El fotograma de arriba pertenece a la película ‘El diario de Ana Frank’, que George Stevens realizó en 1959. Se trata de la adaptación más famosa de la popular novela (aunque realmente partía de la obra teatral que a su vez adaptaba el diario de la joven de 15 años que se convirtió en todo un icono del holocausto judío), cuyos derechos han sido adquiridos recientemente por la Disney, para que David Mamet la adapte de nuevo y la dirija. La novedad es que se tratará de una mezcla que cogerá elementos del diario, de la obra teatral de Frances Goodrich y Albert Hackett, y de material del propio Mamet. Teniendo en cuenta las características de la obra (recordemos que se desarrolla en su totalidad en un ático de Amsterdam, en el cual Frank pasó dos años de su vida), Mamet se encontrará como pez en el agua.

Lo que ya no me parece tan bien es que Mamet sea el director. Todo lo que este tipo tiene de bueno como escritor, lo tiene de malo detrás de las cámaras. Su rutinaria puesta en escena, su falta de brío narrativo, no han dañado en exceso sus guiones, pero éstos hubieran dado más de sí en manos de directores con mayor garra. Y ahí es donde surgirán las inevitables comparaciones con el film de Stevens, pues éste se lució de lo lindo con su excepcional uso del scope en un espacio tan reducido como un ático. El film ganó tres Oscars, siendo dos de ellos para la dirección artística y la fotografía en blanco y negro. Superarlo va a ser difícil.

Vía | Worstpreviews

De vez en cuando me trago en televisión, cambiando de canal, alguna que otra película de esas que gozan de un prestigio que jamás he comprendido, y que con el paso de los años, en lugar de hacerme cambiar de opinión, su visionado no hace sino reafirmarla. Es de esas películas sobre las que no me resisto a dejar mi sincera opinión en blogdecine, y que me aseguran algunas conversaciones fructíferas con los lectores, pero también innumerables reacciones virulentas. No sé si este será el caso, pero si para algo me siento delante del ordenador todos los días es para decir lo que pienso, con sensatez y deseo de promover el debate.

Con ‘Los intocables de Eliot Ness’, por tanto, me sucede como con ‘Alatriste’ o ‘Promesas del este’, no me cabe en la cabeza cómo diantre puede existir tanta gente (sobre todo la segunda, también es verdad) que las considere estupendas, incluso excepcionales. Las veo varias veces, preguntándome qué es lo que no soy capaz de apreciar, sintiéndome un verdadero idiota. Y nada, me sigue pareciendo que aunque son grandes oportunidades de lucimiento para su director, y aunque contienen varios y evidentes valores, todos ellos coexisten por separado, sin formar una verdadera unidad, y, lo más importante, sin elevarse de una superficialidad abrumadora.

Vaya por delante que De Palma es uno de esos directores a los que, si bien soy capaz de aceptar que su carrera ha resultado mucho menos apasionante de lo que podría haber llegado a ser, me parece uno de los realizadores más grandes de su generación. Así, tal cual. Y por realizador quiero decir dueño de una capacidad audiovisual muy, pero muy por encima de la media. De Palma es un maestro no sólo de la planificación entendida esta como composición de los planos y del continuo temporal de los mismos, sino a la hora de crear un mosaico visual y sonoro de gran fuerza y complejidad. En esto no tiene nada que envidiar a Scorsese, por ejemplo. Sin embargo, en casi todo lo demás, percibimos a un gran autor incapaz de ofrecer la mínima coherencia, de establecer un tono, de dirigir a los actores con solidez.

Para algunos ‘Los intocables’ es una de sus mejores películas. No es mi caso. Recuerdo haberla visto en la niñez y haberme enamorado de ella. En mi primera cinefilia recordaba la famosa escena de las escaleras (como todos sabemos, homenaje a cierta película rusa…), la muerte de Malone, la música de Morricone, como detalles sueltos de un gran filme. Pero uno va evolucionando (más le vale) en su criterio, y ya dejé de ponerla en el mismo listón de ‘Goodfellas’ (que ví poco después y que aún hoy me parece excepcional) o que la propia ‘Carlito’s Way’ (muy superior a esta, y quizá la gran obra maestra de su director). Ahora mismo no me parece mucho mejor que la muy menor, y trivial, ‘American Gangster’. Pero soy capaz de saber apreciar sus grandes valores de producción, su gran fotografía, la espectacular música de Morricone, la buena interpretación de Connery, alguna secuencia resulta con magisterio. Pero todo esto no hace una buena película.

