Si el aspecto del nuevo Superman os parecía raro, echad un vistazo a su padre. Ya han aparecido las primeras imágenes de Russell Crowe como Jor-El, el personaje que previamente había encarnado en la gran pantalla Marlon Brando, y como viene siendo habitual con este tipo de películas y sus fotos de rodaje, las reacciones se han dividido entre los optimistas (“me gusta el traje” o “seguro que queda mejor en la película”) y los indignados (“¿un Santa Claus galáctico?” o “se avecina un bodrio”). Personalmente, recomiendo tomar todo esto con sentido del humor y paciencia, el aspecto de Brando también resultaría ridículo en su momento, pero su interpretación hacía creíble al personaje y es con lo que nos quedamos, es lo que importa. ¿Acaso pensáis que Crowe no estará a la altura?

David S. Goyer, Jonathan Nolan y Kurt Johnstad firman el guion de esta nueva adaptación al cine de las aventuras de Superman, que está producida por Christopher Nolan y dirigida por Zack Snyder (por suerte para él firmó el contrato antes de que se estrenara ‘Sucker Punch’). Henry Cavill (‘Si la cosa funciona’, ‘Immortals’) encabeza el reparto de la película en el papel que previamente interpretaron Christopher Reeve y Brandon Routh; le acompañan Amy Adams, Diane Lane, Kevin Costner, Michael Shannon, Antje Traue, Ayelet Zurer, Christopher Meloni, Michael Kelly, Laurence Fishburne y Crowe, entre otros. La fecha del estreno de ‘Man of Steel’ (‘Hombre de acero’) está fijada para el 14 de junio de 2013. Será buena, pasable, floja, mala o infumable, pero yo no me la pierdo.

PD: Snyder: “Estamos haciendo una película que por fin parte de la idea de que no ha habido ninguna otra película sobre Superman”. En otras palabras: tranquilos, yo también odio ‘Superman Returns’.

Vía | Dailymail

No me iba a perder la película, pero ahora estoy deseando verla. Nuevo y espectacular fichaje para ‘Man of Steel’, el reinicio de las aventuras de Superman que prepara Zack Snyder para Warner Bros.; Russell Crowe toma el relevo del mítico Marlon Brando y dará vida a Jor-El, el padre biológico del hombre de acero, Kal-El. La noticia resulta más llamativa de lo normal porque se produce poco después de que el actor protagonizara una de esas ridículas polémicas que entusiasman a los medios (fue acusado de antisemita tras bromear con Eli Roth en Twitter) y que pueden llegar a perjudicar la carrera de una estrella de Hollywood.

Así las cosas, por el momento el reparto de ‘Man of Steel’ está encabezado por Henry Cavill (Clark Kent/Superman), Michael Shannon (general Zod), Amy Adams (Lois Lane), Kevin Costner (Jonathan Kent), Diane Lane (Martha Kent) y Crowe. Se dice que están buscando a otro “gran nombre” para el papel de Lara, la madre de Kal-El, pero no hay pistas todavía. David S. Goyer firma el guion de este relanzamiento de la franquicia que ha sido apadrinado por Christopher Nolan. Al parecer, el presupuesto de la película asciende a cerca de 200 millones de dólares, se va a filmar en 3D y debería estar en los cines de medio mundo en diciembre de 2012. Maldita sea, queda mucho todavía, habrá que ver otras películas mientras tanto…

PD: El de la derecha es Lebron James, ¿verdad?

Vía | Variety

Tenemos nuevo rostro para el reinicio de la franquicia de Superman. Tras las incorporaciones de Henry Cavill, Diane Lane y Kevin Costner, y a falta de saber quién dará vida al villano (se habla de Michael Shannon o Edgar Ramirez), Zack Snyder acaba de confirmar que Amy Adams se ha unido al reparto de su próxima película, ‘The Man of Steel’ (‘El hombre de acero’), donde encarnará a Lois Lane, la periodista que logra enamorar al superhéroe.

Nominada en tres ocasiones al Oscar, por su trabajo en ‘Junebug’ (2005), ‘La duda’ (‘Doubt’, 2008) y ‘The Figther’ (2010), Adams es una de las jóvenes intérpretes de mayor talento, versatilidad y carisma de la industria norteamericana, además de ser una chica indudablemente atractiva, así que su fichaje es todo un acierto para la producción que prepara Snyder. Bueno, seguro que habrá quien se lamente porque han elegido a una actriz en lugar de una muñeca o una modelo, pero a mi parecer es una gran noticia para todos los que esperamos que el regreso de Superman a la gran pantalla se produzca en la mejor película posible. Recordemos que el estreno de ‘The Man of Steel’, apadrinada por Christopher Nolan, está previsto para diciembre de 2012.

