Dario Argento fue durante los 70 el máximo representante del giallo, subgénero de misterio y terror, basado en novelas policiacas publicadas en los años 30 en Italia y cuyas portadas eran amarillas, que es lo que significa la palabra giallo. Los orígenes cinemtográficos podemos encontrarlos en el gran Mario Bava y su ‘La muchacha quesabía demasiado’ (‘La ragazza che sapeva troppo’, 1963). Luego directores como Lucio Fulci o Aldo Lado contribuyeron a fomentar el género. Incluso en los USA se hicieron eco de ello con la nada desdeñable ‘Black Christmas’ (id, Bob Clark, 1974), pero fue sobre todo Dario Argento quien le dio el espaldarazo definitivo al subgénero con films como ‘El pájaro de las plumas de cristal’ (‘L’uccello dalle piume di cristallo’, 1970), ‘El gato de las nueve colas’ (‘Il gatto a nove code’, 1971) o la que un servidor considera su mejor película, ‘Rojo oscuro’ (‘Profondo rosso’, 1975).

A finales de este año la editorial Cátedra publicará un libro como resultado de un ambicioso proyecto, un diccionario de directores, en el cual a un servidor le ha tocado hablar entre otros, de Dario Argento. Revisando su filmografía, me he encontrado con el típico dicho de que el tiempo no perdona, y es verdad en algunos casos. Ha supuesto para mí una grandísima decepción el comprobar como películas como la famosa ‘Suspiria’ (id, 1977) se revelan como insensateces mal narradas, con argumentos de lo más forzado y únicamente salvables en su uso del color. Por supuesto también me he visto algunas de sus películas más recientes, como es el caso de esta ‘Giallo’ (id, 2008), que hace referencia en su título al subgénero que le dio la fama y el reconocimiento. El resultado no está, desgraciadamente, ni a la altura de sus peores películas, que ya es decir.

‘Giallo’ está producida por nada más y nada menos que Adrien Brody, que a saber qué interés tenía en poner dinero en un producto de semejantes características. Tal vez se considera un fan de Argento y ha hecho realidad uno de sus sueños. El caso es que Brody susituye al inicialmente previsto Ray Liotta, y también a Vincent Gallo, quien se salió del proyecto tras enterarse de que su ex-prometida, Asia Argento, hija del realizador y probablemente lo mejor que ha hecho el director nunca, iba a protagonizarla. Al final no pudo ser porque la actriz estaba embarazada y fue sustituida por Emmanuelle Seigner, esposa de Roman Polanski, para quien trabajó en las imprescindibles ‘Frenético’ (‘Frantic, 1988) o ‘Lunas de hiel’ (‘Bitter Moon’, 1992). Brody se permitió además el capricho de dar vida a los dos personajes antagonistas, haciendo un anagrama con su nombre haciéndose llamar Byron Diedra.

Un asesino en serie está poniendo en jaque a la policía italiana con una serie de horrendos crímenes en los que mata a chicas guapas —qué original el tío—, obsesionando hasta límites insospechados al Inspector de policía Enzo Avolfi (Brody), quien recibirá la ayuda de la hermana de una modelo desaparecida —personaje a cargo de la española Elsa Pataky— para resolver el caso de una vez por todas. Lo dicho, una estupidez de guión, que demuestra una vez más que Argento jamás ha sido un buen guionista —tal vez al respecto cabe citar que su mejor trabajo es su historia para la impresionante ‘Hasta que llegó su hora’ (‘C’era una volta il Wes’, Sergio Leone, 1968), en la que no escribió ni una sola línea para el guión—; aunque su gusto por el color rojo sigue bien patente en ‘Giallo’, pero esta vez totalmente desaprovechado, renunciando así a la creación de una adecuada atmósfera de terror o suspense.

