Ayer arrancaba oficialmente el Festival y la alfombra roja empezó a lucir. Con mayor afluencia de medios de comunicación que en años anteriores (a lo que habrá contribuido la estrella local presente), las primeras estrellas se dejaban ver, fotografiar y preguntar.

Comenzamos con Sergi López, actor español y casi más europeo, si atendemos a su internacional filmografía. Un tipo extrovertido, simpático y charlatán que habló maravillas (como no podía ser de otra manera) de la película ‘Partir’ que llegará pronto a las carteleras españolas, pero antes participará en este Festival, además en la Sección Oficial.

Sergi elogió el generoso y brillante trabajo de su compañera de reparto, la británica Kristin Scott Thomas. Una actriz espléndida y que lo da todo a la hora de ponerse frente a las cámaras. La película cuenta la pasional historia de amor entre una mujer que llega a los 40 años con una vida plácida y cómoda, pero se cruza con un currante que trabaja en casa en unas reformas y con el que mantiene un tórrido romance y decide romper con todo y “tirarse a la piscina”, como el propio Sergi comentaba.

Pronto la veremos y juzgaremos si esta historia rodada por la realizadora Catherine Corsini logra convencer.

Por otra parte, y antes del despliegue glamouroso de la gala de inauguración, el reparto principal de ‘Triage’, se dejó fotografiar y atendió a los medios. Allí estaban Colin Farrell (un tipo simpático y con el que seguro uno se puede compenetrar en la barra de un bar), la estrella local, la sevillana Paz Vega, que hacía las veces de anfitriona, y el veterano Christopher Lee (de una vitalidad y sentido del humor tan grande como su presencia y estatura).

Paz manifestó lo magnífico que fue el rodaje de la película (entre España e Irlanda), con un gran ambiente y acompañada de grandes de la interpretación como han sido Farrell y Lee, de los que ha aprendido mucho. Por su parte, el irlandés Colin Farrell no quiso quedarse sin elogiar la belleza de Paz y marcarse algunas palabras en español. Y Christopher Lee que ahondó en que era una de las mejores películas sobre la guerra que ha visto, y reconocía haber visto unas cuantas. Ante la pregunta sobre qué opinaba sobre la actual moda de vampiros, Lee fue tajante:

No veo ninguna desde 1972. Me han dicho que ahora los vampiros son jóvenes apuestos (muchas risas)

Continuando con otro gran veterano, el británico John Hurt pasó esta misma mañana por su turno en rueda de prensa. El actor venía a acompañar a su última película ‘44 inch chest’, una cinta del debutante Malcolm Venville (aunque un fotógrafo y publicista muy prestigioso). Largometraje que ha alabado por su teatralidad, pero con un sentido del humor que subrayaba los temas universales que trataba. Hurt manifestaba, que tras tantos años haciendo grandes y pequeñas producciones, prefería (por sentirse más cómodo trabajando) interpretar papeles para películas independientes, donde la falta de recursos obliga a hacerlo bien en la primera toma. Un actor camaleónico, siempre sorprendente y con una agenda de próximas producciones que demuestra que aún le queda mucha mecha, a pesar su dilatada vida profesional en la interpretación. Gran tipo.

Ayer se anticipaba el arranque del Sevilla Festival de Cine Europeo 2009 con el pase de ‘Triage’, el último trabajo de Colin Farrell y Paz Vega con la dirección de Danis Tanovic. Aunque hoy será cuando se despliegue la alfombra roja y sea, precisamente, este título el que tenga el honor de inaugurar el certamen.

Mucho se esperaba de esta película vestida de drama con trauma bélico sin superar, especialmente por el trabajo de los protagonistas, la aparición del veterano Christopher Lee (a quienes veremos esta tarde/noche) y, también, la expectativa que generaba Tanovic, un realizador bosnio que logró el Oscar con la estimable ‘En tierra de nadie’. Sin embargo, y para abrir boca en el Festival no ha sido todo lo satisfactoria que se deseaba.

‘Triage’ es una nueva incursión de Tanovic en un tema que ha vivido tan de cerca como es el horror de la guerra. Y, sobre todo, por sus consecuencias y secuelas en los supervivientes. A los que les toca vivir con imágenes aterradoras en cada pesadillas y una lucha constante para continuar una vida normal tras la complicada digestión de una experiencia semejante.

Tanovic nos retrata la historia de Mark, un fotógrafo de guerra en pleno corazón del Kurdistán, terreno asolado por conflictos bélicos permanentes. Allí, en 1988 (momento en el que se ambienta la cinta), se encuentra junto a su amigo y compañero también fotógrafo David y ambos afrontan, de distintas formas, la crudeza de las heridas de guerra en los combatientes. Uno quiere escapar cuanto antes del horror pues su esposa está a punto de dar a luz. Su temor y sus ganas de salir, le hace comportarse con mayor prudencia. Sin embargo, Mark, prefiere arriesgar, ya que su experiencia le dicta que hay que estar en el ojo del huracán si quieres regresar con las fotos que merezcan la pena.