PD: Adams (nacida el 20 de agosto de 1974) es 9 años mayor que Cavill (5 de mayo de 1983), el actor que dará vida a Clark Kent/Superman.

Vía | ComingSoon

Kevin será capaz de comunicar la tranquila fortaleza de este americano rural, que crió al mayor superhéroe de todos los tiempos.

(Zack Snyder)

Bueno, padres adoptivos. Se sabía que Diane Lane había sido contratada por Warner Bros. y Legendary Pictures para encarnar a Martha Kent en la nueva película de Superman, y hoy ya se ha confirmado oficialmente que Kevin Costner dará vida a su marido, Jonathan Kent. Como sabéis, los Kent, interpretados por Phyllis Thaxter y Glenn Ford en el film que dirigió Richard Donner en 1978 (Eva Marie Saint fue Martha Kent en ‘Superman Returns’, vapuleada película que muchos queréis olvidar), se hacen cargo de Superman cuando llega a la Tierra siendo apenas un bebé, enviado por sus verdaderos padres ante la inminente destrucción de su planeta, Krypton. Martha y Jonathan serán fundamentales en la educación del chico al que llamarán Clark Kent, inculcándole los valores de justicia que luego defenderá con su disfraz azul y rojo.

Así las cosas, ya tenemos los tres primeros nombres del reparto de ‘The Man of Steel’ (en español, ‘El hombre de acero’), título oficial del reinicio de esta franquicia. Lane, Costner y Henry Cavill, que encarnará al superhéroe, son por ahora los tres protagonistas de la película que está preparando Zack Snyder y cuyo estreno está previsto para diciembre de 2012. El guion lo firma David S. Goyer y entre los productores cabe destacar la presencia de Deborah Snyder (esposa del director), Christopher Nolan y Emma Thomas (parienta de Nolan). Se rumorea que Viggo Mortensen podría ser el siguiente fichaje de esta superproducción, para dar vida al general Zod. Veremos si se confirma.

PD: Gracias a Luissss por el aviso.

Vía | HollywoodReporter

‘Cisne negro’

Título original: Black swan. Dirección: Darren Aronofsky. País: USA. Año: 2010. Duración: 110 min. Género: Drama, thriller psicológico. Interpretación: Natalie Portman (Nina), Vincent Cassel (Thomas Leroy), Mila Kunis (Lily), Barbara Hershey (Erica), Winona Ryder (Beth). Guion: Mark Heyman, Andrés Heinz y John McLaughlin; basado en un argumento de Andrés Heinz. Producción: Mike Medavoy, Arnold W. Messer, Brian Oliver y Scott Franklin. Música: Clint Mansell. Fotografía: Matthew Libatique. Montaje: Andrew Weisblum. Diseño de producción: Thérèse DePrez. Vestuario: Amy Westcott. Distribuidora: Hispano Foxfilm.

Sinopsis: La película narra la historia de Nina, una bailarina de una compañía de ballet de la ciudad de Nueva York cuya vida, como la de todos los de su profesión, está completamente absorbida por la danza. Nina vive con su madre, Erica, una bailarina ya retirada que apoya con entusiasmo la ambición profesional de su hija. Cuando el director artístico Thomas Leroy decide sustituir a la bailarina principal en la nueva producción de la temporada, “El lago de los cisnes”, Nina es su primera elección. Pero Nina tiene competencia: una nueva bailarina, Lily, que también ha impresionado gratamente a Leroy. “El lago de los cisnes” requiere una bailarina que pueda interpretar tanto al Cisne Blanco, con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa la astucia y la sensualidad. Nina se adecua perfectamente al papel del Cisne Blanco, pero Lily es la absoluta personificación del Cisne Negro. Mientras la rivalidad entre las dos jóvenes bailarinas va transformándose en algo más que una encrespada relación, Nina empieza a conectar con su lado más oscuro, con una temeridad tal que amenaza destruirla.

¿Qué podemos esperar?: Aronofsky creando de nuevo controversia después de sus concesiones en la maja ‘El luchador’ (‘The Wrestler, 2008)

‘El oso Yogui

Título original: Yogi bear. Dirección: Eric Brevig. País: USA. Año: 2010. Duración: 80 min. Género: Animación, comedia, familiar. Interpretación: Anna Faris (Rachel), Dan Aykroyd (voz de Yogui), Justin Timberlake (voz de Bubu), Tom Cavanagh (agente Smith), T.J. Miller (agente Jones), Nathan Corddry (jefe de personal), Andrew Daly (alcalde Brown). Guion: Jeffrey Ventimilia, Joshua Sternin y Brad Copeland; basado en los personajes creados por Hanna-Barbera Productions. Producción: Donal De Line y Karen Rosenfelt. Música: John Debney. Fotografía: Peter James. Montaje: Kent Beyda. Diseño de producción: David Sandefur. Vestuario: Daniel Birt. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

Sinopsis: El parque de Jellystone está perdiendo visitantes, así que el alcalde ha decidido cerrarlo y vender el terreno. Eso significa que las familias no podrán disfrutar de la belleza de la naturaleza al aire libre y, lo que es peor, que los osos Yogui y Bubu serán expulsados del único hogar que han conocido. Yogui deberá unir sus fuerzas a las de Bubu y el agente Smith para encontrar una forma de salvar el parque del cierre definitivo.

