Aunque ya hace unos días que circula el tráiler de ‘Bunraku’ (que nuestros hábiles lectores anticipaban en nuestra sección Respuestas), no me resisto a darle su sitio puesto que me ha parecido una rareza digna de mención. ‘Bunraku’ es una producción independiente, la historia de una venganza, repleta de acción, mezclando artes marciales y samurais con un toque de western y un reparto desconcertante. Uno no puede imaginar con estas premisas encontrarse a Josh Harnett, Woody Harrelson, Ron Perlman, Demi Moore o el patrio Jordi Mollá en plan villano. Pero ahí están, como ya avanzamos hace algún tiempo. El tráiler deja bien claro que no se trata de un film al uso, es toda una frikada disparatada, alocada y con momentos divertidos, dirigida por el desconocido Guy Moshe.

Lo que después nos podemos encontrar puede ser algo horrible, como ya se encargaron de calificar algunas críticas en el pasado Festival de Toronto donde se exhibió, pero tiene ingredientes para convertirse en una película cuanto menos curiosa.

Parece realizada para alimentar a las hordas de frikis ansiosos de historias de acción, estética inclasificable y un acabado no especialmente cuidado. Me despierta la atención precisamente su desenfadado punto de partida y ya veremos si no logra convertirse en una de esas rarezas que acaban cosechando un buen pellizco en taquilla. Parece que en Estados Unidos se estrenará en septiembre, aunque no está tan claro (las críticas en Toronto pudieron hace mucho daño) que tenga distribución internacional. Aunque esperamos que finalmente llegue.

Vía | Film School Rejects

“Es alucinante, Molly. El amor de dentro, te lo llevas contigo. Hasta luego.” -Sam

Si esta mañana hablábamos de cómo cambiaron las cosas, por la degradación de títulos, la desaparición o el mutismo de los más grandes maestros, por los gustos cada vez más superficiales de los espectadores, entre mediados de los setenta y mediados de los ochenta, he aquí un título que, al igual que otros muchos que el lector de estas líneas estoy seguro de que puede mentar sin el menor esfuerzo, ejemplifica la grotesca dictadura de lo comercial y superfluo por encima del genio del cine. Un grandioso éxito de taquilla en todo el mundo que en su día fue calificado, por algunos críticos americanos, de soberbio melodrama, pero que, vista ahora, veintiún años después, quedan más que evidentes sus oquedades, su extremo conservadurismo, su nulo interés y su carencia de verdadero cine. Marea ver sus cifras: costó veintiún millones de dólares y recaudó en todo el mundo más de quinientos. De locos. El triunfo de lo vulgar, lo cómodo, en una época en la que tantos verdaderos directores intentaban, sin éxito, remontar el vuelo.

Pero lo que más me asombra es que esta peliculita sea defendida a capa y espada por algunos, y hasta fuera una de las cinco finalistas a mejor película del año en los chistes anuales de Hollywood. Echando un vistazo a su ficha, me entero, pues no lo sabía, de que compitió al codiciado (es un decir, pues está completamente desvirtuado y ya sin el menor valor ni prestigio crítico) premio al lado de ‘Uno de los nuestros’ (‘Goodfellas’, Martin Scorsese) y ‘El padrino, parte III’ (‘The Godfather, part III’, Francis Ford Coppola), casi nada. Y el año en que otras como ‘Muerte entre las flores’ (‘Miller’s Crossing’, Joel y Ethan Coen, 1990), ‘Cyrano de Bergerac’ (id, Jean-Paul Rappeneau), ‘Misery’ (id, Rob Reiner), ‘Agenda oculta’ (‘Hidden agenda’) deberían haber figurado en el quinteto de gala mucho antes que esta. Hasta el western ganador (que, a la sazón, no es western, sino melodrama, y en ese mismo año había otro western mucho mejor filmado, de Robert Zemeckis) era mejor que esto, por poco cine que tuviese.

Vivan los tópicos

Pero ya lo que alcanza ecos de mítica tomadura de pelo es que fuera esta película la que se alzase con el Oscar al mejor guión original (mientras que hasta cierto punto se acepta el Oscar secundario a una Whoopi Goldberg brillante en lo facilón de su papel…aunque venciese a tres competidoras muy superiores a ella), pues el libreto de Bruce Joel Rubin (cuya “eminente” carrera como guionista puede buscar el lector curioso…) adolece de una vacuidad, de una falta de ingenio y de capacidad de sorpresa, de riqueza imaginativa, de emoción e intensidad, de arquitectura dramática y visual, de todo lo que en suma convierte a un guión en un guión excelente merecedor de premios y elogios, que hay que restregarse bien los ojos para aceptarlo. Prometo al lector que hasta ahora no sabía que lo había ganado, y he leído la información varias veces y de varias fuentes distintas, por si se trataba de una errata o de una broma de mal gusto. Supongo que al final es ambas cosas. Parejita feliz que se ama mucho sufre una tragedia: a él le mata un fulano contratado por su mejor amigo, y se pasa el resto de la película protegiendo a su amada. Vale. Bien. ¿Hay algo más? Pues no.

