Tras repasar los mejores arranques de la historia del cine (o al menos, los que más se recuerdan), es hora de una nueva encuesta en Blogdecine. He estado considerando varias de vuestras sugerencias y finalmente me he decidido por un tema tan macabro como eterno, la muerte en el cine. Ha sido toda una casualidad que justo hoy nos haya dejado la mítica Elizabeth Taylor.

Las películas nos han mostrado muertes de todo tipo, por causas naturales, accidentales, suicidios, infinidad de crímenes, asesinatos… He intentado agruparlas en las cuatro categorías más interesantes, aunque sé que me he dejado alguna, y que hay fallecimientos emblemáticos que no encajan en ninguno de los cinco grupos propuestos. Siempre quedan los comentarios para mencionarlas. En fin, en esta ocasión os pido que votéis las muertes más crueles, dramáticas, sorprendentes, sangrientas y deseadas (aunque esto pueda ocasionar algún conflicto moral en ciertos lectores).

No tenéis que participar en todas las categorías, solo en las que os apetezca, y como siempre, os recuerdo que tenéis el apartado “otro” al final de cada pregunta, por si queréis votar un título que yo no haya sugerido. Sin más, os animo a echar un vistazo y comenzar un interesante debate.

Actualización: Ya terminó el plazo para votar. En breve publicaré los resultados, gracias a todos los que habéis participado.

PD: ¿La muerte más ridícula de la historia del cine? No hay ninguna duda, es ésta:

Cuando Tarkovski dijo que “si escribiera poesía como la de Pasternak, no haría películas”, Boris Pasternak ya no estaba en este mundo. Murió en 1960. Fue uno de los muchos artistas rusos (como el propio Tarkovski) perseguidos, humillados, amenazados y finalmente aniquilados (a menudo incluso asesinados…pero simulando accidente o enfermedad). Pasternak tuvo problemas con la implacable administración soviética toda su vida, pero escribir ‘Doctor Zhivago’ fue la picota final. Así están las cosas, y así está Rusia. La novela no pudo publicarse en ese país hasta tres décadas más tarde, pero la película llegó en 1965, dirigida por David Lean, que tres años antes había triunfado en todo el mundo con ‘Lawrence de Arabia’. Lean, que obtuvo libertad absoluta y un contrato millonario, tenía como misión salvar la Metro, y vaya si lo hizo. La novela maldita en Rusia se convirtió en una de las películas más famosas de todos los tiempos, y en un exitazo mundial sin parangón, que aún hoy, ajustando el precio de las entradas, es una de las más taquilleras de la historia.

Más de tres horas de grandiosidad épica, que deja literalmente agotado al espectador, sacudido por los hechos históricos que pusieron Rusia cabeza abajo y por la historia de un poeta que no sabe amar, o que ama demasiado. Más grande aún por su cercanía cronológica con la quizá superior ‘Lawrence de Arabia’, pero contra la que no palidece. Al contrario. Su vigoroso relato se mantiene incólume al paso del tiempo, incluso más joven y más bella a medida que su estreno se aleja en el tiempo. Y puede ser la película más reestrenada de todos los tiempos, pues en varios países los espectadores pedían volver a verla, y a lo largo de los años volvían a pasarla con llenos absolutos. Parece mentira que tanto en su recepción en Cannes, como en su estreno en Estados Unidos, un sector de la crítica (no todo, claro) la atacase sin piedad, acusándola de lentitud, de morosidad, de autocomplaciencia extrema. Nunca una lentitud fue tan intensa.

