Cada vez que veo el fotograma de arriba no puedo evitar el impresionarme y recordar la fascinación que me producen las imágenes de ‘Narciso negro’ (‘Black Narcissus’), la película que Michael Powell y Emeric Pressburger escribieron (basándose en la novela de Rumer Gorden) y dirigieron en 1947, y en la que demostraban una vez más, tener una especie de sexto sentido para dotar a sus films de un enorme poder visual. La fotografía de las películas de estos dos directores se encuentran entre las mejores fotografías de todos los tiempos, trabajos minuciosos hasta el paroxismo, que no sólo vestían visualmente sus trabajos, sino que además se fusionaban con la historia que narraban.

Así pues, en ‘A vida o muerte’ (‘A Matter of Life and Death’, 1946), de la que os hablaba hace poco, el trabajo fotográfico representaba muy bien las desventuras de un hombre que burló sin querer la muerte, con representaciones del cielo y la tierra. En ‘Narciso negro’, Jack Cardiff, operador de los directores en varias de sus películas, hace lo propio con la historia (grandiosa por sencilla) que se nos narra en la película, en la que las pasiones ocultas de los personajes salen a flor de piel, y eso llegamos a verlo literalmente gracias al trabajo de un operador que entraría por derecho propio en los anales de la historia del cine.

‘Narciso negro’ nos traslada al Himalaya, donde cinco monjas han sido destinadas para expandir (o imponer) la doctrina católica. Allí, en un lugar perdido de la mano de Dios (nuca mejor dicho) se enfrentarán a los prejuicios de los lugareños, a la turbadora presencia de un hombre que ve mal la idea de que instalen allí una escuela, y a sus propios temores y deseos. El ambiente respirado allí, a tanta altura, nublará el sentido de alguna de ellas, y despertará luchas internas entre lo que debe hacer, y sentir una mujer cual fuerza de la naturaleza.

Es curioso comprobar como la película posee una historia sencilla (que no simple) a la que se le saca el mayor partido posible. La premisa de cinco religiosas en un lugar inhóspito en el que son recibidas a regañadientes (no por todos) no es más que la excusa perfecta para que Powell y Pressburger nos pongan en una lujosa paleta de colores uno de sus temas predilectos: la lucha del hombre contra la naturaleza, y cómo ésta influye en el comportamiento humano. La guinda del pastel es el detalle en el argumento de que, en este caso, los personajes afectados sean un pequeño grupo de monjas, saliendo a relucir temas como el deseo sexual enfrentado a las creencias religiosas. En una película de 1947 la sola idea era más que provocadora, pero Powell y Pressburger salvan cualquier mirada censora con una deslumbrante puesta en escena, sugiriendo, nunca mostrando.

El principal conflicto del film surge cuando aparece en escena el personaje masculino que enturbiará la vida de las religiosas. Mr. Dean, interpretado por un correcto David Farrar, pondrá a prueba y sin querer, la estabilidad mental de dos de las monjas, que deberán luchar contra sus deseos de mujer, cada vez más evidentes. La Hermana Clodagh (una preciosa, como siempre, Deborah Kerr) rememora su pasado, en el que estaba comprometida con un hombre al que sólo le interesaba el dinero; sabe de sobra lo que es el amor y sobre todo el desengaño amoroso; sigue siendo una mujer de carne y hueso, pero su vida se debe ahora a la misión religiosa. En las antípodas está la Hermana Ruth, turbadora y fascinante Kathleen Byron, que Spielberg (admirador confeso de Powell y Pressburger) convirtió en la madre de los hermanos Ryan en una de sus últimas apariciones en cine. Ruth no controla jamás sus sentimientos, y éstos se vuelven excesivos al dejarse llevar por la lujuria y los celos. Impagable una de las secuencias finales, la del enfrentamiento entre Clodagh y Ruth, apareciendo ésta última como una fantasma, representando la lucha entre la cordura y la locura.

