Una de las cuestiones que más dan que hablar a los cinéfilos y analistas es, sin lugar a dudas, ese concepto resbaladizo e inasible, muchas veces manipulado y manipulador, que el gran John Ford se negaba a acotar con esa vanidad a la que tantos se entregan, y que Sinatra admitió que era la verdadera razón de su fama y de su fortuna: el concepto siempre difícil del estilo.

La cuestión del estilo trae de cabeza a más de uno, mientras que para muchos es la verdadera razón de su cinefilia y el núcleo a partir del cual reflexionar acerca de la forma de arte que representa la puesta en escena cinematográfica. Ahora bien, y ahora profundizaré un poco en ello, creo que con esto de estilo muchas veces se pierde el norte.

Primero habría que responder a la inevitable pregunta, con las limitaciones personales de rigor: ¿qué es eso del estilo? Si por estilo entendemos las características de la mirada de un director, o la mera formalización visual y sonora de una historia, la respuesta podría ser infinita, y también muy reduccionista, pues todo se limitaría a hablar del aspecto más material del cine, y no de su esencia, que es lo que verdaderamente nos importa, creo yo. Es decir, creo que el problema suele estar entre diferenciar forma y contenido, cuando en el arte, la forma crea el contenido.

En el reciente 57º Festival de cine de San Sebastián pudimos ver, o más sufrir, la nueva película de Javier Rebollo. Después de lamentarme por haber visto una de las mayores bobadas que he visto en mi vida (y he visto muchas), Rebollo se alzó con la Concha de Plata al mejor director. Leí poco después a Carlos Heredero afirmar que la había ganado con todos los merecimientos. Y resulta curioso, y deprimente, que Heredero alabe con tanto ardor este vacuo ejercicio de estilo cuando hace años le leí también que en ‘Hero’ Yimou primaba el estilo en detrimento de la sustancia, por ejemplo.

Me explico: cuando digo que la forma crea el contenido, es tal cual, por eso nunca he entendido que se acuse a una película de ser “simplemente bella”, cuando ese debe ser su más grande objetivo, y bello es lo que contiene la armonía de la forma. Premiar el estilo facilón, burdo, pagado de sí mismo, de Rebollo, es precisamente encumbrar el estilo por el estilo, no como creación, sino como masturbación estética, en aras de un cine sin más objetivo que el de recrear ideas, no la vida misma.

En mi opinión, expresar ideas o sentimientos por medio del cine, es rebajar el cine, porque el arte está para expresar la vida misma, y pocas veces he visto, ya que nombrábamos a ‘Hero’, una secuencia de acontecimientos de amor y celos más vital y enérgica, más bella, que la que separa de muerte a los dos amantes vestidos de rojo. Eso me da la sensación de ser un pedazo de vida, tal cual. Formalmente muy estilizada, pero para contar algo.

Porque el estilo, en realidad, es lo de menos. No es más que una excusa sobre a la que tantos nos encanta hablar, cuyo fin último es que en la pantalla le ocurra algo a alguien, y que esto nos importe. Esto es lo más difícil de todo, y los grandes estilistas del mundo, léase Tarantino o Lynch, son quienes son, porque por mucho que digan sus detractores, bajo todo su estilo siempre están al servicio de una historia y unos personajes, eso que los puristas priman por encima de todo lo demás…

Realmente creo que el estilo, algo que como pueden comprobar nuestros lectores suele ocupar gran parte de mi trabajo en los estudios a directores en blogdecine, es algo insignificante cuando a los directores les importa más demostrar lo geniales que son sus ideas (como al aberrante Rebollo, enamorado de sí mismo hasta las cachas…) que expresar lo terrible que es la vida. Ahí está la clave que convierte en artistas inmortales a esos estilistas que se niegan a contar historias como todos los demás y que a menudo son tachados de elitistas por la mayoría.

El genial David Lynch cumple años hoy. Sesenta y tres para ser exactos. Y a modo de personal homenaje, quería aproximarme a sus trabajos cinematográficos menos conocidos, algunos cortos que evidencian la esencia y fascinante visión del polifacético artista. Una aproximación a su universo particular, habitado por pesadillas viscerales que ya se dejaban intuir desde sus balbuceantes comienzos en el arte cinematográfico.

