10.- ’127 horas’

James Franco demuestra que es mejor actor de lo que parece, aunque aquí resulta un poco pesado. El que ya no me la cuela es Danny Boyle, firmante únicamente de dos películas buenas cuyos títulos no necesito decir. Tras la tontería que ganó ocho Oscars, el director clon físico de Julio Alonso, vuelve a pecar de manipulador, hortera y en este caso, un mal gusto que raya lo pornográfico. Un hecho real insignificante para el resto del mundo le llega para hablar de la superación y la lucha constante. Eso sí, aburriendo a las piedras, nunca mejor dicho, y con un look visual más cargante que nunca.

Críticas en Blogdecine:

• ‘127 horas’, filigrana pornográfica de Danny Boyle
• ‘127 horas’, James Franco sobrevive a Danny Boyle

• ‘127 horas’, una piedra en el camino…

9.- ‘Piraña 3D’

Alexandre Aja nos había sorprendido con un estimable remake de uno de los films más conocidos de Wes Craven, por lo que su incursión en un nuevo tratamiento de una de las cintas más míticas del entrañable Joe Dante, producción del no menos entrañable Roger Corman, era esperada con los brazos abiertos. El resultado es un híbrido entre comedia tonta y película gore, que termina sucumbiendo ante la falta de originalidad en su tratamiento. La mala leche de Aja no aparece por ningún lado y la supuesta espectacularidad se reduce a infinidad de litros de hemoglobina que llenan el interminable tramo final.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Piraña 3D’, comida basura

8.- ‘Hanna’

Una de las películas más absurdas estrenadas a lo largo y ancho del pasado año en nuestro país. Los delirios de grandeza de Joe Wright, que hasta su anterior, y también pésima película, se revelaba como un director con un perfecto domino técnico. Planos secuencia por doquier y filigranas varias para que veamos qué se puede hacer con una cámara. Wright olvida que la forma es el fondo, y sus ínfulas de autor trascendental le terminan pasando factura. Por no hablar del pésimo trabajo de todos sus actores, algo realmente inesperado.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Hanna’, la sensibilidad de una fría asesina

7.- ‘Piratas del Caribe: En mareas misteriosas’

Un cambio de director hacía pensar que las cosas mejorarían en una saga cuyo mejor título sigue siendo el primero, pero está claro que a Rob Marshall esto del cine de aventuras no parece gustarle demasiado. La pasión puesta en el producto brilla por su ausencia y Johnny Depp empieza a cargar con su Jack Sparrow, convertido ya en una caricatura de sí mismo. Que Penélope Cruz se pasee a su lado dando brincos, luchando y queriendo parecerse a Jean Peters es algo que escapa a mi comprensión, por no decir que queda ridículo. Que no siguieran con la franquicia podría considerase un favor a la humanidad.

6.- ‘Caperucita roja’

Un insulto al cuento original. La demostración palpable de que a Catherine Hardwicke no deberían dejarle filmar más películas, ya que todas, repito, todas, son una pérdida total y absoluta de tiempo. Con el look de la saga de los vampiros pijos y los hombres lobo nenaza, iniciada precisamente por Hardwicke, la realizadora despliega todo su mal gusto, sobre todo estético. Ver metido a Gary Oldman en este despropósito me hace recordar que todos debemos llegar a fin de mes como sea, hay que comer.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Caperucita roja. ¿A quién tienes miedo?’, a los que hacen bodrios

5.- ‘La víctima perfecta’

La mítica Hammer está dsipuesta a volver a dar que hablar, aunque en este caso sea para mal. El consabido argumento de tío raro acosa a mujer indefensa tratado de forma muy extraña y poco coherente. Sin ningún lugar para el suspense ni la tensión, el relato es engullido por el aburrimiento más evidente. Hilary Swank debería cambiar de agente, y la presencia de Christopher Lee es un claro guiño a la productora británica, aunque dada su importancia podían habérselo ahorrado.

Críticas en Blogdecine:

• ‘La víctima perfecta’, cuestión de atmósfera

• Hilary Swank de rebajas

4.- ‘London Boulevard’

La ópera prima del oscarizado William Monahan tendría que haber sido otra cosa a la que ha terminado siendo. Reparto de caras conocidas como Colin Farrell, que parece ser veneno para la taquilla, Keira Kinghtley y Ray Winstone, no llegan para salvar un pastiche en que forma y fondo se confunden porque no se sabe muy bien a qué juega Monahan. La desmotración palpable de que un buen escritor no tiene porqué ser un buen director, y que los posibles aciertos del libreto quedan anulados en una sosísima puesta en escena.

Crítica en Blogdecine:

• ‘London Boulevard’, atrapado por su pasado

3.- ‘Larry Crowne, nunca es tarde’

Dos de los actores más representativos de la comedia romántica actual, Tom Hanks y Julia Roberts, se juntan para la segunda película como realizador de Hanks. Una comedia optimista en tiempos de crisis, pero todo tratado como si fuera un cuento de hadas. Desconcertante sería la palabra adecuada para este film, que parece querer vivir de la imagen popular de sus dos estrellas principales, por no hablar de la extraña evocación ochentera y ese buen rollo que en realidad molesta más que agrada. Equivocada a todos los niveles.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Larry Crowne, nunca es tarde’, cualquier tiempo pasado fue mejor

2.- ‘Melancholia’

Segunda película seguida en la que Lars von Trier, a quien a este paso habrá que ir dejando de considerar un genio, pierde el norte, el sur, el este y el oeste. Personaje femmenino profundamente atormentado, Kirsten Dunst libre como el viento, haciendo lo que le viene en gana, al igual que el resto del elenco, la depresión, el fin del mundo, la tortura psicológica, el caos interior y más, mucho más. Aburrida no es la palabra, suplicio tal vez. De las ínfulas de superioridad de su director mejor no digo nada, porque yo también soy así.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Melancolía’, el apocalipsis interior
• ‘Melancolía’, la belleza traerá nuestro fin

• ‘Melancolía’, interiores

1.- ‘El árbol de la vida’

Junto con la anterior la pedantería por excelencia del 2011, y aunque en el trabajo de von Trier podría llegar a un lugar común de entendimiento con sus defensores, en esta me resulta imposible. El bodrio por excelencia entre los bodrios. Su pretenciosidad es sólo equiparable al ego de Terrence Malick, para el que firma un excelente director, ojo. Pasado, presente y futuro más unas gotas de religión para hablar sobre la esencia del ser humano. La experimentación como ejercicio de onanismo. Una película capaz de hacer que se duerman las propias butacas del cine.