Dejando a un lado que las motivaciones del asesino, quien para colmo tiene una enfermedad en los riñoñes por lo que su piel es de color amarillo, homenaje a la palabra giallo ya de por sí ridícula, son de lo más absurdas, lo que más sorprende es ver a Adrien Brody metido en la piel de dos personajes. Por un lado el inspector encargado y obsesionado con el caso, y que no tiene ni la más mínima profundidad, ni siquiera el actor es capaz de dotar al mismo de un mínimo de personalidad. Por otro, y con un poco de maquillaje que lo convierte prácticamente en un muñeco feo de feria, al asesino, el cual es más bien torpe a la hora de secuestrar a sus víctimas, incluso cuando acaba con ellas. Lo cierto es que uno se pregunta cómo la policía tarda tanto en atraparle. Podemos encontrar incongruencias, por así llamarlas, de este tipo en muchas cintas del giallo, pero que el villano de la función se presente tan poca cosa como en el caso que nos ocupa es algo que llama poderosamente la atención, arruinando buena parte de la función, pues no causa ni el más mínimo temor.

Emmanuelle Seigner también demuestra que cualquier tiempo pasado fue mejor, haciéndose cargo de un personaje totalmente imprescindible. A su lado Elsa Pataky lo hace mucho mejor como la víctima sufridora con la que hay alguna escena sangrienta, de obligada presencia en toda cinta de estas características. Al respecto cabe citar también que el film se queda corto en sus escenas sangrientas, y también bastante cutre, algo inesperado en un realizador que nunca ha escatimado a la hora de mostrar sangre. En cualquier caso, sus mayores defectos provienen de un ritmo inexistente por culpa de una penosa narración, y la sensación de que ninguno de sus artífices se ha creído absolutamente nada de la historia. Próximamente Argento estrenará su particular versión sobre el vampiro más famoso de todos los tiempos, y en 3D. Qué miedo.

Mañana, 3 de marzo, se inaugura la 8ª edición de la Muestra Syfy de Cine Fantástico de Madrid que tendrá lugar, como todos los años, en el cine Palafox y que en esta ocasión estará presentada por la actriz Alexandra Jiménez (‘No controles’, ‘Spanish Movie’).

Como es habitual, la muestra ofrecerá estrenos en primicia en nuestro país. Asimismo, podrán verse películas que ya han pasado con éxito por festivales como Sitges o San Sebastián Terror, así como una selección de los mejores cortometrajes de género vistos en la última Semana de Terror de Donosti.

El jueves, la sesión inaugural la presidirá a película dirigida por George Nolfi ‘Destino oculto’ (‘The Adjustment Bureau’, 2010), un thriller con ingredientes de ciencia ficción, protagonizado por Matt Damon y Emily Blunt, cuyos personajes luchan por escapar de una vida que otros han diseñado para ellos. Quienes no consigan entradas para esta proyección inaugural, que no se apuren, pues el film se estrena justo al día siguiente, el 4 de marzo.

Entre los films asiáticos que podrán verse estos días se hallan los surcoreanaos ‘Thirst’ —a éste pertenece la imagen del inicio—, film que distribuirá en DVD Media3 Estudio durante el tercer trimestre de 2011, y del que nos habló Juan Luis Caviaro, quien pudo hacerle una entrevista a su director: Park Chan-Wook, y ‘I Saw the Devil’, la cinta de Kim Jee-woon que levantó tanta polémica en Sitges. La japonesa ‘Thirteen Assassins’ (crítica), del célebre Takashi Miike, también se incluye en la Muestra, así como ‘Dream Home’, del director Pang Ho-Cheung, de Hong Kong.

Otros de los largometrajes que estarán presentes en esta Muestra son ‘Tucker & Dale vs. Evil’, una cinta canadiense que triunfó en su estreno en el Festival de Sundance, la francesa ‘Captifs’, la británica ‘Cherry Tree Lane’, de Paul Andrew Williams (‘London to Brighton’, ‘The Cottage’) o ‘Hatchet 2’, de Adam Green.

También se proyectarán las italianas ‘Shadow’ y ‘Giallo‘, dirigida por Dario Argento y protagonizada por Adrien Brody y Elsa Pataky, de la que ya os habíamos hablado.