A partir de ahí, asistimos al personal recorrido por el infierno de Mark, interpretado con empeño por Colin Farrell. Un regreso a su hogar en Dublín, donde intenta superar las heridas que trae (físicas, pero sobre todo psicológicas), junto a su esposa Elena, interpretada por una esforzada Paz Vega.

El relato hace hincapié (y de forma reiterativa) en las duras secuelas que Mark arrastra y que le hacen incapaz de mejorar en su estado físico y en adaptarse a la vida normal. Con un manejo de la narración algo tosco, pero intentando dosificar un cierto suspense a base de flashbacks reveladores, vamos asistiendo al infierno que vive el protagonista.

La historia se estanca en este instante y no parece tener continuidad, sino subrayar una y otra vez su malogrado estado mental y de ánimo. Sin noticias de su amigo del que, al parecer, se separó en plena batalla. La película logra remontar algo en su segunda mitad, especialmente por la participación e intervención de un personaje secundario que sirve de terapeuta para el protagonista. Se trata del abuelo de Elena, un veterano que fue responsable de la purificación (término literal con el que él mismo lo define) de criminales de guerra tras la contienda civil en España. Este purificador de almas (con la majestuosa presencia de Christopher Lee), logra darle más sentido y avance a la historia de Mark. Y parece que va logrando despejar sus pesadillas, a la par que redimir a través de sus conversaciones terapéuticas, su trauma.

La cinta alcanza un final predecible, aunque no por ello se ablanda Tanovic a la hora de resolver la intriga. Hace un profundo retrato del dolor, del sufrimiento que asola a aquellos que sobrevivena a un conflicto bélico, utilizando la mirada analítica, testimonial e imparcial de un fotógrafo. Reveladora es una de las citas del film, que resume su clara intención:

Sólo los muertos ven el fin de la guerra (Platón)

Tanovic usa con empeño algunos recursos narrativos apropiados para su historia, con un montaje basado en el suspense, con imágenes crudas cuando las requiere, pero no deja de resultar un relato poco convincente, y que evidencia (demasiado) una gran pobreza de medios, aunque sobresale una especial carencia de tramas secundarias. Una vez el cabo principal queda descubierto, nada más permanece. Quizás conocer algo más sobre la historia del papel de Christopher Lee le hubiese aportado mayor interés, o bien darle más vida al personaje interpretado de Paz Vega, que queda muy desdibujado y demasiado secundario.

Ya comentábamos que ‘Triage’ sería la película que inauguraría el Sevilla Festival de Cine Europeo 2009. La razón principal, que se antoja a priori, es por la participación de la sevillana Paz Vega. Pero ‘Triage’ es también un drama psicológico que seguro va a tener cierto gancho de taquilla. El protagonista es Colin Farrell y está dirigida por el prestigioso realizador bosnio Danis Tanovic, oscarizado por el film ‘En tierra de nadie’ (‘No Man’s Land’).

La cinta se basa en las andanzas de un corresponsal de guerra (Scott Anderson), ya retirado que las ha narrado en una novela. La historia cuenta las vivencias de un fotógrafo que decide regresar a casa en Dublín, con su esposa, tras sufrir el impacto de un escenario bélico y estar malherido. Esa situación dolorosa, de digerir un duro trauma psicológico es el centro de la trama en la que Farrell es el protagonista torturado e incapaz de reasumir su antigua vida, y Paz Vega es su esposa. También participa en el reparto el veterano y gran Christopher Lee, así como Kelly Reilly, Jamie Sives y Branko Djuric.

La película fue rodada parcialmente en España y también se pudo ver en el reciente Festival de Roma y el de Toronto. El tráiler tiene buena pinta, en especial por el trabajo que puede deparar Farrell.

Vía | SEFF y Filmstalker

Se acerca el estreno de una de las películas más interesantes y esperadas de este año, ‘El imaginario del doctor Parnassus’, lo nuevo del director Terry Gilliam (‘Doce monos’, ‘Tideland’), y aquí os dejo los dos últimos carteles que han aparecido en Internet; uno de ellos está en español, confirmando que no se ha realizado una alocada traducción del título, que a veces hasta da vergüenza pedir la entrada a la taquillera (menos mal que siempre se puede decir el nombre de la sala).

Como sabéis, pues no es la primera vez que hablamos de ella, se trata de la última película en la que participó Heath Ledger, fallecido accidentalmente cuando aún estaban en pleno rodaje. Por suerte, Gilliam entendió que había que seguir adelante, y consiguió que los estelares Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell, amigos del actor, tomaran el relevo e interpretaran el papel que había quedado desierto. El dinero que debían haber cobrado por su trabajo fue donaron a la hija que tuvo Ledger con la también actriz Michelle Williams (se enamoraron durante el rodaje de ‘Brokeback Mountain’).