Evidentemente, la labor de Jack Cardiff, que recibió su único Oscar por este trabajo (la película, filmada enteramente en estudio, también se llevaría la estatuilla a la mejor dirección artística), es la que se lleva la palma. Colores vivos como las pasiones humanas, que poco a poco van cambiando, y separándose según los personajes. Así, Kerr siempre es filmada con una brillante luz, es la pureza, la creencia, la fe; y Byron con colores oscuros, es la maldad, el deseo incontrolable, la perversión. Un triángulo amoroso que completa Mr. Dean, el punto flojo de la película, sus reacciones finales no tienen mucho sentido. Paralelamente se ofrece la atracción que existe entre dos personajes secundarios: Kanchi (bellísima Jean Simmons), una problemática chica enviada al lugar para encauzar su camino, y El joven General (el muy de moda por aquellos años, Sabu), un príncipe interesado en aprender cuantas más cosas mejor, que porta un perfume denominado Narciso negro, alegoría sobre las pasiones que despierta el lugar en el que se encuentran.

‘Narciso negro’ es un film que despierta los sentidos, los altera. Powell y Pressburger nos transmiten la desazón de una atmósfera extraña, producto de la naturaleza en estado puro, y de las fuerzas que ésta puede desencadenar. Nada razonable puede con ella, sólo la aceptación tiene lugar, y es que cuando hacen acto de presencia los innatos deseos, lo mejor que se puede hacer es rendirse a ellos. ¿No es acaso mejor llegar hasta las últimas consecuencias como hace el personaje de Byron que sobreponerse como hace el de Kerr? La eterna lucha entre el deber y el querer. Mientras pienso en ello me retiro a mis aposentos a escribir sobre la sobriedad de Renny Harlin.

‘Alien Quadrilogy’

Ya habían editado la famosa saga de Sci-Fi, pero ahora lo hacen en uno de esos estuches metálicos tan chulos, y que me consta que suben las ventas de una forma sorprendente. Increíble, le cambian el envoltorio y venden todavía más. Lo peor de esta edición es que viene pelada de extras, y ni siquiera han incluido los montajes del director, que en algún caso, como el de David Fincher, mejoran considerablemente lo ya visto. Hay que anotar que Fincher nada tuvo que ver en ese nuevo remontaje, pero aún así, es preferible a la desastrosa versión estrenada en cines. Recordemos simplemente por recordar, que la saga está formada por ‘Alien’ de Ridley Scott (obra maestra insuperable), ‘Aliens. El regreso’ (magistral aportación de James Cameron), ‘Alien 3’ (a Fincher no le dejaron hacer nada, y el resultado fue pésimo) y ‘Alien Resurección’ (con el europeo Jean Pierre Jeunet al mando, mejoró algo las cosas, pero no dejó huella).

‘88 minutos’

Director: Jon Avnet

Intérpretes: Al Pacino, Alicia Witt, Leelee Sobieski, Amy Brenneman y William Forsythe

En otros tiempos Jon Avent fue un director de lo más interesante, sobre todo gracias a films como ‘Tomates verdes fritos’ o ‘The War’. Con el paso de los años se fue convirtiendo en un realizador de lo más endeble, sin garra ni espíritu. Esta película, protagonizada por un sobrado Al Pacino, es una buena muestra de ello. Ahora nos llega en formato digital, con una edición en la que además podremos ver un making of.

Críticas en Blogdecine:

• ‘88 minutos’, típico psicothriller
• 88 minutos de soberano aburrimiento

‘La boda de mi novia’

Director: Paul Weiland

Intérpretes: Patrick Dempsey, Kadeem Hardison, Michelle Monaghan, Kevin McKidd, Chris Messina, Whitney Cummings y Busy Philipps

Sinopsis: Para Tom (Patrick Dempsey), la vida es maravillosa: Es sexy, triunfador, tiene éxito con las mujeres y sabe que siempre podrá confiar en su mejor amiga, la encantadora Hannah (Michelle Monaghan). Todo va bien hasta que Hannah se va seis semanas a Escocia por trabajo. Tom se da cuenta de que su vida está vacía sin ella y decide pedirle matrimonio cuando regrese de su viaje. El problema es que Hannah vuelve prometida y le pide a Tom que sea su “dama de honor”.