Críticas en Blogdecine:

• ‘El árbol de la vida’, la eternidad hecha cine
• ‘El árbol de la vida’, un precioso y amargo viaje

• ‘El árbol de la vida’, buenas tierras

Como era de esperar, ‘Immortals’ ha logrado el número uno de la taquilla española en su primer fin de semana. La fantasía épica de Tarsem Singh logra derrocar a la última misión imposible de Tom Cruise, pero sus cifras resultan algo decepcionantes, apenas llega al millón y medio de euros (y hay que contar con el 3D que tanto encarece las entradas). Cae al segundo puesto ‘Misión: Imposible – Protocolo fantasma’ (‘Mission: Impossible: Ghost Protocol’), que tampoco está obteniendo una gran recaudación pese al bombardeo mediático; lleva menos de 3 millones y medio de euros en dos semanas, poco para un blockbuster de estas características. La comedia romántica ‘Noche de fin de año’ (‘New Year´s Eve’) era el otro estreno que tenía opciones de llegar a la cima pero su extenso reparto lleno de caras conocidas (Robert de Niro, Ashton Kutcher, Michelle Pfeiffer, Hilary Swank, Halle Berry, Sarah Jessica Parker, Sofia Vergara, Katherine Heigl, Zac Efron…) no ha sido suficiente para cautivar al público, y solo escala hasta la tercera posición con medio millón de euros recaudados.

Solo tres novedades más han conseguido colarse en el “top ten” de la taquilla española, de las once que llegaron a las carteleras el pasado viernes. ‘El topo’ (‘Tinker, Tailor, Soldier, Spy’), con Gary Oldman, Colin Firth y Tom Hardy entre los protagonistas, solo consigue llegar hasta la quinta posición con 351.000 euros, repitiéndose un caso similar al de ‘The Artist’ la semana pasada; la cobarde distribuidora solo ha sacado 150 copias y así es imposible llegar más lejos. Malos resultados para ‘No tengas miedo a la oscuridad’ (‘Don´t Be Afraid of the Dark’), producida por Guillermo del Toro, y el reestreno en 350 salas de ‘El rey león’ (‘The Lion King’) en 3D, que fue un éxito en Estados Unidos (quizá el problema aquí ha sido lanzar la nueva edición en DVD y Blu-ray poco antes del estreno). Por lo demás, destaca la solidez que está demostrando ‘El gato con botas’ (‘Puss in Boots’), todavía sexta tras cinco semanas en cartelera, lo rápido que ha caído ‘Fuga de cerebros 2’, que no ha logrado repetir el éxito de la primera parte, y la ausencia de ‘La saga ‘Crepúsculo: Amanecer. Parte 1’ (‘The Twilight Saga: Breaking Dawn – Part 1’) entre las diez películas más vistas en España, tan solo seis semanas después del estreno.

PD: Mañana nos llegan las últimas películas del año. ‘Drive’, ‘El cambiazo’, ‘El Havre’, ‘Porfirio’, ‘Un lugar para soñar’ y ‘XP3D’ buscarán espectadores en una cartelera inflada de propuestas de toda clase. ¿Seguirán los inmortales en lo más alto cuando arranque el nuevo año?

Datos | TioOscar

Aunque su guionista y director, Gustavo Taretto, no declara haberla tomado como inspiración, la coproducción hispano-germano-argentina ‘Medianeras’ (2011) narra punto por punto los sucesos que acaecen en la historieta ‘Un amor de ciudad’, del italiano Luca Novelli, que Totem publicó hace unas décadas en lengua castellana.

Pilar López de Ayala y Javier Drolas son los protagonistas, casi exclusivos, de una historia de desencuentros, de un amor tan imposible como destinado a acontecer. Dos seres retraídos, maniáticos y antisociales, que son prácticamente vecinos y que nunca se hacen conscientes de cruzarse en la calle, en los establecimientos, de atisbarse por la ventana… fracasan en todos sus intentos sentimentales empedrando un camino que, sin saberlo, los está llevando al uno junto al otro.

Se cuente como se cuente, la sinopsis no elude la sensación de que podríamos encontrarnos ante un cortometraje estirado. Y, en efecto, más que una impresión, se trata de una realidad, ya que Taretto había dirigido esta misma historia en formato breve en 2005. Resquicios de la herencia “cortista” se pueden hallar en muchos momentos, cuando la película se desploma en ritmo o en interés y parece necesitar una nueva arrancada para recuperarse y capturar de nuevo nuestra complicidad. Pero la habilidad para completar los 95 minutos no puede negársele a su autor, realizador publicitario de profesión –y se nota en sus encuadres–, que introduce, en medio de la mínima anécdota argumental, multitud de ejercicios estéticos, observaciones y caprichos que funcionan de forma aislada, pero en ocasiones cobrando mayor valía que la comedia romántica de base.