Pero es que Lean, durante los años sesenta, y a pesar de esos dos grandes éxitos, fue despreciado de manera sistemática como un director de segunda o tercera categoría, muy comercial, hábil pero sin demasiado interés estético. Por supuesto él iba a lo suyo, y procuraba construir sus obras sin prestar atención a sus detractores. Impuso a Robert Bolt como guionista, y junto a él llevó a cabo la hazaña de condensar una de las novelas más complejas y pobladas, y probablemente inadaptables, que quepa imaginar. Pero lograron un guión de gran precisión, y el milagro de mantener, pese a los muchos descartes de personajes y situaciones, el núcleo del texto de Pasternak. Bolt se alzó con el Oscar de manera incontestable por esa adaptación. Y ya, David Lean en solitario se enfrentó a la tarea titánica de contar esa historia en imágenes, en un rodaje homérico, que tuvo lugar en su mayor parte en España (en localizaciones de Madrid, como la estación de Delicias, Soria o Granada) y para el que contó con el extraordinario trabajo del operador Freddie Young, sin cuyo trabajo fotográfico la película no sería lo que es.

La balalaica de la madre muerta

Somos testigos de la vida de Yuri (magnífico Omar Sharif) desde que es muy pequeño, y se queda huérfano, hasta su muerte. Pero una vez muerto él, la película aún camina algunos minutos, pues debemos despedirnos de Lara (bellísima, casi etérea, Julie Christie). De tal forma que seguimos a uno y a otro, y luego a los dos juntos. Es la historia de una relación imposible, truncada por guerras, odios, adulterios, la fatalidad, la enfermedad, el frío, la crueldad. Pero, aún así, una relación que marca dos vidas para siempre. Lean se entrega con una pasión que no existe en el resto de su filmografía, narrando con desesperada melancolía, con arrebatado lirismo, sin tapujos. Y lo hace poniendo en paralelo la compleja realidad rusa de principios del siglo XX, que da para producir veinte películas y cien novelas más. Pero de manera sintomática comienza la película con el entierro de la madre (una de las mejores escenas jamás filmadas por Lean), y la presentación de ese icono que es la balalaica, como imagen cultural rusa y símbolo de la soledad y el talento poético de Yuri (que tanto nos recuerda al trineo de Charles Foster Kane…).

Y luego, con un inmenso salto en el tiempo, nos presenta al joven, idealista, poco práctico médico de medicina general en que se ha convertido Zhivago. Un médico poeta, inconsciente, quizá, de que el país en el que vive pronto se convertirá en una matanza primero de los poderosos contra los humildes y luego de todos contra todos. Hay secuencias en esta película de una imaginación y una inventiva visual, que no puedo resistirme a hablar de ellas:

1. El intento de suicidio de la madre de Lara, con Komarovsky (fenomenal Rod Steiger) corriendo entre las habitaciones para entregar una nota de socorro, carrera tomada con una sola toma desde el exterior de la casa, captando a Komarovsky a través de numerosas ventanas.

2. La masacre de los jinetes a los manifestantes, que nunca veremos, pues Lean se queda en el rostro horrorizado de Yuri, testigo de los sangrientos hechos. Es casi peor mirarle a él, y ver su compasión y su estremecimiento, que observar cuerpos mutilados por sables.

3. La “muerte” de Pasha, que luego resucitará como Strelnikov, con las gafas cayendo a la nieve, en clara alusión a la muerte de Lawrence.

4. El largo y helado clímax final, con los poemas a Lara, los lobos, los muebles blancos helados, y con la última despedida de Lara y Yuri, con el punto de vista de Yuri viendo desaparecer en el horizonte nevado el trineo que lleva a Lara muy lejos, sabiendo que no la volverá a ver jamás.

Así, sus arritmias, que las tiene inevitablemente, pasan casi desapercibidas, arropadas por una narración tan arrolladora. Lean contrató al genial John Box para el diseño de producción, el cual trabajó con los directores artísticos Terence Marsh y el español Gil Parrondo (una de las leyendas del cine español). Entre los tres crean algunos decorados más recordados de la historia (como construir toda una avenida moscovita en pleno Madrid), que están a la altura de los fastuosos parajes de exteriores (muy pocos de ellos rusos, la mayoría de ellos españoles, como hemos dicho), para erigirse en un diseño de producción memorable, que contó con un inspirado Freddie Young para uno de los trabajos fotográficos más perfectos y exquisitos de la historia del cine.

