Después de una foto e información y un primer póster, podemos ver este divertido tráiler de la comedia que dirige Adam McKay (‘Pasado de vueltas’, ‘Anchorman’) con guión suyo y de Will Ferrell y producción del omnipresente Judd Apatow.

Fuente | Yahoo.

Su nuevo proyecto es ‘Five Year Engagement’, que producirá para Universal con el equipo de ‘Forgetting Sarah Marshall’, es decir, el guionista y director Nick Stoller y el actor Jason Segel, que quizá os suene de la serie ‘Cómo conocí a vuestra madre’.

Se tratará de una comedia subida de tono que cuenta cómo un hombre (Segel) y su prometida mantienen un compromiso de cinco años. Stoller declaró que “definitivamente es una extensión de nuestro deseo de explorar las profundidades de la tristeza humana. Si Sarah Marshall (a quien da vida Kristen Bell) y el personaje de Jason [Segel] hubiesen seguido juntos, ésta podría ser la secuela”.

Stoller tiene otros proyectos en desarrollo para otras productoras, como ‘Step Dude’ (colegastro) para Paramount y ‘Opposite Day’ (el día contrario) para DreamWorks.

Fuente Variety

Brennan Huff (Will Ferrell) tiene treinta y nueva años, vive con su madre, Nancy (Mary Steenburgen), y suele conseguir empleos esporádicos. Dale Doback (John C. Reilly), es un desempleado terminal de cuarenta tacos que vive con su padre, Robert (Richard Jenkins). Cuando la madre de Brennan y el padre de Dale se casan, los hombres se ven obligados a compartir casa. El narcisismo de ambos y su vagancia agresiva en seguida los llevan a una competitividad que pone en peligro el matrimonio de Nancy y Robert. Los dos niños grandes malcriados planearán una estrategia loca para que sus padres vuelvan juntos. Para lograrlo deberán formar una difícil alianza que a lo mejor, sólo a lo mejor, podría hacer que por fin se marchasen de casa.

El guión es de Will Ferrell y Adam McKay. ¿Y a que no adivináis quién produce? Judd Apatow. Si ya os dije que este tío estaba detrás de todas las comedias y que era sólo cuestión de tiempo que se empezase a hablar de él aquí tanto como se habla ya en Estados Unidos.

La película, que se encuentra en fase de postproducción, llegará a España el 24 de octubre de 2008. De momento podemos ver este par de fotos bastante simpáticas.

Lo que no podríamos imaginarnos es que esta película es solidaria: un papel secundario en ‘Step Brothers’ fue vendido por 47.100 dólares en una puja online que comenzaba con 5.000. El ganador fue un empresario de Dallas que pidió mantener su anonimato, aunque aclaró que adquirió el papel para su hijo de 10 años. El hombre dijo que este era un tema que lo tocaba personalmente dado que su madre murió de esta enfermedad.

Durante el anuncio del ganador, Ferrell agradeció la respuesta y la generosidad de todos los que formaron parte del evento. El dinero será donado a la fundación Cancer for College, que pertenece a Craig Pollard, un viejo compañero de Ferrell, superviviente de la enfermedad de Hodgkin, que comenzó Cancer for College como una manera de entregar becas a pacientes de cáncer. Desde su comienzo en 1993, la fundación ha otorgado 200.000 dólares a 50 supervivientes de cáncer.

Fuente | Collider.

Más de una vez me he encontrado en la paradoja de defender las comedias románticas como uno de mis géneros favoritos y de decir, al mismo tiempo, que casi todas las películas que se hacen recientemente dentro de este canon son malas. El que no haya muchos buenos productos de este tipo se puede deber a varios factores. A continuación trataré de encontrar algunos de ellos:

Retrato de personajes y elección del reparto

Para que una comedia romántica funcione en la parte emotiva y amorosa es imprescindible que los espectadores sintamos la emoción que sienten los personajes al enamorarse, que empaticemos con ellos y nos identifiquemos con sus sentimientos. Y para ello lo fundamental es que los personajes estén bien retratados y, por lo tanto, nos interesen, nos importe lo que les ocurre. Si esto está logrado, el resto de los elementos de los guiones de las películas románticas, casi viene rodado.

Vivimos una etapa de crisis con respecto a los personajes, especialmente en lo que se refiere a los femeninos. Este tema se estudia en este artículo, que puede servir de continuación al presente.

¿Falta imaginación o es que el género admite pocas variaciones?

Aparentemente, lo que ocurre es lo segundo. Pero quizá si se tiene imaginación se podría hacer mucho más dentro de las pautas del género. Es un género moldeable, que se puede fusionar con otros, por ejemplo la ciencia ficción; un género del que se puede partir para hacer un estudio metalingüístico, como hiciera ‘Scream’ sobre los films de terror; un género con el que se puede hacer mucho más de lo que se hace.

Y aun así, diría que éste es el defecto que menos influye para estropear las comedias románticas. Si nos hacen vibrar con la emotividad que transmiten, poco nos importa que nos cuenten la misma historia una y otra vez. Está claro que se trata de films predecibles en los que sabemos de sobra cuál va a ser el final y también probablemente, los obstáculos que se van a presentar por el camino. Pero todo eso es lo de menos si la parte cómica nos hace reír y la romántica nos emociona.

En géneros como el thriller, la ciencia ficción o el terror es requerido encontrar un argumento sorpresivo y dar un giro final inesperado. Por ese motivo, si bien es cierto que se puede decir de cualquier tipo de películas lo que comento en el párrafo de introducción, es decir, que la mayoría son malas, aunque el género en sí sea bueno; a la hora de determinar los factores que causan esto, el que menos afecta a las comedias románticas sería el que más afecta a estos otros tipos.

Los valores tradicionales lo tiñen todo

Me parece maravilloso que las personas tengan como valores morales la estabilidad familiar, el matrimonio, la perpetuación de la especie. No voy a opinar sobre la forma de pensar de cada uno. El problema llega cuando se estos valores se tratan de transmitir de forma tan burda y descarada a través de películas que se convierten en lo principal de estos films. Así, lo que deberían ser comedias se queda en una primera media hora de risas y un desarrollo ñoño y meloso que sirve de lección al personaje díscolo. No critico, por lo tanto, el hecho de introducir esos valores, pues cada autor tiene derecho a expresar lo que quiera en su creación; sino el que les resulte imposible integrar el mensaje con el género en el que se están moviendo y con la historia que están contando.