Y es que este film negro lo tenía todo para triunfar. Al gran esfuerzo de producción se unía un reparto estelar, con dos secundarios de la categoría del propio Connery y De Niro, y con el guaperas Costner en plan gran chico americano. Y el guión es obra nada menos que de David Mamet, según algunos (yo no, tengo que decirlo) uno de de los mejores guionistas del mundo. Pero la verdad es que todo queda en algo muy menor. Ni el guión, ni la dirección, ni el resultado global final son dignos de una gran película. La legendaria historia de la ley seca que tuvo como protagonista al gángster más famoso de cuantos han existido parece aquí aguada, infantilizada casi. No sabe uno si está ante un homenaje al género o, más bien, ante una obra bufa, con un pésimo (sí, pésimo) Robert DeNiro, que ya por entonces iniciaba un sorprendente declive en su carrera.

Resulta cómico el gran De Niro en su caracterización, la verdad, más aún cuando quiere parecer violento o terrible. Sin duda la intención del actor y del director era añadir un carácter bufonesco que le hiciera aún más terrible. A mi parecer fracasaron. La famosa secuencia del bate de béisbol resulta ridícula, incapaz de provocar la menor tensión, y es tan exagerada, que en lugar de violenta termina siendo cómica. Pero es que De Niro no tiene prácticamente nada a qué agarrarse, más allá de su nueva transformación, ganando una vez más muchos kilos para una caracterización muy inferior en densidad y contundencia a la arrolladora de ‘Raging Bull’. Y ya se sabe, con un mal villano, una película sobre la lucha entre el bien (la ley) y el mal (los malvados vendedores de alcohol), no podía funcionar.

Con un Costner más soso imposible, nos quedaba el maravilloso Sean Connery, en uno de esos papeles que los amantes del buen cine y de este intérprete (creo que ambos grupos se complementan) siempre recuerdan con gran placer. Y está estupendo el hombre, aunque tampoco él, en su papel de policía honesto hasta las cachas, tiene mucho donde agarrarse, y ha de recurrir a todo su encanto, y a su irresistible presencia, para hacer olvidar al público sus diálogos mecánicos y la escasa enjundia de un personaje que si llega a ser interpretado por otro de ninguna manera habría provocado tanta admiración. Pero es lo que tienen algunos actores. En el fondo da igual la endeblez del guión que les entreguen, ellos lo dan todo.

Porque endeble es un guión que parece escrito por un principiante más preocupado por el impacto que por la coherencia, por los lugares comunes que por la construcción de un drama serio y potente. Es lamentable tener que escribir esto, sobre todo con gente de gran talento metida dentro de una superproducción de este calibre, pero lo que a lo mejor hace un par de décadas era estupendo, ahora se queda en banal, y es que el tiempo es inmisericorde, y acaba destapando las penurias de muchas realizaciones que podrían haber sido grandes películas, y sobre todo, intemporales. Y sin embargo esta propuesta es descaradamente comercial, sin el menor riesgo o interés estético, a medio camino entre una anquilosada repetición de viejos trucos del género, y una ironía muy mal asumida en el relato.

Ya digo, una oportunidad desaprovechada. Y ahora dicen que preparan una precuela. En fin. Tengo que dejar de perder el tiempo, y hablar sobre cosas importantes. Por ejemplo, la siguiente entrega de ‘El Padrino, parte II’.

Si aún no habéis visto ‘El infierno del odio’ de Akira Kurosawa, y os gusta el cine, deberíais poneros a ello cuanto antes. Un tenso thriller sobre el secuestro por error del hijo del chófer de un importante hombre de negocios. Es enormemente claustrofóbico, y su influencia en la narrativa cinematográfica posterior es evidente en la obra de muchos directores conocidos (como sucede con muchos de los trabajos de Kurosawa). Protagonizada por un inmenso, como casi siempre, Toshirô Mifune, la tenéis editada en dvd. Ahora, en estos tiempos de remakes innecesarios, pronto seremos testigos de la reescritura, en todos los aspectos, de esta película.