Porque hemos hablado de secuencias magistrales, pero también hay imágenes de una belleza impresionante: la mano de Lara como único detalle iluminado entre la oscuridad, la vela colocada cerca de la ventana que poco a poco funde el hielo, el ramo de flores amarillas en primer término de las que caen pétalos, Yuri declarando su amor entre las sombras y con sus facciones apenas insinuadas por una suave luz natural, Lara leyendo los poemas a ella dedicados en un ambiente gélido caldeado por la luz que la ilumina, Yuri mirando por el pequeño ventanuco del apestoso tren y viendo la luna a lo alto en la noche, Yuri imaginando a su madre muerta dentro del ataúd en un mundo de silencio, luego la tumba azotada por la nieve y el viento, el pueblo arrasado por Strelnikov, el campo de flores de la casa en la que se refugia la familia, Yuri volviendo a Moscú con su mujer que le ve a lo lejos entre las barricadas, un anciano Yuri viendo a Lara caminar a través de la ventana del tranvía… Podría seguir con varios párrafos de imágenes extraordinarias, vestidas con la inigualable música de Maurice Jarre.

Conclusión

Cine comprendido como suma de belleza y de emoción. Cine que se sabe grandioso, cuando era un medio con el que millones de personas se conmovían juntos, sin prejuicios, dejándose llevar por un torrente de imágenes. Gran y conmovedor cine, en definitiva.

‘El imaginario del doctor Parnassus’

Sendas ediciones para una película que ostenta el triste honor de ser la última en la que participó Heath Ledger, y sendas ediciones bastante cuidadas, aunque como es natural, el Blu-Ray trae algunos contenidos adicionales al DVD. Nos cuenta la historia de un circo ambulante dirigido por el Doctor Parnassus, en el que los trabajadores dan a la audiencia mucho más de lo que podrían esperarse. Tras el fallecimiento de Heath Ledger (22 enero 2008) durante el rodaje, tres actores finalizaron su trabajo, representando el mismo personaje a través de diferentes épocas: Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell.

En el DVD un solo disco, con una presentación de imagen 1.85:1 16/9 anamórfica, y audios Dolby Digital 5.1. El contenido extra incluye escena eliminada con comentario opcional, presentación y comentarios del director Terry Gilliam y 5 Documentales. En el Blu-Ray la imagen es 1.85:1 1080p (Alta Definición), y el sonido DTS-HD Master Audio 5.1 en la pista original y en castellano. Los extras añaden a los ya nombrados los documentales ‘El imaginario de Terry Gilliam’, ‘Heath Ledger y sus amigos: el reparto y el equipo recuerdan a su amigo’, ‘El Borracho: documental multi-ángulo’ y ‘BD-Live: movieIQ’

Críticas en Blogdecine:

• ‘El Imaginario del doctor Parnassus’, ¿quién puede soñar por nosotros?

‘Doctor Zhivago’ Edición 45º Aniversario

De nuevo sendas ediciones (DVD y Blu-Ray) para la mítica película de David Lean, que recibió duros varapalos de la crítica en su estreno, pero que cosechó un éxito grandioso en todo el mundo. La epopeya íntima e histórica del poeta Zhivago, según la novela original de Boris Pasternak, y la trágica historia de amor que le unió con Lara (bellísima Julie Christie). Como ya han pasado muchísimos años desde que se estrenó, 45, aprovechan para sacar una doble edición de lujo.