Aunque parezca mentira, esto ocurre más ahora que antes. Las comedias románticas clásicas y que dan nombre al género se alejaban absolutamente de estos valores. La protagonista salvaba al personaje masculino principal de una vida gris representada en la oponente. Ahora son esas oponentes las que han tomado las riendas, tema en el que también profundizaré en el artículo sobre personajes femeninos.

De esta manía de convertir las películas de este género en una manera de aleccionar al mundo ha venido la nefanda imagen que se suele tener de las comedias románticas: se considera que son ñoñas, que sólo pueden gustar a las mujeres y que reivindican el matrimonio como única opción para convertirse en una persona decente. Se acercan a la idea que se tiene del cuento de hadas y del culebrón, cuando en origen eran casi opuestas a todo esto.

Una comedia romántica canónica, aunque por desgracia sean las menos, es divertida, despreocupada, loca y si anima a algo es a disfrutar de la vida y a vivirla a tope. El encontrar a la persona idónea en las buenas cintas de este género no se presenta como una forma de lograr la estabilidad, es decir, como un fin en sí mismo; sino como la manera de evolucionar personalmente, de salir de la opresión en la que se vivía, de liberarse, es decir, como un camino para una felicidad que está compuesta por el amor, claro, pero también por una satisfacción con uno mismo que va mucho más allá.

Se llama comedia a lo que no tiene gracia

Muchas veces se utiliza el término “comedia” para englobar cualquier producto de tono ligero difícil de encasillar. Quizá hay que admitir que se haga así, aunque personalmente no estoy de acuerdo. Pero es posible que el problema no esté tanto ahí como en la incapacidad de los creadores de fundir el humor con la historia que están contando. Así, no sólo los mencionados valores tradicionales entran en los films para asesinar la comicidad. También la torpeza de algunos narradores de historias se demuestra en que no saben mantener el tono cómico y al mismo tiempo desplegar un argumento. El humor les sale en escenas sueltas, con forma de gag, pero no en una narración continuada.

No quiero llamar a nadie incapaz. Evidentemente estamos hablando de algo muy difícil de lograr. Siempre digo que la comedia es uno de los géneros más difíciles de escribir, a la vez que uno de los más infravalorados. Lo que sí quiero decir es que, si un guión para comedia romántica aún no ha sido perfeccionado completamente y no se han sabido casar los dos elementos principales, mejor sería seguir trabajando en él antes de comenzar el rodaje. Y esta decisión es cosa de los productores.

La pela es la pela

Y después de tanto estudio y tanto análisis llegamos a la conclusión de siempre. ¿Por qué se hacen comedias románticas que probablemente, hasta sus creadores saben que son malas? Porque hacerlas mal es muy fácil y está casi garantizado que se obtendrá dinero con ellas. En lugar de un buen guión o un reparto desconocido, pero adecuado, estos productores saben que poniendo en su cartel a las estrellas más famosas que se puedan pagar, tienen garantizado el éxito.

El público sigue acudiendo. Y ahora la pregunta da la vuelta y en lugar de dirigirse hacia ellos viene hacia nosotros, ¿por qué las seguimos viendo si la mayoría son malas? O bien porque los espectadores somos muy poco exigentes o porque queda aún la esperanza de que se vuelva a hacer una buena. En mi caso, la razón es claramente la segunda. Pero la paciencia tiene un límite.

Después de ‘Las mujeres perfectas’, bien intencionado, pero algo fallido intento de demostrar lo que todos pensamos: que Bree Van De Kamp de ‘Mujeres desesperadas’ es un robot; Frank Oz ha permanecido ausente de la dirección durante tres años. Y como demuestra el discreto estreno de ‘Un funeral de muerte’, también se ha mantenido ausente del recuerdo del gran público. Ya no mueve a las masas ni siquiera con la promesa de un buen rato de diversión. Y es que ‘Bowfinger’, uno de los films que mejor y con más humor ha explorado el hecho de hacer cine, fue una gran incomprendida. ‘In & Out’ era un tremendo retrato social con alguna escena desternillante, ‘La tienda de los horrores’ es simpática y ‘Un par de seductores’ es historia de la comedia. Pero parece que se le prefiere recordar por las más flojas y está claro que no es justo.

Así llega ‘Death at a Funeral’, sin causar ningún revuelo, quizá por no tener actores célebres, aunque tampoco pasando inadvertida. La historia es sencilla a más no poder, pues transcurre a lo largo de unas horas, casi en tiempo real, y prácticamente en un solo escenario. El padre de Daniel y Robert ha muerto y la familia se prepara para oficiar su funeral. Pero todo comenzará a salir mal y los imprevistos harán la vida imposible de Daniel, que tendrá que lidiar como pueda con las vicisitudes mientras soporta escuchar que nunca podrá aspirar a igualar el talento de su hermano, novelista de éxito.

Los actores, en su mayoría británicos, están impresionantes. Dan vida a la familia y allegados del difunto Matthew Macfadyen (‘Orgullo y prejuicio’), Rupert Graves (‘V de Vendetta’), Ewen Bremner (‘Trainspotting’), Peter Vaughan (‘El hmbre de Mackintosh’), Jane Asher (‘Tirant lo Blanc’) y Daisy Donovan (‘Millones’). Alan Tudyk (‘Lío embarazoso’ o ‘Knocked Up’), que es el que aparece en las fotografías, es el que más hace reír gracias a los caretos retorcidos que pone. Junto con él Andy Nyman (‘Severance’) sostiene la comicidad durante todo el metraje. Los demás están perfectos en sus papeles, pero les tocan partes menos divertidas. Todo se remata con la personalidad turbadora de Peter Dinklage (‘The Station Agent’, ‘Nip Tuck’), que le pone la guinda al pastel.

Sin ser un gran film, hay que admitir que es más divertido que casi cualquiera de las comedias que suelen llegarnos, especialmente si se trata de las estadounidenses que tienen que estropear el humor hacia el final para darnos mensajes moralizantes y sobre buenos sentimientos. Por lo tanto, se recomienda a cualquier persona que se quiera reír en lugar de aspirar a presumir con sus amigos del film que acaba de ver.