¿Qué podemos esperar?: Nada.

‘Saw VII 3D’

Título original: Saw 3D. Dirección: Kevin Greutert. País: USA. Año: 2010. Duración: 91 min. Género: Terror. Interpretación: Tobin Bell (Jigsaw/John), Cary Elwes (Dr. Gordon), Costas Mandylor (Mark Hoffman), Betsy Russell (Jill Tuck), Sean Patrick Flanery (Bobby Dagen), Gina Holden (Joyce Dagen), Chad Donella (Matt Gibson), Laurence Anthony (Rogers), Dean Armstrong (Cale), Naomi Snieckus (Nina). Guion: Patrick Melton y Marcus Dunstan. Producción: Mark Burg, Oren Koules y Gregg Hoffman. Música: Charlie Clouser. Fotografía: Brian Gedge. Montaje: Andrew Coutts. Diseño de producción: Tony Ianni. Vestuario: Alex Kavanagh. Distribuidora: DeAPlaneta.

Sinopsis: Mientras una mortal batalla explota sobre el brutal legado de Jigsaw, un grupo de supervivientes busca el apoyo del gurú de la autoayuda Bobby Dagen, un hombre que con sus oscuros secretos provocará una nueva ola de terror.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Saw VII 3D’, insoportable festival sangriento

‘Secretariat’

Dirección: Randall Wallace. País: USA. Año: 2010. Duración: 120 min. Género: Drama. Interpretación: Diane Lane (Penny Chenery), John Malkovich (Lucien Laurin), Scott Glenn (Chris Chenery), Dylan Walsh (Jack Tweedy), James Cromwell (Ogden Phipps), Kevin Connolly (Bill), Nelsan Ellis (Eddie Sweat), Margo Martindale (Srta. Hamm), Amanda Michalka (Kate). Guión: Mike Rich; inspirado en el libro “Secretariat: The making of a champion”, de William Nack. Producción: Gordon Gray y Mark Ciardi. Música: Nick Glennie-Smith. Fotografía: Dean Semler. Montaje: John Wright. Diseño de producción: Thomas E. Sanders. Vestuario: Michael T. Boyd. Distribuidora: Walt Disney Studios Motion Pictures Spain.

Sinopsis: Basada en una historia real, ‘Secretariat’ narra la formidable aventura del ganador de la Triple Corona en 1973. Penny Chenery (Diane Lane) es una madre y ama de casa que se compromete a hacerse cargo de las caballerizas Meadow Stables en Virginia, propiedad de su padre, enfermo. Pero ella desconoce totalmente el mundo de las carreras de caballos. Contra todo pronóstico, Chenery, con la ayuda del veterano entrenador Lucien Laurin (John Malkovich), se abre paso en un negocio dominado por hombres y acaba consiguiendo la primera Triple Corona en 25 años que gana uno de los mejores caballos de carreras de todos los tiempos.

¿Qué podemos esperar?: Que el exceso de azúcar no nos empache demasiado.

‘Sin retorno’

Dirección: Miguel Cohan. Países: España y Argentina. Año: 2010. Duración: 104 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: Leonardo Sbaraglia (Federico), Martín Slipak (Matías), Bárbara Goenaga (Natalia), Luis Machín (Ricardo), Ana Celentano (Laura), Arturo Goetz (liquidador), Agustín Vásquez (Pablo), Federico Luppi (Víctor), Felipe Villanueva (Chaucha), Rocío Muñoz (Luciana). Guión: Ana Cohan y Miguel Cohan. Producción: Vanessa Ragone, Gerardo Herrero y Mariela Besuievsky. Música: Lucio Godoy. Fotografía: Hugo Colace. Montaje: Fernando Pardo. Dirección artística: Federico Cambero. Vestuario: Roberta Pesci. Distribuidora: Alta Classics.

Sinopsis: Un joven muere atropellado en un accidente de tráfico. El culpable huye sin dejar rastro. Ninguna prueba lo incrimina. Pero el padre del joven, apoyado por los medios de comunicación, exige encontrar al responsable y llevarlo a la cárcel. Una serie de acontecimientos fortuitos y una justicia contaminada por la opinión pública ponen al hombre equivocado en el banquillo de los acusados. Envueltos en el entretejido del azar y las decisiones desesperadas, estos hombres deberán enfrentarse a la culpa, la responsabilidad y la necesidad íntima de redención en una espiral que no tendrá retorno.