Dos discos para ambos soportes, que traen idéntico material adicional: el documental ‘Doctor Zhivago: Un Homenaje. Nueva retrospectiva conmemorativa en dos partes del 45º aniversario’ y el comentario de Omar Sharif, Rod Steiger y Sandra Lean, en el disco 1; y el documental ‘Doctor Zhivago: Cómo se hizo la epopeya rusa’ (1 h. de duración), la galería de Documentales Clásicos (incluye entrevistas de la prensa, una audición a Geraldine Chaplin, entre otros) y el trailer cinematográfico original. En cuanto a sus características, el DVD se presenta con un espectacular 2.40:1 16/9 anamórfica, remasterizada y restaurada digitalmente en 4K, con un sonido Dolby Digital 5.1 inglés y castellano; mientras que el Blu-Ray con un 2.40:1 1080p (Alta Definición), también remasterizada y restaurada digitalmente en 4K, además de DTS-HD Master Audio 5.1 para su pista original y Dolby Digital 5.1 Castellano, Francés.

‘La Dolce Vita’ Edición Especial 50 Aniversario

Marcello es un periodista romano de la prensa del corazón, aunque no pierde la esperanza de convertirse en un escritor serio. Enviado a recibir en el aeropuerto a una famosa estrella de cine, queda prendado de ella y le propone llevarla a recorrer la ciudad, entre los brillos fatuos de una lasciva vida nocturna. Su recorrido termina con un baño en la Fuente de Trevi, donde Marcello, sorprendido por el excéntrico proceder de la chica, le confiesa tímidamente su pueril admiración. Con el amanecer, la magia de aquella aventura se disuelve y el incauto periodista es agredido por el novio de la actriz. La existencia fragmentada de Marcello, seducido por los frívolos placeres de la “dolce vita” romana, se expresa en los encuentros de cada día, entre los caprichos y amenazas de una amiga celosa y paranoica, la malograda relación con su padre y los vicios compartidos con una aristocracia árida y artificial.

Uno de los filmes más famosos de Fellini, aunque no creo que sea precisamente de los más importantes. Esta vez, sólo en formato DVD, que nos trae una cuidada presentación en tres discos, que incluyen la película en versión remasterizada digitalmente, y la serie documental ‘Caminando con Fellini’ en dos discos: un amplio repaso a la vida y obra del maestro italiano en tres extensos documentales (291 min), filmados por Donatella Baglivo en v.o. con subtítulos en castellano.

‘El secreto de los Hermanos Grimm’

Los hermanos Will (Matt Damon) y Jake Grimm (Heath Ledger) viajan por la Francia napoleónica derrotando monstruos ficticios a cambio de dinero rápido. Pero cuando las autoridades francesas obligan los estafadores a luchar contra una verdadera bruja, interpretada por Monica Bellucci, tendrán que internarse en un bosque encantado y rescatar a jóvenes doncellas. Este fue el último éxito económico de Terry Gilliam, que realizó para saldar las deudas de anteriores fracasos.

Divertida aventura de Terry Gilliam que sale a la venta en Blu-Ray, con una edición bastante sencilla, al menos en cuanto a material adicional, que incluye simplemente el trailer original. Ahora bien, la presentación audiovisual es todo lo espectacular que podría esperarse: una imagen 1.85:1 1080p (Alta Definición) y un audio DTS-HD Master Audio 5.1 inglés y Dolby Digital 5.1 español. Con ella se completan las dos películas en que Ledger trabajó para Gilliam, a cual más divertida e imaginativa.

‘Quiero la cabeza de Alfredo García’

Ahora que Alberto Abuín está metido en faena con un extenso trabajo sobre Sam Peckinpah, nos llega una de sus películas más emblemáticas en Blu-Ray, en la que el estilo tan reconocible de su realizador está depurado hasta la abstracción. La hija de un rico hacendado mexicano, todavía adolescente, ha quedado embarazada. El padre es, al parecer, Alfredo García, un antiguo colaborador y amigo de la familia, por cuya cabeza se ofrece una recompensa de un millón de dólares.