En Blogdecine: Póster y trailer español de ‘Un Funeral de Muerte’ de Frank Oz

Carl Reiner, además de padre de Rob Reiner que es el director de maravillas como ‘Cuenta Conmigo’ o ‘Algunos Hombres Buenos’, es un actor al que últimamente se le ha asociado con la banda de ladrones más carismática de los últimos años, y en sus tiempos fue director de películas, todas comedias, con cierto prestigio, aunque muchas veces con unos resultados artísticos que dejaban mucho que desear. Así pues que Reiner lleve una década sin dirigir es algo que muchos no echaremos de menos.

‘Cliente Muerto no Paga’ quizá sea su películas más famosa. Coescrita, entre otros, con su amigo Steve Martin, con el que hizo bastantes películas, narra el caso de un detective contratado por una bella mujer de la que evidentemente se enamorará. Poco a poco y como en toda cinta de cine negro irá descubriendo cosas sorprendentes, y lo que en principio era algo fácil, se convertirá en un complicado caso con mucha más importancia de la que parece.

Atención damas y caballeros al reparto de secundarios que llenan esta película: Alan Ladd, Barbara Stanwyck, Ray Milland, Ava Gardner, Burt Lancaster, Humphrey Bogart, Cary Grant, Ingrid Bergman, Veronica Lake, Bette Davis, Lana Turner, Edward Arnold, Kirk Douglas, Fred MacMurray, James Cagney, Joan Crawford, Charles Laughton, Vincent Price, Brian Donlevy y Edmond O´Brien. Impresionante ¿verdad?, ¿y cómo han sido capaces de reunir a toda esta gente en una película rodada en 1983? Muy sencillo, con una impecable labor de montaje y ni un sólo efecto digital. La mayor parte de la trama está construida a base de escenas de films muy famosos, intercalados con los actores reales de la película, en este caso Steve Martin, que iterrelaciona con todos ellos a base del típico plano/contraplano en la mayor parte de los casos, pero notándose en muy pocas veces que se trata de otra película, aunque evidentemente el hecho de que se note no es ningún fallo. De hecho, una de las mejores cosas de ver esta película es reconocer todas las películas que salen en ella. Por supuesto, estamos hablando de casi todos los grandes títulos del cine negro, desde ‘Perdición’ hasta ‘Al Rojo Vivo’ o ‘Forajidos’ (delirante el número que se produce alrededor de la famosa secuencia inicial de la peli dirigida por Siodmak).

Desgraciadamente todo se termina ahí, y ojo, que no es poco. Como ejercicio de cinefilia pura, la película no tiene desperdicio, y además está rodada en blanco y negro como mandan los cánones del género. Pero tanta aparición de estrellita famosa, por mucho que nos guste a algunos, termina cansando un poco, y en el caso de que no lo haga sí aparta la atención de la trama del film, la cual se difumina un poco por culpa de tanto “cameo”. Y por otro lado, tener que aguantar a Martin haciendo tonterías es un precio demasiado alto. Casi parece un suicidio artístico el enfrentarse a todos esos actores, pero bueno, incluso esto parece que se ha hecho adrede. Al lado de Martin, la por aquel entonces preciosa Rachel Ward, actriz que en nuestro país se hizo famosa por cierta miniserie de televisión protagonizada por Richard Chamberlain, y que fue todo un escándalo. Su personaje no es interesante por el simple hecho de no convertirla en femme fatale, algo que hubiera estado muy bien.

Una película correcta, con la que pasar un rato más o menos ameno, pero a la que le falta más garra y pasión, algo que Reiner como director no ha tenido jamás. El film, por si os interesa, está editado en dvd a un precio más que ridículo por Universal.

Lo más normal es que en el trailer estén los mejores chistes de toda la película. Esto es lógico. Si alguien montase un trailer de una comedia sin bromas o con las menos graciosas, sería para cortarle la cabeza. Pero, claro, cuando es así, luego el film nos decepciona seguro pues, por algún motivo extraño, esperamos encontrar mucho más de lo mismo e incluso de mejor calidad. No lo he visto, pero probablemente ocurrirá con el trailer de ‘Supersalidos’.

Pero es que puede pasar algo peor aún: TODOS los chistes de la película están en el trailer y lo que vemos ya no nos gusta. El problema aquí no ha estado en ver el trailer antes, sino en ver una película que no tenía más que tres o cuatro momentos graciosos. Pero el avance nos ha animado a acercarnos a un producto que no valía la pena, así que habría sido mejor no haberlo visto.

Ejemplos que cabrían en el segundo caso se encuentran a cientos. De hecho, lo suelo comentar en casi todas las críticas de comedias que publico en Blog de Cine: ‘Café solo o con ellas’, ‘Virgen a los 40’, etc…

En un drama o thriller, procurarán no desvelarnos ningún giro final para que aún se mantenga una intriga sobre cómo va a acabar y siga valiendo la pena ir a verla.

Pero en una comedia basada en chistes sueltos y no en escenas elaboradas de humor absurdo, el tráiler lo único que puede hacer es destrozárnosla.

¿Y cómo sabemos si nos apetece ir a verla o no?

Quizá leyendo una sinopsis corta, que no desvele mucho, podemos saber si el tipo de humor nos interesa. Esto también puede engañar, por supuesto, pero no se dará la experiencia de ver en el cine, después de pagar bastantes euros, lo que ya se ha visto antes gratis.

O a lo mejor sabemos ya algo de los actores, guionistas, director… y adivinamos que nos podría gustar.

Sé que estoy tirando piedras contra nuestro tejado porque una gran parte de lo que aparece en Blod de Cine son tráilers. Pero tampoco estoy diciendo que me hagáis caso a rajatabla, más que nada, propongo esta reflexión para ver qué opináis los demás.

En Blogdecine | Tráilers que cuentan otra película

Preston Sturges fue uno de los grandes directores americanos de los años 40, especializado sobre todo en la comedia, con auténticas maravillas en ese campo, como las imprescindibles ‘Los Viajes de Sullivan’ o ‘El Milagro de Morgan Creek’, por poner sólo dos ejemplos. ‘The Great McGinty’ fue su ópera prima, después de haber estado durante años realizando guiones para otros directores, entre ellos el gran Mitchell Leisen, en ‘Una Chica Afortunada’ y ‘Recuerdo de una Noche’.