El film ya se ha paseado por varios festivales y pronto lo hará también por Sitges (donde estaremos, al igual que estuvimos en San Sebastián), pero el público español no deberá esperar con los dientes largos durante mucho más tiempo, ya que la fecha de estreno para salas comerciales está fijada para el próximo 23 de octubre. Por lo que nos contó Adrián, y lo que se ha comentado en otros medios, la espera va a merecer la pena.

PD: Christopher Plummer, Tom Waits, Lily Cole, Verne Troyer y Andrew Garfield completan el reparto protagonista.

Vía | Impawards y Empire

Si me preguntáis, charlando entre copas, cuál es la mejor película que vi en 2006, sin dudarlo ni un instante, mi respuesta será ‘El nuevo mundo’ (‘The New World’), que aunque se estrenó en diciembre de 2005, aquí no la pudimos ver hasta febrero del año siguiente. Conociendo la escasa valoración que se le dio, en general, a esta impresionante obra de arte, lo más probable es que a continuación, y repito que estamos tomando copas, estallaran las carcajadas, poco antes de empezar a preguntar si vi tal o cual otra película; con resignación, lo sé por experiencia, diría que sí a todos los títulos (más de una vez me reiría yo también), manteniendo invariable que el cuarto trabajo de Terrence Malick fue lo mejor de aquel año.

Tras terminar ‘Días del cielo’ (‘Days of Heaven’, 1978), Malick, autor enigmático donde los haya (se ha llegado a decir que en realidad no existe, que es un seudónimo de otras personas, pero esto no tiene sentido si se echa un vistazo a su obra, tan escasa como única y coherente), nos tuvo esperando dos décadas hasta que por fin se decidió a rodar otra película, ‘La delgada línea roja’ (‘The Thin Red Line’). Mereció la pena que se lo pensara tanto, qué duda cabe, pero por fortuna no necesitó tanto tiempo para lanzarse a crear su nuevo trabajo, centrado en la famosa leyenda de John Smith y Pocahontas, lo cual descolocó a muchos (sigue haciéndolo).

Porque ‘El nuevo mundo’ se vendió como lo que no era/es, una película de trepidantes aventuras en un entorno exótico con el típico amor imposible; puro marketing, los hombres tendríamos aventuras y las mujeres amor, el producto perfecto. No en vano, la esperadísima y superanunciada ‘Avatar’ de James Cameron ofrece lo mismo, tal como vimos en el tráiler, cambiando al conquistador inglés del siglo XVII por un soldado norteamericano del futuro y a la indígena americana por una alienígena de un planeta lejano (por supuesto, el tono y el tratamiento de ambas películas no tendrá nada que ver).

‘El nuevo mundo’ se centra en el descubrimiento de las enormes tierras salvajes de Norteamérica por los colonos británicos, que llegaron en tres pequeños barcos y levantaron el fuerte Jamestown, en 1607. Los hombres “civilizados”, a miles de kilómetros de su hogar, buscan introducir su cultura, religión y economía en este “nuevo mundo” al que acaban de llegar, y que no está deshabitado. Los nativos americanos ya estaban ahí y, aunque diferente, también tienen su propia forma de vida, negándose a permitir que unos intrusos alteren la naturaleza y el orden con el que ellos habían estado conviviendo hasta entonces.

En medio del conflicto entre ambos pueblos surgirá el amor entre dos jóvenes, uno de cada bando. Él era un rebelde que llegó a América condenado a la horca por insubordinación, un buscador de fortuna llamado John Smith (Colin Farrell, excelente), un hombre valiente y diferente al resto; ella (Q´Orianka Kilcher, todo un descubrimiento, nunca mejor dicho) es una joven curiosa y atrevida a la que han apodado Pocahontas (“juguetona”), y es la favorita del jefe de su tribu. El vínculo que surge entre ellos es tan repentino e intenso como imposible de mantener, de la misma forma que los pueblos a los que pertenecen están condenados a enfrentarse.

Como decía, esto no es lo que parece, la realidad es que la cuarta película de Terrence Malick no está hecha para ser consumida como la gran mayoría de productos que nos llegan de Estados Unidos; la intención no es que te sientes a desconectar, a pasar el rato, sino lo contrario, que experimentes y reflexiones sobre lo que se te muestra en la pantalla. La trama de Smith y Pocahontas es una excusa y la película no se ciñe a ella, no pretende contar lo que pasó realmente o darnos un nuevo enfoque de los hechos, va más allá, y le da igual la Historia, porque el propósito es otro, es exponernos la triste y bellísima historia de un paraíso perdido.