¿Qué podemos esperar?: Por mi parte otra muestra del excelente cine argentino que de vez en cuando nos llega. O no.

Vía | LaButaca.net

El alemán Wolfgang Petersen (Emden, 1941), después del éxito internacional de la estupenda ‘El submarino’ (‘Das Boot’, 1981), supo encontrar su hueco en la industria hollywoodiense, primero con la coproducción alemano-americana ‘La historia interminable’ (‘Die unendliche Geschichte’, 1984), y luego con una serie de proyectos que han certificado a un buen artesano y mejor técnico, en la línea de los grandes profesionales europeos que siempre han nutrido la industria audiovisual norteamericana de hábiles y mercenarios talentos. Por supuesto que ha conocido fracasos y películas menos logradas, pero nadie puede negarle a este hombre su potencia narrativa y su versatilidad. Si con ‘En la línea de fuego’ (‘In the Line of Fire’, 1993), una película en la que la personalidad de Eastwood se imponía con tanta facilidad, hizo un buen thriller, con ‘La tormenta perfecta’ (‘The Perfect Storm’, 2000), lidiando con algunas de las estrellas más comerciales de Hollywood, pudo hacer quizá su mejor película, la más emocionante e inolvidable de todas.

La pasaron el otro día por televisión (asesinada por varios centenares de anuncios…) y pude volver a comprobar que, pese a sus lógicas limitaciones de producto de major hollywoodiense, y pese a su encorsetamiento en los terrenos de una historia basada en acontecimientos reales, Petersen supo imprimir en este relato una profunda y sincera emoción, basada por un lado en su intenso afecto por el mar, y por otro en un hondo acercamiento a sus trágicas y mezquinas criaturas, que habrán de enfrentarse a uno de esos bestiales milagros de la naturaleza que convierten al hombre, tan pagado de su supuesta superioridad, en menos que una mota infinitesimal, al vaivén de los caprichosos dictados del océano, fuente de vida y de muerte. Esta lírica aventura nos demuestra lo pequeños, pero también lo valientes, que podemos llegar a ser cuando nos enfrentamos cara a cara con la muerte.

En 1991, el Andrea Gail, con seis almas a bordo, conoció uno de los mayores desastres épicos de las últimas décadas cuando se adentró en el océano atlántico para conseguir las capturas necesarias de pez espada, y al volver con las arcas llenas de pescado congelado, se encontró de frente con tres ciclones convertidos en lo que se llama una “tormenta perfecta”. Sólo el poderío de Hollywood y la pericia técnica de Petersen al frente de un formidable equipo de entregados artistas podía hacer esta historia tan impresionante, pero en ningún momento nos olvidamos de la frágil condición humana, ni de los ruines motivos de este grupo de pescadores para jugarse la vida por un poco de dinero. Es decir, el idealismo acerca de esta forma de vida queda completamente desterrado, pero aún conservamos una aureola de nobleza por el oscuro y arriesgado oficio que obliga a un grupo de hombres a viajar hasta altamar para ganarse la vida.

Ya me gustaría a mí ver una película española en la que se tratara de una forma tan real y tan verosímil la vida de los pescadores. Por ejemplo, una historia de pescadores gallegos que nos demuestren lo duro de la vida en el mar, pero supongo que eso nunca ocurrirá. Aquí todo está cuidado hasta el mínimo detalle, y olemos y palpamos, casi, la atmósfera marina de Gloucester, Massachussets. Y aún más, conocemos hasta el más mínimo rasgo de la vida en el pequeño barco pesquero, como un microcosmos con sus reglas, jerarquías y rituales. En realidad, se trata de indagar en las particulares formas que el hombre tiene de enfrentarse a la naturaleza y también al destino. Seis marineros, además, cuya vida en tierra o bien deja mucho que desear, o bien les exije enfrentarse de nuevo a la dureza de su oficio para pagar sus deudas, o quizá para huir de una existencia precaria que nada tiene ya que ofrecerles. Seis caracteres muy diferentes entre sí, perfectamente dibujados, e interpretados con gran convicción por William Fichtner, Mark Wahlberg, John C. Reilly, Allen Payne, John Hawkes y George Clooney.