La película nos narra una alocada historia sobre un hombre pobre, que para conseguir algo de dinero es contratado por un partido político para que tome distintas identidades y vaya a votar varias veces, consiguiendo así más votos. Lo hace tan bien que enseguida entrará a formar parte del mundo político, con todos sus entresijos, nada legales por cierto. Pronto será visto como alguien con una buena imagen y será elegido alcalde.

‘The Great McGinty’ es la típica película que hoy día no podría hacerse por muchos y diversos motivos. Uno es la inocencia que desprenden en ciertos momentos algunos de sus personajes, muy típico de aquellos años (estamos en 1940). Y también, la forma en la que está tratada la corrupción política, sin cortarse lo más mínimo y poniendo a los políticos como verdaderos delincuentes, o incluso criminales. De acuerdo que hoy día podemos pensar eso de muchos individuos que se dedican a ese mundo, pero si se hiciese una película contando lo mismo que cuenta ésta y de la misma manera, creo que rodarían cabezas. Es curioso cómo, en ese aspecto, hemos dado marcha atrás.

De acuerdo que todo está enmarcado en un tono de comedia blanda, pero también tiene ciertos toques moralistas, que la hacen más seria de lo habitual. Además, no estamos ante una parodia de nada, aunque, eso sí, el film tiene momentos verdaderamente cómicos, muy en la línea de Sturges, aunque probablemente parece que estuvieran mejor resueltos sobre el papel que llevados a imagen. Hablamos del primer trabajo de Sturges tras las cámaras, y tal vez anduviese un poco perdido, cosa que me extrañaría un poco. A pesar de ello, el film tiene un ritmo endiablado, incluso cuando está en calma, por así decirlo, aunque algunas cosas no están bien tratadas, o son demasiado apresuradas.

Por supuesto que interpretativamente la película gana muhos puntos. Todos en el reparto están magníficos, encabezados por un Brian Donlevy soberbio y divertidísimo, teniendo en cuenta que este actor tenía una cara de poquísimos amigos. A su lado, la desconocida Muriel Angelus, que curiosamente sería ésta la última película que interpretaría, dato éste realmente curioso, ya que Angelus murió en el 2004. Y el secundario de lujo Akim Tamiroff, como aquel que teje los hilos detrás de la figuras públicas, con frases verdaderamente ingeniosas, y que a más de uno escandalizarían hoy día. La química de Tamiroff con Donlevy es realmente extraordinaria, dos antagonistas perfectos que lo mismo tienen ganas de matarse el uno al otro, como de tomarse una cerveza juntos.

Una film correcto, que no llega a la altura de obras posteriores e inmortales que Sturges nos regalaría en los años posteriores, pero desde luego sirve para pasar un rato la mar de entretenido, riéndonos a gusto (o disgusto) del mundo político. Por cierto, si en la actualidad, los alcaldes han llegado a su puesto de la misma forma en la que el personaje central de ‘The Great McGinty’ lo hace, podemos echarnos a temblar.

Os adelanté las declaraciones que efectuó Julie Delpy en la rueda de prensa que siguió a la presentación de su -ópera prima- segundo film ‘2 días en París’. Este viernes, día 10 de agosto, se estrena ya este film, poco después de su aparición francesa. Ahora llega el turno de contaros lo que me pareció la película.

En su comienzo, un plano cenital de una pareja de gafapastas acompañado de una voz en off me hizo temer lo peor: una película cultureta insoportable. Pero pronto descubrí que se trataba de una comedia, dato que aún desconocía, y recibí con gran alegría un humor que no me esperaba en una chica a la que sólo había visto hasta entonces como actriz [‘Antes del amanecer‘, ‘La gran estafa‘, ‘Flores rotas‘, ‘Antes del atardecer‘, ‘Investigating sex (Misterios del sexo)’], y que me había dado una imagen mucho más lánguida de la que se corresponde con su verdadera personalidad.

El film se desarrolla encadenando momentos de vergüenza ajena muy al estilo del Woody Allen más clásico, pero situado en escenarios parisinos en lugar de en Manhattan. Estos momentos de humor, que tanto son elevados en cuanto a sus referencias como merecedores de una risa nerviosa están muy logrados y producen gran hilaridad.

Es admirable cómo Delpy no tiene problemas para reírse de todo el mundo. En una persona francesa es extraño que no sea absolutamente chovinista y ella dirige varias pullas hacia su país. Claro que los estadounidenses, encarnados en al figura del novio, tampoco salen indemnes del envite.

Además del humor que contiene la cinta, el otro aspecto que merece ser destacado es la naturalidad con la que actúan todos los intérpretes de ‘2 días en París’. Da la sensación de que estuviesen improvisando algunas de las escenas, sin embargo, Delpy aclaró que todo estaba en guión, pues es imposible conseguir tanto ritmo y tanto humor improvisándolo todo.

Aunque el film se rodó con un presupuesto limitado, nada de esto se deja ver a los ojos de los espectadores. Pero es curioso aprender que los que interpretan a los padres de la protagonista, son efectivamente sus progenitores en la vida real. Y probablemente están haciendo de sí mismos. Incluso el gato también era el suyo en la vida real porque no había presupuesto para alquilar un gato.

Merecen ser destacadas dos presencias estelares. Durante unos minutos aparece Daniel Brühl (‘El ultimátum de Bourne‘, ‘Salvador Puig Antich‘, ‘Cargo‘, ‘Feliz Navidad‘, ‘La última primavera‘, ‘Los Edukadores‘, ‘Good bye, Lenin!‘, ‘Vaya con Dios‘) en un papel de muso. Pero más interesante aún me parece la de Adán Jodorowsky, uno de os muchísimos hijos de Alejandro Jodo. Su personaje es el que tiene las frases más turbadoras y no me extrañaría nada descubrir que el papel también estaba escrito específicamente para él.

En general, se trata de una película llena de humor, muy recomendable para una tarde veraniega.

• Página oficial española.

• Web oficial estadounidense.

• Póster y trailer de ‘2 Días en Paris’ de Julie Delpy

El director es Dennis Dugan, el mismo que el de ‘I now pronounce you Chuck and Larry’, y en el reparto, Rob Schneider acompañará a Sandler. Uno de los guionistas, además del propio Sandler, es Judd Apatow, muy recomendable, pues es en parte responsable de la inmejorable serie ‘Freaks and Geeks’, aunque se le conoce más por la poco graciosa ‘Virgen a los 40’. Ambos guionistas producen. Sandler con su firma Happy Madison.