‘El nuevo mundo’ guarda un gran parecido con ‘Días del cielo’ y ‘La delgada línea roja’, no tanto con ‘Malas tierras’ (‘Badlands’, 1973), la ópera prima del cineasta. Malick vuelve a ofrecernos unos impresionantes retratos de la naturaleza (la labor fotográfica de Emmanuel Lubezki fue lo único nominado al Oscar), miradas secretas y esquivas, la poética voz en off y escasos diálogos, un lento y suave curso de los acontecimientos (acompañado por la composición de James Horner), que aun así a veces se muestran, como en la propia vida, erráticos y repentinos, fruto del capricho del azar y de las erróneas decisiones de los hombres, incapaces de apreciar el mundo, la belleza, la inocencia y el amor que están destruyendo.

Si esta película me parece tan extraordinaria es por la capacidad que tiene para despertar emociones y reflexiones, porque sus preciosas imágenes no dejan indiferente y transmiten justamente el mensaje que desea Malick, impactando y alterando los sentidos como si estuviéramos en el mismo lugar y la misma época de los hechos, y también porque pocas veces se ha plasmado en la pantalla con tanta sutileza y elegancia una historia de amor tan cercana y tan verdadera, como la que se muestra en ‘El nuevo mundo’, una obra maestra que mejora con cada visionado. Y eso que todavía no hemos podido ver la versión completa, que no dura 135 minutos sino 170, totalmente necesarios para la mejor integración de un apasionante conjunto.

Otra crítica de la película en Blogdecine:

Si hay algo que caracteriza al actor Colin Farrell es su espíritu rebelde. Un aspirante a futbolista que se decantó por la interpretación y que llegó a Hollywood de la mano de Joel Schumacher para quedarse y forjarse como actor y convertirse en una gran estrella. Colin Farrell es uno de los rostros más demandados del panorama actual por los más importantes productores y realizadores, y su caché actual es uno de los más altos.

Farrell es inconformista, ambicioso y no puede ocultar su marchamo de enfant terrible y dejar numerosas muestras (en su turbulenta vida privada) de ser uno de los chicos malos de Hollywood. Su futuro es muy prometedor y más cuando acaba de recibir numerosos elogios y algún que otro premio por su excelente trabajo en ‘Escondidos en Brujas’. En donde ha mostrado su mejor cara y que esperemos siga haciéndolo. De momento, ha abandonado el alcohol, otro síntoma de que tenemos Colin Farrell para mucho tiempo.

Hoy, día de San Patricio, es buen día para fijarse en una de las estrellas irlandensas actuales más rutilantes. Colin Farrell se ha afianzado en suelo californiano como uno de esos actores de moda, admirado, venerado y de los que dejan su huella por donde pasa. En apenas una década que lleva en la meca del cine, este actor de clásica formación británica (aunque ya con un pasado conflictivo al ser expulsado de una academia de actores en Dublín), con experiencia en el teatro (alabado por Kevin Spacey) y en la televisión (en la serie adolescente ‘Ballykissangel’), fue la apuesta personal de Schumacher para la cinta antibélica ‘Tigerland’, y le devolvió con creces su riesgo con una muy buena interpretación, bordando el papel del inconformista soldado Roland Bozz (quizás algo tenga que ver la similitud con su verdadero espíritu). Tanto que a pesar de no ser su debut cinematográfico, sí supuso su bautismo en el cine norteamericano y empezó a ser bien considerado.

Actor irlandés joven y prometedor que no tardó mucho en forjarse una carrera con sonadas producciones, a la par que dejaba su impronta personal allá por donde transitaba. Una proyección en la vida real de sus personajes rudos, rebeldes, arrogantes que le convirtió en adicto a las altas graduaciones alcohólicas, las fiestas, los escándalos y su aire chulesco de galán infatigable con el que ha ido concatenando numerosas parejas, muchas de ellas tan efímeras como los rodajes, Farrell ha estado a punto de echar al traste su prometedor futuro como actor. Gracias a su propósito de enmienda ha abandonado la adicción al alcohol y se encuentra más recuperado, más sereno, dando muestras de más madurez, aunque sin abandonar su fuerte carácter. Lo cual es de agradecer si se obtiene como resultado un trabajo tan sólido y aplaudido como el que ha realizado en la mencionada ‘Escondidos en Brujas’.

Tras su participación en ‘Tigerland’, su espíritu ambicioso le llevó a aceptar todo tipo de proyectos. Buscó afianzarse en Hollywood y para ello no fue excesivamente selectivo, sembrando su carrera de altibajos, con un devenir irregular en cuanto a resultados artísticos, aunque no así en popularidad y admiración del público, que ha seguido creciendo de forma imparable. Así, trabajó en el western ‘American Outlaws’ y en el drama ‘La guerra de Hart’ sin demasiado brillo y fue elegido por Spielberg para la futurista ‘Minority Report’, que consagraría su nombre.