Clausurará el festivalito ‘El último exorcismo’ (‘The Last Exorcism’, 2010), de Daniel Stamm, que llegará a nuestras pantallas el día 6 de mayo, y que cuenta a Eli Roth entre sus productores. Rodada en tan solo dieciocho días, se describe como una vuelta de tuerca a una de las temáticas clásicas del cine de género. Aquí podéis leer la crítica de Caviaro. En ‘El último exorcismo’, el reverendo Cotton Marcus invita a un equipo de rodaje a que le sigan para documentar sus últimos días como exorcista. Pero su fe pronto se ve puesta a prueba cuando el padre de una chica, presa de una posesión demoníaca, hace que se enfrente cara a cara con el mismísimo diablo.

Vía | Página oficial, donde pueden consultarse la programación, los horarios y los precios.

Paralelamente al ciclo Western, que será tratado con asiduidad en estas páginas, empezamos hoy un repaso a casi la mitad de la obra de unos de los cineastas más originales e influyentes que ha tenido el séptimo arte en toda su existencia, y eso que hablamos de alguien que sólo dirigió siete películas. Sergio Leone es su nombre, e imagino que no necesita presentación para muchos de vosotros. ‘Hasta que llegó su hora’ (‘C’era una volta il West’, 1968) supone una de las cotas más altas alcanzadas en su cine, la primera entrega de una trilogía, no intencionada en principio, que habla sobre la historia de los Estados Unidos. Tres películas, conformadas por las posteriores ‘Agáchate, maldito’ (‘Giù la testa’, 1971) y ‘Erase una vez en América’ (‘Once Upon a Time in America’), y que tardaría la friolera de 16 años en ver completada en contraposición a la previa Trilogía del dólar, que le llevaría tres años de su vida, reportándole fama, dinero y prestigio.

Resulta cuanto menos curioso la evolución de Leone, teniendo en cuenta el éxito de sus tres spaghetti westerns con Clint Eastwood. De ‘Por un puñado de dólares’ (‘Per a pugni di dollari’, 1964), por la que cobró mal y tarde, a la opulencia del presente film, en el que tuvo libertad absoluta. Sin embargo, hay que señalar que Leone no quería hacer un western, pues consideraba que ya lo había dicho todo sobre el género —prácticamente lo había reinventado—; su proyecto más querido era realizar la adaptación de una novela titulada ‘The Hoods’, que años más tarde se convertiría en el mítico film protagonizado por Robert De Niro. La Paramount le prometió a Leone financiar la filmación del ansiado film a cambio de que aquél rodase otro western. Por supuesto, y ya con dinero americano, la presencia de Clint Eastwood era otra de las condiciones.

Así pues, el personaje apodado Harmónica fue en principio ofrecido a Eastwood, debido al éxito que sus tres colaboraciones con Loene tuvieron en los USA, cuando fueron estrenadas en bloque en 1967. Lamentablemente la relación entre el actor y el director no estaba precisamente en su etapa más fructífera. Ambos se habían enfadado varias veces, y se atribuían cada uno el mérito de la Trilogía del dólar. A Eastwood no le gustó nada el personaje de Harmónica y lo rechazó tajantemente, saboreaba las mieles del éxito y no necesitaba a Leone, quien se sintió muy molesto por la negativa del actor. Con todo el director de ‘La muerte tenía un precio’ (‘Per qualche dollaro in più’, 1965) insistió una vez más, y le ofreció a Eastwood un cameo compartido con Eli Wallach y Lee Van Cleef. Se trataba de abrir la película con tres personajes que recordarían a los de ‘El bueno, el feo y el malo’ (‘Il buono, il brutto, il cattivo’, 1966) para ser abatidos por el personaje principal. Una especie de guiño, que además resultaría muy coherente con el discurso de Leone en esta película.