Esto, como trama. Los personajes, por otra parte, son algo así como un desfile de tópicos destinados a enternecer el corazón del personal menos sensible (porque no es sensible el que se emociona con historietas de amor, sino el que percibe el verdadero arte, muchas veces oscuro y desesperado, y el que es capaz de compadecer y entender a individuos trágicamente defectuosos): desde el héroe con corazón de oro (que, eso sí, siguiendo las máximas de la hipócrita moral americana, promulga y ejecuta el ojo por ojo con total tranquilidad, menudo “héroe”), a la chica dulce y entrañable y guapísima (aunque con menos atractivo sexual que una monja) que se pasa el día o llorando o soriendo sin hacer nada (¡nada!) más, hasta el malo de opereta que no te crees jamás, pésimamente interpretado por Tony Goldwyn, sin olvidarnos del gancho cómico de turno encarnado por una actriz negra (por eso de lo políticamente correcto) que al final se convertirá en un gancho sensiblero más. ¿Más tópicos? Los que quieras. Amor después de la muerte (estaría bien algo antes de la muerte, algo auténtico), oscuras ambiciones económicas, temazo musical machacón…

La cosa es la siguiente: aunque algunos crean que un guionista se puso a trabajar como loco en una historia en la que creía sobre todas las cosas, y que el director se enamoró de esa historia y quiso hacerla imágenes, aquí sólo hay un motivo detrás de cada decisión, de cada imagen, de cada frase. El dinero. Fórmula bien fácil: cancioncita melosa, escenitas de besos y manos y mucha pasión (luego no hay ninguna…), angelitos más tiernos que el mazapán golpeados por la vida pero luego redimidos por ella, secundarios exagerados para darle algo de vidilla al asunto, chistecitos, miraditas, efectos especiales, aburrimiento. No hay nada, absolutamente nada interesante, ninguna escena, ninguna idea, ninguna solución lumínica. Nada. Tuvo que llegar Shyamalan para que pudiéramos reaccionar con los muertos de forma sincera: con terror y con atracción a la vez. Aquí solamente hay diabetes extrema. Y no es cierto que no me guste el cine comercial, muchas veces el cine comercial nos muestra narraciones grandiosas (y el cine de autor ladrillos infumables), pero es que esto es descarado.

Patrick Swayze correcto, sin más. Carece de química junto a una Demi Moore que luego se soltaría la coleta y haría papeles bastante sorprendentes (muchos, nefastos). Si el director Jerry Zucker hubiera puesto a otros dos, no habría pasado absolutamente nada. Pero esto no va de casting, ni de estilo, ni de puesta en escena, ni de emoción, como el gran cine. Esto va de marketing, de capturar la atención de las quinceañeras y de ser lo más fácil y digerible posible. Hasta el cartel, con ambos amantes abrazados, iluminados de azul, es horroroso. Recuerdo bien que, con once años, fui al cine y proyectaban esta junto a ‘Cyrano de Bergerac’. Adivinen cuál fui a ver.

Conclusión y una sola imagen interesante

No es cierto que no haya nada. La breve aparición del tristemente fallecido Vincent Schiavelli anima un poco la cosa. Teniendo en cuenta lo que la rodea, tampoco es mucho decir. Una película paupérrima, que ganó más dinero del que probablemente hayan hecho todas las películas juntas de Víctor Erice. Así es la vida, y así es el cine. Como dijo un comentarista esta mañana: tenemos el cine que nos merecemos.

“Mira Danny, puedo soportar las balas, las bombas y la sangre. Y no quiero dinero ni medallas. Lo que quiero es que te cuadres ahí con tu amariconado uniforme blanco y me muestres un poco de jodida cortesía. Pidelo educadamente.”

-Coronel Jessup

El cine de juicios, ese en el que gran parte de la trama se desarrolla dentro de una corte o juzgado, es uno de los sub-géneros más populares que existen. Se situaría dentro del cine de no género, es decir lo que algunos llaman dramas. Pero también puede tener un tono de cine criminal, o melodramático. Existen cientos de casos, algunos célebres y otros plagados de clichés. Y es que ya no resulta fácil, a estas alturas, sustraerse de testigos sorpresa, golpes de efecto manidos y giros de trama mil veces vistos. Pero algunos lo logran, aunque sea basándose en textos teatrales, como es el caso. ‘Algunos hombres buenos’ (Rob Reiner, 1992) podría ser, quizá, una de las películas judiciales más sólidas y perfectas que se han hecho. Y si hablamos del sub-sub-género de los consejos de guerra, tal vez la mejor.