Sin embargo, volvió a ser Joel Schumacher quien nuevamente creyó en su talento y Farrell le respondió con otro buen trabajo en la efectiva ‘Última llamada’ (aunque se diluyó la inspiración en la tercera colaboración, la desaprovechada ‘Veronica Guerin’). Pero su carrera era ya imparable y sus emolumentos crecían de forma exponencial. Un actor que enamoraba a la taquilla y que era correspondido en sus contratos con cifras astronómicas. Además, dejaba sonados capítulos con sus romances que acaparaban numerosas portadas de la prensa rosa. Un seductor con aire de sinvergüenza y arrogante que parecía poner a sus pies a muchas de sus compañeras de reparto.

Continuó participando en grandes producciones (pero intranscendentes) como ‘Daredevil’ o ‘SWAT’, a pesar de su crecimiento en el universo hollywoodiense, Farrell parecía llamado a más importantes retazos de su capacidad interpretativa y así siempre me lo pareció. Hasta que llegó el anuncio de su participación en la magnánima ‘Alejandro Magno’ de Oliver Stone, que sonaba a un papel a la medida de su ambición, interpretar a Alejandro Magno en una producción de tintes épicos y dirigida por uno de los grandes apuntaba ser todo un bombazo. Sin embargo, el fracaso económico de la cinta y las duras críticas que recibió su trabajo, casi le suponen un derrumbe difícil de superar. Lo que suponía podría ser un punto de inflexión en su carrera se tornó en decepción.

Pronto enmendó el camino y gracias a Woody Allen, recuperó su ascenso y la brillantez de sus papeles en ‘El sueño de Cassandra’, dando nuevas muestras de su talento. Sin embargo, está llamado como gran estrella a participar en blockbusters a los que gusta poner su particular estilo, y así se metió en la piel de Sonny Crochet en la revisión de la serie de televisión ‘Miami Vice’. Un papel a su medida, que explota su lado de tipo duro que encaja adecuadamente en el cine de acción. Sabedor que nada viene llovido del cielo, puso todo su esfuerzo para su papel en ‘El nuevo mundo’, un nuevo título épico del que no salió mal parado y que evidenció su carácter racial.

Su futuro inmediato tras alzarse con el Globo de Oro es halagüeño, con 32 años y un sólido prestigio, además de su propósito de enmienda con el dañino alcohol, pronto lo veremos en títulos muy esperados. De momento, está concluyendo ‘The Imaginarium of Doctor Parnassus’, el regreso del imaginativo Terry Gilliam que contaba con la participación del malogrado Heath Ledger y que ahora tiene problemas de distribución, pero que resulta una cinta de lo más interesante y que esperemos logre finalmente solventar las dificultades y no se retrase su estreno, previsto en principio para el próximo verano. Comparte cartel con Jude Law, Jonnhy Depp (encargado de reemplazar a Ledger), Christopher Plummer y Tom Waits.

También se encuentran en fase de postproducción títulos como ‘Crazy Heart’, sobre la turbulenta vida de un cantante de country protagonizado por Jeff Bridges y el thriller ‘Triage’, una trama de misterio y drama rodada parcialmente en tierras levantinas, comparte cartel con Christopher Lee y la española Paz Vega y donde luce verdaderamente escuálido.

Cuando hace algunas pocas semanas cuestionaba, y ponía en el que yo creo es su justo lugar, una película tan famosa y tan poco defendible (salvo por Russell Crowe) como ‘Gladiator’, algún lector sacó a colación la realización número dieciocho de Oliver Stone, considerándola, como mucha gente ha hecho ya, una simple apología de la homosexualidad. Yo ya tenía pensado hacer un díptico entre aquélla y ésta, para dejar claro mis ideas al respecto de ambas, comparando sus imágenes.

‘Alejandro Magno’ podría ser la película más incomprendida, odiada sin motivo, atacada y vilipendiada de lo que llevamos de década (teniendo en cuenta, claro está, su ambición y sus pretensiones). Pero quizás a muchos les sorprenda leer aquí que este cinéfilo considera una gran injusticia tal recibimiento, y es que pienso que esta película es la más arriesgada, compleja y hermosa de todas las que ha dirigido Stone (siendo ‘J.F.K.’ la más oscura y personal), un viaje que nos lleva mucho más allá de una mera apología absurda sobre la homosexualidad, o de un retrato más o menos cabal del legendario hombre que da título a la historia, para erigirse en un título verdaderamente único.