No me interesó cuando pasó por las salas, mucho menos ahora. Dvd con extras, como comentarios del director, making of y escenas eliminadas-

Crítica en Blogdecine:

• ‘La boda de mi novia’, plúmbeo casamiento nada original

‘Dead Space. Perdición’

Director: Chuck Patton

Sinopsis: Para la tripulación del USG Ishimura así es como el horror comienza: En una profunda excavación en un remoto planeta, una antigua reliquia religiosa, a la que se considera la prueba de la existencia de Dios, es desenterrada y llevada a bordo donde es adorada por unos y despreciada por otros. Pero cuando el profano artefacto libera a una raza alienígena que había permanecido dormida durante largo tiempo, el momentáneo Paraíso se transforma en el vivo Infierno. El caos es inmediato y la carnicería incontrolable. Una invasión nunca antes presenciada por la humanidad y se va a llevar a cabo para destruir la Tierra.

Película precedida de un cómic, y culminada con un videojuego. Los aficionados a la franquicia pueden informar más de lo que servidor es capaz de interesarse.

‘Quo Vadis’ + ‘Julio César’

Directores: Mervin LeRoy y Joseph L. Mankiewicz

Intérpretes: Marlon Brando, John Guielgud, James Mason, Louis Clahern, Robert Taylor, Deborah Kerr, Patricia Laffan y Finlay Currie

¿Qué decir a estas alturas de estas dos míticas películas? Personalmente prefiero el film dirigido por Mankiewicz, una magistral recreación del asesinato de Julio Cesar con un imponente Brando como Marco Antonio. Una puesta en escena de lo más sobria y elegante, y unos diálogos que quitan el hipo, rondan la perfección. El film dirigido por LeRoy siempre me pareció un poco sobrevalorado, aunque estimable; y la belleza de Deborah Kerr es algo que siempre hay que experimentar. Ambas películas pueden adquirirse por separado, y también en un pack conjuntas, una edición para coleccionistas que recoge las ediciones especiales de ambos films.

Buster Keaton Collection

Una espléndida edición que reúne siete films protagonizados (y en algún caso dirigidos) por el genial Buster Keaton, nombre totalmente imprescindible en la evolución del séptimo arte. Las películas en cuestión son: ‘El maquinista de la general’, ‘La casa eléctrica’, ‘El aeronauta’, ‘La barca’, ‘El Guerrero’, ‘Las relaciones con mi mujer’, ‘El rostropálido’ y ‘El gran espectáculo’.

Una oportunidad única para hacerse a buen precio, la cosa no llega a los 25 euros), con una serie de películas pertenecientes a una época del cine de la que me considero un enamorado total: el silente. A veces pienso que me llegaría con no salir del mudo. Allí está prácticamente todo.

‘Dueños de la calle’

Director: David Ayer

Intérpretes: Keanu Reeves, Forest Whitaker, Hugh Laurie, Jay Mohr, Cedrid the Entertainer, Chris Evans, Terry Crews, Common y Naomie Harris

Por muchos ninguneada, por otros disfrutada, servidor (¿cuántas veces digo esta palabra a lo largo del día?) cree que se trata de un digno producto, algo desequilibrado, pero muy eficaz en intenciones. El dvd viene con varios extras, como comentarios del director, tomas falsas, alternativas, cuatro cortometrajes y un making of.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Dueños de la Calle’, GTA + lo de siempre
• ‘Dueños de la Calle’, todos somos malos
• Dueños de la calle y del aburrimiento

‘El último gran mago’