Basada en una exitosa pieza, que arrasó en los escenarios, escrita por el a veces genial Aaron Sorkin, que redactó a su vez el guión, esta película fue una de las pocas en discutirle al ‘Sin Perdón’ de Clint Eastwood el título de mejor película americana del año. Y no es para menos: brillantísimo drama judicial, de soberbia factura, dirigida con mano de hierro por el artesano Rob Reiner, que firma aquí la que es de lejos su mejor obra, después de demostrar su talento en ‘Misery’ o ‘La princesa prometida’, y antes de echar por tierra su buen nombre con cosas como ‘The American President’ o ‘Alex & Emma’.

Un reparto formidable y sin fisuras

En esta película, con una trama tan visualmente estática, tan basada en los diálogos, era imprescindible contar con un grupo de intérpretes solvente y en plenitud, y el reparto supera el desafío con creces. En él brilla con luz propia, como suele suceder cuando le dan papeles de esta potencia, un grandioso Jack Nicholson, que aparece en cuatro secuencias pero da la sensación de no abandonar nunca la pantalla. Su coronel es una lección magistral de interpretación, y a su lado el resto de actores no desfallece ni se sitúa a menor nivel. Incluso una actriz a menudo mediocre, como es Demi Moore, sorprende por su versatilidad y su buena presencia. Junto a ella, el siempre sobrio Kevin Pollak, que por entonces había hecho pocas películas, demuestra por qué siempre ha sido un secundario de renombre.

Pero hay bastantes más. Kevin Bacon, que es un excelente secundario y un mejor principal (aunque pocos le reconocen esto último), borda un papel que sobre el papel presenta pocos matices y escasas posibilidades de lucimiento. Un Kiefer Sutherland de veintiséis años está impresionante como el teniente y lameculos del coronel, tan abyecto como brutal. El tristemente fallecido (por un fulminante ataque al corazón a los 55 años) J.T. Walsh es el perfecto reflejo atormentado del despiadado coronel de Nicholson. Y por ahí también vemos al ahora bastante conocido, y oscarizado, Cuba Gooding Jr., o al siempre agradable y en su papel Noah Wyle, que después de esto triunfó en la ya mítica serie ‘Urgencias’.

Sin embargo, pienso que el verdadero corazón de la película es un deslumbrante Tom Cruise, que venía de protagonizar la flojísima (como no podía ser de otra manera, pues está dirigida por Ron Howard) ‘Un horizonte muy lejano’, y la horrenda (por decir algo suave) ‘Días de trueno’. Aquí Cruise asombra con una de sus tres mejores interpretaciones (sobre otra de ellas hablaremos muy pronto…), la del fanfarrón, brillante y voluntarioso teniente Kaffee, porque Cruise, por entonces, era un actorazo en plenitud absoluta, que aún no había caído en el declive que le produjo el exceso de fama y poder, y que por tanto se preocupaba más de llevar a cabo trabajos sobresalientes, como éste, que de embolsarse millones o de acatar las órdenes de su secta.

Está tan bien Cruise, que sostiene de tú a tú la secuencia con el gran Nicholson, y con entereza absoluta. Tanto es así que no hay diferencia de nivel entre los dos. No hay ni un gesto, ni una réplica ni el menor detalle en su interpretación que no esté controlado férreamente por su instinto y su control absoluto de sus herramientas de actor. Incluso a pesar de su aspecto pulcro de abogado, sabe darle a su personaje una verosimilitud admirable. Mucho más que la que le dio a su otro abogado, Mitch McDeere, en la torpona ‘La tapadera’.

Una historia sobre la dignidad

Reiner dirige con estilo sobrio, sin falsas componendas, pero también sin concesiones, esta historia de orgullo militar, traiciones y dignidad humana. Una historia que tiene como trasfondo la base naval de Guantánamo que los Estados Unidos usan en Cuba para mofarse de los comunistas y del mundo. De modo que no se le puede pedir mayor vigencia, con la vergüenza histórica de los crímenes contra la humanidad allí cometidos en nombre de la Libertad, a esta película en la que los altos mandos del ejército no demuestran el menor escrúpulo de hacer valer su poder contra los más indefensos, y cuando se cometen errores, dejar a los que te sirvieron con valor tirados en el barro. Todo comienza con unos ejercicios militares tan vistosos como inútiles y termina con el arresto de un poderoso militar, pero ¿significa eso que estamos ante un panfleto antimilitarista?