David Lynch llegó al cine como un modo de expandir sus pinturas y dibujos. Quería darles movimiento y generar así más impacto visual. Así, se topó con una primera y rudimentaria cámara para darle vida a sus creaciones, para posteriormente encontrar en el celuloide una forma de expresión más intensa, completa y que lo convertiría en el admirado y venerado cineasta de la actualidad.

Sus trabajos en el cortometraje son variados, desde sus comienzos toscos pero impactantes, en los que ya se aprecia el común denominador de sus historias, hasta trabajos de encargo en los que saca el máximo partido a sus obsesiones y fascinaciones. La importancia del sonido, del plano cuidado, de las imágenes subyugantes de sus trabajos en el largo como en ‘Cabeza borradora’, ‘Terciopelo azul’ o ‘Mullholand Drive’, ya se anticipan en sus inicios con algunos cortos que bien merecen experimentarse. Vamos a repasar algunos, como forma de aproximarnos al fascinante y peculiar universo lynchiano.

• ‘Six Men Getting Sick’ (1967)

Hoy se considera su primer cortometraje, pero en realidad es el montaje que ha perdurado de un trabajo artístico con el que ganó el certamen anual de la Academia de Arte de Pennsylvania donde estudió en su juventud. Vemos seis hombres enfermando, con una repetición cíclica de un mismo proceso, acompañado del sonido percutante de una sirena de fondo. Como digo, no se trata de un estricto cortometraje, pues no fue concebido como tal, pero tenemos la suerte de que se alzase con el premio y perdurase hasta hoy.

• ‘The Alphabet’ (1968)

Gracias al premio conseguido con el anterior trabajo, Lynch descubre el poder del cine y adquiere una rudimentaria (y estropeada) cámara con la que graba un cortometraje que ya va tomando más forma cinematográfica. Intercalando imágenes reales con sus ilustraciones, intenta mostrar la pesadilla del aprendizaje del alfabeto. Su mujer, por aquel entonces, fue la protagonista, y a pesar de su ruda realización, encuentra en el sonido un enorme apoyo a la fuerza de sus imágenes expresionistas con tintes surrealistas, que posteriormente seguiría explorando.

• ‘The Grandmother’ (1970)

Uno de mis favoritos y, sin duda, ya su primer trabajo más reseñable. Gracias a su incipiente pero llamativo inicio, Lynch alcanza una plaza en el American Film Institute, que le otorga 5.000 dólares de adelanto para la realización de un trabajo. Previa entrega de un guión, que escribió sin la forma propia del mismo, sino un desarrollo en ocho páginas de su idea, pudo disponer de más medios para grabar la historia de un pobre niño, reprochado por sus padres, que quiere tener una abuela a la que querer y la consigue plantando una semilla que se encuentra. En sus 30 minutos ya se encuentran sus principales características de estilo. Notable trabajo en el sonido envolvente que otorga mayor fuerza, si cabe, a las imágenes.

• ‘The amputee’ (1973)

Durante una crisis sufrida en el largo proceso de rodaje, con interminables pausas por falta de presupuesto, de ‘Cabeza borradora’, Lynch logró el favor de poder grabar un breve corto en dos cintas de vídeo distintas, a modo de prueba para el AFI. Son dos tomas casi idénticas, con plano fijo en el que vemos a una mujer sentada en un sillón con las piernas amputadas y mientras escribe una carta, o una especie de diario, donde repasa sus sentimientos, un enfermero (el propio Lynch) aparece en el plano, de espaldas, y le cura las heridas torpemente. Tanto que de una de las amputaciones brotan fluidos. Breve pero impactante.

• ‘The Cowboy & The Frechman’ (1987)

Resulta una curiosa incursión de Lynch en la comedia. Fue un encargo para un programa de televisión que pretendía mostrar como algunos cineastas veían a los franceses. En principio rechazado pero tras una breve reflexión, el propio director quiso explotar dos clichés en uno y el resultado es una alocada y surrealista comedia, en la que unos cowboys se topan un francés al que no entienden. Se suceden situaciones rocambolescas, ambiguas y de lo más estrambóticas con números musicales incluidos. Muy curioso.