Directora: Gllian Armstrong

Intérpretes: Catherine Zeta-Jones, Timothy Spall, Guy Pearce, Aaron Brown, Martin Fisher, Jack Bailey, MacKay Crawford y James Fiddy

Sinopsis: Es 1926. En su gira mundial el Gran Houdini (Guy Pearce), el famoso mago, llega a Edimburgo entre los clamores del público. Harry Houdini sigue llorando la reciente muerte de su madre hasta el punto de que ha desarrollado una obsesión con la parapsicología. Está decidido a dar 10.000$ al médium que consiga pronunciar las últimas palabras que dijo su madre en su lecho de muerte. Su representante, el Sr Sugarman y Harry comienzan a entrevistar a potenciales parapsicólogos. Al ver a Benji y Mary (Catherine Zeta-Jones), Harry siente por fin que ha encontrado a una médium digna del gran desafío.

Crítica en Blogdecine:

• ‘El último gran mago’, el último gran intento fallido de hacer algo profundo

‘Horton’

Directores: Jimmy Hayward y Steve Martino

Sinopsis: Horton es un elefante alegre y juguetón que atiende al grito de ayuda de una mota de polvo que flota en el aire. Pronto descubrirá que, por increíble que parezca, dentro de dicha mota se encuentra el pueblo de Villaquién, una pequeña ciudad habitada por diminutos personajes metidos en grandes problemas. Horton deberá enfrentarse a los peligros de la selva para proteger a sus nuevos amigos.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Horton’, dos mundos para pasárselo pipa

‘House by the River’

Director: Fritz Lang

Intérpretes: Louis Hayward, Jane Wyatt, Lee Bowman, Dorothy Patrick, Ann Shoemaker, Jody Gilbert y Sarh Padden

Una película de Fritz Lang siempre tiene un interés, por pequeño que éste sea. Otro de esos directores sin los cuales el discurso del Cine no sería lo mismo. Films de suspense, no se encuentra entre lo mejor de Lang, pero es un disfrute. La película la edita la Fnac en su colección Filmotecafnac, en la cual ya han caído unas cuantas joyas. Entre los extras del dvd podemos encontrarnos con una entrevista a Pierre Risient.

Crítica en Blogdecine:

• ‘House by the River’, un Fritz Lang menor y poco conocido

Más información: Zonadvd

Este viernes se estrena entre nosotros una de las películas más esperadas del año, ‘Deseo, Peligro’, del todoterreno Ang Lee, por eso mismo he decidido hacer otro de estos posts personales centrándome esta vez en historias de amor (de vez en cuando hay que ponerse romántico…). Ya sabéis, diez títulos que resuman en cierta medida aquellas películas que más me han llenado en ese aspecto.

• ‘Los Puentes de Madison’. “Los viejos sueños fueron buenos sueños, no se realizaron, pero me alegro de haberlos tenido” es una de las inmortales frases pronunciadas en uno de los films más atemporales que se hayan realizado jamás, en el que Eastwood se coronó tanto como director como actor, logrando además arrancar de Meryl Streep su mejor interpretación. La media hora final pone temblando al corazón más duro.

• ‘Breve Encuentro’. “Si tu murieras, me olvidarías, y yo quiero que me recuerdes”. Antecesora del film antes comentado, probablemente lo mejor que ha filmado nunca el gran David Lean. Desde entonces las despedidas en una estación de tren ya no son lo mismo.

• ‘Carta de una Desconocida’. Si me pongo a nombrar todas las memorables frases de esta inmortal película, no acabaría nunca. Es uno de los estudios más profundos sobre lo patético que puede resultar la pasión amorosa, planteada como una gran carta que una mujer escribe al amor de su vida, quien no la recuerda. Joan Fontaine realizó la interpretación de su vida.

• ‘Té y Simpatía’. “Cuando en el futuro hables de esto, y lo harás, sé amable”. Basada en una obra teatral, un film algo atrevido para la época, y para un servidor de lo mejor que filmó nunca Vincente Minelli. Una de esas historia de amor contenido entre dos personas pertenecientes a mundos muy distintos, en este caso, una profesora y un alumno algo peculiar.