En absoluto. La crítica que subyace bajo la trama es sutil, lo que la convierte en más efectiva. El ejército es tratado con respeto, pero ciertos sujetos reciben lo merecido, mientras otros aprenden lo que significa la arbitrariedad del poder, esa que algunos emplean, en teoría, para defender una nación, cuando en realidad defienden los propios intereses, aunque tengan que machacar al más débil. Tales ideas surgen, con exquisito gusto y sin énfasis, cuando Wainberg (Pollak) protesta porque abusaron del chico más débil de pelotón, lo que le indigna profundamente. Así mismo, no hay la menor alusión al régimen cubano, salvo cuando la ingenua abogada de Moore afirma que ellos defienden cierto muro, idea que pronto es rebatida con sinceridad por Kaffee.

El juicio se desarrolla veloz y sin la menor caída de ritmo (eso que no me cansaré en afirmar, una y otra vez, como la más genuina virtud del verdadero gran cine), los diálogos son certeros y magníficos, con personajes episódicos pero trazados con tiralíneas, en un crescendo admirable que concluye con uno de los diálogos más recordados del cine americano de los noventa, un enfrentamiento verbal que por muchas veces que se presencie pone la carne de gallina: la verdad frente a la hipocresía. Hasta los consabidos testigos sorpresa o giros tramáticos están tratados con singular sentido del destino, como si no pudieran desarrollarse de otra manera.

En suma, toda una joya del cine de juicios, que provoca, a cada nuevo visionado, más y más placer, y que es de obligada visión para todos los amantes (y hay muchos) del buen cine americano.

David Duchovny y Demi Moore protagonizarán ‘The Joneses’, una sátira social en la que interpretarán a un matrimonio que se muda a una zona residencial e inmediatamente se convierte en la comidilla del barrio por su aspecto físico y sus codiciadas posesiones.

El giro llega cuando lo de que “interpretan” resulta ser literal, ya que ellos son una falsa pareja: se trata de actores contratados por una empresa grande como experimento de product placement, es decir, para provocar que los vecinos que sientan envidia y quieran ser como ellos adquieran los mismos productos que compran los Jones.

Me parece una idea buenísima, genial… no, no me refiero a la idea como guión de película, sino al product placement. Si colocas a una niña pija de instituto y ella comienza a comprarse ropa de una marca, seguro que todas sus inseguras compañeras de clase imitarán sus costumbres consumistas. Es la mejor idea comercial que he escuchado en mucho tiempo.

Y es que, por supuesto, en la película habrá una niña de este tipo. Le dará vida Amber Heard que… bueno, ya no es tan niña.

‘The Joneses’ continuará presentando conflictos cuando los actores que hacen los papeles de la familia perfecta comiencen a sentir diferentes emociones. El personaje de Duchovny se sentirá culpable por estar viviendo una mentira –¿pero no era actor? ¿No viven de eso? –, mientras que tanto la que hace de madre como la que hace de hija tratarán de acercarse románticamente a papaíto. Moore es una profesional que intentará rerpimir sus sentimientos, pero Heard será muy consciente de lo que hace, ya que busca un marido rico.

Gary Cole completa el reparto en el papel de uno de los vecinos.

Derrick Borte será quien dirija su propio guión a partir de mediados de octubre en Atlanta, Georgia.

Doug Mankoff y Andy Spaulding, de Echo Lake producen junto con Kirsti Zea. Peter Principato y Paul Young son productores ejecutivos.

Me recuerda de alguna forma a ‘Familia’, de Fernando León de Aranoa, película a la que quizá le faltaba esta puntilla de crítica social que tendrá ‘The Joneses’ al sumar a lo que ya se presentaba en la española, esta observación sobre la falta de personalidad y de criterio propio de los consumidores. Y es que de nuevo repito que es una gran idea ya que, por mucho que haya un “presciptor” en los spots publicitarios, quien más moverá a las personas a imitar comportamientos es aquel ídolo que han buscado en la vida real y a quien se odia y se envidia por partes iguales.

Fuente | The Hollywood Reporter.

Ron “Hellboy” Perlman ha sido el último en incorporarse al reparto protagonista de ‘Bunraku’, donde interpretará al malo de turno en esta película de acción que promete beber de una extraña mezcla de influencias (desde los cómics a los videojuegos, pasando por el expresionismo alemán) y un estilo visual parecidico al de ‘Sin City’ (otra más).

La historia de ‘Bunraku’ se centra en el personaje de Josh Hartnett, un hombre sin hogar que se asocia con un samurai para hundir el negocio de un jefe mafioso (Perlman). Demi Moore, Woody Harrelson, Kevin McKidd, Jordi Mollà y Shun Sugata son otros de los actores que participan en el film, escrito por Guy Moshe, quien también dirigirá.