Proyecto largamente acariciado por un cineasta interesado en las grandes figuras políticas de la historia (y Alexander lo es, entre otras muchas cosas, tanto como Nixon, Kennedy, Castro o Jim Morrison), cuenta Stone que todo cambió para él, después de varias tentativas, cuando conoció a Colin Farrell, el cual representó el empuje definitivo para poder llevar a término este ambicioso proyecto. Precisamente la punta de lanza de los numerosísimos detractores de esta película es el actor irlandés, también cuestionado de manera implacable en la bellísima ‘The New World’. Y es que este intérprete encadenó dos interpretaciones que provocaron una gran incomprensión

Pocas veces, en el cine de los últimos años, un trabajo tan poderoso, valiente e intenso ha sido objeto de burlas tan crueles y despiadadas, tan desproporcionadas y sonrojantes. En lo que a mí respecta, Colin Farrel es un actor tremendamente interesante, que aquí se revela una verdadera fuerza de la naturaleza, capaz de dotar de gran fragilidad al gigante guerrero, de grandes defectos y zonas oscuras, pero también de una trémula humanidad, de una pasión autodestructiva y romántica, de una trágica imperfección emocional, y, ante todo, de una visión y sensibilidad muy superiores al resto de los personajes. Porque la fortaleza de un intérprete se mide por la dificultad a la que se enfrenta, y este papel es uno de los más difíciles a los que un actor puede escalar.

Si esta entrada se titula “conquistando a la muerte”, es por doble motivo. Por un lado, tal como Stone refleja en el itinerario vital de su protagonista, el objetivo interno de Alejandro, un hombre asombroso tanto en sus luces como en sus sombras, era vencer a la muerte. Viajar hasta el fin del mundo conocido, encontrar un hogar más allá de la muerte. En su arenga a sus soldados, justo antes de la batalla en Gaugamela, Alejandro pronuncia estas palabras para darles valor: “conquistad vuestro miedo y os prometo que conquistaréis la muerte”. Y lo mismo le sucede a esta película, a la que muchos dieron por muerta en el momento de su estreno. Sin embargo, estoy seguro de que dentro de unos años la cosa cambiará.

Porque ‘Alejandro Magno’ se mueve a numerosos niveles (emocionales, históricos, genéricos), con una pasión y una convicción que la alejan muchísimo de la versión que dirigiera el gran Robert Rossen en 1956, firmando uno de sus trabajos menos personales, adentrándose de manera superficial, como si se tratara de un general romano o macedonio más, sin poder aportar nada al misterio de la mente de un hombre que soló unir Europa y Asia, construyendo un imperio “no de tierra y oro, sino de la mente”.

¿Cómo hacer una película sobre Alejandro?
“¿Es posible que existiera un hombre como Alejandro?”, se pregunta un anciano Ptolomeo (maravilloso Anthony Hopkins). “Por supuesto que no, le idealizamos, le imaginamos mejor de lo que era”. Tampoco es posible hacer la película sobre el mito de manera que las numerosas aristas de su leyenda queden satisfechas en la mente del espectador. De manera muy inteligente, el relato arranca con la muerte del protagonista, volando 40 años más tarde a Egipto, donde Ptolomeo le cuenta sus memorias al escriba. No es, por tanto, un personaje “real”, sino imaginado, “recordado”. Las licencias, por tanto, están permitidas. Sin embargo, no comprometen el equilibrio formal ni tramático.

Ahí tenemos a la también muy criticada Angelina Jolie (una Olympia que parece no envejecer a lo largo de casi tres décadas, que para Stone es casi una hechicera), y a un estupendo Val Kilmer (que interpreta a un furioso Filipo II). Ambos padres de Alejandro representan su lado espiritual/abstracto y su lado físico/guerrero, y establecen su trágica dualidad, que se debate entre las riquezas materiales e intelectuales del mundo a conquistar, desechando las primeras y luchando con sus propios hombres de confianza para que comprendan las segundas. Así, este relato se aleja mucho de lo que se le supone a una película hollywoodiense de aventuras, y muchos salieron desencantados pues eso era precisamente lo que esperaban. Muy al contrario, se trata de un proyecto hecho con dinero europeo, mayoritariamente, que se opone a los estándares predecibles de representación de mitos.

De modo que la ambivalencia sexual de Alexander no sólo no es sutil, sino directamente explícita (“nada le venció, salvo los muslos de Hefestión”), pero retratada con gran desesperación y romanticismo, y con una elegancia encomiable, huyendo de la provocación que muchos atribuyeron a Stone, pero que no se encuentra ni por asomo, más allá de la propia visión de Stone sobre el personaje, al que trata con respeto en todo momento, así como a Hefestión (apuesto y soñador Jared Leto), y a Roxane (sinuosa Rosario Dawson). Pero no menos importantes y complejas son sus relaciones con el general de su padre, Clito (bárbaro Gary Stretch), o con el resto de sus cohortes. Los diálogos que las retratan poseen un tono trágico y de gran intensidad, acordes con la grandeza sensorial del relato.