Una vez más, en un acto que denota un total egocentrismo, Eastwood rechazó la oferta indignado. No se le ocurriría jamás aparecer en una película y ser abatido al inicio de la misma por otro personaje. Wallach y Van Cleef estaban encantados con la idea, a modo de homenaje al anterior y exitoso film de Leone, pero ante la negativa de Eastwood, el director italiano tuvo que echar mano de otros tres actores, también ligados al western: Jack Elam, Woody Strode y Al Mulock. Este último se suicidó —el único inconveniente del rodaje, además de los problemas con el alcohol de Jason Robards— en el rodaje de la famosa secuencia que abre el film, toda una declaración de intenciones por parte del director. Más de diez minutos en los que Leone suspende el tiempo, uno de los personajes pone música al instante —tres pistoleros que han ido a esperar a la estación de tren a un hombre para matarlo, se enfrentan al mismo en un duelo injusto—, y queda claro que lo que vemos es una exageración intencionada. La fábula hace acto de presencia en el western como nunca, y el carácter operístico de la película —algo de lo que siempre renegó Leone— queda claro en su desarrollo.

Érase una vez en el Oeste

Es indudable que el título original del film es mucho mejor que el que recibió en nuestro país, en el que, por impactar al espectador con los títulos, tenemos perlas como la presente. En cualquier caso es lo de menos, ‘Hasta que llegó su hora’ resume a lo grande todo lo que Sergio Leone sentía por el western de un modo distinto a lo que hizo en su Trilogía del dólar. Hombre de cine como pocos —recordemos que ya desde niño siempre vivió en ambiente cinematográfico debido a la labor de su padre, director de cine—, a muchos les sorprendió el enorme conocimiento que un italiano tenía de un género propiamente estadounidense. A través de ese conocimiento, Leone hace una declaración de amor absoluta hacia un tipo de cine del que estaba enamorado —con John Ford a la cabeza—, y lo más importante es que que consigue hacernos partícipes de esa emoción. ‘Hasta que llegó su hora’ es un film visceral en todo su esplendor, y el gran acierto es Leone al respecto fue sortear lo fácilmente emotivo y adentrarse en un profundo y arrebatador lirismo.

Miremos a donde miremos en la película existe una referencia de lo más sentida y sincera. La breve aparición de Woody Strode rememora al John Ford más otoñal, y el hecho de convertir al buenazo de Henry Fonda —también actor Fordiano— en un asesino implacable es uno de los mayores aciertos de casting que mis ojos han visto nunca. Al respecto cabe señalar la anécdota en la que Fonda, no muy convencido de aceptar el papel, se le presentó a Leone con lentillas oscuras y un gran mostacho. El director le ordenó deshacerse de ello, pues quería que el público reconociese al gran Henry Fonda en la piel de un asesino. Su aparición en escena representa un shock para todo aficionado. Tras asesinar a tres miembros de una familia, varios pistoleros con amplias gabardinas parece surgir como por arte de magia. Leone se acerca por detrás de ellos con un sugerente travelling que da la vuelta cuando llega a Fonda y nos descubre su rostro. Acto seguido mata a un niño ante el estupor de la audiencia. Leone no sólo indaga en nuestros recuerdos del western, sino que los sacude violentamente.

Charles Bronson, recogiendo el testigo dejado por Eastwood, también es una referencia dentro del género. Su pétreo rostro es el más indicado para dar vida a Harmónica, ese pistolero sin nombre y de oscuro pasado que representa la venganza pura y dura —a través de un flashback, marca de la casa, sabremos qué relación tiene con Frank (Fonda), al que en sus encuentros sólo le recuerda los nombres de hombres a los que aquél mató—. Un genial Jason Robards —para el que suscribe, realiza la mejor interpretación del film, o al menos la más sentida— da vida a Cheyenne, ese peculiar bandido que se resiste al progreso, y se alía con Harmónica para enfrentarse al dueño del ferrocarril, que utiliza métodos violentos —Frank— para el avance del mismo. Y en medio de este triángulo mortal, Jill, una prostituta de Nueva Orleans que quiere abrirse camino en su nuevo hogar. Una sensacional Claudia Cardinale interpreta dicho personaje —por primera vez en el cine de Leone, una mujer tiene protagonismo—, invención de Bernardo Bertolucci, que es autor de la historia al lado de Leone y Dario Argento, aunque el guión está firmado por el director y Sergio Donati.