• ‘Premonitions following an evil deed’ (incluido en la película ‘Lumière et compagnie’, 1995)

Este cortometraje de 55 segundos de duración también fue un encargo que se realizó a varios directores con motivo del centenario del nacimiento del cine. Así, tenían la oportunidad (con algunas restricciones impuestas) de grabar con la cámara de los Lumiere, sin sonido y con la película tratada como hacía un siglo. El resultado es puro Lynch, pocos segundos para contar una historia de lo más inquietante.

Estos cortos se pueden encontrar reunidos en un DVD editado recientemente en nuestro país, aunque fueron recopilados y comentados por el propio Lynch en 2002. ‘The short films of David Lynch’ es una joya para los que quieran conocer más sobre el artista y recomendable en pantalla grande y sonido elevado, para disfrutar de la experiencia. Otros muy interesantes son:

• ‘Darkened room’ (2002)

Realizado en 2002, se trata del primer cortometraje que David Lynch ingenió para su página web (que desde entonces es el epicentro de gran parte de su creación), rodado completamente en vídeo digital. En el mismo vemos a una chica en una habitación oscura, primero es una oriental que habla sobre ella y luego, en un plano fijo, vemos entrar otra chica que habla desafiante a la misteriosa. Intriga marca de la casa.

• ‘Absurda’ (2007)

Otro cortometraje que no quería dejar escapar la ocasión de comentar es este breve pero interesante trabajo. Fue realizado en 2007, para presentarlo en el Festival de Cannes. En el mismo, vemos una escena con una sala de cine donde se representa una habitación donde hay una persona, unas tijeras a medio plano y escuchamos la voces de un chico y una chica que comentan sobre una bailarina. Misterio concentrado en sólo dos minutos.

También resultan especialmente curiosos sus trabajos en el campo publicitario, en el que siempre ha tenido reconocido prestigio y ha deparado piezas llamativas. Pero, lo dejamos para otra ocasión.

Tras su debut cinematográfico (‘Boxing Helena’, 1993), Jennifer Chambers Lynch, hija del popular David Lynch, ha terminado su segunda película, que lleva por título ‘Surveillance’. Aquí tenéis el póster y el trailer de la misma, a ver qué os parece.

La historia gira en torno a una investigación del FBI sobre unos asesinatos en serie para lo cual se apoyan en las versiones de tres testigos. Jennifer es co-autora del guión, junto a Kent Parker; papaíto Lynch produce. El reparto de ‘Surveillance’ está encabezado por Bill Pullman, Julia Ormond, Pell James, Ryan Simpkins, Kent Harper y Michael Ironside. No hay fecha de estreno aún.

Vía | Tierra de Cinéfagos

Hay gente que es noticia continuamente y el actor y director Peter Berg es uno de ellos. Lo último que se ha sabido es que ha firmado el contrato para dirigir una nueva versión de la saga de ciencia ficción de Frank Herbert, ‘Dune’.

El proyecto ha surgido en Paramount con Kevin Misher – quien produjo ‘Welcome To The Jungle’, de Berg – ya embarcado como productor a través de su filial. Misher pasó todo el año 2007 ocupado en comprar los derechos de la saga de novelas de Herbert a la que tanto él como Berg quieren que el guión sea fiel, ya que consideran que es muy oportuno adaptarlo ahora por las cuestiones ecológicas que trata.

Junto a ellos, estarán en la producción Sarah Aubrey y Richard Rubinstein, que produjo dos mini-series, ‘Dune’ y ‘Children of Dune’, para el canal Sci-Fi, protagonizadas por William Hurt. John Harrison y Mike Messina serán los productores ejecutivos.

En 1984 David Lynch dirigió una adaptación de ‘Dune’ que yo no he conseguido ver por mucho que lo haya intentado. La pena es que aquella película la iba a dirigir Alejandro Jodorowsky con un diseño de producción de Moebius, interpretación de Salvador Dalí y música de Pink Floyd. Aquello sí que habría sido interesante, incluso aunque se les hubiese ido demasiado la olla.