Hace años que Martin Scorsese tiene los derechos del mismo, por lo que prestará servicios de productor para el proyecto en cuestión. Del guión se encarga el siempre interesante David Mamet. Hasta aquí todo bien, pero que el director encargado de poner en imágenes la nueva versión sea Mike Nichols es algo que me hace temer lo peor. No es que considere a Nichols un inepto, películas como ‘Lobo’ o ‘Armas de mujer’ demuestran lo contrario, y suele ser un buen director de actores. Pero es lo bastante impersonal como para que caiga en sus manos una película de tal talante.

Vía | Las Horas Perdidas

Cuando me tocó aventurar sobre qué podíamos esperar de esta película, el día del aún reciente estreno en nuestro país, dije que, con David Mamet a bordo, era complicado que como mínimo no nos encontráramos ante un producto muy entretenido. Suelo meter la pata, muchas veces, casi siempre a propósito, para hacer más entretenida la tarea del post, pero en este caso acerté (cuando es fácil, sí). ‘Redbelt’, ‘Cinturón Rojo’, no es una gran película, pero sí me parece que se merece un notable, si tuviera que calificarla. Y a los que creen que sólo se trata de una película con combates de artes marciales, que cambien el chip. Precisamente, no es eso lo central de la película. Si el protagonista fuera, por ejemplo, cazador, lo central, la esencia de la historia sería prácticamente la misma.

Lo importante, tal como yo lo entiendo, es la defensa de la integridad del ser humano. La defensa y la reivindicación, en un mundo donde ya no se cree en nada, corrputo, sin ideales, que sólo habla de dinero, de posesiones, de propiedades, egocéntrico, donde lo importante es estar por encima de los demás, especialmente gracias a ese dinero y a la utilización de las personas que aún conservan su inocencia. Ricos y pobres… pero de alma, de conciencia, de valores, de integridad. Que una película quiera hablar de todo esto, hoy en día, es muy de agradecer. Por eso, entre otras cosas de las que hablaré a continuación, recomiendo ir a ver ‘Cinturón Rojo’.

La película tiene dos protagonistas, el inteligente puzzle ideado por David Mamet en el guión, que recuerda a las anteriores ‘Casa de Juegos’ o ‘La Trama’, y la interpretación de Chiwetel Ejiofor, impresionante. A Mamet no lo vamos a descubrir ahora, tiene ya unos cuantos trabajos magistrales en su carrera (sobre todo, los guiones de ‘Los Intocables de Elliot Ness’ y ‘Glengarry Glen Ross’). En su nuevo film, vuelve a jugar con el espectador de forma gloriosa, manejando su atención y sus expectativas, sorprendiéndole con una serie de certeros giros que explotan en el último tramo de la historia. Esto, por otra parte, no es la gran baza de la película, no estamos ante uno de esos thrillers que se basan exclusivamente en un sorprendente desenlace. Estamos ante un drama sobre los valores y la integridad de un ser humano, con sorpresas argumentales tan disfrutables como justificadas. Son necesarias porque contribuyen al desmoronamiento del protagonista y a que reaccione cómo lo hace.

A Chiwetel Ejiofor tampoco lo vamos a descubrir ahora, aunque su carrera hasta el momento no era tan fiable como la de Mamet (que sin ser brillante, sí que te asegura cierta calidad en los guiones, como mínimo). Ejiofor es uno de esos actores que empiezan a ser “usados” como secundarios en bastantes títulos, haciendo que su rostro comience a ser popular, pero cuyo nombre resulta tan poco conveniente para la memorización que finalmente se le reconoce como “el de tal película”. Hasta ahora, yo mencionaba ‘Melinda y Melinda’ o ‘Hijos de los Hombres’. A partir de ahora, cuando le nombre y tenga que poner un título para que mi interlocutor lo pueda identificar, mencionaré ‘Cinturón Rojo’.