A través de esos cuatro personajes Leone narra un cuento enmarcado en un período muy concreto de la historia de los Estados Unidos. Salvo Jill, los otros tres pertenecen a un mundo que ya expira, el de los pistoleros, que ven su forma de vida invadida por el progreso y la política. Frank intenta adaptarse a ello viendo que en el futuro cambiará las pistolas por un despacho desde el que tendrá un mayor poder, por lo que en cierto modo traiciona ese pasado evocador. Harmónica, Cheyenne y Frank ya no pertenecen a este nuevo mundo, al que Jill es la única que se agarra con todas sus fuerzas. Su historia de amor a tres bandas es una continua lucha entre deseo y razón. Estoicamente, con esa fuerza femenina tan característica, vive el amor mudo de Harmónica, el platónico de Cheyenne y el físico de Frank. La escena de amor entre ella y el último encierra todo lo que es ella —Frank lo ha descubierto, y el espectador se entera del pasado de Jill—, y todo lo que un hombre como él podría ser al lado de una mujer así. La influencia femenina en las acciones de los tres hombres es clara y contundente, mientras que al revés sólo es un episodio más, tal y como demuestra ese emocionante final en el que Jill, como olvidando los recientes hechos, da de beber a los cansados trabajadores que ayudan al avance del país.

Con claros ecos de Peckinpah, Leone dice adiós a la época dorada del western, dando no sólo paso a una nueva etapa crepuscular, y que el director de ‘Grupo salvaje’ (‘The Wild Bunch’, 1969) se encargó de asentar, sino también a un lugar intermedio, suspendido en el tiempo y que le pertenece por derecho propio, gracias a su tono de fábula. Sirva como ejemplo la impresionante secuencia que da comienzo con la llegada de Jill a la estación, su posterior paso a la ciudad que crece, y antes de llagar a su destino, atraviesa Monument Valley, escenario de varios de los westerns más conocidos de John Ford. La puesta en escena de Leone es de tal precisión que logra un instante de emoción única, que hurga en el pasado, sobre todo cinéfilo. Pasado, presente y futuro en la marcha de un carruaje al son de la no menos impresionante banda sonora compuesta por Ennio Morricone, quien se superó a sí mismo creando para cada personaje una melodía perfectamente reconocible, vistiendo psicológicamente a cada uno de ellos, sobre todo en el caso de Harmónica. Confieso que mi favorito es el destinado a Jill, una bella melodía que alcanza su esplendor en la voz de Edda Dell’Orso.

El western parecería incompleto sin ‘Hasta que llegó su hora’. Épica, lírica, violenta, bella como pocas, reúne a lo grande todos los elementos del cine de Sergio Leone —miradas eternas, tiempos muertos, elipsis que fluyen armoniosamente, violencia, y sobre todo el paso del tiempo y la muerte—, que visten su peculiar universo. La película fue un éxito en Europa, no así en los Estados Unidos, donde se estrenó recortada. En cualquier caso su influencia en el cine posterior fue de tal calibre que justifica prácticamente la existencia de varios cineastas cuyos nombres me niego a citar. El más grande western jamás rodado, sensación que queda tras sus visionado, es una de esas películas que quieren volver a verse justo después de verlas. ¿Qué tipo de películas dejan ese poso? Las obras maestras.

El productor y distribuidor Enrique Cerezo es uno de los más conocidos en nuestro país y su fama no es precisamente positiva. Por lo tanto, parece que podríamos echarnos a temblar al leer que este hombre va a aportar tres intérpretes —dos femeninas y uno masculino—, parte del personal técnico y financiación al próximo proyecto de Dario Argento, que será una nueva película sobre el Drácula, de Bram Stoker, pero esta vez en 3D.