Fuente | Variety.

Aprovechando que durante estas pasadas navidades se podía ver ‘The Host’ en Vodafone Life y que ahora Orange está promocionando ‘Oviedo Express’ como estreno en todas sus plataformas, incluido el móvil, recupero la crítica que expresó David Lynch en forma de vídeo sobre la mera idea de ver películas en el teléfono móvil. Pensando en ello, comparó esas palabras con el pensamiento expresado en voz alta de John Lasseter a propósito de ver contenido en el móvil:

Hay directores que desprecian el sistema por pequeño, pero a mí me interesa lo mismo. Claro que lo que te alienta a bajarte algo así es la comodidad de tenerlo a mano durante un viaje de avión.

Esas palabras hacen referencia a los cortometrajes que él tiene guardados en su iPhone, para una necesidad puntual, en una situación en tránsito como es un aeropuerto, propia del mundo de la internet móvil en el que nos empezamos a mover. ¿Y qué pensar? Vuelvo a lo que he dicho en varias ocasiones, no es para estrenos, para eso esta el cine, ni para películas, la experiencia con ‘The Host’ en el móvil para mí fue horrible, porque se necesita un aparato con alta resolución (se veía toda la pantalla negra), pero para cortometrajes o archivos de poca duración, y que te cubren una necesidad, sí lo veo factible, y me posicionaría en las tesis que defiende Lasseter. Si tenemos las opciones de utilizarlo, ¿por qué no aprovecharlo? Seguramente, para la época en la que verdaderamente podamos sacarle partido al cine breve en el móvil, las pantallas de los mismos, o incluso el iPhone, nos darán una experiencia de usuario diferente a la que ahora tiene el propio David Lynch en mente.

Vía | Pixel y Dixel
Más información | El País

Aún faltan 14 días para que acabe el año, pero un servidor ya os va ofreciendo lo que me ha parecido lo peorcito de este año 2007, entre las 167 películas que he visto a día de hoy de las estrenadas en nuestro país. A diferencia de años anteriores, esta vez me he limitado a elaborar un top ten en orden descendente. Sin más dilación, los truños del año señalando secuencias patéticas. (Cuidado, SPOILERS):

• 10.- ‘Shoot ´Em Up’. Lo que tendría que ser un producto entretenido intentado reírse del cine de acción, ha resultado un despropósito de proporciones desmesuradas. Ver a Clive Owen y Paul Giamatti metidos en esto es realmente vergonzoso. La secuencia: el choque del coche del protagonista de frente con una furgoneta llena de tipos armados, y su posterior desenlace.

• 9.- ‘La Brújula Dorada’. La New Line apostaba fuerte por el inicio de una nueva trilogía para intentar repetir el éxito del anillo. Una tomadura de pelo impresionante con un reparto conocido que brilla por su “ausencia interpretativa”. La secuencia: una pelea brutal entre dos osos; para que los niños salgan del cine traumatizados y años más tarde se conviertan en asesinos en potencia.

• 8.- ‘Los Abandonados’. Con esta película el cine español tendría que haberse hecho un hueco en el panorama internacional, y probablemente se han reído de nosotros. Ni terror ni ná de ná. La secuencia: el susto dentro del armario, que parece más bien un instante cómico.

• 7.- ‘Voces en la Noche’. Una de esas películas en las que Robin Williams se mete a actor serio (y ojo, cuando no hace comedia es cuando mejor está, aunque éste no es el caso) y se pasa de seriedad. Totalmente indefinible, en el peor sentido del término, uno nunca termina de entender por qué a para qué han realizado este film. La secuencia: el repentino final, que sabemos que acaba porque suben los títulos de crédito, que si no…

• 6.- ‘Ciudad del Silencio’. Basada en dramáticos hechos reales, los cuales se toma a chirigota. Deleznable en todos los aspectos, y si encima hay que aguantar a Jennifer López y Antonio Banderas, por si a algunos les resulta poco, nos ponen también a Juan Diego Botto y Juanes (con la camisa negra de las narices incluida). La secuencia: el seguimiento de conductores de autobús, y su posterior reconocimiento en unas fotos.