El Blu-Ray no es una edición especialmente espectacular, pero creo merece la pena. Como contenido extra el trailer original y una galería de carteles, a cual más brillante (como ejemplo, el que quedó como cartel final, que es una maravilla). Y como características, pues una imagen en1.85:1 1080p (Alta Definición) y un sonido Dolby Digital 2.0 inglés y Castellano. Compra obligada para cualquier cinéfilo.

‘Up in the Air’

Ryan Bingham (George Clooney) es un experto en reducciones empresariales (tanto de personal como de dinero) cuya preciada vida en la carretera se ve amenazada en el momento en que está a punto de ganar diez millones de millas en vuelos frecuentes, y justo después de haber conocido a la mujer de sus sueños, otra viajera habitual. Película que optó a varios Oscar en la pasada edición de estos cada vez más aburridos premios, y que a punto estuvo de darle su segundo a George Clooney. La crítica fue unánime en Estados Unidos, no tanto en Europa.

Se presenta una edición en Blu-Ray (la edición en DVD saldrá dentro de unas semanas) que promete dejar con buen sabor de boca a aquellos a los que convenció la cinta. Un solo disco, pero bien cargado de extras: el documental ‘Sombras Chinescas: Antes de la Historia’, el video musical ‘Help Yourself’ por Sad Brad, storyboards, tráiler de cine, escenas Eliminadas, comentario de los creadores. Y en cuanto a sus características, una estupenda imagen 1.85:1 1080p (Alta Definición) y un audio DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés y Dolby Digital 5.1 Castellano.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Up in the Air’, sólida comedia con buenas interpretaciones y mejor guión

• ‘Up in the Air’ de Jason Reitman | ¿Qué hay en tu mochila?

‘In the Loop’

Llega una de las comedias del año en DVD, o al menos una de las más divertidas y las que más han hecho disfrutar a la gente. Todo empieza cuando el Presidente de los Estados Unidos y el Primer Ministro británico deciden iniciar una guerra. Esta vez prometen ser rápidos. Promesa que ni el general estadounidense Miller (Gandolfini) ni el Secretario de Estado británico para el desarrollo internacional, Simon Foster, creen. Pero, después de que Simon respaldara accidentalmente la acción militar en horario de máxima audiencia en la televisión, se gana sin quererlo muchos amigos en Washington, DC.

Una edición sencilla, de un disco, aunque con algunos extras: tráiler, ficha artística, ficha técnica, escenas eliminadas, cortometraje ‘El Momento Justo’, de Gonzalo Visedo y Hugo Serra. Y con una imagen 1.85:1 16/9 anamórfica y un audio Dolby Digital 2.0 Inglés. Dolby Digital 5.1 Castellano. De compra muy recomendada.

Críticas en Blogdecine:

• ‘In the Loop’ y los diálogos que valen un mundo

• Sevilla Festival de Cine Europeo 09: ‘In the Loop’ divertidísima y firme candidata al Giraldillo de Oro

‘Ashes of Time Redux’

Ashes of time Redux es una nueva versión de la película más ambiciosa y hasta ahora desconocida de Wong Kar Wai rodada en 1994. Para esta definitiva versión, el maestro hongkonés ha vuelto a rodar escenas, ha replanteado la estructura de la historia, añadido efectos especiales y una nueva banda sonora. Wong Kar Wai nunca estuvo de acuerdo con la versión estrenada hace 15 años, pero su condición de director todavía principiante al frente de una gigantesca producción, no le permitió contar con toda la libertad y el tiempo que hubiera deseado. Sin embargo, ahora que Wong Kar Wai es una reconocida y respetadísima figura a nivel internacional, finalmente puede ofrecernos con Ashes of Time Redux la visión definitiva de esta obra maestra del cine de artes marciales.

Cuidada versión en DVD, como casi todo lo que sale de este cineasta, con un ‘Cómo se hizo’ muy extenso en su segundo disco, y algunos clips, así como fichas y trailer en el primer disco. La imagen es 1.78:1 16/9 anamórfica, y el audio Dolby Digital 5.1 Cantonés, Castellano.