‘Dracula 3D’, como la llamarán tras devanarse los sesos, constituirá una coproducción entre Italia, Francia y España de la que ya se viene hablando desde mayo, donde surgió durante el mercado cinematográfico de Cannes, pero que hasta ahora no se había convertido en realidad. Y eso ha ocurrido gracias a la participación de Multimedia Film Prods y Les Films de l’Astre. El rodaje, que se hará en inglés y contará con un presupuesto inicial de 13’2 millones de euros, está previsto que comience en febrero del 2011 en Hungría.

Con la noticia del último rodaje de Argento, explicaba lo que se entiende por giallo y de dónde procede la idea de llamar «amarillo» al terror italiano. Dario Argento es el mayor representante de este género, con títulos tan conocidos como ‘Suspiria’, ‘Rojo oscuro’ (‘Profondo Rosso’) o ‘Inferno’ , entre muchísimos otros. Así que, cuando hablamos de su proyecto, no hablamos de cualquier cosa.

Vía | Variety.

Cuando se ha eliminado lo imposible, aquello que queda, por improbable que sea, es la verdad.

-Sir Arthur Conan Doyle (en boca de uno de los personajes)

‘Tenebre’ (id, Darío Argento, 1982) está considerada por muchos como el acta de defunción de una de las corrientes más extrañas y sádicas que ha dado el cine de género: el giallo. Es éste un subgénero dentro del terror y el thriller que arrasó Italia en la década de los 70 y buena parte de los 80. Posteriormente se exportaría a otros países, entre ellos, España. Hereda su nombre de ciertas novelas de crímenes de la época cuya edición tenía la portada amarilla (“giallo” significan “amarillo” en italiano). Grosso modo, sus características son: títulos rimbombantes, asesinos fetichistas y con un trauma que se resolverá a lo largo del film, asesinatos barrocos e imaginativos, bellas víctimas en paños menores, ambiente mórbido, música electrónica ratonera o italo-disco y desprecio por el contenido —léase guión— y mimo por el continente —recursos formales—. Importa mucho menos el quién que el cómo.

El padre putativo fue, cómo no, Mario Bava, con su fundacional ‘La muchacha que sabía demasiado’ (‘La ragazza che sapeva troppo’, 1963) y su alumno más aplicado, Darío Argento. Otros nombres como Sergio Martino, Lucio Fulci o Pupi Avati también hicieron importantes aportes al movimiento. Los ecos del giallo pueden encontrarse en todos los slasher que vinieron después, así como en el ultimísimo torture porn. Para quien quiera profundizar en el tema, recomiendo el libro ‘El giallo italiano: la oscuridad y la sangre’, de Antonio José Navarro. Y para quien quiera conocer uno de sus títulos más barrocos y alucinados, recomiendo la siguiente crítica.

Sin ser un profundo estudioso del subgénero ni un fan irredento, sí que aprecio su gratificante tono entre el terror y el fantastique y la atmósfera malsana que recorre todas las películas que las hacen altamente disfrutables, amén de un punto de locura que les otorga una libertad formal y temática mayor que en otros subgéneros del cine de terror más convencionales. Y reconozco que entre las montañas de celuloide desechable que creó el movimiento, existen varias joyas medusinas que guardo como oro en paño en mi videoteca, como son ‘Torso, violencia carnal’ (‘I corpi presentano tracce di violenza carnale’, Sergio Martino, 1973), ‘¿Quién la ha visto morir?’ (‘Chi l’ha vista morire?’, Aldo Lado, 1972) o ‘Rojo oscuro’ (‘Profondo Rosso’, Darío Argento, 1975). Todo esto se resume en una máxima: el asesinato considerado como una de las bellas artes.. ‘Tenebre’ es suma, compendio y fin de lo mejor y lo peor que ha dado el giallo.