• ‘Tú y Yo’. - “¿Qué hace tan difícil la vida?” -”La gente”. Remake de un film magistral de idéntico título, en el que se añadió algún número musical y toques cómicos. El resultado es todavía más perfecto que en el film anterior, en el que se apostaba más por el lirismo. Cary Grant y Deborah Kerr desprenden una química pocas veces vista en una pantalla. ¿Quedamos en lo alto del Empire State?

• ‘Cumbres Borrascosas’. “Si él te ama con todo el poder de su alma durante toda una vida, entonces no te ama tanto como lo hago yo en un día corriente”. Trágica historia de amor, celos y poder de la mano de uno de los grandes, William Wyler, al que muchos llamaron el director de estilo sin estilo. Basada en la novela de Emily Brontë, las posteriores versiones no le llegan a la suela de los zapatos.

• ‘Besos Robados’. “Yo soy definitivo”. Tal vez la visión que tenía Truffaut del amor era la más pesimista, pero también la más certera y realista, retratando como nadie el fascinante universo femenino. Es probable que la tercera aparición en cine de su personaje más querido, Antoine Doinel, sea la más esperanzadora de sus historias amorosas. Inolvidable.

• ‘Annie Hall’. “Después de aquello, se hizo bastante tarde, y ambos nos teníamos que marchar, pero fue genial ver a Annie de nuevo. Me di cuenta de la maravillosa persona que era y… y de cuanta diversión me había aportado conocerla. Y entonces pensé en aquel viejo chiste, ¿sabes? Este tipo que va al psiquiatra y le dice “doctor, mi hermano está loco; ¡cree que es una gallina!” Y el doctor le dice “¿y por qué no le interna?” y el tipo le dice “Lo haría, ¡pero necesito los huevos!”. Bueno, creo que eso expresa justo como me siento con respecto a las relaciones: ¿sabes? son totalmente irracionales, excéntricas y absurdas y… pero bueno, supongo que seguimos en ellas porque la mayoría de nosotros necesitamos los huevos”. Y es que a veces lo mejor es tratar las cosas con sentido del humor. Gracias, Allen.

• ‘Dos en la Carretera’. - “Puta” – “Bastardo”. A un servidor lo han comparado más de una vez con el personaje de Albert Finney en esta inolvidable película, una de las mejores de Stanley Donen. Retrato en clave de comedia amarga de las relaciones amorosas desde el noviazgo hasta el matrimonio. Impecable narración a base de saltos en el tiempo que representan cada una de las fases de una relación. Audrey Hepburn maravillosa.

• ‘Casablanca’. “Siempre nos quedará París”. Una de la películas más perfectas jamás hechas, cuya importancia trasciende los límites del propio cine. Contiene una de las mejores historias de amor de todos los tiempos. Siempre que la veo, espero que Ilsa no se vaya con el tonto de su marido, y se quede con Rick.

Evidentemente faltan muchas, y como siempre ahí estáis vosotros para recordarlas. La próxima semana os ofreceré mi top ten de lo peor de este año 2007 en cuanto a materia cinematográfica se refiere. Recordad que vosotros también podéis hacerlo en el post de mi compi Juan Luis hasta el miércoles.

Y sigo golpeándome duramente contra la pared, ya que la década de los 50 está llena de grandes películas y elegir sólo diez títulos de todos mis favoritos me ha resultado muy, pero que muy difícil. Allá vamos:

• ‘Con la Muerte En los Talones’. Una de las películas más famosas de Alfred Hitchcock. Mezcla absolutamente genial de calidad y comercialidad en un film enormemente influyente en el cine posterior. Sensacional Cary Grant, sobre todo en sus momentos humorísticos.