Además, Adam Sandler ha firmado para participar en la comedia familiar ‘Bedtime stories’ (cuentos para dormir), que dirigirá Adam Shankman (‘Hairspray’) y será el gran estreno de Walt Disney a finales del otoño del año que viene.

Sandler interpretará a un arquitecto que trata de compaginar su vida laboral con el cuidado de su familia. El hombre acostumbra a contarle a su sobrina y a su sobrino cuentos para irse a la cama. Las vidas de todos ellos darán un vuelco cuando estos cuentos comiencen a convertirse en realidad. Keri Russell (‘Waitress’, ‘La camarera’) será la chica de la que Sandler se enamore. El guión es de Matt López.

Lo último que Sandler ha estrenado aquí es ‘Click’, una especie de secuela de ‘Como dios’. ‘Reign Over Me’ (‘En algún lugar de la memoria’) será lo próximo, que en este caso va en serio y trata sobre el 11-S.

Fuente: Variety (entre otras).

Se trataba de Luigi Comencini, considerado, junto a Dino Risi, Mario Monicelli y Ettore Scola, como uno de los padres de la llamada comedia a la italiana. Este movimiento cinematográfico tuvo un importante auge internacional durante los años ‘50 y ’60 y se considera que comenzó, precisamente, con ese ‘Pan amor y fantasía’, que además ganó el Oso de Plata en el Festival de Berlín.

Este género, si se puede llamar así, fue contemporáneo del Neorrealismo pero se prolongó mucho más allá en el tiempo, ya que ofrecía una visión más optimista o, cuando menos, evasora de la posguerra.

Luigi Comencini falleció hoy en Roma a los 90 años de edad, “después de una larga enfermedad soportada con valentía y discreción”, según informó su familia. El funeral se celebrará mañana en Roma.

Antes de la II Guerra Mundial, había realizado un documental, ‘La novelletta’ (1937). Su debut en la dirección se produjo en el año 1946 con el cortometraje ‘Niños en la ciudad’. No en vano, se le recuerda como el “director de los niños”, importantes protagonistas de muchas de sus películas, por ejemplo, ‘Prohibido Robar’ (1948), ‘Incomprendido’ (1967) o ‘Vuélvete Eugenio’ (1980). “No es que me gusten los niños de una manera especial pero me interesan, son adultos sin leyes, sin moral, sin autocontrol y sin condicionamientos sociales psicológicos”, había dicho Comencini.

Tuvo su primer éxito con ‘El emperador de Capri’ (‘L’imperatore di Capri’), protagonizada Totò. Tras las ya mencionadas ‘Pan, amor y…’, su filmografía va aumentando con títulos como ‘La bella de Roma’ (1957), ‘Sucedió el lunes’ (1959) o ‘Todos a casa’ (1960), que satirizaba el comportamiento de los italianos tras el armisticio de 1943. Siguieron ‘A caballo de un tigre’ (1961), ‘El comisario’ (1962), ‘La chica de Bube’ (1963), ‘Las muñecas’ (1965), ‘Infancia, vocación y primeras experiencias de Giacomo Casanova, veneciano’ (1969).

Durante los años ’70, sus títulos fueron ‘Sembrando ilusiones’, con Bette Davis (1972); ‘La mujer del domingo’ (1976), ‘El gran atasco’ (1979)... En 1974, su película ‘Un verdadero crimen de amor’ representa a Italia en el Festival de Cannes. Hace historia en TV con la serie sobre la obra de Carlo Collodi ‘Las aventuras de Pinocho’ (1972), considerado en Italia un clásico de la pequeña pantalla.

En 1986 dirigió ‘Un chico de Calabria’, que fue presentada a concurso en el Festival de Cine de Venecia del 87. Precisamente, en esta edición del festival, Comencini recibió el ‘León de oro’, por su carrera como director.

En sus últimos años de carrera frecuentó más la pequeña pantalla y hasta se atrevió a filmar una ópera, ‘La Boheme’ (1987), protagonizada por Barbara Hendricks y Josep Carreras.

Decidió retirarse tras filmar en 1991 una nueva versión del clásico del cine español ‘Marcelino pan y vino’, que dirigiera Ladislao Vajda en 1955. Coproducida por Francia, Italia y España, contó con la participación de Fernando Fernán Gómez y Alfredo Landa en sendos papeles de frailes.

Entre otros míticos actores y además de los ya mencionados Totò, Vittorio de Sica y Gina Lollobrigida, Comencini dirigió a Virna Lisi, Gian Maria Volontè, Alberto Sordi, Claudia Cardinale, Silvana Mangano, Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman…

Nino Manfredi le definió como “un director serio, pero no seco; divertido, pero no cómico; una persona que sabía hacer que los actores se ajustaran a sus papeles con una maestría inigualable”. Aquí se pueden escuchar esas palabras de boca de Manfredi.

Fuente (entre muchas otras): El País

Color Me Kubrick es el título de la ópera prima de Brian W. Cook que narra en clave de comedia la historia real de un caradura llamado Alan Conway, que se hizo pasar por Stanley Kubrick durante el rodaje de Eyes wide shut, entre 1998 y 1999, película en la que por cierto, según consta en su ficha de IMDb, Cook participó como asistente de dirección y actor de reparto.

Anthony Frewin, quien colaboró también como asistente en varios films de Kubrick, se ha encargado del guión de esta coproducción entre Inglaterra y Francia de 2005, que todavía no se ha estrenado en muchos países, pero fue presentada comercialmente en Estados Unidos ayer 23 de marzo.

Como guinda final, Color Me Kubrick tiene como protagonista a John Malkovich, a quien siempre es una gozada ver, pero todavía más cuando participa en un proyecto interesante.

Mientras esperamos a que llegue a nuestras salas, podemos disfrutarlo en el trailer de ‘Color Me Kubrick’, en un clip exclusivo, o en la web oficial de la película.

Vía | Off-Hollywood

Precisamente hoy, mi compañero Chico Viejo se preguntaba si “Fred Claus” daba más miedo que risa, comprensible después de ver semejante póster, pero no deja de ser un film con Vince Vaughn y Paul Giamatti, así que todavía cabe la remota posibilidad de sacar algo bueno.