Principalmente George Clooney, que creo que aquí lleva a cabo el mejor papel dramático de toda su carrera. Un papel muy alejado de lo que quizá podría esperarse de él, en el que ni siquiera tiene oportunidades destacadas de lucimiento, pero que nos muestra a un intérprete en plenitud y totalmente consciente de sus habilidades. Su Billy Tine es un personaje muchas veces patético y muy pocas heróico, cuya vida personal es un verdadero infierno (hasta el punto de que ha terminado por ser inexistente), y que combate consigo mismo en una pelea para vencer a la mala suerte. Lo arriesga todo, guerrea contra los elementos de la naturaleza, y pierde. En los oscuros ojos de Clooney, en su perseverancia y desesperación, se exprimen algunas gotas de genio interpretativo pocas veces considerado como tal, que además mejora el trabajo de sus compañeros de reparto, y es la perfecta contradicción de los dos luminosos personajes femeninos, interpretados por las maravillosas Mary Elizabeth Mastrantonio y Diane Lane. Con Mastrantonio y Clooney obtenemos el bello diálogo sobre el oficio de capitán de barco, y con Lane el cariño y la fraternidad enfrentados a la necesidad y a la codicia.

Todo queda perfectamente integrado en una aventura en la que los efectos especiales digitales poseen, como no podía ser de otra manera, una importancia capital. Pero las enormes olas y los planos acuáticos quedan muy creíbles, y la pantalla se ve inundada (nunca mejor dicho) por un vendaval de buen cine, de dolor, de emoción. La soberbia fotografía de John Seale, que ya había ganado el Oscar por su portentoso trabajo en la portentosa ‘El paciente inglés’ (‘The English Patient’, Anthony Minguella, 1996), se integra a la perfección con el diseño de producción de William Sanders. Todo ello montado por uno de los mejores profesionales de la disciplina en los últimos veinte años en Estados Unidos, el gran Richard Francis-Bruce. Además, James Horner se olvida por una vez de plagiarse a sí mismo, y entrega una de sus mejores y más evocadoras músicas en varios años de cine. Con todo ello, sólo podía salir algo bueno y noble: el último plano, desolador, de Clooney; el escalofriante rescate, increíblemente bien hecho, del personaje de Reilly; el encontronazo, como con un dios gigante, con la ola final…

Conclusión

Notable película de aventuras, de muerte, de desesperación…pero también de valor y de amor. Una película de final amargo que se queda en la retina por la sinceridad y la honestidad con la que narra acontecimientos tan extremos, que en manos de otro director igual hubiera quedado mucho más inocua y superficial. Un gran éxito de público, además, que tiene aún más mérito por su cercanía histórica con otra película de hundimientos, también con música de Horner. Aún sigo a la espera, para terminar, de que un director español tenga los redaños de coger una cámara y un grupo de marineros (reales o no, es lo de menos) le acompañe para contar a nuestro modo esa dura forma de vida.

¿Qué es lo que quiero ser de mayor? Quiero estar vivo

-Jack

Como ya hemos comentado, el grandioso éxito económico de ‘Bram Stoker’s Dracula’, unido a una más que estimable recepción crítica y al orgullo que sentía el director por haber firmado una obra de encargo a la que supo dotar de personalidad, y que completó en el plazo y presupuesto establecidos, auguraban una recuperación del genio que en los años setenta había asombrado al mundo. Pero hubo de esperar cuatro años para poder ver la nueva película del cineasta, y no fue precisamente una gran película la que nos regaló.

En parte puede parecer extraña la decisión de llevar a cabo este proyecto, por supuesto. Pero también resulta hasta comprensible. En primer lugar porque después de una obra mayor, incontestable, como ‘Dracula’, que además fue un éxito, lo más lógico es que Coppola siguiera por la misma senda, recuperada la confianza de los inversores. Pero a los cincuenta y pico años, habiendo conocido la gloria y el lodo, Coppola aún necesitaba afianzarse más. No se podía permitir un nuevo patinazo. Las fuerzas no son infinitas, había que empezar a administrarlas.

Lo cierto es que a pesar de sus ambiciones y su tono, absolutamente menores, Francis Ford Coppola se rodeó de algunos de sus colaboradores habituales, y de otros nuevos de primera fila. De nuevo, y por cuarta vez, contaría con Diane Lane, a la que podemos afirmar que él descubrió prácticamente de niña, y que ya era una bella y elegante mujer, además de excelente actriz. También contaría, por última vez, con el diseñador de producción Dean Tavoularis, después de trece colaboraciones juntos.

En cuanto al reparto, muchas caras nuevas en el cine de Coppola, algunas poco identificables con él previamente, como es el caso de Bill Cosby, Jennifer López o el propio Robin Williams. En cuanto a este último, protagonista absoluto del largometraje número dieciocho de su director, nunca he comprendido la fama y el caché de los que goza en su país, pues me parece un cómico mediocre. Ahora bien, creo que como actor en papeles más dramáticos está bastante bien, y aquí hace uno de sus mejores trabajos.