Los personajes

El humor, la cercanía, la credibilidad y, por lo tanto, la empatía, están con el personaje masculino. Hipocondriaco como los seres de Woody Allen –cuya influencia no se oculta, pues las lágrimas ante ‘Manhattan’ son uno de los nexos entre los protagonistas–, agorafóbico y abandonado, Martín se aferra al Internet, que le da de comer, para encontrar todo lo que necesita, incluso el amor o la compañía. Elemento con el que no habría podido contar Novelli: la red y, dentro de ella, las redes sociales, constituye una de las claves de esta vida moderna que se coloca sobre el tapete.

El personaje de ella, sin embargo, es más vacío y, aparte de transmitirnos su obvia soledad, lo tiene más difícil para comunicar con nosotros, los espectadores. Con ella, Taretto hace un ejercicio de fetichismo, muy similar al que ella lleva a cabo con los maniquís con los que trabaja. Pilar López de Ayala –con un acento muy convincente, por lo menos escuchado desde este lado del charco– parece posar en la película, más que actuar. Su belleza perfecta, de actriz a la que no habrían rechazado directores tan exigentes en este sentido como Rohmer, y su gracilidad le sirven al director para construir cuadros, para diseñar postales. Pero, aunque se le conceda tanto tiempo y protagonismo como al hombre y aunque el punto de vista esté repartido por igual, no resulta tan cercana o creíble como él.

Los secundarios apenas existen –quizá la tercera más importante es la perrita–, cuando se les incluye es de forma episódica, para aparecer y desaparecer, simbolizando otra de las constantes de las relaciones humanas actuales en las que las amistades duran lo que dura lo que se puede extraer de ellas. Inés Efrén, Carla Peterson, Adrián Navarro, Rafael Ferro y Miguel Dedovich son, por lo tanto, destellos en un film muy lineal y carente de subtramas, como lo son habitualmente los cortos alargados. Sin ninguno de ellos, la película se podría haber contado tal cual.

La arquitectura

Después de ‘El hombre de al lado’, nos encontramos ante la segunda película argentina del año que toma a la arquitectura como protagonista. Tiene tantos elementos en común que incluso presenta la apertura ilegal de una ventana, pero su propósito y su concepto son muy diferentes. Los primeros minutos de ‘Medianeras’, dedicados en cuerpo y alma a analizar los edificios bonaerenses y lo que estos provocan en su población o lo que representan como metáfora de su comportamiento, suponen la parte más interesante del film, si bien su integración en la historia o su componente narrativo son limitados. Plano tras plano de bloques de viviendas, acompañados de una explicación en off de su funcionamiento, nos introduce en la ciudad tanto como en el conflicto particular que compartirán los dos protagonistas.

Se extraen interesantes conclusiones, extrapolables en su mayoría a los habitantes de casi cualquier urbe superpoblada. Pero la película niega al rato todo lo dicho, al achacar las razones de los desencuentros de estos dos personajes más a sus propias rarezas que a la incomunicación provocada por la vida moderna, las prisas y la rutina. El fumetto –puesta a utilizar una palabra extranjera, como sería “cómic”, me quedo al menos con la adecuada– de Novelli presentaba al hombre y a la mujer viviendo pared con pared y repitiendo cotidianamente los movimientos del otro, con un desfase –el diccionario no admite “decalaje”, que me gustaría más– suficiente para que no lleguen a cruzarse hasta que, al igual que en la versión de Taretto, un apagón los lleve a su primer encuentro. Son dos maneras de entenderlo y a cada uno le corresponderá escoger cuál es la más interesante, pero quizá la película ha perdido algunos de los juegos que permitía la vecindad y que se han trasladado en adaptaciones sí declaradas de la idea del italiano a cortometraje.

SPOILER: Curiosa la comparación de esa vida en las grandes metrópolis con los dibujos de ‘¿Dónde está Wally?’, aunque no sé si su utilización para provocar el final termina de convencerme (fin del spoiler).

Conclusión

El tráiler siguiente lo cuenta casi todo, en él está prácticamente la película entera. A quien le atraiga lo que ve ahí y quiera más, no le hace falta más que bajarse hasta la sala de exhibición. Encontrará una cinta amable, simpática y con ciertos detalles logrados. Con una estética publicitaria muy marcada, la diminuta historia sirve como excusa para disertar sobre el amor, sobre la vida en la ciudad, sobre Buenos Aires en particular y funciona, por ello, mejor como compendio de observaciones y de ejercicios desunidos que como conjunto unitario: esos monoambientes o cajas de zapatos que constituyen un inmueble podrían representar los retazos que aquí se van retratando. Me da la impresión de que ‘Medianeras’ es una de esas propuestas que a nadie puede disgustar, aunque no habrá tampoco nadie que se adhiera apasionadamente a su causa, pues más bien me temo que será de esas películas que rápidamente se olvidan.

Mi puntuación:

Esta tarde se estrena ‘Tímidos anónimos’ (‘Les émotifs anonymes’, 2010), de Jean-Pierre Améris. Benoît Poelvoorde e Isabelle Carré interpretan a dos personas extremadamente tímidas que, por causa de su incapacidad para los intercambios sociales, no han tenido relaciones amorosas serias o duraderas y se encuentran muy solas, a pesar de sus avanzadas edades. El destino ha tenido a bien juntarlos, así que, cuando ella pierde el trabajo y solicita un nuevo empleo como chocolatera en la fábrica de él, la conexión es inmediata. Completan el reparto Lorella Cravotta, Lise Lamétrie, Swann Arlaud, Pierre Niney, Stéphan Wojtowicz y Jacques Boudet.

Rodada en París y Lyon, esta coproducción franco-belga se ajusta a la imagen que tenemos del cine francés, principalmente acuñado por Jean-Pierre Jeunet. Esto se aprecia en su banda sonora, en los colores vivos y contrastados, en las localizaciones y en el comportamiento inocente y encantador, casi infantil, de sus protagonistas, que encandiló a medio mundo en la película ‘Amèlie’.