Ejiofor no sólo demuestra que es un excelente actor, también que es capaz de comprometerse con el personaje todo lo que sea necesario para lograr una excelente interpretación. Aquí tiene la dificultad de encarnar a un maestro de la lucha, por lo que debe imitar los movimientos de un experto en artes marciales, lo más cercano a la perfección (para un público no experto en la materia, claro, seguro que alguien que domine la cuestión le encuentra fallitos, sutiles pero identificables, a sus movimientos). En este doble sentido, ya digo, Ejiofor está inmejorable. Su intensidad, sus miradas, sus reacciones, su presencia, es una de las razones para ver esta película, su interpretación es digna de levantarse y aplaudir con fuerzas. Personalmente, que me gusta quedarme con detalles, creo que su mejor momento en el film es cuando, tras el dramático suceso que afecta a un amigo suyo, se encuentra solo en su gimnasio, frente a un saco, y lo golpea un par de veces, con fuerza, pero una fuerza muerta, resultado de que la mente está en otra parte. Ya vendrá el momento de la fuerza viva… Por cierto, todo esto me recordó muchísimo a las (buenas) películas sobre samurais, en calma todo el tiempo justo hasta que ya no hay otra salida, salvo la de empuñar la espada.

Pero ‘Redbelt’ tiene problemas, serios, que la bajan del nivel al que, por momentos, parece llegar. ¿Qué le falta a esta película para ser grande, para ser magistral? Bajo mi punto de vista, lo peor, lo más mejorable, es el comienzo y el final. De hecho, cuando empecé a ver la película, me encontré con ese desagradable situación en la que sólo te ves a ti sentado, no consigues entrar en la historia de la pantalla; creo que la culpa la tiene una secuencia de combate demasiado estirada, con un personaje secundario que si bien es interesante y tiene importancia en la trama, no es lo crucial y no engancha, no te atrapa. Por otro lado, se acumulan demasiados diálogos repetitivos entre el protagonista y su mujer, sobre los problemas económicos de ambos. Con unas frases y un par de vistazos (sin frases) a cosas concretas, creo que habría sido más que suficiente. Afortunadamente, la película mejora tras ese inicio irregular, como puede suponerse por el resto de este artículo.

En cuanto al final, ha sido lo más criticado de la película y con razón. No sólo porque termina de forma brusca, dejándote con la miel en los labios, estampando una pantalla en negro en plena cara, como un puñetazo, no sólo porque suceden una serie de cosas que no tienen demasiada lógica, que no son verosímiles a primera vista (ahora digo porqué), sino, al menos en mi caso, sobre todo por una mala utilización, mala planificación, del momento cumbre del tercer y último acto. Realmente, más aún por saber que Mamet estaba detrás, me llegó a molestar lo mal que está rodado el último combate del protagonista. No tiene sentido alguno. El montaje de la secuencia es horrible, alternando todo el tiempo breves escenas del mismo con los rostros de todos los personajes que están en la escena, con una cara que perfectamente puede producirse tras decir “intenta dividir mentalmente 567814 entre 467” (exacto, el truco de Joey en ‘Friends’). La que, en mi opinión, debería haber sido la mejor pelea de la película, en una secuencia para deleitarse con los movimientos de los luchadores, acaba convertida en una insoportable sucesión rápida de planos que no casan entre sí, que destruyen la magia.

Sobre los sucesos del final, cuya verosimilitud ha provocado bastantes críticas negativas (no sigas leyendo este párrafo si no viste la película, no revelo nada pero es mejor que pases al último párrafo), a mi parecer todo forma parte del espectáculo dispuesto ante la mirada del espectador, es decir, Mamet no intenta que ocurran cosas creíbles, sólo que todos los elementos coincidan como un rompecabezas y, al igual que el protagonista descubre los hilos de su “verdad”, nosotros, como espectadores de cine, como asistentes a la lucha “televisada”, también descubramos otros hilos. Es decir, hay un montaje para el protagonista y para los espectadores ficticios, y otro para nosotros, los reales, un montaje hacia dentro de la ficción y otro hacia fuera. Pero nunca se pretende que todo parezca real, al contrario, la teatralidad es la nota dominante, tanto de esos combates, como de la parte final de la película. Y Mamet quiere que seamos conscientes de ello, no nos quiere engañar. Es como lo veo, sin que pretenda con esto hacer cambiar la idea que otros espectadores tengan sobre esa parte en cuestión, ni muchísimo menos.

