Pronto, Red Stovall nos contará sus impresiones sobre la misma. Un poco más tarde, el próximo 9 de noviembre, llegará a nuestras pantallas otro film protagonizado por el soseras de Gere, ‘El Caso Wells’, del que os traigo tanto el póster como el trailer en sus versiones españolas. Como os gusta a la mayoría.

Ya habíamos visto un primer teaser de esta película cuando aún se llamaba ‘The Flock’. La historia gira en torno a dos detectives, uno veterano a punto de retirarse y una novata, que investigan la desaparición de una joven. A Gere lo acompaña Claire Danes, que parece haber despegado de nuevo, tras un tiempo donde apenas la hemos podido ver. Dirige Wai Keung Lau, uno de los responsables de la famosa ‘Juego Sucio’.