‘El hundimiento’

Berlín de 1945. Con la nación está a punto de caer fruto de una encarnizada batalla que se libra en las calles de la capital. Hitler y su círculo de confianza se han atrincherado en el búnker del Führer. Entre ellos se encuentra Traudl Junge, secretaria personal de Hitler. En el exterior, la situación se recrudece. A pesar de que Berlín ya no puede resistir más, el Führer se niega a abandonar la ciudad. Mientras el sangriento peso de la guerra cae sobre sus últimos defensores, Hitler prepara su despedida final…

Por fin llega al Blu-Ray esta estupenda película histórica, que debió ganar el Oscar por delante de la absurda ‘Mar Adentro’, y lo hace con una edición con un solo trailer, pero con imagen 1.85:1 1080p (Alta Definición) y audio DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés, Dolby Digital 5.1 Castellano. Merece, y mucho, la pena, comprársela, sobre todo por la inolvidable interpretación que del loco nazi hizo un Bruno Ganz antológico.

‘Volver’

En Volver, tres generaciones de mujeres sobreviven al viento solano, al fuego, a la locura, a la superstición e incluso a la muerte a base de bondad, mentiras y una vitalidad sin límites. Vivos y muertos conviven sin estridencias, provocando situaciones hilarantes o de una emoción intensa y genuina. Una película sobre la cultura de la muerte en la Mancha natal que destruye los tópicos de la España negra y propone una España tan real como opuesta. Una España blanca, espontánea, divertida, intrépida, solidaria y justa…

Y para terminar otra edición en DVD, en este caso una de las películas más famosas, y exitosas, de la carrera de Almodóvar, que le proporcionó a Penélope Cruz una nominación al Oscar a mejor actriz principal. La edición trae como único extra un audiocomentario de Pedro Almodóvar y Penélope Cruz, y entre sus características podemos nombrar una imagen de 2.35:1 1080p (Alta Definición) y un audio Dolby Digital 5.1 Castellano.

Y esto es todo por esta semana, no os quejéis.

Vía | ZonaDVD

Bien sabido es que el gran David Lean quería viajar. Era una de sus necesidades vitales. Conocer mundo. No se sabe si por eso sus producciones más famosas no solamente tuvieron lugar muy lejos de su Inglaterra natal, sino también del Holluwood que le pagaba su salario y le ofrecía proyectos. Así, conoció Arabia, España, India, China… Hoy en día sus películas, algunas de ellas lo que suele llamarse “grandes clásicos”, son el paradigma de gran producción capaz de no olvidar a los personajes que las habitan, ofreciendo importantes radiografías psicológicas.

Para muchos su obra cumbre es ‘Lawrence de Arabia’, la compleja y tortuosa epopeya del oficial británico T.E. Lawrence, que le valió su mayor éxito económico y crítico, en un “tour de force” casi bíblico, pues su rodaje fue interminable. Para otros alcanzó cotas de gran lirismo con ‘Doctor Zhivago’, la triste historia de ese extraño poeta ruso. Algunos, muy pocos, defienden ‘La hija de Ryan’ como su gran e incomprendida obra maestra. Yo por supuesto, no comparto esa opinión. Entiendo perfectamente su fracaso comercial. Y hay algo que me cabrea profundamente de ella.

Parece mentira. Lean, un inglés muy inteligente, pero un inglés profundamente inglés, con todo lo que eso significa de soberbia, altivez y cabezonería (especialmente agudo cuando se mezclan con la clase y el dinero, como es el caso), se impregnó a la perfección del espíritu árabe en ‘Lawrence de Arabia’, y pareció comprenderlo muy bien, tanto en sus virtudes, que no son pocas, como en sus defectos, que son bastantes. El respeto y el amor por una cultura tan ajena a él mismo, a sus raíces, se palpan en cada fotograma, en cada secuencia. De hecho, muy al contrario de lo que ocurre en la estupenda ‘El puente sobre el río Kwai’, no hay el menor rastro de venganza cultural como la que supone que los ingleses sean capaces de construir un puente que los japoneses no consiguen levantar con finura.