No creo que a final de año vaya a repasar la lista de estrenos y ‘Cinturón Rojo’ esté entre los diez mejores (quizá soy muy optimista), pero ahora mismo, con la cartelera como está, y con lo que apetece ir al cine, a pasar el rato viendo una película que merezca realmente la pena, que valga la entrada y el tiempo, que refresque tanto como el aire acondicionado de la sala, no puedo sino recomendarla muy seriamente. Si ya viste ‘Wall-e’ y ‘El Caballero Oscuro’, dale una oportunidad a lo último de David Mamet, no es fácil encontrar en la cartelera películas como ésta, tan cuidada, tan bien escrita e interpretada, con una historia tan conmovedora. Una buena película, en definitiva, poco corriente de encontrar en los cines actuales.

En Blogdecine:

‘Cinturón rojo’, David Mamet, el cine negro y el honor

David Mamet es un prestigiosos guionista, que además de odiar a los críticos con todo su corazón, nos ha dejado un buen puñado de historias muy bien escritas, y dependiendo de quien las dirija, muy bien narradas en imágenes. Mamet siempre me ha parecido mejor escritor que director, aunque en el campo de la dirección se pueda disfrutar de películas bastante majas como ‘El último golpe’ o ‘Spartan’, pero han sido otros los que han sabido sacar de los escritos de Mamet lo mejor que hay en ellos. De Palma en ‘Los intocables’, una de sus mejores películas, Foley en ‘Glengarry Glen Ross’, film que gana con los años, o su trabajo acreditado con seudónimo para ‘Ronin’, demostración palpable de la buena forma de John Frankenheimer, sobre todo por encontrarse a gusto con un buen libreto, y hasta podríamos hablar de Ridley Scott y su personalísima ‘Hannibal’, film injustamente despreciado.

‘Cinturón rojo’ nos habla de un entrenador (Mike Terry) de Jiu-Jitsu que siempre ha rechazado participar en campeonatos a pesar de su excepcional forma de luchar. Ha preferido entrenar a policías y soldados en el arte de la defensa, y siempre ha permanecido alejado de la fama o el reconocimiento. Pero un par de situaciones imprevisibles (un accidental disparo, y el tener que defender a una estrella de cine de una paliza) hacen que Mike se tope de narices con el mundo del cine, el cual le llevará a lo que siempre ha rehuido.

Enseguida Mamet hace acto de presencia, y con esto me refiero a que todo su mundo es fácilmente reconocible cuando vemos una de sus películas. Esto es, personajes ambiguos enfrentados a otros que tienen un sentido del honor bastante marcado, puesta en escena seca, y sobre todo, unos acontecimientos en los que nada es lo que parece, en la más pura tradición de cine negro. Al mismo tiempo sus defectos como realizador se hacen notar, y el principal de todos es que Mamet es un director carente de toda fuerza, de personalidad si se quiere expresar así. Sus excelentes libretos parecen perder algo de la energía latente en ellos cuando es el propio Mamet quien los adapta a la pantalla. ‘Cinturón rojo’ no es ninguna excepción, y en algún momento incluso lo escrito parece forzado. Esta vez, todo lo referente a la parte de thriller se torna poca cosa, y casi una excusa para que Mamet termine hablando del honor perdido de antaño, de la corrupción, y del reconocimiento justo, todo ello en la superficie sin ahondar ni lo más mínimo, tal vez porque la película ya lleva más de hora y media y hay que acabarla.

Por supuesto, ‘Cinturón rojo’ tiene buenos elementos: una excelente descripción de personajes, algo de lo que Mamet siempre puede presumir, y unas excelentes interpretaciones de un elenco adecuado y casi perfecto, algo por lo que el dramaturgo también puede llevar la cabeza bien alta, pues dirigiendo actores es de los mejores. Y casi siempre ocurre en sus películas que el casting elegido ya puede estar formado por buenos, magníficos o malos actores, todos se entregan al cien por cien. Chiwetel Ejiofor, como protagonista central, pardillo en muchas cosas y un maestro en otras, Alice Braga, Emily Mortimer, la típica mujer del universo Mamet, Max Martini, y los casi esporádicos Joe Mantegna y Tim Allen, nos ofrecen unas composiciones de altura, y en el caso del último es un placer comprobar como un actor de la talla de Allen puede estar bien (si lo miramos desde otro punto de vista, podemos preguntarnos porqué ha esperado tanto tiempo a dar algo bueno).