En los títulos de crédito, una mano enguantada lee una novela de crímenes titulada ‘Tenebre’ junto al fuego de una chimenea. La imagen tiene algo de ridícula, de exageración de los tópicos del género. Sobre las imágenes, la por momentos infame y por momentos sublime música del grupo de rock progresivo y abstracto “Goblin” —aunque aquí firman con sus apellidos—, autores también de la demencial banda sonora de ‘Zombi’ (‘Dawn Of The Dead’, George A. Romero). Los horrorosos sintetizadores asombrosamente funcionan como banda sonora de la sangre y el crimen, como forma de tensar los nervios hasta el límite de la resistencia.

Anthony Franciosa interpreta a un autor de novelas de crímenes que recala en Roma para promocionar su último libro junto a su agente, —John Saxon— y su secretaria —Daria Nicolodi, musa y mujer en la vida real del director—. Al poco, un sádico asesino comienza a actuar basándose en pasajes del libro del escritor y a amenazar a todo su entorno, especialmente a las féminas. Pero… ¿sabéis qué? Olvidaos del argumento. Pecata minuta. No importa. En serio. Es tan absurdo, idiota y aleatorio que si el film se sostuviera sobre él, se hundiría como el “Titanic” al cuarto de hora de proyección. Lo que importa es la imagen, la atmósfera, las sensaciones. Y éstas van desde la estupefacción por la torpeza con la que están dirigidas algunas secuencias o lo terrible de algunas actuaciones, hasta la rendición incondicional al clima pútrido y surrealista que nos propone Darío Argento, amén de algunas secuencias magistrales de puro disparatadas.

La película se define por un tono blanco enfermizo, la luz solar y unas localizaciones en viviendas retrofuturistas e impolutas y exteriores geométricos que favorecen la abstracción de las imágenes. Y las imágenes son un sinfín de abracadabrantes asesinatos de chicas sorprendidas en proceso de desnudarse o directamente sin ropa. Hay de todo: mujeres fatales, lesbianas perversas, jovencitas inocentes…todas pasan por la picadora del señor Argento. Y aquí no se escatima salvajismo, señores: miembros cercenados, hachazos en el cuero cabelludo, mujeres convertidas en surtidores de sangre.

La forma de presentar este tratado de misoginia es desconcertante: planos sin orden de continuidad, raccord en el límite, posiciones de cámara imposibles… hasta que llega la escena por la que será recordada esta película: un demencial plano-secuencia en el que la cámara adopta —o eso parece en un principio— el punto de vista del asesino en el exterior de una casa para volar por encima del tejado, meterse por una ventana, salir por otra y perderse en un laberinto arquitectónico y conceptual que deja al espectador —o a mí, al menos— preguntándose si acaba de ver la secuencia más estúpida o más brillante en años. Es un momento tan conseguido como la persecución de una de las jóvenes por un sobrenatural dobermann capaz de saltar vallas de varios metros de altura en pos de su presa. ¿De quién es el chucho? ¿Cómo es posible que la joven perseguida termine refugiándose precisamente en la casa del asesino? ¿Realmente importa? Adiós, lógica, aquí no eres bienvenida.

Para la antología del disparate quedan otras secuencias como los inenarrables flashbacks que explican —por decir algo— el trauma del asesino y un final de grand gignol donde las vueltas de tuerca se suceden unas a otras mientras la sangre inunda las inmaculadas estancias. Partiendo de las convenciones del género, Darío Argento las dinamita por la vía de la irrealidad y las guarda en formol como un objeto muerto y precioso. La sensación de tomadura de pelo es muy fuerte, pero lo es aún más la fascinación por la extraña propuesta de ‘Tenebre’. Os juro que yo aún no me he aclarado. De postre, aquí tenéis el delirante plano secuencia. Disfrutadlo (o sufridlo, a vuestro gusto):

Como supongo que ya sabréis, la palabra italiana “giallo” (amarillo) se utiliza par designar al género de terror de serie Z que se realizaba principalmente en el país mediterráneo. Este término comienza a utilizarse para designar un estilo literario y viene del color de la páginas baratas de las novelas de una colección publicada por Mondadori, igual que la expresión “pulp fiction” venía del tipo de pasta de papel con el que se publicaban los libros de poca calidad.