Porque el que quiera huir del entramado, que bordea el existencialismo, también obtendrá dos grandiosas batallas, muy diferentes entre sí, pero complementarias (y llevadas al paroxismo por la mejor música que ha escrito Vangelis en mucho tiempo). Si el viaje está vertebrado por las palabras de Ptolomeo, la altura emocional del mismo está sostenida por estos dos pilares que la elevan a los altares del horror y la terrorífica belleza del combate. Así mismo, estas dos batallas actúan como pinzas que ayudan a pasar, de forma natural, del primer acto al segundo, y de este al tercero. Gaugamela (Persia), por su parte, es un ejemplo del talento visual de Stone, y de su audacia formal (como el extraño montaje en el discurso del rey). Nunca vimos una batalla de estas dimensiones recogida desde el aire (empleando para ello el recurso poético del águila poética de Alejandro), de tal modo que todo queda claro. La genial táctica de Alejandro se va desarrollando sin que nos perdamos en ningún momento, mostrándonos cómo se desarrollan los flancos derecho, izquierdo y central.

Por otro lado, la batalla del Indo-Kush es mucho más salvaje, sanguinaria y bestial, y allí un exhausto y harto Alejandro (fenomenal Farrell, que vive la secuencia con una intensidad y una verdad ejemplares) mira por fin a la muerte a los ojos, y alcanza el límite de su genio militar y de su fuerza de voluntad. La larga y tortuosa secuencia es una verdadera pesadilla, con una planificación dantesca y brillante, de tintes dementes y místicos (gran culpa de ello la tiene el formidable trabajo del operador Rodrigo Prieto). Realmente el final de un viaje sin fin, en el que se han sacrificado para el espectador momentos muy importantes de la vida de Alejandro, como su coronación en Egipto al modo de un Dios (previo a Gaugamela), con el objetivo de equilibrar una película siempre al borde del desequilibrio.

Se yergue así esta impredecible, hermosa e incomprendida película, de la que estoy seguro dentro de no demasiados años se hablará de forma muy distinta a como la mayoría habla ahora de ella. Alejandro no es Máximo, no es de una pieza sino profundamente imperfecto, lo que le hace más humano, más cercano a todos. De esa forma, simpatizamos con él. Pues su viaje es el nuestro, un viaje interior, en la búsqueda de la propia identidad y libertad personal. Tal como dice Ptolomeo, ¿cómo explicar lo que es ser joven…y soñar grandes sueños?

Atención a este título: ‘London Boulevard’. Ahora no os suena de nada, pero pronto lo hará. Se trata del título de la película con la que debutará como director William Monahan, conocido por ser el guionista de ‘Infiltrados’ (‘The Departed’), un trabajo que le valió un Oscar. Monahan también se ha encargado del guión, una adaptación de la novela homónima de Ken Bruen. Para los papeles principales va a contar con los jóvenes y estelares Keira Knightley y Colin Farrell, una pareja de lo más interesante que sin duda resultará un buen gancho para la taquilla.

‘London Boulevard’ gira en torno a un criminal del sur de Londres que tras salir de prisión, intenta dejar el pasado atrás y cambiar de vida, para lo cual se convertirá en el ayudante/protector de una joven actriz con problemas. No soy muy bueno con las adivinanzas, pero apostaría que el primer personaje lo interpretará Farrell y el segundo será para Knightley, aunque es posible que el ocurrente Monahan piense otra cosa. Ya veremos. El rodaje comenzará este verano.

Pd: Antes, en el mes de marzo, Farrell trabajará a las órdenes de Peter Weir para su nuevo film, ‘The Way Back’.

Vía | Variety

‘Cuestión de honor’ estuvo a punto de realizarse a principios de esta década, teniendo como protagonistas a Hugh Jackman y Mark Wahlberg. Sin embargo, los famosos atentados del 11 de Septiembre en la ciudad de Nueva York, hicieron postergar el proyecto, pues hablar de la corrupción en el departamento de policía de dicha ciudad no era muy buena idea, o más bien, no era oportuno. Han tenido pues, ocho años para pensárselo e intentar hacer las cosas bien, ya que hablamos de un film con numerosos boletos para ser bueno.

Para empezar, en el guión ha metido mano Joe Carnahan, quien deslumbró a propios y extraños con su espléndida, y hoy un tanto olvidada injustamente, ‘Narc’, en la que trataba temas parecidos. El elenco de actores no podría estar mejor elegido, tanto principales como secundarios; y el hecho de caminar sobre el espinoso tema de la corrupción siempre despierta el morbo del espectador. Sin embargo, ‘Cuestión de honor’ termina naufragando de forma estrepitosa, entre otras cosas por el poco arrojo de su director, Gavin O´Connor.