‘Cinturón rojo’ es una película correcta, ni de lo mejor ni de lo peor de su director. Es una pena que su parte final esté demasiado deslavazada e incluso quiera decir demasiadas cosas, pero al menos existe cierta solidez en su discurso y la amargura que baña todo el film termine sentándole mejor de lo esperado.

Aquí tenemos el primer póster de ‘Redbelt’, la nueva película que ha escrito y dirigido David Mamet. La historia se centra en un oscuro negocio alrededor de un combate de lucha libre; ‘Redbelt’ está protagonizada por Chiwetel Ejiofor, Tim Allen, Emily Mortimer y Joe Mantegna, entre otros. Os recuerdo que hace poco pudimos ver el trailer, que tiene muy buena pinta. La película se estrenará, de forma limitada, el 2 de mayo en los Estados Unidos. No sabemos aún el día que llegará a España.

Vía | Impawards

Poco más que decir si tenemos en cuenta que ‘Redbelt’ es la nueva película del señor David Mamet (‘Casa de Juegos, ‘Spartan’). Pero digámoslo. El film se centra en Mike Terry, entrenador de defensa personal, que tras ayudar a un hombre en una pelea en un bar, se ve envuelto en un oscuro negocio que gira en torno a un combate de lucha libre. ‘Redbelt’ se estrena el próximo 9 de mayo (en Estados Unidos) y está protagonizada por Chiwetel Ejiofor, Tim Allen, Rodrigo Santoro, Emily Mortimer, Alice Braga y Joe Mantegna (a ver si Mamet lo vuelve a sacar del olvido). ¿Qué opináis del trailer? A mí me parece que tiene muy buena pinta.

Glen (Al Pacino), Gary (Ed Harris), Glen (Alan Arkin) y Ross (Jack Lemon) son cuatro hombres sin esperanza: todos sufren del llamado Síndrome de Tourette, esa extraña dolencia que te hace decir palabrotas sin control. Pero entonces, cuando creían que para ellos era el fin, entra en sus vidas un rudo doctor (Alec Baldwin) que les dará un nuevo significado a sus vidas…

Dirigido por James Foley, Glen & Gary, y Glen & Ross se basa en una obra del dramaturgo, guionista y realizador que ha hecho del diálogo cuajado de tacos, todo un arte: David Mamet.

Una historia para toda la familia, nada familiar (por culpa de los tacos).

Sí, desde luego, que es una broma: han tomado el filme de Foley y Mamet, Glengarry Glen Ross y han hecho este trailer falso. Como en otros trailers falsos, invierte el género y el tono. Así, esta amarga historia termina convertida en uno de esos filmes de “superación individual” —disculpen, no sé como llamar esas películas donde hay un personaje que sufre de alguna enfermedad y, al final, “se supera”... Ya saben, tipo Mi Pie Izquierdo.

De todos los trailers falsos que han aparecido en los últimos meses, me ha parecido de los más divertidos.

Jesus Camp

Es acaso el lanzamiento más importante de la semana. Dirigido por Heidi Ewing y Rachel Grady, Jesus Camp examina la vida en el campo veraniego pentecostal para niños cristianos ‘Kids on Fire’, donde los infantes son entrenados para convertirse en soldados del “Ejército de Dios”, Según la página web del documental:

Este film es una mirada exclusiva a un campamento de entrenamiento intenso que recluta niños cristianos para que sean parte activa del futuro político estadounidense.

Aterrador y muy, muy recomendable. Fue nominado al Oscar en la categoría de Mejor Documental. Aquí pueden ver el trailer.