En una época en la que los intentos de sacar del hastío a la comedia romántica resultan en películas frías y vacías, aprecio encontrarme con una canónica propuesta del género. Aquí, los personajes no tienen dudas sobre sus sentimientos o sobre su opinión acerca del asunto amoroso. Sin embargo, se enfrentan a un conflicto que impide que estén juntos, un conflicto que viene del interior de ellos mismos, de sus personalidades, sus miedos y sus defectos. Aunque entiendo la postura de muchos espectadores, que preferirán lo primero, por mi parte, si no hay más remedio que elegir, declino dejarme engatusar por fórmulas originales –que, al final, no suelen serlo tanto–, si a cambio me llevo unas risas y algo de sentimiento. Es decir: que me quedo con lo de siempre, bien hecho, antes que con un experimento fallido por dar con algo nuevo –no critico que se ensaye, sé que es fundamental, pero preferiría esperar a que se acierte, que ir viendo los resultados de tanta prueba y error–.

Vergüenza ajena

Ambos personajes están retratados con mucho acierto y se consigue de ellos que den mucho juego en todas las situaciones. Las soberbias interpretaciones hacen que se comprenda sin problema su particular tesitura, a pesar de que se plantea en un grado bastante extremo, que pocos espectadores compartirán, pero que hará recordar a muchos, en su particular medida, instantes vividos de azoramiento semejante y consecuencias aún más catastróficas. Entre Angélique y Jean-René se aprecia la química necesaria para percibir sus sentimientos y anhelar la feliz consecución de su idilio. Un protagonista con un físico tan alejado del ideal de galán romántico y que despierte los mismos sentimientos solo puede lograrse gracias a una excelente actuación.

La etiqueta de comedia romántica le encaja tan bien que incluso esa faceta que muchas veces se olvida en las producciones de este género, y que debería aportar la mitad del interés de la película, está presente con creces. Me refiero al humor, obviamente. La vis cómica del belga Poelvoorde se pone al servicio de varios momentos en los que la vergüenza ajena es desbordante. Sin llegar a los niveles de un ‘Mr. Bean’, nos encontramos a un personaje algo cercano a ese negado para la interacción humana. A situaciones que hemos visto ya en numerosas comedias anteriores, como la necesidad de compartir habitación de hotel, se les saca una punta nueva, llevándolas a cotas de incomodidad contagiosa no alcanzadas hasta ahora.

Compuesta por una escasa cantidad de secuencias, cada una de ellas de considerable duración, la película dura apenas ochenta minutos. El desarrollo de la historia no queda precipitado ni cojo, pero el breve metraje se justifica en que, dejando aparte la cuestión de la fábrica y del misterioso chocolatero ermitaño, la película se centra únicamente en la fábula de los enamorados principales, sin dar cabida a subtramas que atañan a los personajes secundarios. No es necesario, pues el film se sostiene con lo poco que presenta, pero sí podría haber aportado mostrar los amores o desamores de la madre o de alguno de los compañeros de trabajo.

Conclusión: es necesario dejarse llevar

Es esta una película muy pequeña, tanto de duración como de intenciones y profundidad, pero todo lo que tiene de mínima lo tiene de emotiva y efectiva. Efectiva para quien sepa dejarse llevar o, más bien, permitirse entrar en la historia. Si nos sentimos por encima de las emociones tontorronas y del humor facilón, permaneceremos impasibles y aburridos ante ella. Pero no estamos ante una película para disfrutar intelectualmente, gozando cada giro, sorpresa o aportación. Es una propuesta para saborear de forma emocional. La sensualidad del chocolate completa un conjunto tan plástico y embriagador –pero no empalagoso– que, para los amantes del cine con aire mágico, no pondrá difícil dejarse arrastrar. Por algo se ha convertido en la comedia del año en Francia, donde ha recaudado ocho millones de euros tras ser vista por un millón de espectadores. Si olvidamos, por un día, el cinismo en casa y la amargura la dejamos para el chocolate, ‘Tímidos anónimos’ puede ser un bombón.

Mi puntuación:

Se cumplieron los pronósticos. Triunfo de ‘Intruders’ en su primer fin de semana (aunque un triunfo moderado, superando por muy poco al número uno de la semana pasada, ‘Johnny English Returns’) y batacazo de la adaptación cinematográfica de las aventuras del Capitán Trueno, protagonizada por Sergio Peris-Mencheta y Natasha Yarovenko.

‘Intruders’, tercera película de Juan Carlos Fresnadillo llegaba a los cines después de hacer mucho ruido en varios festivales, con toda una estrella como Clive Owen encabezando el reparto de una propuesta diferente a lo que se suele hacer en España (igual muchos espectadores han ido a verla pensando que era norteamericana), y consigue superar el millón de euros en su primer fin de semana. No son cifras para tirar cohetes, y teniendo en cuenta que la película es muy floja, puede caer en picado en las próximas semanas. Ya veremos, va a tener bastante competencia.

‘Capitán Trueno y el Santo Grial’ tenía pinta de desastre y así ha sido; se estrena en octavo lugar con una recaudación en torno a los 340.000 euros (ha costado 10 millones). Algo mejor ha funcionado la comedia romántica ‘Crazy, Stupid, Love’, que logra escalar hasta la quinta posición durante sus primeros días en cartelera; sabe a poco ese medio millón de euros para una película que cuenta con tantos rostros conocidos en el cartel (Steve Carell, Julianne Moore, Ryan Gosling, Emma Stone y Kevin Bacon). Con pocas copias y poca promoción, los dos mejores estrenos del pasado viernes, ‘Nader y Simin, una separación’ y ‘El ilusionista (L´illusionniste)’, no consiguen entrar en el “top ten” de lo más visto en nuestro país. Aplausos.