El niño que crecía demasiado deprisa

Por lo menos este relato no engaña a nadie, no se pone trascendental ni enfatiza su tema de ninguna manera. Muy al contrario, puede considerarse un relato infantil que habla sobre problemas adultos, lo cual la convierte en una verdadera rareza. Ahora bien, el hecho de ser una rareza no la convierte en una buena película. Coppola, eso sí, rueda con su habitual destreza, la de un consumado cineasta con una vasta experiencia a sus espaldas, que jamás pierde el control de lo que cuenta. Aunque, en el caso que nos ocupa, no era tan difícil, ¿no?

Todo comienza con el nacimiento de Jack (en una fiesta de Halloween en la que los padres, y amigos, del protagonista están disfrazados como los personajes de ‘El mago de Oz’, en un nuevo guiño a esta película por parte de Coppola), y todo termina con su cercana muerte. Hubiera sido interesante (como luego hizo David Fincher con ‘El curioso caso de Benjamin Button’) que hubiéramos visto también su muerte. Pero a pesar del regusto agridulce que nos deja este relato, no parece que la intención del director fuera hablar tanto sobre la fugacidad de la vida como sobre la fugacidad de la juventud.

Y logra hablar de ello con sensibilidad, elegancia y buen gusto, aunque todo queda demasiado ligero, demasiado minúsculo. Creo que el arte se tiene que centrar en cosas pequeñas, pero haciéndolas importantes. Sin embargo la mirada de Coppola, aquí, parece cansada, desganada, sin más motivación que la de hablar de sus viejos temas, pero sin la pasión, sin la emotividad que le caracteriza. Más bien como un encargo más, ahora que un proyecto pequeño, y más aún con ideas personales, debía ser algo más que un encargo.

La extraordinaria, una vez más, fotografía de John Toll (un operador que comenzó de manera fulgurante, con dos Oscar en dos años consecutivos) y el tono, muy conseguido, entre lo jocoso y lo dramático, elevan por encima de la media un guión que en manos de otro director probablemente habría caído en la banalidad más absoluta. Coppola quería tomarse su vida creativa de una forma más relajada. Y éste fue el comienzo de tal decisión.

Estudio F.F. Coppola en Blogdecine

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• Francis Ford Coppola, loco por el cine
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• ‘Rebeldes’, juventud dorada

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Cariño, a lo mejor puedes pasarte por blanca, pero no eres invisible

-Sandman Williams

En ocasiones, queriendo salir de una situación que a priori parece desesperada, terminamos cayendo en la verdadera trampa. Es lo que ocurre cuando, huyendo de nuestro posible verdugo, vamos a parar bajo las ruedas de un autobús. Y algo parecido le sucedió a Coppola, que cuando creía levantar el vuelvo con la maravillosa ‘Rebeldes’, cayó dándose un buen golpe debido al fracaso rotundo en taquilla de la fascinante ‘La ley de la calle’. Y cuando, para salir del atolladero en que estaba metido, no olvidemos el fiasco de ‘Corazonada’, cogió una llamada de Robert Evans.

Evans, que fue uno de los que le hicieron la vida imposible durante el rodaje del primer Padrino. El megalómano y engatusador productor veía que se le iba de las manos su proyecto sobre uno de los locales más famosos de su país a principios de siglo, el Cotton Club, al que sólo podían asistir (adinerados) blancos, y donde sólo podían tocar y bailar talentosos negros, y decidió llamar al que le había salvado en aquella tragedia italoamericana, dando sorpresivamente la vuelta a la situación. Coppola aceptó, y aún se lamenta de ello.

Fue el penúltimo reencuentro con Mario Puzo, con quien le unía una amistad sincera. Gracias a su complicidad, Coppola pudo hacer algunos cambios en el guión previsto. Se trataba de narrar la historia de dos parejas de hermanos (dos negros y dos blancos), cuyas trayectorias vitales se entrecruzaban y rozaban sin llegar a tocarse, o a influenciarse del todo. Aunque en realidad, ‘The Cotton Club’ es una historia coral, donde varios personajes, con el local, la ciudad de Nueva York, la Ley seca y la depresión de fondo, y la música negra y el magnífico score de John Barry como acompañamiento insustituible. Pero algo no acaba de funcionar debidamente.

Cuando Coppola llega a la película, cuyo rodaje ya había comenzado, aquel proyecto ya era un pozo sin fondo. Y a parte de eso…¿qué clase de película era? ¿De autor, comercial? ¿Un musical, cine negro, melodrama? La película sale perjudicada de esa indefinición tonal, y Coppola termina firmando su película más impersonal hasta la fecha. El director que se implica en cada película como si fuera la última, que siempre cuenta algo de su vida a través de sus películas, por primera vez no tiene nada que decir, se queda mudo entre tanto ruido y tanta parafernalia.