Para miedo de verdad este trailer que he encontrado en Extracine, de la nueva película de Adam Rifkin titulada Homo Erectus, donde un cavernícola se adelanta a su tiempo, entre otras cosas con sus ideas, sus pantalones y sus… gafas. ¿Hace falta añadir más?

El reparto lo complementan, entre muchos otros, Ali Larter, como rubia bombón y David Carradine interpretando a Mookoo (signifique eso lo que signifique). Quién sabe, igual al final la veo y acabo muerta de la risa, pero hay que tener un valor…

No sé a vosotros, pero a mí la resaca de los Oscars todavía me dura un poco. Premiados a parte, con los que se puede estar más o menos de acuerdo, la gala me resulto este año bastante entretenida.

A ello contribuyeron (entre otros factores), el buen hacer de su presentadora Ellen Degeneres, y momentos tan divertidos como este genial número musical protagonizado por Will Ferrell, Jack Black y John C. Reilly.

Realmente las comedias, en los Oscars, tienen poco que rascar. Aunque curiosamente este año, ha sido una, Pequeña Miss Sunshine, la ganadora del mejor guión original y mejor actor secundario.

Más triste que cómica, ‘Cándida’ es una película llena de candor, pero también repleta de crudos momentos de realidad. Es, al mismo tiempo que una comedia, un retrato social duro y descarnado, más veraz y cercano que el de muchos films que tienen como única intención reflejar temas como la pobreza, la drogaadicción o los malos tratos. Con la lágrima a punto de asomar, de repente una palabra mal utilizada nos provoca una carcajada. Por ello, la cinta tiene un difícil tono entre el humor y el drama que no siempre logra mantenerse en equilibrio sobre la cuerda floja.

Los momentos de humor de la película vienen siempre provocadas por la forma de hablar de esta mujer. Aquí es donde surge la pregunta de si nos reímos con ella o de ella. En realidad, es de sus pilongos de lo que nos estamos carcajeando y no de expresiones que ella diga con intención de crear humor. Cándida es una nueva Chiquita de la Calzada, con un vocabulario propio del que prefiero no reproducir aquí ningún ejemplo, pues estaría adelantándoos los momentos humorísticos de la película.

La valentía de Fesser también viene por este lado. ¿Cómo situarse en una posición en la que recurre a esta mujer para hacer reír sin ser tachado de elitista? El cariño con el que está hecho el film, que no es sino el reflejo del cariño que se adivina hacia el personaje de la vida real, es lo que redime al director y a su co-guionista de parecer que nos lo muestran todo desde una posición de superioridad.

Los actores que rodean a nuestra protagonista hacen todos un buen trabajo. Cabe destacar especialmente a Raúl Peña, habitual de series como ‘Un paso adelante’ y ‘SMS’, que está bastante creíble en su papel de yonqui. Los otros hijos de Cándida y los vecinos del edificio donde limpia logran interpretaciones muy cómicas, mientras Jorge Bosch, el presentador televisivo que probablemente funciona como alter ego de Fesser, está más que correcto; pero todos se quedan en sombra al lado de Cándida Villar.

En las declaraciones del propio director podemos conocer más sobre el personaje de Cándida: “El acercamiento de Cándida al cine ha sido progresivo. Empezamos a contar con ella en Gomaespuma para presentar videos corporativos, imitamos su voz para una radionovela (de la que se llegó a rodar un piloto de telecomedia para Antena 3) y finalmente la retiramos de fregar escaleras y la [sic.] ofrecimos el puesto de crítica cinematográfica. Desde hace bastantes años ella va al cine por las mañanas y comenta lo que ha visto en Onda Cero Radio los miércoles por la tarde. Desde entonces, Cándida Villar ha conocido Nueva York, ha visitado festivales de España y ha visto que la biografía escrita por Guillermo Fesser se ha convertido en un éxito de ventas.”

Fesser continúa diciendo: “En ‘Cándida’, ella es la protagonista de una ficción basada en hechos reales. Con los ingredientes principales de su verdadera historia, he cocinado un caldo nuevo que me he permitido aderezar con algunas de las emociones que hemos compartido juntos. La película no es otra cosa que un pequeño homenaje a una asistenta. A ella y a tantas otras Cándidas que son, en definitiva, la verdadera historia reciente de España. Porque la transición a la democracia la hicieron, además de un puñado de políticos, un ejército de mujeres que con el conflicto del Líbano en sus hogares, maridos alcohólicos, hijos drogadictos y vecinos conflictivos, salían de casa al amanecer siempre con una sonrisa. A trabajar a destajo en hogares ajenos sin que les temblase el pulso. A tragar el despotismo ilustrado de las señoras y a regresar tarde en la camioneta verde, luego de dos transbordos de metro, bromeando con el conductor”.

Guillermo Fesser es conocido especialmente por Gomaespuma, aunque también por ser hermano de Javier Fesser, uno de los valores del cine español en cuanto a originalidad y emotividad. Guillermo es coguionista de ‘El Milagro de P.Tinto’ y ‘La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón’, que dirigió su hermano. Con ‘Cándida’, también coescrita junto a Javier, da el salto a la dirección.

Sin llegar a ser un film perfecto, el primer trabajo de Guillermo Fesser es una película que nos llega muy dentro.

Aquí se puede ver el trailer, acceder a imágenes, fichas técnica y artística e incluso al blog de Cándida.

‘La torre de los siete jorobados’ (1944), está considerada una de las principales obras de culto del cine español y una de las mejores de corte fantástico. Junto a ella, la retrospectiva mostrará ‘Domingo de carnaval’ (1945) y ‘El crimen de la calle de Bordadores’ (1946), que para muchos conforman con la anterior una trilogía.

‘La vida en un hilo’, de la que se han hecho dos remakes: ‘Una mujer bajo la lluvia’ (1992), de Gerardo Vera y ‘Dos vidas en un instante’ (‘Sliding Doors’, 1998), de Peter Howitt; presenta una gran actualidad en cuanto a su argumento y está contada e interpretada de manera deliciosa.

Ajeno al folclore y la exaltación de la patria que se realizaba en aquel momento, Neville (Madrid, 1899-1967) se dedicó al cine de género, con cintas de corte fantástico y policiales, aunque también alta comedia. Edgar Neville fue un artista muy polifacético, pues pese a su condición de diplomático, desarrolló una amplia carrera como dramaturgo y novelista, con un afinado sentido del humor, pero también como cineasta y guionista, lo que le llevó incluso a trabajar en Hollywood.