PD: Entre las novedades del próximo fin de semana destacan ‘Contagio’, ‘Mientras duermes’, ‘Sin salida’ y ‘One Day’. ¿Qué título pensáis que conseguirá el número uno?

Datos | Notasdecine

Hay más famosos que en un centro de desintoxicación…

¿Os gustan esos capítulos habituales de las series cómicas norteamericanas que se centran en la noche de fin de año, donde los personajes reflexionan sobre sus vidas, hacen promesas, se emparejan y hablan de amor cada par de segundos? Si es así, esto os va a encantar. Aquí os dejo el definitivo tráiler y el último cartel de ‘Noche de fin de año’ (‘New Year´s Eve’), una comedia romántica dirigida por el veterano Garry Marshall (‘Pretty Woman’, ‘Historias de San Valentín’) que llegará a los cines españoles el próximo 23 de diciembre.

Si como a mí no te atraen las historias empalagosas, y menos aún cuando dan la lata con la magia de la ciudad de Nueva York y cómo mola ser un neoyorquino, puede que de todos modos te interese ver esta película, porque los productores han logrado reunir a un elenco de actores y famosos de lo más llamativo. Halle Berry, Jessica Biel, Robert de Niro, Ashton Kutcher, Michelle Pfeiffer, Hilary Swank, Sarah Jessica Parker, Lea Michele, Abigail Breslin, Sofia Vergara, Katherine Heigl, Zac Efron, Sienna Miller, Josh Duhamel, Seth Meyes, Til Schweiger, Carla Gugino y Jon Bon Jovi, entre otros, protagonizan ‘Noche de fin de año’.

El guion lo firma Katherine Fugate (‘El príncipe y yo’, ‘Historias de San Valentín’) y trata sobre varias historias que se entrecruzan y que tienen lugar en Nueva York a lo largo de las 24 horas del último día del año, girando en torno al amor, el perdón, la esperanza y las segundas oportunidades. El cartel me parece horroroso (¿qué anuncia, un cotillón para pijos?) y el tráiler incluye todas las escenas tópicas que os podáis imaginar, con el único aliciente de ir identificando rostros conocidos. Un producto mediocre que no engaña a nadie, supongo. Lo peor, ver metido en esto a De Niro, increíble que estemos hablando del mismo actor que brillaba en ‘El padrino. Parte II’, ‘Taxi Driver’, ‘Toro salvaje’...

PD: Otro caso que no entiendo es el de Swank. ¿Elige los papeles al azar, sin leer los guiones?

Vía | Impawards

Seguramente la mejor película de John Hughes, la única que parece respirar una vocación de auténtico clásico del cine norteamericano, aunque debería mencionar, lo sé, ‘Todo en un día’ (Ferris Buellers’ Day Off, 1986), estrenada solamente un año más tarde, pero cuyos logros atribuyo más a un estado de gracia de actores, el operador Tak Fujimoto y ciertos diálogos que a una fuerza de conjunto. Nunca sentía demasiadas simpatías por los trabajos anteriores de Hughes, todos estimables y entretenidos, desde ‘Dieciséis Velas’ (Sixteen Candles, 1984) a ‘La mujer explosiva’ (Weird Science, 1985) la pasión por facturar comedias más o menos eficaces o con un componente melodramático más notorio como en ‘La mujer de rosa’ (Pretty in Pink, 1986) que dirigió un colaborador habitual, Howard Deutch.

Esta película se convirtió pronto en mito popular y más tarde en genuino tótem del subgénero, la comedia y el drama adolescente, en el que encontró una serie de recursos expresivos y de caminos que dieron paso a una serie de creadores más o menos radicales, desde Todd Solondz con su ‘Bienvenido a la casa de las muñecas’ (Welcome to Dollhouse, 1995) o Alexander Payne con su ‘Election’ (id, 1998) hasta los logros de Wes Anderson, que imaginó en ‘Academia Rushmore’ (Rushmore, 1998) una unión casi improbable de Hughes con la influencia francesa de la Nouvelle Vague, con o la factoría Apatow, con Seth Rogen y Evan Goldberg al frente y su guión para ‘Supersalidos’ (Superbad, 2007) o la obra de su director, Greg Mottola, aunque ‘Adventureland’ (id, 2009) sea la menos hughesiana de sus películas.

La película encuentra su fuerza en los diálogos y de ellos hace su motor, casi teatral. Los cinco estudiantes enfrentados vivirán un gran día y se permite Hughes un memorable interludio musical, acorde con el carácter juvenil de la cinta y con el ímpetu anárquico de sus cinco alumnos de instituto, castigados por razones que deben descubrir. La explicación psicológica que da Hughes es bastante sencilla, a veces casi banal en ese empeño norteamericano de convertir todo relato suburbial en un relato patriarcal de frustraciones emocionales. Abusando de ese psicologismo, la solución común que ofrece Hughes a su dilema es que todos somos frutos de nuestra clase social y nuestra educación y, por supuesto, un vivo reflejo de esos padres que no solamente nos han educado sino que no han contagiado sus miedos y sus frustraciones, incluso, concepto fatídico y también norteamericano, estamos marcados por ese destino.

¿Y en qué acierta Hughes? En definir a estos personajes a partir de sus propios prejuicios y de hacer que se unan solamente por un interés común hasta que empiezan a expresar empatía. El diálogo lo empieza siempre el rebelde, pero es la figura del supervisor la que encuentra a los cinco unidos con el mismo propósito: también las dos chicas viven definidas por su misma imagen del mismo modo que todos quieren responder a esas ansiedades. Esa verosimilitud adolescente, acierto de Hughes con un cast en estado de gracia, es increíblemente agradecida, aunque el geek no salga precisamente bien parado y sea el único que se quede sin chica al final de la película. La pregunta sería si Hughes está siendo fiel a su audiencia o está retratando fielmente al instituto: posiblemente ambas sean verdad, lo que añade un excelente tema para pensar la comedia adolescente y sus alrededores.