Vía | Dark Horizons

Como todos sabéis esta noche es noche buena y mañana Navidad, pero tranquilos que no voy a ponerme a cantar villancicos, sólo quiero compartir con vosotros la original tarjeta Navideña en la que ha participado Ashton Kutcher y Demi Moore.

Se trata de un cortometraje que muestra a un Santa Claus en crisis, unos elfos reivindicativos y un Reno-Moore de lo más sexy.

Otra forma más de dar apoyo a la huelga de guionistas en Hollywood cuanto menos original, aunque en general me dio la sensación de no tener mucho sentido… pero ¿Acaso la Navidad lo tiene?

El vídeo está en versión original (inglés) sin subtítulos, aunque es bastante entendible. Espero que lo disfrutéis, al igual que de esta noche, y ¡No os olvidéis de alquilar Bad Santa!

Vía | Cineblog.it

Hace poco os hablaba de los psicópatas en el cine, esos maravillosos seres que han protagonizado increíbles historias en el celuloide, y logrando en algunos casos que les odiemos y amemos al mismo tiempo. El personaje central de ‘Mr. Brooks’ bien podría entrar en esa clasificación que hice, pero única y exclusivamente el personaje, porque la película, aun con algunas cosas interesantes, es otro cantar.

‘Mr. Brooks’ narra la historia de un importante hombre de negocios con éxito en todas las facetas de su vida, pero con una peculiaridad muy, pero que muy personal: le encanta matar a gente. Motivado por su alter ego, su lado más oscuro, con el que incluso llega a mantener conversaciones bastante inteligentes, da rienda suelta para satisfacer lo que él llama su adicción. Las cosas se complicarán un poco cuando alguien descubre a nuestro protagonista en acción.

‘Mr. Brooks’ es la vuelta de Bruce A. Evans a la dirección de largometrajes, después de estar una porrada de años sin dirigir, desde que hiciera la flojísima ‘Kuffs, Poli por Casualidad’. Su vuelta no es que haya resultado muy espectacular, al fin y al cabo estamos hablando de un director bastante mediocre que no ha destacado por nada especial. Su puesta en escena es de lo más normal, sin ninguna personalidad, y carente de toda fuerza, sobre todo a la hora de filmar algunas secuencias de acción (menos una). Eso sí, Evans cuenta con un material que ya les gustaría a otras películas del estilo. Lo malo es que la mayor parte del mismo es desaprovechado en favor de los más grandes convencionalismos.

Para empezar digamos que el personaje central es absolutamente fascinante, por precisamente darnos ya al principio la información de que habla con otro personaje imaginario, que no es otro que él mismo. El film no juega con el típico giro argumental final en el que se nos explica que dos personajes en realidad son uno solo; en su lugar prefiere ahondar en el dibujo psicológico del personaje central. Para ello la película cuenta con dos interpretaciones de altura, unos sensacionales Kevin Costner, que utiliza muy inteligentemente su limitado registro, y William Hurt, que está más divertido que nunca. Hablando de diversión, hay que decir que el film tiene ciertos elementos de humor concentrados en una par de conversaciones de este personaje consigo mismo, y en el que nos es imposible no echarnos a reír con ellos. Es, digamos, un poco de humor negro, que le queda de maravilla al film. Y además, los dos actores logran que empaticemos con él/ellos de una forma sorprendente.

‘Mr. Brooks’ logra incluso presentar alguna carta de enorme interés cuando entra en escena un tercer personaje que planteará algo decididamente original. Y entonces ocurre lo impensable. Si hasta ese momento el film tenía su atractivo por tratarse de un estudio sobre la obsesión de matar para sentirse vivo, en vez de profundizar en tan interesante tema, el film se va por derroteros del típico thriller, trivializando la mayor parte de sus propuestas. Una gran pena ya que podríamos estar hablando de una de las mejores películas en el campo de los psicópatas. Una mayor parte de la culpa la tiene un patético actor de nombre Dane Cook, que tiene en su haber ese tercero en discordia, y cuyo histrionismo como actor termina por cansar al espectador, produciéndose una enorme descompensación entre él y Costner y Hurt, no estando a la altura de ninguno de los dos. Cook es como un pegote en la historia, del que nos queremos deshacer, pues lastra todas las posibilidades del relato y hace que no nos creamos nada salido de su rol. Como también podría considerarse un pegote el personaje de Demi Moore, con el que lo único bueno que se hace es que está pasando por un divorcio complicado, algo que normalmente sufrían los policías masculinos. Por otro lado, la fascinación que el personaje de Costner siente por Moore no está del todo bien explicada ni mostrada.