La crítica a la autocomplacencia y la dureza de los mandos británicos, también presente en aquélla, aquí se vuelve más furibunda, con esa crónica despiadada de cómo Inglaterra y sus secuaces se seguían repartiendo el mundo durante la primera guerra mundial, y preparando el camino para la segunda, de paso. De todos ellos, Lean se queda con ese desgarbado soñador que lleva el corazón roto en la solapa de su arrugado traje de oficial, o el alma perturbada en su disfraz de árabe. Pero otorga la mayor y más noble personalidad al árabe Sherif Ali, interpretado con fuerza indescriptible por el inigualable Omar Sharif, y la mayor sabiduría y serenidad al príncipe Feisal, encarnado con emotiva convicción por Alec Guinnes.

Y aún supo empaparse de la cultura rusa, de su desazón y sensibilidad, en la hermosa ‘Doctor Zhivago’, incluso mejor que con los árabes. Ahí están las contradictorias ideas rusas, su trágico destino político tratado con solemnidad, el sentido de pérdida, el desarraigo, la poesía. ¿Por qué entonces este hombre fue absolutamente incapaz de hacerles justicia a sus primos irlandeses, los cuales tienen mucho más en común con él, por el sólo hecho de que están más cerca geográfica y culturalmente, que los árabes o los rusos? Es algo desconcertante. Esta historia centrada en un pueblecito irlandés, en sus gentes y carácter, fracasa absolutamente, evidenciando la incomprensión de su director hacia las gentes de la isla esmeralda.

Pero ahí estaban todos los ingredientes para una gran película. De nuevo se trabaja sobre un libreto del genial Robert Bolt, de nuevo la fotografía corre a cuenta del sin par Freddie Young (que ganaría con toda justicia su tercer Oscar consecutivo a las órdenes de Lean, en otro trabajo sublime), de nuevo otro paraje (los acantilados y las gigantescas playas irlandesas) que describe el estado anímico de los personajes. Y de nuevo la música, que ya suena repetitiva, de Maurice Jarre. En el reparto, un maduro pero imponente Robert Mitchum, y una grácil y atormentada Sarah Miles.

Pero la historia no acaba de funcionar. Lean comprende mucho mejor al gélido oficial inglés (cómo se parece Christopher Jones a Peter O’toole..) que a los habitantes del pueblo, que para él no parecen otra cosa que una panda de borrachos protestones y furibundos, rebeldes contra los ingleses, pero sin darles nunca la razón. De hecho, Lean parece justificar la ocupación británica, tan injusta, cruel y brutal como todas las suyas. En comparación con los sucios, estúpidos, burdos irlandeses, les da alguna oportunidad a los estirados ingleses. O al menos se siente más cercano a ellos, a su enconada lucha por conquistar el mundo, a los sufrimientos que esto les acarrea..

Tenemos a ese cura (cómo me gusta Trevor Howard, aunque su papel es facilón) carismático y gruñón, y al retrasado mental (inmenso John Mills, aunque a mí los papeles de retrasado ya no me impresionan tanto como antes), pero falta verdad. Todo parece un esquema lleno de mentira. El tratamiento al conflicto del Ira es banal, infantil, y el concepto irlandés no se ve ni por asomo. Tengo algo de sangre celta, aunque no por entero, y me cabrea esa condescendencia, esa radiografía tan vaga e imprecisa de un pueblo que merecía un director que les comprendiera más y mejor. Hablábamos de David Lean, carallo…

Siempre será recordado como un director de grandes historias épicas, que supo manejar con destreza y gran maestría en títulos inolvidables como ‘Lawrence de Arabia’, ‘El puente sobre el río Kwai’, ‘La hija de Ryan’ o ‘Doctor Zhivago’. Pero más allá de esta primera impresión se escondía un cineasta curtido, que aprendió el oficio desde abajo hasta debutar con el drama bélico (codigirida junto a Noel Cowards) ‘Sangre, sudor y lágrimas’ lo que le valió el reconocimiento para continuar con su carrera.