Fue precisamente en Los Angeles, donde fue cónsul, donde comenzó a interesarse por el cine, en un momento en que Hollywood comenzaba con el cine sonoro. De vuelta en España, su primera producción fue ‘El malvado Carabel’, una divertidísima cinta protagonizada por Fernando Fernán Gómez, que fue un éxito comercial en 1935, y posteriormente rodó ‘La señorita de Trévelez’. La guerra civil dio un giro a la carrera de Neville, que se alineó con el franquismo y realizó documentales de propaganda durante la contienda, aunque se apartó del cine folclórico y de las revisiones históricas de orientación franquista.

Neville también se acercó al neorrealismo, y en 1950 rodó ‘El último caballo’, cinta que también se verá en el festival, y que narra la historia de un recluta que, tras la mili, no encuentra donde cobijar a su caballo porque los vehículos a motor están arrinconando a los de tracción animal.

En el festival se mostrará, por último, ‘Duende y misterio del flamenco’ (1952), una cinta dedicada a la celebración de este arte, y en la que se utilizó el Cinefotocolor, un sistema de cine a color inventado en España.

Y habrá también una muestra de cine español contemporáneo:

Desde hace tiempo, Antonio Toca está haciendo campaña en el blog a favor de ‘AzulOscuroCasiNegro’. Confieso que no me atrevía a verla por si me decepcionaba, pero el caso es que me gustó bastante. Tenía un guión solvente con las subtramas muy bien integradas y los actores resultaban entrañables. Ahora la galardonada opera prima de Daniel Sánchez Arévalo es noticia porque abrirá el festival Spanish Cinema Now de Nueva York, otro de los numerosos .

Junto a ‘AzulOscuroCasiNegro’, se proyectarán, hasta el 26 de diciembre, quince títulos estrenados en nuestro país en 2006. La lista completa se puede leer aquí, donde además se ven las curiosas traducciones al inglés. Las películas proyectadas serán ‘Un franco, 14 pesetas’, de Carlos Iglesias; ‘Siete Vírgenes’, de Alberto Rodríguez; ‘La Dama Boba’, de Manuel Iborra; ‘Salvador (Puig Antich)’, de Manuel Huerga; ‘Las Vidas de Celia’, de Antonio Chavarrías; ‘Tirante el Blanco’, de Vicente Aranda; ‘Alatriste’, de Agustín Díaz Yanes; ‘La doble vida del faquir’, de Esteve Rimbau y Elisabet Cabeza; ‘Lo que sé de Lola’, de Javier Rebollo; ‘Vete de mí’, de Víctor García León; ‘Segundo Asalto’, de Daniel Cebrián; ‘Honor de Cavallería’, de Albert Serra; ‘Bienvenido a Casa’, de David Trueba.

El festival contará con la presencia de directores consolidados, como Agustín Díaz Yanes o Vicente Aranda, pero también noveles, como Carlos Iglesias o el propio Sánchez Arévalo. ‘De alguna manera, nos gusta descubrir al público americano nuevos talentos del cine español, nuevas maneras de ver el cine’, comentó a Efe el director del Spanish Cinema Now, Richard Peña. Quizá porque no necesitaban ser descubiertas, no se proyectarán las dos producciones más internacionales del cine español, ‘Volver’, de Pedro Almodóvar, y ‘El Laberinto del Fauno’, de Guillermo del Toro, que ya se estrenaron el pasado mes de octubre en la ‘Gran Manzana’, en el seno del New York Film Festival.

Richard Peña observa cómo España ha creado su particular estrategia para competir con la fuerza del cine de Hollywood, al igual que hacen otros países europeos. En este caso, “España ha optado por crear un cine de gran calidad, pero popular”, afirma Peña, quien descarta cualquier connotación negativa de este calificativo, dado que esta industria “nació como un entretenimiento popular, sin intención de convertirse en algo de culto”. Pero el director del festival vislumbra también en la industria española un intento de redescubrir los géneros clásicos, de manera fresca y diferente.

Vía: IBL News

Todos recordareis a principios de los noventa aquella desternillante serie de televisión inglesa titulada ‘Mr. Bean’. Un servidor puede decir que tiene llorado de risa hasta dolerme el estómago con alguno de los extraordinarios episodios que protagonizaba un espléndido Rowan Atkinson, quien alcanzó fama mundial por este papel. En 1997 probaron suerte intentando llevar el personaje al cine, haciéndolo protagonista de su propia película. El resultado un film verdaderamente malo y decepcionante, por causa de un nefasto guión que no daba para un largometraje y que notenía ni la más mínima gracia, si acaso un pa de detalles.

Ahora en tiempos de secuelas varias vuelven a la carga con ‘Mr Bean´s Holiday’, de cuyo rodaje ya os informamos en su momento. Hoy os estrenamos el primer trailer con el que desde luego os podeis echar unas buenas risas. En esta continuación tenemos a Mr. Bean perdido por Francia de vacaciones. La película ha sido dirigida por Steve Bandelack. En el guión ha colaborado uno de los guionistas británicos con más prestigio en el campo de la comedia, Richard Curtis. Y en el reparto podemos ver alguna cara conocida, como las de Willem Dafoe o Jean Rochefort. La película se estrena el próximo 29 de Marzo en Inglaterra.

‘Mr. Bean´s Holiday’ (trailer, Windows Media)

Vía | The Movie Box

La película, que se estrenará la próxima primavera, narra las peripecias de José Luis y Rafa, dos amigos de la infancia con personalidades opuestas pero que comparten cada domingo un hobby muy especial: son respectivamente árbitro y juez de línea en la Primera División de fútbol. Tras abandonar el arbitraje acusados de parcialidad, vuelven a los terrenos de juego para arbitrar un importante encuentro. A lo largo de la película podremos ver cómo avanza la relación entre ambos compañeros, así como las situaciones cruzadas que viven ambos, con relaciones sentimentales y personales que propician una serie de episodios en los que el humor es el protagonista. El guión, que definen como una road-movie de comedia, ha sido escrito por Juan Cabestany y el propio Alvaro Fernández Armero.

Producen Morena Films, Estudios Picasso y Columbia Films Producciones Españolas, y se filmará durante ocho semanas en Madrid, Segovia (donde hace poco se rodaba el film ‘Las trece rosas’), Granada y Huelva.