Una floja película, bastante decepcionante en su segunda mitad, cuando todo lo planteado hasta ese momento se va por la borda. ‘Mr. Brooks’ habría necesitado de una mejor definición en el guión, arriesgarse más allá de las propuestas, y por supuesto de un realizador con más energía que la de Evans, quien malogra gran parte de la película.

Para aquellos que piensen que Michael Caine y Demi Moore resultan una pareja de lo más curiosa para una película, hay que decirles que estos dos ya habían trabajado juntos hace años en la última película del genial Stanley Donen, la divertida ‘Lío en Río’; eso sí, en aquel film la Moore tenía un papel más bien secundario. Ahora, que las carreras de ambos han ido por caminos totalmente distintos, vuelven a unirse de la mano del impersonal Michael Radford, de quien todos habréis visto la sobrevalorada ‘El Cartero y Pablo Neruda’, probablemente su película más famosa, incluso más que ‘1984’.

Radford, que es otro de esos directores que no tienen dos películas iguales, nos cuenta aquí la historia de un robo de diamantes perpetrado en la London Diamond Corporation de Londres en 1960, llevado a cabo por uno de los empleados dedicados a la limpieza del lugar, que le propone el plan a la única ejecutiva de la empresa, que por ser mujer, tiene los días contados en dicha empresa. El robo puede ser la venganza perfecta.

La película intenta devolvernos a aquellas películas de los años 60 y 70, en las que se narraban robos espectaculares, y digo intenta porque ahí se queda la cosa. En ningún momento asistimos a un revival de dichas películas, ni siquiera a una puesta al día de dichos films. La cosa se queda a medio camino. Por un lado, el plan para robar los diamantes es bastante interesante, y al espectador lo tienen un buen rato totalmente intrigado por saber cómo se ha efectuado el robo, algo que evidentemente sabremos minutos antes de que termine la proyección. Ese es el punto más interesante, argumentalmente hablando, de la película, la cual falla en otras cosas.

Los personajes no tienen el más mínimo desarrollo dramático, no evolucionan, y al final nos quedamos como al principio. Menos mal que tenemos a un monstruo de la interpretación como Michael Caine para alegrarnos la función, ya que él solito es capaz de levantar la película. A su lado, una Demi Moore ya madura y muy elegante y sofisticada, pero totalmente inexpresiva en su rol, y sin nada que hacer al lado de Caine, aunque intenta aguantar lo mejor posible. Un tercer personaje que entra en escena bien avanzada la película, e interpretado por Lambert Wilson estropea bastante el ritmo del film, y ni siquiera representa el peligro que debería presentar para los otros dos personajes, resultando todo como muy fácil, teniéndolo nuestros ladrones algo chupado desde el principio, a pesar de ciertos inconvenientes, como la incursión de ciertas cámaras de vigilancia que suponen una pequeña contradicción en el desarrollo argumental de la película. Y no hablemos de ese pasteloso epílogo con moralina, totalmente fuera de lugar, metido a calzador y que no es precisamente la mejor forma de cerrar la película.

Radford dirige con la suficiente eficacia como para que el resultado final resulte agradable para el espectador, pero no más. El director carece de la garra y el brío narrativo que una historia de estas características necesita, y al final aunque queda una película aceptable y con la que pasar un rato distraído sin ningún tipo de preocupación, a uno lo queda la sensación de que se ha desaprovechado una buena oportunidad de volver a hacer ese tipo de cine que no trata al espectador como si fuera imbécil. Una vez más la intención no ha bastado para hacer un film ejemplar, ha faltado arrojo y valentía.

En Blogdecine:

• ‘Un Plan Brillante’: un film sencillo y agradable, aunque no brillante

El documental, no obstante, se cuida de desmenuzar el tema desde varios puntos de vista. Así lo dijo su director en el momento de su estreno:

Cuando intentamos explicar el tema, lo hicimos en clave interna sin darnos cuenta de que la percepción que existía sobre Pertur podría ser muy diferente según por dónde se mire. Porque mientras para unos era, por decirlo de alguna manera, «el etarra bueno», para otros era el líder de una organización muy peligrosa…

Un plan brillante, de Michael Radford. Lauran Quinn, interpretada por Demi Moore, harta de que el machismo imperante en la corporación de diamantes para la que trabaja le impida avanzar en su carrera, se une a uno de los empleados más veteranos, el sr. Hobbs (el siempre efectivo Michael Caine), para urdir junto un robo perfecto.