• ‘La Noche del Cazador’. Única película que dirigió el excelente Charles Laughton, y las malas críticas del momento le hicieron no volverse a poner nunca más detrás de la cámara. Un perverso cuento de hadas, con un inmenso y terrorífico Robert Mitchum.

• ‘Los Siete Samurais’. Obra inmortal del genial Akira Kurosawa, donde rendía tributo a su amado western. La pelota le fue devuelta años después con un magnífico remake, del cual Kurosawa se sintió tan orgulloso que le regaló una espada de samurai a John Sturges. Impecable retrato de personajes.

• ‘Senderos de Gloria’. Mi favorita de Kubrick, y uno de los films antibélicos más impresionantes que se hayan hecho. Aquí en España no se estrenó hasta 1985, cosas de la estúpida censura que tanto jodió la marrana durante años en nuestro país. Impresionante Kirk Douglas y emotivo e inolvidable final.

• ‘Rio Bravo’. Uno de los géneros que mejor dominaban Howard Hawks era el western. Éste fue uno de los mejores, y uno de los más influyentes. Sensacional de principio a fin, con una impecable galería de secundarios, como Walter Brennan o Dean Martin, en la que probablemente sea su mejor interpretación.

• ‘Tú y Yo’. Remake de un film anterior del propio Leo McCarey, en el que el director mejoraba lo que ya era maravilloso. Inolvidables Cary Grant y la recientemente fallecida Deborah Kerr. En los 90 tuvo dos revisitaciones, una como inspiración en ‘Algo Para Recordar’ y otra, como remake, en la blandengue ‘Un Asunto de Amor’, y en la vida real doy fe de que alguna pareja puso en práctica algunas cosas de esta maravillosa película.

• ‘Traidor en el Infierno’. En los 50 Billy Wilder realizó inolvidables películas, pero a ésta le tengo un especial cariño por ser de las primera que vi. William Holden ganó un Oscar por su carismática interpretación. De lo mejorcito en películas de campos de concentración.

• ‘Al Este del Edén’. Mi preferida de las tres películas con James Dean como intérprete principal, y también de las que dirigió Elia Kazan. Impresionantes todos los momentos con el gran Raymond Massey, perfecto en el papel de padre de Dean. Una de esas películas con las que aprendí a amar el cine desde muy pequeñito.

• ‘El Árbol del Ahorcado’. Uno de los memorables westerns del gran Delmer Daves, con un inolvidable Gary Cooper. A recordar la mítica canción interpretada por Marty Robbins, y que da título a la película.

• ‘El Hombre Tranquilo’. Uno de los films más memorables del gran John Ford, en el que absolutamente todo es perfecto. Pocas parejas han tenido la química de John Wayne y Maureen O´Hara en esta película. La edición de dvd que hay en nuestro país es simple y llanamente una falta de respeto a esta inmortal obra y al espectador en general. ¿Hay alguien que aún no la ha visto?

Y ahora podéis, si queréis, aportar vuestra favoritas de una década como la de los 50. Seguramente volveremos a estar de acuerdo. La próxima semana, los años 60.

En Blogdecine:

• Mis películas favoritas (I): cine mudo
• Mis películas favoritas (2): años 30
• Mis películas favoritas (III): años 40

Murió Deborah Kerr, y esta es la imagen que viene a mi mente, y por la que Deborah Kerr y Burt Lancaster entraron por siempre en la historia del cine. En un película mítica, donde todos recibieron premios, los únicos injustamente olvidados, han resultado ser los dos que entraron en la leyenda del cine, con esta secuencia de besos mojados, que da mucho más que cualquier escena de sexo actual.

Cuentan que durante el rodaje de ‘De aquí a la eternidad’, ambos actores vivieron un romance. Cierto o no, uno es capaz de creérselo con la secuencia de la playa. Un amor adúltero, intenso, en una Deborah Kerr alejada al papel que todos pensábamos. En esa secuencia uno entiende a Lancaster, fuerte, grande, seguro, caer de rodillas o desmoronarse delante de la Kerr, y darse un revolcón sobre la arena con un beso inmortal.