• 5.- ‘Caótica Ana’. Con un discurso más viejo que Matusalén, Julio Médem decepciona como nunca lo había hecho (si es que este tío no tenía una película mala, leñe). Un ejercicio de onanismo de los muchos que se han estrenado este año (parece que algunos directores se pusieron de acuerdo). La secuencia: la cagada final.

• 4.- ‘La Última Legión’. Produce risa de lo mala que es, sensación que a mi parecer no debiera producir ninguna película, a no ser que sea una parodia. Aquí se toman las cosas muy en serio, menos al espectador, que sufre de lo lindo. ¿Qué coño hace metido aquí Ben Kingsley? La secuencia: el personaje de Kingsley colgado de las manos llamando a nuestro joven protagonista, y éste preguntando si es él cuando lo tiene delante.

• 3.- ‘Takeshis´’. Otro ejercicio de onanismo, esta vez por parte de un director que es capaz de lo mejor y de lo peor. Esta vez ha hecho una película para él mismo y con la que se lo debe pasar bien sólo él. La secuencia: cualquiera, desde el inicio hasta al final, a gusto del consumidor.

• 2.- ‘Last Days’. Y más onanismo (debí titular el post de otra forma). Ahora Gus Van Sant, no contento con destrozarnos la vista más de una vez, coge como referencia los últimos días de la vida de Kurt Cobain y nos planta un tostón de mucho cuidado, con el que casi es mejor pegarse un tiro (nunca mejor dicho). La secuencia: cualquiera con planos interminables de la más absoluta nada.

• 1.- ‘Inland Empire’. El truño del año, el onanismo hecho película. David Lynch, capaz de obras maestras absolutamente fascinantes, va y se marca este ejercicio inútil, convencido de que su legión de fans le seguirán a donde sea. Penoso ver a Laura Dern enfrascarse en esta cosa. La secuencia: gfhfjrydetd y uhngghyt iiiieeeeeeeeeeeeee.

Ahora, si quieren ustedes, damas y caballeros, pueden aportar su granito de arena con las que les han parecido las peores películas estrenadas durante este año. Yo, como siempre, me retiro a mis aposentos, y dentro de dos semanas (justo el día 31) les ofreceré lo que me ha parecido lo mejor del año.

Claro, pero por eso hago meditación todos los días, porque cuando meditas, trasciendes y experimentas el desatado e infinito océano de la creatividad. Y las ideas comienzan a fluir fácilmente.

Lo dijo David Lynch, aquí (está en inglés).

Mucho se ha hablado sobre la última película de David Lynch pero me parece que son muy pocos los que han hablado habiéndola visto, y menos aún, casi nadie, los que han dicho algo sin haberla entendido.

Porque se supone que ‘Inland Empire’ no hay que entenderla. Algo así como lo que pasó con la apasionante ‘Mulholland Drive’. El motivo es que el propio Lynch deslizó a los medios de comunicación que no sabía lo que estaba rodando. Esto puede tomarse en serio o, como yo, en broma. Exacto, no creo que Lynch filmase esta película sin tener idea de conjunto e, incluso, sin saber el propósito de cada secuencia que rodaba. Pero está claro que es mucho más sencillo decir que no la película no va de nada y dejar reposar el trasero en el sofá, cómodamente, pensando en lo que se tiene que hacer al día siguiente, mientras pasan los minutos. Lynch no sabía lo que hacía, así que, ¿para qué esforzarme yo?

Bueno, es una actitud tan respetable como otra cualquiera. Pero creo que no es la adecuada. Por mi parte, me tomé el visionado de ‘Inland Empire’ como un ejercicio de destreza mental, como si se tratase de un gran acertijo cinematográfico, donde el director me quiere contar algo pero no lo va a hacer de un modo convencional, donde lo que se ve y se oye no es necesariamente lo que ocurre en la historia, sino sólo un instrumento más para componer una obra artística diferente, cautivadora. Así me lo tomé. Sin embargo, en mi papel, Lynch no me dio lo que esperaba. Supongo que, a veces, soy muy exigente.