Hermanos y música

Veníamos, precisamente, de otra historia de hermanos con ‘La ley de la calle’, pero allí teníamos la sensación de que el director estaba en su salsa, y aquí todo parece un remedo de otras películas suyas (sobre todo ‘El padrino’) y de otros directores que, a lo mejor, podrían haber dado algo más que una realización, eso sí, soberbia. El empaque de la película es esplendoroso. Es un juego de luces y sombras, de sedas y bordados, de cuerpos y melodías. Todo parece un baile sin fin, pero el corazón está ausente.

Hasta ahora todos los personajes centrales de sus películas aprendían algo terrible, mental o emocionalmente. Aquí, el personaje central, el cínico Dixie Dwyer (interpretado por Richard Gere con poca intensidad, por cierto es él quien toca realmente la trompeta) pasa de puntillas por la película, y la identificación es nula. Nos da exactamente igual lo que le pase, porque a él también le da igual. Sabemos que le gusta tocar la trompeta y que es un buen músico de jazz, pero no sabemos lo que quiere, ni lo que le importa, exceptuando estar cerca de la belísima, una vez más, Vera Cicero (Diane Lane, esplendorosa).

En cuanto a Sandman Williams (estupendo Gregory Hines, como siempre) su peripecia de pérdida y reconciliación con su hermano parece una simple anécdota sin fuerza, y aunque nos cae bien y queremos que su vida amorosa, familiar y profesional encuentre una armonía compleja, en el fondo sabemos que todo va a ir bien, y que la verdadera razón de ser, al menos aquí, no tiene nada que ver con los sentimientos de los personajes, sino con la poderosa parafernalia que les rodea, que epata al espectador (y de qué manera) y que termina tragándolo todo.

Por supuesto que hay una violencia salvaje, y también grandes secuencias musicales (aunque Coppola no la considera un musical en sentido estricto, pues como él dice, en un musical no entiendes la historia sin las canciones, lo cual es cierto) y grandes valores narrativos. Aquí, por ejemplo, es inevitable acordarse de la secuencia del asesinato final, con el bailarín golpeando el suelo con los pies y el sicario disparando la ametralladora en paralelo. Esto tiene un aroma que nos retrotrae a las secuencias finales de los dos primeros padrinos, sobre todo el primero. Pero también tiene otro aroma, el de Bob Fosse, a quien Coppola idolatraba. Sin embargo, a pesar de que el virtuosismo y la destreza están muy presentes, una vez más el corazón no lo está.

Coppola perdió la libertad

El director norteamericano con el mundo más personal, a pesar de cambiar sutilmente de estilo a cada nueva película, a cada nueva aventura, se hace impersonal buscando la supervivencia. Y el sueldo es generoso, pero pierde con ella el favor de los grandes estudios. En tres años, conoce tres fracasos rotundos y muy dolorosos, pierde Zoetrope y pierde el control de su carrera. Fracasa tanto en las grandes películas ambiciosas como en el cine de autor, así como en el cine de encargo. Su golpe es duro aunque no letal, pues hacía pocos años que había conocido grandes éxitos económicos, pero su orgullo puede más que su sensatez y acaba convertido, por unos años, en una sombra de sí mismo.

‘The Cotton Club’ es una película digna de ver, pero indigna de este grandísimo artista. Si la hubiera dirigido otro admiraríamos su empuje y su arrojo, pero siendo de Coppola esperamos además verdad y personalidad. Y de eso no hay. Eso sí, como espectáculo, elemento que es lo que más le importa al espectador más perezoso, es uno de primer orden, vistoso y subyugante.

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Si quieres guiar a la gente, tienes que tener una meta…

-El Chico de la Moto

El Chico de la Moto no manda (rules), sino que reina (reigns). Eso rezan las pintadas que inundan esa ciudad fantasmal (una Tulsa abstracta), y en verdad está tratado como una figura shakesperiana (un rey en el exilio, le llaman algunos) e inasible para su propio hermano Rusty James. El primero es un pletórico Mickey Rourke de 31 años, el segundo un fabuloso Matt Dillon de 18. En realidad ambos son espejos románticos del hermano mayor de Francis, y del propio Francis, respectivamente. Esto es una declaración de amor.

Y no sólo su propio hermano (al que está dedicada la película), sino también a la literatura de Susan E. Hinton, de quién adapta una segunda novela con pocos meses de diferencia y de manera consecutiva, en un ejemplo sin precedentes, al menos recientes, de una adhesión semejante a un mismo autor. Con la espada de Damocles más lejana, después del grandioso éxito de ‘Rebeldes’, Coppola firma la película más artística, desatada y vanguardista de toda su carrera. Coppola ya no en el abismo, sino frente al espejo de Welles.