Ese es el cine legendario. Aquel que te trae recuerdos de películas mil veces vistas, que nunca cansan. El beso mojado, superó la inmortalidad de la película. Eso siempre estará en nuestra memoria. Y como dice Red en su estupendo homenaje, la Kerr, a lo largo de los años de existencia del cine, repetía en muchas secuencias inmortales. Se van, pero son leyendas vivas. Y esas nunca nos dejan.

En El País | Un beso que se adelantó a su tiempo

Estoy en mi trabajo y un viejo cliente y amigo, mientras se toma un café, me dice que viendo la televisión se ha enterado de la muerte de Deborah Kerr. Interrumpo lo que estoy haciendo casi sin darme cuenta y mi mente empieza a llenarse de imágenes unas detrás de otras amontonándose sin tregua. Tengo que calmarme, pues alguien a quien no conocía personalmente ha dejado en mi vida un enorme vacío, y sin embargo la sensación de conocerla de siempre me embriaga hasta un punto en el que apenas puedo pensar, y mientras una melodía inmortal araña los recovecos de mi memoria, empiezo a ver todo lo que ella siempre fue, todo lo que siempre será, y veo… un beso mojado, una profesora enseñando a su alumno predilecto, una institutriz viendo fantasmas, una monja y un marine escondiéndose de japoneses en una isla del pacífico, veo mesas separadas, amores imposibles...

Hasta siempre amiga, madre, amante, no sólo enamoraste a un rey, o a Mitchum, o a Lancaster, o a Grant con el que por fin podrás reunirte un poquito más arriba del Empire State. Nos enamoraste a todos con tu elegancia y tu timidez.

Hasta siempre, lady Kerr.

SPOILERS

Probablemente la disertación más completa que sobre el amor haya hecho Stanley Donen es ‘Dos en la Carretera’, una película perfecta desde cualquier punto de vista, y cómo no, un film que pertenece al grupo de obras maestras incontestables de su director, de quien un servidor siempre ha preferido sus films no musicales. No es que tenga nada en contra de películas como ‘Cantando Bajo la Lluvia’, ‘Bodas Reales’, ‘Siete Novias para Siete Hermanos’, o sobre todo ‘Siempre Hace Buen Tiempo’ (una de las películas de mi infancia), al contrario, son films míticos y representativos de una época dorada en el mundo del Cine.

Sin embargo, creo que las mejores películas de Donen eran aquellas en las que no había canciones de por medio interpretadas por los propios actores, porque tengamos en cuenta que en el cine de Donen la música siempre ha tenido un protagonismo esencial, siempre usada maravillosamente. ‘Página en Blanco’, en el original ‘The Grass is Greener’ (sin comentarios), es un film de 1960 que no ha perdido ni un sólo ápice de su frescura, elegancia y sarcasmo. Y sin embargo, es una película que hoy día no podría hacerse, por lo de siempre, no sería creíble. Atentos a su argumento: en una casa inglesa, una de esas viejas mansiones que son expuestas para los turistas, vive un acomodado y feliz matrimonio. En un visita turística, un americano se cuela en las habitaciones de la familia, y en menos que canta un gallo, concretamente 20 minutos de película, seduce a la mujer del matrimonio, y ésta se enamora locamente de él. A partir de ahí se desarrollará una situación a cuatro bandas de lo más original, divertido y emotivo. Sí, a cuatro bandas, porque aparece un antiguo amor del marido, para darle más sabor al asunto.