Encontrar el argumento oficial de ‘Inland Empire’ es algo sencillo. Así, la película, teóricamente, gira en torno a la historia de un misterio y a una mujer en problemas. Ésta es, más o menos, la sinopsis que mi compañero Red Stovall puso en aquel post de los estrenos del día 23 de febrero y es lo mismo que aparece en otros sitios. Por cierto, a pesar de que se estrenó ese día, a Granada llegó hace muy poco y a Cádiz me consta que aterriza en breve (un único día). Independientemente de lo que pueda parecer la película, este sistema de distribución huele muy mal, ¿no? Sobre todo teniendo en cuenta que la infantil ‘Piratas del Caribe 3’, por poner un ejemplo, se estrenó en todas partes e incluso en 5 salas de un mismo multicines. Penoso.

Volviendo a la “trama” de Inland, mi compañero Carlanga reflejaba lo siguiente en otro post: Nikki, actriz casada, recibe la oferta de trabaja en una película dirigida por Kingsley. Su coprotagonista se llama Devon. Nikki interpretará a Sue, mientras que Devon será Billy. Terminan en la cama y comienzan a usar los nombres de sus roles en el filme. A partir de este punto, es imposible dilucidar si Nikki es Sue o Sue es Nikki. Imposible o innecesario, según se mire.

Sin embargo, la película de Lynch aspiraba a ser mucho más ambiciosa que todo eso. Se supone, vamos, viniendo de él. Porque ciertamente lo que vemos, lo que Lynch nos entrega, es muy decepcionante. Disfrazar la mediocridad de complejidad a través de un montaje errático y voluntariamente confuso es la salida del cineasta, que, seguro, debió sentirse igual que yo al ver que su obra no era más que un ejercicio de egocentrismo descontrolado. Mi compañera Beatriz, su “polémica” crítica, se refería a todo esto de la siguiente forma: “un pésimo montaje intentado dar coherencia y unidad lo que no la tiene y, al final, consiguiendo una obra farragosa y caótica”.

En realidad, la película es tremendamente sencilla. Toda la historia se explica fácilmente. Sólo tienes que coger la materia útil en medio de tanja paja audiovisual e imágenes supuestamente sugerentes (Lynch piensa eso), pero que sólo están ahí para despistar de la trama principal. Como lo de los conejos en el salón. Eso es un pegote que no tiene nada que ver con la trama. Sólo pretende generarte confusión. Y, ciertamente, lo consigue. Pero una confusión inútil y bastante facilona, como todo en este desastroso film. Pero vamos a lo esencial. ¿De qué va la historia de ‘Inland Empire’? De una actriz que se siente una puta, tanto dentro como fuera de la película, como mujer y como profesional del cine. Y punto. Es lo único que hay que entender. Pero claro, ¿cómo haces esto interesante? Liándolo todo y diciendo a todo el mundo que a ver si tienen narices de entenderla. Es tan sencillo como lo he escrito. Lo podéis comprobar viendo de nuevo la película. Si tenéis un estómago muy sólido y ganas de perder más el tiempo, claro. Supongo que habrá un publiquillo ahí fuera, de los que alquilan a Bergman para llenar las madrugadas solitarias, que pensará que hay mucho más, pero sólo tenéis que preguntarle para dejarlos mudos. Uno de sus ídolos ha caído y no lo van a aceptar fácilmente.

Lynch se rodea de actores de prestigio y calibre para su nada acertada incursión en el cine de autor más facilón, barato y onanista. De este modo, en la película vemos, con evidente cara de no saber lo que está pasando, a gente como Jeremy Irons, Justin Theroux, Harry Dean Stanton (protagoniza una escena de carcajadas) o Julia Ormond. De su labor, sólo puedo reafirmar lo que ya dijo Red Stovall en su elegante “crítica”, cuando comentaba que “al gfjgusdhf uisdhg dgiuh iusdhgh ghs huisdh gih sdgih uighih gfh dfhg gjhsdg”. Amén.