The Queen

Hace poco, conversando con una joven periodista inglesa, se sorprendía (y me sorprendía) de que me gustara esta película. ¿Cómo podía gustarme algo que tenía que ver, no tanto con la monarquía inglesa, sino con Lady Di? Sólo hasta entonces vine a entender lo que decía el colega Red Stovall en su crítica de La Reina: que a pocos, mucho menos cuando de jóvenes se trata, les interesa la figura de la reina Isabel II o Tony Blair. Aunque se trataba de un tema que, de entrada, me tiraba un poco para atrás, al final resultó una película placentera, con actuaciones tan fidedignas que a veces me olvidaba de que se trataba de actores interpretando personajes reales y no personajes reales actuando en una película. Muy merecido Oscar para la Helen Mirren. Dirigida por Stephen Frears.

¿A quién ama Gilbert Grape?

¿Se acuerdan de la película que lanzó la carrera actoral de Leonardo DiCaprio? No, no fue esa. Fue ésta. Dirigida por Lasse Hallström, y protagonizada por Johnny Depp, Juliette Lewis, Mary Steenburgen, y el ya mencionado DiCaprio, se trata de un modesto melodrama, tierno y entrañable.

Shortbus

Okey. Esta es una de esas papas calientes, de ese tipo de películas de las que los críticos suelen zafarse, echándole la responsabilidad al espectador, con una frase del tipo “si te gustan las películas de esta clase, bueno, ésta es para ti”. Shortbus es la segunta cinta de John Cameron Mitchell (autor de la ingeniosa Hedwig and the Angry Inch) y su trama se centra en un famoso, aunque ficticio (pero no menos real) local para orgías y derrapes llamado Shortbus.

No obstante, el filme va mucho, mucho más allá del mero retrato de la escena erótica y gay newyorkina (que no pretende serlo, de todas formas). Shortbus es el fondo un grito de rebeldía contra la derecha cristiana estadounidense y el clima de represión religiosa que ha arropado la nación americana durante la administración de George Bush. Sólo puedo imaginarme cómo reaccionaría uno de esos republicanos, patriotas y cristianos (como los retratados en Jesus Camp, dicho sea de paso), ante la escena del himno nacional cantado en ano ajeno.

No obstante, al final me asaltó la duda de si el filme de Mitchell acaso no termina logrando el efecto contrario la que pretende y su mensaje se diluye, tal cual como en el viejo dicho de “predicar para los conversos”.

La edición incluye el cortometraje Casting, de Cameron Mitchell y varias escenas eliminadas. Esta semana, también sale en un pack junto a 9 Songs (ver abajo).

9 Songs

En esta película, Michael Wintterbottom casi logra lo imposible: convencerlo a uno de que el sexo es aburrido.

Isi/Disi: Alto Voltaje

Lo siento mucho, muchachos, soy venezolano y no tengo la menor idea de quiénes son Isi y Disi, “los ‘jevis’ más ‘jevis’ de Leganés”. Entiendo que son muy populares allá en la Madre Patria y me encantaría ver esta película a ver de qué va este rollo (aunque puedo imaginármelo). Esta edición viene repleta de extras, con Making Of incluído.

Glengarry Glen Ross, edición especial

Sin lugar a dudas, uno de los filmes míticos de la pasada década. Dirigido por James Foley y escrito por David Mamet (basado en su propia pieza teatral), el soberbio reparto de Glengarry Glen Ross tiene actuaciones que han terminado por pasar a la historia del cine, empezando por la impactante actuación de Alec Baldwin en los minutos iniciales de la cinta. Uff, qué ganas me han entrado de verla otra vez.

Esta edición viene en dos discos, uno de ellos dedicado por completo a extras como un tributo al gran Jack Lemmon y la presentación de Kevin Spacey en el programa dl Actor’s Studio… Eh, ¿Kevin Spacey actúa en esta película?

Ghost in the Shell, edición especial

A mi juicio, uno de los mejores animes, después de Akira, desde luego. Al filme de Mamoru Oshii le han dedicado una buena edición especial con dos discos e incontables extras: desde una larga entrevista con el mismo Oshii, hasta un Making Of de media hora. Especial para amantes del género.