¿Pero en qué falla Hughes? En el fondo, esta película magistral toma un punto de vista concreto, determinado, traicionado quizás los aspectos de su dramaturgia que son más sugerentes. Ese punto de vista es el del perdedor que encarna Judd Nelson, cuy beso final se vive como un triunfo y cuyo plano congelado indica que Hughes prefiere que todos sepan que queda algo de esperanza, que al menos es posible en el mismo hecho de que estos personajes dialoguen. Por eso congela la acción: para no condenar a su espectador a la incomodidad y para que entienda, pedagógicamente, el valor de su narración, de su centro dramático. No importa tanto lo que pasará, como lo que se ha podido pasar. Es un cine mucho más conformista de lo que nos gusta recordar, pero acaso estos valores sean lo suficientemente progresistas para llevar a un salto mortal que cambió todo un género: no es poco y así debe recordarse.

No hubo suerte para Enrique Urbizu, aunque habría sido casi un milagro que su nuevo trabajo hubiese alcanzado el primer puesto de la taquilla. La comedia romántica estadounidense ‘Con derecho a roce’ (‘Friends with Benefits’), protagonizada por Justin Timberlake y Mila Kunis, fue la película más vista en España durante el pasado fin de semana, superando con comodidad el millón de euros gracias a sus 350 salas. ‘No habrá paz para los malvados’ se tiene que conformar con la segunda posición, recaudando solo 745.000 euros en 200 cines; no está nada mal teniendo en cuenta el panorama del cine español, pero no deja de ser una lástima que una película así, tan intensa y bien filmada, con un José Coronado sensacional, no haya tenido más éxito. En fin, podría haberle ido peor, veremos cómo aguanta en las próximas semanas.

Los tres títulos que funcionaron mejor la semana pasada no han sufrido grandes pérdidas y se mantienen aún en los primeros puestos, siendo superados solo por las dos novedades más potentes del pasado viernes. Supongo que la promoción de la Fiesta del Cine habrá tenido algo que ver (por cierto, ¿qué os ha parecido, la veis útil?). Lo que más me ha llamado la atención es que ‘El árbol de la vida’ (‘The Tree of Life’) haya resistido tan bien en su segunda semana en cartelera, bajando sus cifras solo en un 35%. Pensaba que la caída sería mucho más fuerte, con todo lo que se está diciendo sobre espectadores indignados, reclamaciones y abandono masivo de las salas; no debe ser para tanto, y no debemos ser tan pocos los que encontramos estimulante y preciosa la última película de Terrence Malick. Por último, un dato interesante: tres producciones españolas entre las diez más vistas. Y ojo a sus propuestas, sus directores, sus repartos… Si es que cuando se paran a pensar un poco, no es tan complicado.

PD: Este viernes la cartelera se renueva con títulos como ‘Los tres mosqueteros 3D’, ‘Johnny English returns’, ‘Larry Crowne, nunca es tarde’ o ‘Pina’ (el mejor 3D que he visto hasta ahora). ¿Triunfarán los mosqueteros de Paul W.S. Anderson?

Datos | TioOscar

‘Rango’

Dirección: Gore Verbinski. Reparto (voces originales): Johnny Depp, Isla Fisher, Alfred Molina, Abigail Breslin, Bill Nighy, Ray Winstone y Timothy Olyphant.

Sinopsis: La historia sigue el curioso viaje de transformación de Rango, un camaleón que vive protegido como una mascota familiar común, mientras se enfrenta a una importante crisis de identidad. Después de todo, ¿a qué puedes aspirar cuando tu único objetivo en la vida es camuflarte? Cuando Rango accidentalmente termina en un arenoso y peligroso lugar poblado por las criaturas más astutas y peligrosas del desierto, el lagarto menos valiente descubre de repente la oportunidad de destacar.

Extras: Del DVD: Descubre las 10 escenas eliminadas. Detrás de las escenas con el reparto y el equipo. El Blu-ray incluye lo mismo y además: Storyboard Picture-in-Picture. Conoce a las auténticas criaturas de la Tierra. Coge un viaje interactivo a la suciedad.

Crítica en Blogdecine:

‘Rango’, por un puñado de agua (6/10)

‘Águila Roja. La película’

Dirección: José Ramón Ayerra. Reparto: David Janer, William Miller, Javier Gutiérrez, Inma Cuesta, Martina Klein, Francis Lorenzo y Tigretón.

Sinopsis: Águila Roja. La Película nos sitúa en la villa, donde se va a celebrar una cumbre del más alto nivel, a la que asistirán las potencias más importantes del momento: Francia, Inglaterra, Portugal y el mismísimo Papa. Aunque estos países han forzado el encuentro con la excusa de buscar la paz entre españoles y lusos, los motivos reales son asaltar el Reino de España. Para asegurar el éxito del complot, en el que la Marquesa de Santillana será una pieza clave, contratan a un sanguinario cosaco para acabar con Águila Roja. Nuestro héroe consigue vencer al rufián pero en la pelea su hijo Alonso resulta herido y eso provoca que Águila Roja decida abandonar la lucha por la justicia. De esta forma, tanto la villa como el Rey y todo el reino quedan a merced de los traidores…

Extras: Cómo se hizo: Película, historia, personajes. Estamos rodando. Vídeo de los actores. Escenas eliminadas. Premiere. Tráilers. Carteles y selección de fotos.

Sale a la venta esta adaptación a la gran pantalla de la popular serie de televisión (siempre que la pillo haciendo zapping la acabo quitando a los pocos minutos, incapaz de aguantar las bochornosas interpretaciones) en una edición que incluye tanto el DVD como el Blu-ray. El “combo” cuesta 14,95 euros.