‘Cuestión de honor’ da comienzo con el asesinato de cuatro policías en Nueva York. El jefe del departamento pide a uno de sus hijos, un policía marcado por un trauma, que investigue el asesinato y encuentre a los responsables. Pero en su investigación descubrirá que hay gente del cuerpo metida en asuntos turbios, y que todo apunta a su cuñado, también policía. Pronto tendrá que decidir entre ser leal a su familia, o a su integridad como agente, y también como ser humano.

El film comienza de forma interesante, describiendo el modo de vida de los policías cuando no están cumpliendo con su deber. Un partido de rugby y la vida cotidiana con sus familias, entre los que se introduce el descubrimiento de los policías muertos. Son estas escenas de lo mejor de la película, sobre todo por su cuidada puesta en escena, con una cámara ligeramente nerviosa y vivaz, que se acerca sin miramientos a unos personajes apenas presentados. Lo que importa es su forma de vida, el retrato de la misma, no los personajes en sí, los cuales nunca dejan de ser estereotipos vistos en infinidad de películas anteriores.

Ese conciso retrato inicial, en el que queda claro la importancia de la unidad familiar, enseguida se convierte en una historia de lo más predecible e insustancial, y lo que es peor: en una película que quiere contentar a todo el mundo. Todos tienen su ración en ‘Cuestión de honor’. El caso por supuesto queda resuelto, aunque ya lo está desde su primera media hora, en la que el film descubre todas sus cartas, y a partir de ahí no presenta nada más. El que se tiene que arrepentir se arrepiente y decide el camino de lo correcto, el malo recibe su merecido, y el molesto por la corrupción en cuerpos policiales tiene hasta una escena de linchamiento (con ecos del caso de Rodney King). Ningún cabo queda suelto, y aquí todos muy contentos. El problema es que intentado gustar a todos, el film no profundiza en absolutamente nada, y descuida ocasiones de calidad servidas en bandeja.

La más triste de todas es haber desaprovechado sin ningún tipo de vergüenza por parte de sus responsables, el duelo interpretativo entre Edward Norton (que empieza a convertirse en símbolo de mala calidad en las películas que protagoniza) y Colin Farrell. Ambos hacen lo que pueden con unos personajes tópicos hasta la médula. Su más que lógico enfrentamiento no está dotado de la tensión necesaria, teniendo en cuenta que se juegan algo más que sus trabajos. La escena en la que por fin se enfrentan con todas las cartas sobre la mesa, se queda en prácticamente nada, en una pelea de patio de colegio. Jon Voight y Noah Emmerich dan vida a personajes con más matices, no muchos, pero los suficientes como para destacar entre tanta mediocridad. El primero por no poder controlar ni ejercer como líder entre los suyos (la familia), y el segundo por lo mismo pero en el cuerpo policial, y por reflejar bastante bien su particular conflicto de sentimientos.

Dicen que todas las historias están contadas, que la originalidad se encuentra en la forma de contarlas. La forma hace el fondo. ‘Cuestión de honor’ es la prueba latente de que no basta con tener un buen material entre las manos. Hay que exponerlo con eficacia, con convicción, que el espectador se lo crea y disfrute, que sienta en sus carnes todo lo que le muestran. Los arquetipos existen, a ellos recurren una y otra vez, unas veces con maestría, otras con desidia. La culpa no es del arquetipo, sino de quien lo maneja sin ningún tipo de rigor, convirtiéndolo en un tópico.

En Blogdecine:

• ‘Cuestión de honor’, lo de siempre

Es posible que aún esté celebrando el haber ganado uno de los Globos de Oro que se dieron la pasada madrugada, por su divertidísima interpretación en la tragicómica ‘Escondidos en Brujas’. Se lo merece. Colin Farrell sigue empeñado en demostrar a todos que es un actor de verdad, nada de guaperas resultón. Después de trabajar para cineastas como Terrence Malick, Michael Mann o Woody Allen, Farrell se pondrá a las órdenes de Peter Weir.

Ya hablamos aquí de ‘The Way Back’, el nuevo proyecto del director de ‘El show de Truman’. La película gira en torno a unos soldados que organizan una fuga de un prisión siberiana (un “gulag”) en 1942. El guión es del propio Weir, quien se ha basado en las memorias de Slavomir Rawicz, protagonista real de los hechos.

Recientemente hemos podido saber qué actores encabezarán el reparto de esta producción. Los elegidos son Colin Farrell, Ed Harris, Jim Sturgess y Saoirse Ronan; al parecer, los tres primeros encarnarán a esos soldados que escapan y la última interpretará a una joven que se une al grupo más tarde, ya fuera del “gulag”.

Pd: ¿Cuál es vuestra película de fuga carcelaria favorita?

Vía | Joblo