3 Mujeres

Es uno de los films de Robert Altman menos “Altman”. Para empezar no hay cientos de personajes que se entrecruzan en diferentes tramas y subtramas tipo Nashville. Todo lo contrario, en 3 Mujeres casi no hay trama y lo poco que hay de ella, se centra en unos pocos personajes principales como la infantil y desequilibrada Pinky Rose y la delirante “Millie” Lammoreaux. Un clásico poco visto, más en el estilo de Streamers, Quinteto o Una Boda.

‘Edmond’ supone una mezcla de lo más curiosa. Su director es el siempre poco interesante Stuart Gordon, firmante de cosas como ‘Re-Animator’ o ‘From Beyond’. El guionista es el mucho más interesante David Mamet, que algunas veces se ha metido a director, y no le ha salido mal, como por ejemplo en ‘El Último Golpe’ o ‘Spartan’, aunque también ha metido la pata como en ‘Homicide’. Personalmente le prefiero que sus concisos guiones sean tratados por otros directores, pues los resultados suelen ser bastante superiores. Ahí están para demostrarlo películas como ‘Los Intocables’ o ‘Glenngarry Glenn Ross’. En este caso se ha limitado a guionizar su propia obra, y a pesar de lo estimulante del relato en alguno de sus pasajes, esta vez no se ha lucido tanto como en otras ocasiones, a lo que hay que añadir que la elección de Gordon para tareas de dirección, no haya sido la mejor de las ideas.

La película, ganadora de un premio en el último Festival de Sitges, data del 2005, y desde el miércoles de la semana pasada está disponible en dvd en nuestro país. Pero atención, la película se estrenará este próximo viernes en salas comerciales. No me preguntéis a qué viene esto, porque no tengo ni la más mínima idea. Creo que muy pocas veces ha coincidido que una película se estrenase en cines y saliera al mercado doméstico prácticamente al mismo tiempo. Sea como fuera, no creo que la película tenga la más mínima repercusión, ni en un mercado ni en el otro.

Su argumento podría resumirse como una mezcla de ‘Un Día de Furia’ y ‘Jo, Que Noche’, con algunas gotas de ‘Taxi Driver’, y como dijo un amigo mío, joder, que mezcla más explosiva. Y lo cierto es que si la película fuera una buena mezcla de esas tres grandes películas, estaríamos hablando de un film bastante estimable. Lamentablemente no es así. Edmond es un hombre que un día tiene un arrebato, deja a su mujer y sale a perderse en los suburbios de Nueva York, en los que se encontrará con todo tipo de gente, y cometerá más de una locura, mientras se pasa todo el film soltando tonterías trascendentales, que sinceramente no llevan a ningún lado, y aburren soberanamente al espectador.

Viniendo de Mamet es de esperar una riqueza en los diálogos fuera de lo normal, y lo cierto es que poco hay de eso. Únicamente tenemos un montón de palabras ametralladas, que parecen tener un sentido o un porqué, pero no es así, y para colmo, todas las pronunciadas por el personaje principal destilan una filosofía barata de andar por casa, acerca de cómo comportarse en el mundo o de si hay algo más allá de la muerte. Algunos de los momentos en los que esa frases son recitadas, rayan el más absoluto de los ridículos, como ciertas escenas en una cárcel.

Uno de los puntos positivos de la película es la interpretación de su protagonista principal, William H. Macy, quien pone toda la carne en el asador para dar vida a un personaje verdaderamente interesante, un hombre totalmente inestable emocionalmente, pero sobre el que no queda nada claro. A su lado, un montón de actores conocidos en pequeñas colaboraciones. Algunas simplemente anecdóticas, como la de Joe Mantegna, Denise Richards o Mena Suvari. Y otras tiene algo más de protagonismo, como Julia Stiles, en el papel de una camarera en cuya vida se cruza Edmond. Pero tanta cara conocida no aporta absolutamente nada a la película.

Una película muy floja, que pretende ser más fuerte temáticamente de lo que realmente es. La puesta en escena de Stuart Gordon es de lo más anodina, y bien es cierto que quedando así hubiera dado exactamente igual que la hubiera dirigido Gordon o cualquier otro director de idéntica personalidad. Quién sabe si en esta ocasión, el film no hubiera resultado mejor si lo hubiera dirigido el propio Mamet.