Sutileza y elegancia. Esas son las dos palabras que definen perfectamente este film de Donen, en el que unos ingeniosos diálogos son lo mejor de la función. Prácticamente toda la película transcurre en interiores, en un par de habitaciones de la lujosa mansión del matrimonio inglés. En ese aspecto, la puesta en escena del director es ejemplar, dándole al film un ritmo increíble, apoyado sobre todo en el poder de la palabra, y cómo no, en las metáforas visuales, por así llamarlas, que a Donen le gustaba tanto utilizar. Al respecto cabe citar, el primer encuentro en Londres de la mujer adúltera con su nuevo amor, contado en cuestión de minutos, con unas elipsis preciosas, donde una puerta cerrándose mostraba más que toda una escena de sexo.

Puede parecer que todo lo que ocurre en el film ocurre demasiado deprisa, ya que transcurre en el plazo de unos cuatro días, más o menos, y sin embargo, todo es totalmente creíble, gracias a inteligentes frases, y sobre todo unas interpretaciones de altura. En este aspecto, Donen realiza lo que podría definirse como una pequeña broma, incluso perversa. Para el trío portagonista cuenta con dos actores y una actriz que con anterioridad ya trabajaron juntos, curiosamente en el mismo año, 1957, y en dos historias de amor bien distintas. Por un lado, Deborah Kerr y Robert Mitchum, ya habían coincidido en ‘Sólo Dios los Sabe’, estupenda película de John Huston, con un poco de mala leche por parte de su director, al colocar a un apuesto soldado amaricano a solas con una monja en una isla asediada por japoneses. Y por otro lado, la misma Kerr formó pareja con Cary Grant en una de las más grandes historias de amor jamás contadas, ‘Tú y Yo’ de Leo McCarey.

Así pues, el ver de nuevo a estos tres actores metidos en líos amorosos, pero juntos y revueltos, se convierte en una de las mejores bazas del film. El buen gusto de Donen hace que nunca llegemos a juzgar a los personajes, a ninguno, ni a una esposa, madre de dos hijos, conociendo la pasión casi por primera vez, ni a un amerciano, juguetón y ligón, ni a un inglés, con sus modales, tremendamente celoso sin mostrarlo, pero decidido a recuperar al amor de su vida. Todas las múltiples situaciones del film, a pesar de sus escasos 100 minutos, son tratados por Donen con un vital sentido por lo emotivo, ya sea el affaire de la Kerr con Mitchum, al que el espectador no le pone ninguna pega, como lo que la Kerr siente por Grant. Y es que una vez más, Donen diserta el sentimiento amoroso haciéndolo pasar por todas sus fases, sin restarle importancia ni a unas ni a otras, pero dándole importancia a que cuando dos seres humanos se aman, pase lo que pase, se aman de verdad y por siempre. Quizá porque Donen nunca pudo conseguir eso en su vida personal, supo retratarlo tan bien en el Cine.

Hablaba antes de un cuarto en discordia, y es el punto flojo de la cinta, aunque tampoco como para echarse las manos en la cabeza. Jean Simmons, más acertada en otras ocasiones, da vida a una antigua amante del personaje de Grant, que hace acto de presencia porque toda la situación le hace gracia, y se convierte, por partida doble, en la confesora del matrimonio. El personaje no tiene tanta vida como los otros tres, y sirve para resolver demasiado fácilmente el destino de uno de los personajes masculinos, en lo que podría ser otra vuelta de tuerca en esa disertación amorosa.

Una magnífica película, para disfrutar una y otra vez las veces que sean. Hace poco ha salido editada en dvd por Suevia, y ya que la cartelera está bastante pobre, por así decirlo, es una buena ocasión para encontrarse con cine de altura, y redescubrir a un director que sin duda está entre los grandes. Por cierto, Donen nunca recibió un Oscar por ninguna de sus películas, una de tantas y tantas injusticias típicas de la Academia, pero cuando le dieron el honorífico, realizó uno de los mejores discursos jamás dados en la ceremonia de los Oscar. No he podido encontrar la grabación de dicho momento, asi que para compensarlo, dejo aquí, los maravillosos títulos de crédito iniciales de ‘Página en Blanco’, realizados por Maurice Binder, uno de los grandes en este tema. Disfrutadlos.