Autores como Riccardo Freda, Mario Bava, Lucio Fulci, Umberto Lenzi, Sergio Martino y Luciano Ercoli son algunos de los creadores de los films más importanes del giallo. Entre ellos ha destacado Dario Argento, que ahora prepara una película que toma el nombre del género como título: ‘Giallo’. Esto me da la idea de que Argento quiere dirigirse a un público genérico y no al aficionado al terror italiano. No sería extraño encontrar en el film autorreferencias y guiños a sus seguidores.

Se podría confirmar esta sensación con el reparto, pues Adrien Brody no es un actor que normalmente participaría en un film Giallo, de hecho es la mayor estrella que ha trabajado para Argento. Elsa Pataky también estará en el reparto, que se completa con Emmanuelle Seigner. Se rumorea que también podría estar Ray Liotta en el papel de malo, cosa que ya hizo en ‘In The Name of the King. A Dungeon Siege Tale’, de Uwe Boll.

‘Giallo’ será un thriller sobre una azafata (Seigner) estadounidense que se une a un detective italiano, Enzo Lavia (Brody), para buscar a su hermana (Pataky) que ha sido secuestrada por un asesino en serie sádico a quien se conoce por el nombre de “Amarillo”.

No es necesario comentarlo, pero por si acaso: un estadounidense hará de italiano, una francesa y una española harán de norteamericanas.

El guión es de Jim Agnew y Sean Keller, y estará producida por Rafael Primorac y Richard Rionda Del Castro. El rodaje comenzará el 12 de mayo en Turín. La postproducción se llevará a cabo en Los Ángeles.

Algunos de los títulos de Dario Argento son ‘Suspiria’, ‘Rojo oscuro (‘Profondo Rosso’) e ‘Inferno’, entre muchos otros.

En ‘Cuento de Navidad’, de Paco Plaza, Elsa Pataky ya interpretó a la protagonista de una parodia de estos films de terror erótico.

Fuente | The Hollywood Reporter.

Aquí os dejo con el trailer de ‘Mothers of Tears’ o ‘La Terza Madre’, lo nuevo del famoso director italiano Dario Argento. La película cierra su particular “trilogía de las madres” junto a los títulos ‘Suspiria’ (1977) e ‘Inferno’ (1980). El primero me parece un bodrio y el segundo no lo he visto (pero lo veré, por supuesto). ¿Qué opinión tenéis vosotros?

‘Mothers of Tears’ (2007) está protagonizada por Asia Argento y gira en torno a una estudiante en Roma que descubre por casualidad una antigua urna que libera a una poderosa bruja. El film ya se ha podido ver en varios festivales pero aún no tiene fecha de estreno oficial en nuestro país. Los fans del director tendréis que esperar o buscar otras alternativas (no he dicho nada).

Es en este personaje donde el film tiene su mayor atractivo, y sobre el que nos gustaría saber más cosas. La actriz que los interpreta, Carrie Fleming, lo hace muy convincentemente, logrando transmitir una doble sensación de deseo y rechazo. Pero la película se pierde por otros lados, y uno de ellos es el personaje masculino, un policía que se siente atraído por la joven, a la que salva de morir asesinada. Dicha obsesión no está del todo bien planteada, y resulta bastante precipitada la decisión inicial de querer cuidar de la muchacha. Por otro lado, hacia su parte final, hay varios detalles argumentales que resultan risibles, como la forma de concluir la historia y que tiene que ver de nuevo con las decisiones del personaje masculino. Por no hablar de lo terriblemente previsible que es desde el principio hasta el final. En fin, flojos resultados otra vez para una serie de lo más decpcionante. Dejo para el final los trabajos realizados por John Carpenter, John McNaughton y Takashi Miike, a ver si me proporcionan alguna satisfacción.