A nuestra colega Beatriz Maldivia no le desagradó esta película, pero tampoco le encantó. Le pareció un filme correcto:

‘Un plan brillante’ (‘Flawless’) es una película correcta, con un estilo clásico, como corresponde a la época en la que se ubica y al director que la lleva a cabo: Michael Radford, famoso por ‘El cartero y Pablo Neruda’ (‘Il Postino’). (…). En el film que nos ocupa, aunque se pueden apreciar elementos burdos, el resultado genérico es bueno o quizá estaría mejor llamarlo agradable.

Los hermanos Solomon, de Bob Odenkirk. John y Dean Salomon son dos hermanos, muy bien intencionados, pero socialmente ineptos que unen esfuerzos para darle a su padre moribundo su más anhelado deseo no cumplido: un nieto.

Pero como quiera que sus habilidades sociales son prácticamente nulas, su misión irá de mal en peor y acabará en desastre. Bob Odenkirk tiene una larga carrera televisiva como comediante, actor, escritor, director y productor. Yo me arriesgaría a verla.

El Asesino, de Philip G. Atwell. Otra vez la vieja estructura dramática del gato y el ratón. Jack Crawford (Jason Statham) es un agente del FBI obsesionado con vengar la muerte de su compañero y parece estar dispuesto a perseguir hasta el fin del mundo al autor del homicidio, el célebre asesino Rogue (Jet Li).

Pero esta vez, en este juego de gato y ratón, las cosas no son como parecen. Por ejemplo, la película misma. Según el colega Red Stovall, el filme no es tan bueno como pudiera parecer a primera vista:

(…)lo que se supondría debería ser un explosivo encuentro entre dos actores que practican artes marciales, se queda en casi nada, por reducir un poco las escenas de acción. Tal vez pensaban ofrecer un producto más serio, argumentalmente hablando, para ser tenido más en cuenta, pero la jugada, en caso de ser esa, les ha salido mal. Porque es que incluso se echa de menos más acción, y menos palabrería, que para colmo está de relleno, y no aporta absolutamente nada.

No basta una vida, de Ferzan Ozpetek. Algunos presentan este filme italiano como una comedia a ratos amaraga, a ratos melancólica, sobre un grupo de amigos que, a los 40 años, miran con tristeza su juventud vivida en los 80 y 90 y ahora se enfrentan a la crisis propia de su edad, por lo que deciden darle un cambio radical a su vida, seguir sus verdaderos sentimientos y toda esa clase de cosas que se le ocurren a uno a los 40 y de las que se arrepiente a los 42.

Aquí se tocan temas como la soledad, la separación, la amistad y el amor, o la imposibilida de aceptar la amistad cuando ha estado de por medio el amor. En fin, yo, cuarentón, con ganas de comprarme una moto y una chaqueta de cuero, no me la perdería por nada del mundo.

Riparo, de Marco S. Puccioni. Anna (Maria de Medeiros) y Mara (Antonia Liskova), con colegas y amantes, que han llevado una vida perfecta hasta que, de regreso de unas vacaciones en el norte de África, descubren a Anis (Mounir Ouadi) escondido en el maletero de su automóvil. El joven magrebí ha aprovechado la ocasión para cruzar la frontera. El joven es adoptado por Anna enseguida, para satisfacer su deseo de tener un hijo.

Paulatinamente, un trágico triángulo comienza a tomar forma.

¿Una película con María de Medeiros? ¿Cómo puede uno perderse una?

Vitus, de Fredi M. Murer, es un filme suizo que cuenta la historia de un niño prodigio que lo único que no desea es ser, precisamente, un niño prodigio. A sus cinco año, Vitus es dueño de un oído prodigioso, toca el piano como los dioses y hasta es capaz de recitar de memoria artículos enciclopédicos completos. Es la esperanza de sus padres.

El problema es que a Vitus nada de eso le interesa. En realidad, lo que Vitus desea es jugar en paz en el taller de su excéntrico abuelo, y soñar con volar. Una infancia normal, como la de todo niño, es lo único que quiere. Entonces, su sueño se verá hecho realidad después de un dramático suceso.

La señal, de Ricardo Darín y Martín Hodara. Buenos Aires. 1952. La ciudad espera en vilo el anuncio de la muerte de Evita Perón, quien agoniza desde hace días. Corvalán es un detective privado contratado por una bella y misteriosa mujer llamada Gloria. Ya se sabe cómo terminan las cosas cuando se cruzan detectives privados y misteriosas mujeres. Más aún cuando se trata, como en todos estos casos, de un trabajito de rutina: seguir a alguien.

Como también suele suceder en estos casos, Corvalán desoye las advertencias de su amigo y socio investigador Santana y destapa una trama plagada de odios, venganza y ambición.

Interpretan Ricardo Darín, Diego Peretti, Julieta Díaz, Andrea Pietra, Vando Villamil, Carlos Bardem, Luis Solanas, Walter Santa Ana, Luciano Cáceres y Martin Slipak.