El título ‘Blinkers’ es sólo provisional y las productoras ofrecen a los lectores la posibilidad de elegir entre otros cinco:

—‘La pena máxima’
—‘Vendidos’
—‘Salir pitando’
—‘Penalti y expulsión (Rafa, no me jodas)’
—‘Rafa, no me jodas’

Fernández Armero vuelve al cine tras dirigir el documental ‘Nieto 12+1’, en el que se relata la vida del campeón del mundo de motociclismo Angel Nieto. En su filmografía, el realizador madrileño cuenta con éxitos como ‘El arte de Morir’, ‘El Juego de la Verdad’, ‘Nada en la Nevera’ o ‘Todo es mentira’.

Guillermo Toledo ha participado en películas como ‘Crimen Ferpecto’ (2004), ‘Las voces de la noche’ (2004), ‘Al sur de Granada’ (2003), ‘El misterio Galíndez’ (2003), ‘Peor imposible’ (2002) y ‘El otro lado de la cama’ (2002), entre otras. El actor tiene además una amplia carrera como intérprete y productor de teatro (miembro del grupo Animalario), además de actor de cine y televisión español. Alcanzó gran popularidad en España interpretando a Richard en la serie televisiva ‘7 Vidas’ entre 1999 y 2002. También intervino en ‘El club de la comedia’. Con su compañía de teatro ha participado en montajes de gran éxito como ‘Animalario’ y la parodia ‘Alejandro y Ana’.

A Javier Gutiérrez (segunda fotografía) lo hemos podido ver en ‘Un franco, 14 pesetas’, de Carlos Iglesias, y ‘Películas para no dormir: La habitación del niño’, de Álex de la Iglesia.

Nota: esta noticia ha sido actualizada. El día que se publicó, apareció con el título ‘Blinkers’. El 23 de noviembre, cuando las productoras ya se han decidido a llamarla ‘Salir pitando’, hemos cambiado el titular de la noticia.

Vía: Yahoo

El libro arranca con un perfil de cada Python, y una larga sección que abarca sus años universitarios. Todos amaban la comedia y se habían abierto un camino en escena, en pequeñas salas primero, más tarde en series de televisión como ‘Do not adjust your set’ (1967-69) y ‘Broaden your mind’ (1968). De forma accidental, se fueron conociendo en diversos espectáculos de cabaret. ‘No puede decirse que Monty Python surgiera de la nada; es más bien la punta de un iceberg cuya base la constituyen todos los programas que hicimos antes; es una burbuja que fue creciendo’.

Juntos aprendieron a reírse de todo, lo permitido y lo prohibido. Su ‘bobby’ inglés, un digno policía con bigote y porra que enseñaba un cuerpo femenino bajo el uniforme, fue una de las provocaciones características. Eran incorrectos: no perdonaban a homosexuales, amas de casa, jovencitas, políticos, reyes o párrocos. Hoy en día al planeta le vendría bien tener unos nuevos Python que se burlaran de todo lo políticamente correcto. El libro repasa la historia de ‘sketches’ como ‘La canción del leñador’, del que cuenta Eric Idle: ‘George Harrison y yo éramos grandes amigos y un día nos pidió que le dejáramos interpretar la canción del leñador en uno de nuestros espectáculos. “Claro, no faltaba más, le dijimos” (...) Cantó “Lumberjack song” con el uniforme de la Guardia Montada y nadie le reconoció’.

Pero tuvieron fracasos, como su primera película, ‘Se armó la gorda’ (1971). ‘Fue muy curioso—cuenta Terry Gilliam—, se trataba básicamente de coger los mejores sketches, filmarlos en formato de película y entrar así en el mercado estadounidense (...) El cine era la única forma de darnos a conocer pero la película fue un fracaso estrepitoso’. Aún así, el estilo Python se consolidaba con números memorables como el hallazgo de Eric Idle de la canción ‘Always look at the bright side of life’, que cierra de forma inolvidable ‘La vida de Brian’ (1975) con la crucifixión más alegre e irreverente que se recuerda. ‘Nos lo pasamos muy bien con esa película. Por primera vez teníamos pasta para hacer lo que quiséramos’, cuenta Idle.

Los Python tenían sus claroscuros. Los constantes devaneos de Graham Chapman con jovencitos están entre ellos. En una actuación, Terry Gilliam se encontró a uno de estos efebos ocasionales masturbando a su compañero entre bastidores. ‘Por Dios, Graham—pensé—a media función’, recuerda Gilliam.

El fin del grupo. Su afición a la bebida fue otro problema: ‘Los demás hablaban del tema, pero casi siempre con otras personas y no con Graham directamente’, cuenta el que fue su novio, David Sherlock.

El propio Graham Chapman protagonizó, involuntariamente, otro momento clave en la historia del grupo: su muerte en 1989. Enfermo de cáncer de garganta, ninguno de sus compañeros supo nada hasta bien avanzada la enfermedad. ‘Graham eligió nuestro vigésimo aniversario para morirse. ¡Qué oportuno!’, suelta Eric Idle con ese humor tan negro y ‘british’ a la vez. Sólo el cariño que nace de compartir veinte años de genialidad permite hablar así. Por cierto, no se pierdan la cronología al final del libro. Una pista: llega hasta el año 3039.

Pocas veces se dan las circunstancias propicias para que varios talentos coincidan y formen algo nuevo, un conjunto deslumbrante que es la suma de lo anterior. Ocurrió con los Beatles, y cambiaron el rumbo de la música popular. Y ocurrió, en otro terreno, el del humor, con otro grupo, también inglés—en su mayoría, aunque con un galés y un americano—surgido en 1969: los Monty Python. Así lo ve Bob MacCabe en la introducción del libro.

Se trata de un volumen que se perfila como el definitivo para conocer a fondo la historia de seis hombres que inventaron una nueva forma de entender el humor y que conquistaron Occidente con sus míticas series de televisión—sobre todo la ya de culto ‘Monty Python’s Flying Circus’—, sus giras teatrales y su producción cinematográfica. John Cleese, Graham Chapman, Michael Palin, Terry Jones, Eric Idle y Terry Gilliam formaron una asociación artística sin precedentes, con una largísima historia llena de altibajos, éxitos, decepciones, drama—como la desaparición de Chapman—y mucho, mucho humor.