Y antes de que se desplazara a Hollywood para afrontar grandes narraciones con enormes presupuestos, realizó algunas películas con historias modestas y correctas adaptaciones de clásicos (‘Oliver Twist’, ‘Cadenas rotas’). Nos dejó alguna obra maestra, como esa pequeña joya del cine inglés titulado ‘Breve encuentro’, drama sentimental sencillo y emotivo, con una historia de amor maduro y desencantado, que ya evidenciaba su descomunal y preciso talento visual, además de su enorme capacidad en la dirección de actores.

Un artesano del cine, calificado de preciosista por su exquisito y detallista sentido de la imagen cinematográfica, pero que gracias al éxito logrado, se permitía el lujo que pocos han podido tener, de tomarse con cierta calma el rodaje de sus producciones, aplicando la máxima perfección a cada detalle, a cada fragmento de sus películas. No es fácil encontrar cineastas que logren aunar un enorme reconocimiento artístico, tanto por la crítica especializada como por estudiosos y sus propios colegas de profesión, como su facilidad para lograr éxitos de taquilla y público por todo el mundo.

Su exquisito gusto visual quedó plasmado en un tratamiento de la luz, el color y los paisajes como pocos han logrado, y eso a pesar de su corta trayectoria como director, que concluyó con ‘Pasaje a la India’ a comienzos de los ochenta, cuando su avanzada edad le retiró para fallecer en el año 1991.

Aunque sería un argumento muy simplista quedarse con su preciosismo estético, puesto que David Lean también supo integrar con especial dedicación la música en sus historias. Las imborrables imágenes de ‘Lawrence de Arabia’, ‘Doctor Zhivago’ o ‘El puente sobre el río Kwai’ son más indelebles gracias a las melodías que las acompañaron y que marcaron una época. Desde los melancólicos violines en la fría estepa rusa, las grandiosas paritituras sobre el desierto, a la pegadiza melodía silbada (“Coronel Bogey”) por los soldados que trabajaban en la construcción de famoso puente en el río Kwai.

Su dominio del “tempo” narrativo quedó patente en algunas de las mejores elipsis temporales de la historia del cine (ese fuego de una cerilla que se convierte en el abrasante sol arábico, por ejemplo). Y es que no podemos olvidar que además de dirigir escribió algunos de sus guiones además de encargarse del montaje final.

Todo ello lo convirtieron en un maestro que inspiró (y así lo han reconocido) a cineastas como Spielberg, Scorsese, Kubrick o George Lucas.

Más información | David Lean en Senses of Cinema
El centenario en la prensa | Telegraph | El Mundo

Me es totalmente imposible, porque me embriaga la emoción, el hablar aquí de la infinidad de títulos míticos en los que este señor metió su mano como productor. Pero desde luego, el cine no sería el mismo sin films como ‘Guerra y Paz’, ‘La Strada’, o ‘Doctor Zhivago’, por citar sólo tres ejmplos de su extensísima filmografía. En 1950 se asoció con otro productor mítico, Dino De Laurentiis, creando la Ponti-De Laurentis. También metió mano en productos a priori arriesgados, como ‘Blow-Up’, ‘Le Mépris’ o ‘Carne para Frankestein’, y en algunas coproducciones lujosas de los años 70 como la endeble, pero simpática, ‘El Puente de Cassandra’. Si echais un vistazo a su ficha vereis que prácticamente todas la películas de la Loren, o la inmensa mayoría, fueron producidas por él. Hasta siempre, Carlo.