Padre Nuestro, de Christopher Zalla. De repente, me da la sensación de haber reseñado antes esta película. Pero como se estrena ahora en España, mejor hacerle caso a la cartelera. Ganadora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance, Padre Nuestro cuenta la historia de Juan, mexicano e inmigrante ilegal.

En el camión que le lleva, junto a otros ilegales a Nueva York, Juan conoce a Pedro, otro inmigrante que viaja a la Gran manzana para conocer a su padre, a quien nunca ha conocido y cuya único punto de unión es la carta que ha escrito su madre. Juan no lo piensa dos veces y huye, llevándose consigo las pertenencias de Pedro. Y con la carta.

Siete mesas de billar francés, de Gracia Querejeta. Fallecido su padre y desaparecido su marido en extrañas circunstancias, A Ángela no le queda más remedio que rehacer su vida. ¿Y qué mejor forma de hacerlo que invertir todos sus ahorros para darle una nueva vida al negocio de su difunto padre: un pequeño local con siete mesas de billar?

Protagonizan Maribel Verdú, Blanca Portillo, Jesús Castejón, Victor Valdivia, Enrique Villén, Raúl Arévalo, Ramón Barea, Lorena Vindel, José Luis García Pérez, Amparo Baró, Vicente Benito

Como todo suele venir por rachas, a partir de este viernes veremos a Sir Michael Caine robando diamantes en este film y, desde el viernes siguiente, día 11, podremos volver a presenciarlo envuelto en un hurto de joyas en ‘La huella’, el remake del film homónimo de Joseph L. Mankiewicz , que esta vez tendrá guión del dramaturgo Harold Pinter. Aquí podéis leer mi crítica de ‘La huella’.

‘Un plan brillante’ (‘Flawless’) es una película correcta, con un estilo clásico, como corresponde a la época en la que se ubica y al director que la lleva a cabo: Michael Radford, famoso por ‘El cartero y Pablo Neruda’ (‘Il Postino’). Lo último que hizo este hombre fue un ‘Mercader de Venecia’ (‘The Merchant of Venice’, 2004) que no soporté. En el film que nos ocupa, aunque se pueden apreciar elementos burdos, el resultado genérico es bueno o quizá estaría mejor llamarlo agradable.

Homenajeando sin ningún disimulo —ya que los personajes van al cine a ver este film— a ‘Oro en barras’ (‘The Lavender Hill Mob’, 1951), fruto de Charles Crichton (director de la desternillante ‘Un pez llamado Wanda’) y de la divertida y célebre productora Ealing, el guión despliega un sencillo plan que no se habría sostenido si el film se situase en el presente, después de lo sabihondos que nos hemos vuelto los espectadores tras ver todas las versiones y todas las imitaciones de C. S. I. Como referente actual se puede citar, a kilómetros de distancia, la última y gran película de Spike Lee ‘Plan oculto’ (‘Inside Man’).

Del guión de Edward Anderson, quizá la resolución final y el mensaje social son lo que más descoloca. Las moralinas, por positivas que sean, siempre molestan, si se transmiten de forma muy descarada. Por ello, la manera en la que termina el film queda muy facilona en cuanto al tema policíaco y muy blanda e increíble en cuanto a la cuestión humana (no especifico más para no destripar el final).

Moore quizá está más afectada de lo necesario, por no hablar del desastroso maquillaje para convertirla en vieja que, afortunadamente, sólo tenemos que presenciar en un par de escenas. Sin embargo, Caine demuestra como siempre ser un tremendo actor que puede con todo. La inesperada transformación de hombre apocado y sin visión de futuro a cerebro del maléfico plan, así como otra que no quiero desvelar, son las mejores sorpresas que nos guarda este film. Por lo tanto, la versatilidad de este actor británico, que aquí interpreta a un sudafricano, le otorga al film una categoría que, de otra forma, no alcanzaría.

Aunque me hace gracia el juego de palabras que se ha incluido en la traducción del título, que mezcla la piedra preciosa y la inteligencia del plan, es difícil que el término brillante se aplique a la labor de Radford. Como decía, las mayores características de este film son que su guión es sumamente sencillo y que su estilo se acerca mucho al de producciones de hace décadas. Estas dos apreciaciones pueden entenderse como puntos peyorativos, pero también como lo que consigue que su visionado se haga muy agradable; ya que es, precisamente, su falta de pretensiones excesivas, lo que ayuda a la película a no presentar ningún defecto reseñable y a no hacer que nuestro veredicto sea negativo. Un par de escenas policíacas redondean el buen rato que se pasa viendo algo bastante parecido al cine de atracos sesentero que, si bien no era perfecto, tenía su encanto.