De una manera obvia, pero tremendamente natural, ‘La ley de la calle’ (interesante título para el original ‘Rumble Fish’, pez luchador…) es la otra cara de la moneda con ‘Rebeldes’. Todo lo que allí era placidez y luz, aquí es nervio y sombras. Y aunque en aquélla, a pesar de la dureza en el retrato de una juventud desamparada, aún queda algo de esperanza, en esta se estamos en la pérdida de la ilusión. Y si allí el tema era la libertad, aquí es el tiempo, desde luego, muy presente tanto en los diálogos o discursos, como el de Benny (gran Tom Waits, que compuso las canciones de ‘Corazonada’ y que alcanzó la cumbre de su colaboración con Coppola interpretando nada menos que a Renfield en ‘Dracula’), así como en los múltiples relojes y en el sonido, que imita a menudo al minutero de un reloj.

De hecho, gran parte del reparto de ‘Rebeldes’ está presente en este ‘La ley de la calle’, con mención especial para Dillon, que parece prolongar con gran acierto y lucidez su maravilloso personaje de Dallas, para enriquecerlo con su inolvidable Rusty James, el renqueante hermano menor, una fuerza de la naturaleza descarriada que no deja de cometer las más grandes insensateces, y de fastidiar a todo el mundo, obsesionado como está por la figura de su hermano mayor, el misterioso, místico, Chico de la Moto. También vuelve Dennis Hopper, y claro, la guapísima Diane Lane, además de otros intérpretes con los que Coppola forma una troupe unida y muy bien entramada.

Y al color de ‘Rebeldes’ se opone el rotundo, elocuente blanco y negro dirigido por el mismo operador del anterior, Stephen H. Burum, y que busca el manierismo por encima de cualquier otra consideración, buscando en la cualidad de la imagen una razón de ser narrativa y anímica. El referente más nítido es ‘Sed de mal’, pero también ‘El extraño’ y ‘Campanadas a medianoche’. Coppola sabe que está a la altura de lo que intenta homenajear, y se entrega a la labor con una vehemencia digna de elogio. Parece filmar y montar con una alegría y una energía avasalladoras, organizando a sus actores como si fueran bailarines de ballet, haciéndoles girar y moverse dentro y fuera de cuadro, sin importarle una verosimilitud, digamos, realista.

El Chico de la Moto es como Michael Corleone, como Kurtz, como Drácula, una figura patética, vencida por el tiempo, más allá de la moral o de la muerte, incapaz de aleccionar o de hacerse entender por los que le rodean. Está lejos aunque esté cerca, y desde su regreso de California está más extraño que nunca. Sigue protegiendo a su hermano (aunque llega, por dos veces, tarde) pero tiene asuntos pendientes con su propio vacío. El viaje que emprenden juntos, más emocional que físico, por las calles nocturnas de la ciudad, es una maravilla abstracta y poética. Averiguamos que el blanco y negro es por la visión defectuosa del Chico de la Moto. Pero los peces son de colores

No es de extrañar el rotundo fracaso comercial de esta película, con la que Coppola fundió los beneficios recién adquiridos de la anterior. No es un relato clásico, es lo que ‘El padrino II’ a ‘El Padrino’: al pretendido clasicismo se le opone un vanguardismo, una audacia extremas. El tiempo pasa volando y no hay tiempo para lamentarse. Esta será la última vez que Coppola goce de esta libertad y esta plenitud. Su desastroso estreno le obliga a firmar en cierta película de época en la que tendrá muy poco tiempo para rectificar las cosas. La suerte está echada, y a la ambición se une la amarga ley de la taquilla.

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‘Killshot’ es la nueva película del director John Madden, quien últimamente nos hacía temer cuando una película estaba dirigida por él (basten los ejemplos de la aburrida ‘La mandolina del capitán Corelli’ o el bodrio ‘La verdad oculta’). Ahora, con este nuevo trabajo, parece que ha decidido cambiar de registro, y nos ofrecerá un thriller con pizcas de drama y acción. En ella se narra la historia de un matrimonio que está en un plan de protección de testigos, después de que ella sea testigo de cierto “incidente”.

La siempre preciosa, y excelente actriz, Diane Lane, y Thomas Jane, dan vida al matrimonio en cuestión. Les acompañan en el reparto Mickey Rourke, que está a punto de vivir una segunda etapa dorada, Rosario Dawson y Joseph Gordon-Levitt. La historia está basada en una novela de Elmore Leonard, lo cual supone cierta garantía. Sin embargo, ver que Madden está detrás de las cámaras, es más bien algo temible. El 23 de Enero del 2009 llega a las pantallas estadounidenses, aunque en países como Israel ya se ha estrenado (¿¿??).

Vía | Impawards