La principal protagonista, la que carga con todo el caos, es la estupenda Laura Dern, que espero haya aprendido la lección y borre el número de Lynch de su móvil. Si bien ‘Inland Empire’ supone redescrubir a una inmensa actriz, ella debe haberlo pasado bastante mal construyendo un personaje que va dando tumbos a lo largo de todo el metraje, siendo cosas muy diferentes cada vez, mareándose por gracia de un guión inexistente. Lynch perdió una buena oportunidad, a ver si se ha dado cuenta.

En definitiva, ‘Inland Empire’ es una tomadura de pelo, un fallido experimento de Lynch que no se sostiene en ningún momento. Dern se merece un premio por haber tenido que trabajar en este despropósito. Ella es lo único salvable de la experiencia decepcionante que nos ha entregado Lynch. Bueno, y lo de los conejos que hablan sin coherencia entre ellos. Eso es inolvidable. Lynch, péinate y vuelve a hacer cine como antes, hombre. No es tan difícil.

Como ya hemos informado (y recordado) el amor inaugura la 60ª edición del Festival de Cannes en forma de road movie con My Blueberry Nights de Wong Kar-Wai.

Film del que por cierto ya se encuentra disponible el teaser trailer internacional, para consuelo de los incontables no afortunados que nos perderemos hoy su (seguro) espectacular presentación, que contará con la presencia de Norah Jones y Jude Law, entre otros.

Diane Kruger será la encargada de dar paso a la ceremonia de apertura que incluirá la proyección en primicia mundial de “Absurda”, un cortometraje realizado por David Lynch, dedicado al festival como regalo sorpresa de aniversario.

Con este ya serán dos (si no he entendido mal) los cortos de Lynch que podrán verse en Cannes, ya que el próximo 20 de mayo estrenará otro más junto a 29 realizadores premiados en ediciones anteriores con la Palma de Oro.

Por otra parte, para representar esta 60ª edición el festival buscaba una pareja especial, que simbolizara a la vez la frescura y la experiencia, la sabiduría y la modernidad. Por eso han elegido al director Manoel de Oliveira y la actriz Shu-Qi que esta noche declararán abierto el festival de Cannes 2007.

Pero antes, la ceremonia de apertura comenzará a las 19:15 horas en el Gran Teatro Lumière. Quién tuviera una butaquita ¿verdad? Aunque no estuviera del todo centrada.

¿Os acordáis de Boxing Helena de Jennifer Chambers Lynch? Han pasado ya 14 años y no he vuelto a revisionarla desde entonces, pero hay momentos de este film que todavía guardo en la memoria.

Supongo que en mi mente adolescente causó impacto esta historia sobre un cirujano, perversamente interpretado por Julian Sands, que obsesionado con su ex novia decide cortarle los brazos y las piernas para que no pueda separarse de su lado.

Sobretodo recuerdo a la protagonista Sherilyn Fenn (que por aquel entonces nos tenía a todos fascinados por atar con la lengua el rabo de una cereza en Twin Peaks), arrogante y hermosa, incluso sosteniéndose únicamente sobre su tronco encima de una mesa.

De juzgado de guardia, lo mío, por eso me ha hecho gracia leer en Cinema Notizie que también les pasa lo mismo, con la diferencia de que ellos sí la han vuelto a ver, y han confirmado que les sigue gustando. Cosa que yo espero hacer también en breve.

Pero ¿A qué se debe este asalto repentino al pasado? Os preguntaréis (o no). Pues a que tal como comentan en Cinema Notizie, Jennifer Chambers Lynch se encuentra inmersa en el rodaje del que va a ser su segundo largometraje tras Boxing Helena.

La película se titula Surveillance, un thriller sobrenatural en el que también participará su padre David Lynch como productor ejecutivo, y que cuenta con un llamativo reparto compuesto por Jeremy Northan, Bill Pullman, Julia Ormond, Pell James, French Stewart, Ryan Simpkins y Cheri Oteri, para contar la historia de un agente del FBI que es enviado a pequeña y siniestra ciudad, donde se mezclarán las mentiras y los sucesos extraños.

El canguelo está servido…