‘Sin compromiso’

Dirección: Ivan Reitman. Reparto: Natalie Portman, Ashton Kutcher, Cary Elwes, Kevin Kline, Greta Gerwig, Lake Bell y Olivia Thirlby.

Sinopsis: Emma es una doctora muy ocupada que parece dar con la solución perfecta cuando propone a su mejor amigo Adam una relación con una sola regla: sin compromiso. Pero cuando comienzan a aparecer ciertos sentimientos, surge también la pregunta inevitable… ¿pueden los amigos con derecho a roce seguir siendo los mejores amigos?

Extras: Comentarios del director. Amigos de sexo: reuniéndose. Dentro de las atrevidas galerías del Secret High. Escenas eliminadas. Escenas alternativas del guion.

Crítica en Blogdecine:

‘Sin compromiso’, el signo de los tiempos (4/10)

‘Matar al irlandés’

Dirección: Jonathan Hensleigh. Reparto: Ray Stevenson, Christopher Walken, Vincent D´Onofrio, Val Kilmer, Vinnie Jones, Fionnula Flanagan y Paul Sorvino.

Sinopsis: Matar al Irlandés narra la ascensión y caída de Danny Greene, un gángster sin miedo a nada que se metió en medio de la Mafia en el Cleveland de los años 70 y abonó el camino para una cruenta guerra que asoló la ciudad con bombas y tiroteos. Cuando los numerosos intentos de asesinar a Greene fracasan y la leyenda de su invencibilidad aumenta, también crece su poder y sus matanzas callejeras. ¿Quién detendrá al Gángster a Prueba de Balas?

Extras: Entrevistas. Escenas eliminadas.

Sale directamente en Blu-ray (y por ahora solo en este formato) sin pasar por las carteleras, a pesar de contar con un llamativo grupo de actores. No parece que vaya a entusiasmar a nadie, pero puede ser una buena opción para los aficionados al drama criminal con una tarde aburrida por delante. Si me decís que es buena, le daré una oportunidad.

‘Death Race 2: La Carrera de la Muerte 2’

Dirección: Roel Reiné. Reparto: Luke Goss, Lauren Cohan, Ving Rhames, Sean Bean, Robin Shou, Tanit Phoenix (parece que tiene buenas aptitudes) y Danny Trejo.

Sinopsis: Death Race 2 tiene lugar en un futuro muy próximo, cuando la economía de Estados Unidos comienza a declinar y la delincuencia violenta inicia una espiral fuera de control. Para contener a la población penal, se crea una serie de cárceles privadas, gobernadas por bandas, asesinos a sangre fría y sociópatas. La peor de estas cárceles es Terminal Island, donde condenado por el asesinato de unos policías llega Carl Lucas, el que será el auténtico protagonista del último reality show de la Carrera de la Muerte. El ganador, si es que alguien logra sobrevivir, tiene como premio la libertad.

Extras: Escenas eliminadas. Comienza la carrera: La evolución de la Carrera de la Muerte. Engañando a la Muerte: Los especialistas de Death Race 2. Coches rápidos y armas de fuego: los coches de Death Race 2. Tomas Eliminadas del montaje con presentación del director Roel Reine. Comentarios de la película por el director.

No, esto no me interesa en absoluto, aunque me digáis que es lo mejor que habéis visto en vuestra vida (con ese “argumento” me han defendido ‘El código Da Vinci’, ‘Crepúsculo’ y ‘Zombie Strippers’). Si sois fans de esta cosa, puede que os interese saber que también se pone a la venta un ‘Pack Death Race: La Carrera de la Muerte’, que incluye esta ‘Death Race 2’ (en realidad es una precuela) y el infumable remake de Paul W.S. Anderson, tanto en DVD como en Blu-ray.

Otros lanzamientos en Blu-ray:

A lo largo de esta semana también podrán adquirirse en formato Blu-ray un puñado de películas que ya fueron distribuidas hace tiempo en DVD, como ‘El motín del Caine’ (uno de esos títulos en los que Bogart demuestra lo buen actor que era), ‘Cómo ser John Malkovich’ (¡sin subtítulos en castellano!) o ‘El gran Lebowski’ (con algunos extras más que la edición en DVD, aparte de, claro, la imagen en alta definición), entre otras.

Vía | ZonaDVD

‘Lo contrario al amor’ está protagonizada por Hugo Silva, Álex Barahona, Adriana Ugarte, Rubén Sanz, Luis Callejo, Kiti Manver y Guadalupe Lancho. Este reparto se demuestra elegido con acierto, ya que cada uno de los intérpretes encarna sus personajes como si hiciesen de sí mismos, sin aparentar esfuerzo por interpretar y transmitiendo gran naturalidad. Esta buena dirección de actores, unida a diálogos realistas, concisos y pertinentes, hacen que sea muy fácil entrar en las escenas y dejarse llevar por el fluir de las situaciones. Una realización entre correcta y pasable, con algunas bonitas localizaciones de Madrid, le confieren un aspecto digno que sitúa la película en una categoría de aparente calidad.

Con la frase del titular, “el sueño de cualquier mujer”, no me refiero a lo que ocurre en general en el desarrollo de la película a la protagonista, sino al punto de partida que da origen a todo: sexo con tres bomberos. Puede ser un tópico, como la atracción por los uniformes, pero encuentro que es uno de los morbos que más están perdurando y que más internacionalmente puede encontrar consenso.

Sin embargo, como sucede con muchos otros aspectos de la película, este tema tan interesante de partida, se aprovecha poco y se abandona en seguida para dar paso a situaciones más manidas y formularias. Vicente Villanueva, famoso por algunos de sus cortometrajes, como ‘Mariquita con perro’, ‘Heterosexuales y casados’, ‘La rubia de Pinos Puente’…, se muestra aquí ducho en las ideas brillantes de corto alcance, pero no parece tan experto en los desarrollos maratonianos que requiere un largometraje.

Las tramas secundarias superan a la principal

Las dos subtramas, tanto la de los bomberos aficionados a determinado tipo de porno, como la de la ex-cantante famosa que se arrastra por los programas de televisión basura, son más originales e interesantes que la trama principal y, a partir de cierto momento, son las únicas capaces de ofrecer humor. Sin embargo, se las relega considerablemente en montaje, hasta el punto de que la de los hombres queda casi sin resolver, no sé si por cobardía ante acercarse plenamente a ese tema o si por desidia.

La historia amorosa principal va pasando por todos los procesos por los que es necesario que pase la relación en una comedia romántica, incluyendo el momento en el que parece que todo está perdido, el de euforia, etc… Estos giros, sin embargo, no están provocados por algo interno, es decir, por los obstáculos que hay que anteponer a la culminación del enamoramiento en las películas de este género. Esos impedimentos no existen, ni siquiera en la psicología de los personajes y, por lo tanto, los puntos de inflexión se van forzando. De esta forma, lo que se refiere a ellos es lo único aburrido de la película que, de no ser así, se podría ver con considerable atención.

Si estamos ante lo que hoy en día está tan de moda, tanto en el cine de amores como en la vida real, que es que ninguno de los dos involucrados sabe realmente lo que quiere o que ambos rechazan el concepto de noviazgo y relación seria, nos encontramos con la dificultad de que no hay objetivo y, ante su inexistencia, es imposible colocar obstáculos, pues sin meta, las vallas que hay que saltar carecen de sentido. Con esto no quiero decir que esta nueva corriente de cintas románticas en las que se pregona la laxitud del amor o el absurdo de soñar en una estabilidad eterna tenga imposible crear tensión, pues si se plantease como objetivo esa libertad individual de cada uno de los amantes y el encuentro entre ellos fuese en contra de él, ya se lograrían los requisitos necesarios para que funcionase el tira y afloja. En ‘Lo contrario al amor’ se intenta hacer algo parecido a esto, pero con una serie de cambios de opinión y falta de claridad en los protagonistas que merman la eficiencia de esa búsqueda de un objetivo claro.

De planteamiento, el idilio está bien pensado como material fílmico, ya que parte de dos seres que, en teoría, deberían ser tan distintos que pareciese que no están destinados a terminar juntos. Sin embargo, esas diferencias culturales o de personalidad no se explotan en absoluto en la película. De ellas se podría haber obtenido todo el humor del que carece la cinta y sin mucha dificultad. Si se supone que él y ella pertenecen a mundos opuestos, en cada cita, en cada encuentro, uno de los dos debería estar chocando contra las costumbres inviables del otro y haciendo el ridículo ante situaciones con las que no sabe cómo lidiar. El inicio de la comedia sí que explota todas estas posibilidades, especialmente en la secuencia de los masajes, que tiene bastante miga. Pero, una vez el tonteo entre los protagonistas comienza, estos intentos se abandonan y es una pena.

Lo contrario al amor

El autor parece demasiado interesado en utilizar la película para ofrecer una observación sobre el amor. Lo que viene a decir el título es que controlar y mangonear a la pareja es “lo contrario al amor”. El personaje de Hugo Silva, que encarna esta noción, se pasará el tiempo diciendo que no quiere que las mujeres lo cambien y que quiere que lo acepten tal y como es. Me parece perfecta la aspiración ante las posibles ataduras de una relación.

Lo que da la sensación de que se le ha escapado al director y guionista o que quizá se le escapa al personaje es que este hombre, para conseguir que ella no lo cambie a él, está cambiándola a ella por completo. Y no me refiero únicamente a que la protagonista no tarda ni un día en aceptar beber y comer carne, aunque fuese en contra de sus principios, sino a que, si en su personalidad está ser posesiva o tener el control, abandonar estos rasgos no puede resultar tan fácil y, si bien es algo que él tiene derecho a pedirle, debería entender mejor lo que a ella le cuesta superarlo.

No es una cuestión de ponerse del lado de uno o del otro por parte de la que suscribe, ya que a pesar de lo dicho, el personaje de él me parece más entero y verdadero y al de ella lo veo a medio definir y, por lo tanto, no me cae nada bien. Lo que sí entiendo es que el creador de la película ha optado por uno de los bandos con claridad y en una comedia romántica se me antoja imprescindible estar del lado de los dos, ya que al final, los dos van a ser uno, y plantear en ambos personajes sus equivocaciones iniciales para luego hacer que ambos converjan con igual dosis de rectificación en un pensamiento más o menos similar.

Conclusión

En definitiva, diría que ‘Lo contrario al amor’ es una comedia que se puede ver sin demasiado problema porque conseguirá arrancar unas cuantas carcajadas –casi todas al inicio del metraje y el resto en el desarrollo de las dos tramas secundarias— y, para quien le guste, les permitirá ver a Hugo Silva en pantalla durante una considerable cantidad de tiempo –puestas a elegir, me quedo con Álex Barahona–. La cuestión romántica no es que resulte carente de química, que suele ser lo primero que se achaca cuando un producto del género falla, sino que ves que se podría haber dado por buena desde el principio y en cualquier momento en el que el autor lo desease. Solo se dilata porque lo pide la duración comercial de las bobinas. Con esa falta de conflicto o de objetivo al que anteponer un conflicto, la emoción y la intriga desaparecen. No obstante, en apariencia, todo puede dar la sensación de que está ahí y funciona, pues lo endémico sí se ha introducido, es decir, los giros sí se han colocado en los instantes necesarios. Así, quien se vaya dejando arrastrar por la historia, sí sentirá que la relación pasa por los estadios necesarios y se contagiará de una pequeña dosis de la emoción necesaria para pensar que una comedia romántica ha valido la pena.

Mi puntuación: