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Clint Eastwood: 'Fuga de Alcatraz'

Alberto Abuín — Wed, 08 Jul 2009 18:19:23 +0000

Tras el exitazo de ‘Duro de pelar’ (una de las películas más accesibles y menos complicadas de todas cuantas protagonizó Clint Eastwood), el actor volvió a verse con Don Siegel, amigo y mentor, en ‘Fuga de Alcatraz’, film de un denominado subgénero carcelario, película en la que ambos alcanzaron una de las cumbres de sus respectivas carreras. Hacía 8 años (estamos en 1979) que Eastwood y Siegel no coincidían profesionalmente, muy probablemente porque el alumno había cogido ventaja al maestro y Siegel realmente ya no estaba para muchos trotes. Estamos hablando de la última gran película de Siegel, tras la cual hizo las menores ‘Golpe audaz’ y ‘Jinxed!’ (de la que os hablaré en el especial de Sam Peckinpah, ya que le ayudó a dirigirla).

Richard Tuggle adaptó el libro de J. Campbell Bruce, en el que se narraba la famosa fuga por parte de tres hombres de la prisión más segura de los Estados Unidos: Alcatraz, la cual ha sido elevada a la categoría de mito gracias sobre todo al cine. Basado pues, en hechos reales, el guión se centra sobre todo en la fuga en sí; Tuggle estaba convencido de que el actor idóneo para dar vida al cerebro del plan (Frank Lee Morris) era Eastwood, y cuando Siegel leyó el guión llegó a la misma conclusión, por lo que no le fue demasiado difícil convencer a su amigo de que interpretase el papel principal.

El libreto de ‘Fuga de Alcatraz’ es uno de los más elaborados de la década de los 70, un guión que podríamos calificar como perfecto. Con pocos elementos se construye toda una odisea que además de describir al detalle todo un laborioso plan para escaparse de la prisión, nos describe como pocos a una serie de personajes de lo más fascinante, entre los que sobresale el central, Frank Lee Morris, prácticamente una leyenda. En la Paramount (Eastwood y Siegel trataron con ellos porque consideraban mala la promoción que la Universal había dado a las anteriores películas producidas por la Malpaso) querían que en el prólogo se explicase todo el pasado de Morris, algo a lo que Siegel se negó en redondo. El experto director (recordemos, uno de los mejores narradores que ha parido el cine, así de claro) explicó que cuantos más detalles se den de un personaje, cuanto más se trate de definirle psicológicamente, menos fuerza tendrá, más irreal será. Dejar al espectador el imaginarse cosas, gracias a la sutileza, es una decisión mucho mejor, y ésta es precisamente una de las principales características de Eastwood como director: la sutileza. En ese aspecto, ‘Fuga de Alcatraz’ es toda una lección de cine.

El inicio no puede ser más sugerente. En una noche lluviosa, fotografiada magistralmente por Bruce Surtess (grande entre los grandes), se narra la llegada de Morris a la prisión, cual figura fantasmal que llega de otro mundo para permanecer de por vida en un lugar en el que la libertad sólo es un sueño. Su imperturbable silencio define a Morris como alguien parco en palabras, reservado y con un toque de misterio. Más tarde, en su primera charla con el alcaide (excelente Patrick McGoohan), descubrimos por la ficha que éste tiene en su despacho, que Morris posee un coeficiente de inteligencia superior, detalle que se nos desvela justo después de darnos cuenta de que uno de los cortauñas que el alcaide tenía en su mesa ha desaparecido; al plano siguiente, Morris lo está utilizando en su celda escondiéndolo en el tacón de su zapato. El personaje queda así lo suficientemente definido: observador y callado. El resto queda a la imaginación del público, cuando poco a poco se nos va desvelando algo más de su personalidad, siempre con esa sutileza antes mencionada.

Ahí está la famosa conversación entre Morris y English (Paul Benjamin), el jefe de los reclusos negros, sentado en lo alto de las gradas del patio (las cuales señalan la jerarquía de la minoría negra en la prisión). English le recrimina a Morris el no haberse sentado a su lado, creyendo que es porque tiene miedo o simplemente odia a los negros; Morris sentándose casi pegado a él le espeta que realmente odia a los negros, ganándose al instante la simpatía de English. Morris es duro cuando tiene que serlo (el preso que lo elige como juguete sexual), pero también hace cosas que le alejan de esa dureza (se lleva en su fuga al ratón/mascota de un compañero fallecido, o se interesa por el estado de un preso al que le han retirado su derecho a pintar). Así pues, es un personaje que entra de lleno en la iconografía del propio Eastwood. Tuggle no se equivocaba cuando decía que satisfaría por completo a los seguidores del actor.

Don Siegel se inspiró en parte en ‘La evasión’, la obra maestra de Jacques Becker de la que os hablaba hace unos días, sobre todo en la exposición del plan de fuga, donde todo está explicado al mínimo detalle con un realismo casi aterrador. Al igual que en el film de Becker, Siegel filma siempre en el interior de la prisión, pero se arriesga con éxito en el inicio, con esa llegada de Morris desde el exterior, un exterior oscuro, indefinido, como si fuera de los muros de la prisión no hubiese absolutamente nada. También en las escenas del patio puede verse en el horizonte la línea de una San Francisco difícil de alcanzar, y que representa la libertad. El resto del tiempo, Siegel nos hace sentir la claustrofobia de una prisión que se cerró al poco del primer intento de fuga con supuesto éxito. La película se rodó en la verdadera Alcatraz, por lo que la sensación de realismo no puede alcanzar cotas más altas, aparte de que Siegel opta a veces por un tono casi documental en lo que se refiere a la fuga en sí. Además los hechos ocurrieron en la vida real, sin que nunca se supiese si Morris y sus dos acompañantes (había un cuarto hombre que no se atrevió a irse con ellos) tuvieron éxito, simplemente no encontraron sus cuerpos. Siegel deja a manos del espectador el decidirlo, otro de sus aciertos.

‘Fuga de Alcatraz’ es una película en la que los gestos cobran una vital importancia, mucho más que las acciones en sí. Eso puede apreciarse sobre todo en el personaje central, uno de los mejores que han podido caer en manos de Eastwood actor, observemos los pequeños detalles alrededor de su persona en instantes como el del despacho del alcaide, lo cuidadosamente que lleva a cabo su plan de evasión, la forma de tratar a su compañeros, a los guardianes. En definitiva, Morris es uno de esos personajes caramelo, mimado en el guión por Tuggle, y filmado por Siegel con mucho cariño. El carisma de Eastwood hace el resto, añadir que esta película es una en las que mejor está utilizado el rostro del actor.

Dentro del subgénero carcelario, ‘Fuga de Alcatraz’ es una de las mejores películas jamás realizadas, una obra maestra que funciona como un mecanismo de relojería, con precisión. Personajes interesantes y una historia apasionante en la que no falta un uso del suspense que nada tiene que envidiar a Hitchcock, llenan un trabajo impecable en todos los aspectos, el último gran ~~salto~~ canto de cisne de Don Siegel. Fue un éxito, y la crítica la recibió con los brazos abiertos. Al año siguiente, Eastwood se embarcaría en uno de sus proyectos más personales, las aventuras de un pequeño circo, de claro sabor crepuscular, una de esas películas que hacía porque le interesaban de verdad, aunque económicamente no le reportaran demasiado.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

‘Duro de pelar’

Clint Eastwood: 'Harry el sucio'

Alberto Abuín — Fri, 03 Apr 2009 14:41:13 +0000

- Cuando un hombre adulto persigue a una mujer tratando de violarla, yo mato al hijo de puta. Ésa es mi política.

- ¿Y cómo sabe usted que va a violarla?

- Cuando un hombre desnudo y empalmado persigue a una mujer por una calle con un cuchillo de carnicero, me figuro que no está haciendo una colecta para la Cruz Roja.

En 1971, después de que la Warner comprase los derechos de una novela titulada ‘Dead Right’, obra de Harry Julian y Rita M. Fink, en la productora se propusieron llevar a la gran pantalla dicho material, convertido en un thriller policíaco. El libro estaba inspirado en los terribles hechos que acontecieron en San Francisco en aquellos años, una serie de asesinatos cometidos por alguien que se hacía llamar el asesino del zodiaco, algo que también sirvió de inspiración para la grandiosa ‘Zodiac’ de David Fincher. En un primer momento se pensó en actores como Frank Sinatra (había interpretado ‘Detective’) y Paul Newman (había interpretado ‘Harper, investigador privado’), o John Wayne (que lo rechazó interpretando más tarde ‘McQ’ y ‘Brannigan’, films herederos de ‘Harry el sucio’).

Sinatra estuvo a punto de protagonizar la película, imponiendo el nombre de Irvin Kershner (‘El imperio contraataca’) como director, pero la cosa no cuajó. Newman no estaba de acuerdo ideológicamente con el personaje de Harry Callahan, y puso diversas excusas para no darle vida, y en cierto instante sugirió el nombre de Clint Eastwood, que en aquel momento se encontraba enfrascado en el rodaje de ‘Escalofrío en la noche’. Eastwood era tan perfecto para el personaje, que a la Warner no le importó esperar unos meses, cediendo incluso ante las peticiones del actor: el film debía ser dirigido por Don Siegel, y el guión debía ser reescrito.

Un guión en el que aparecen acreditados los autores de la novela, y también Dean Riesner, colaborador de Eastwood y Siegel en aquellos fructíferos años (suyos son los libretos de ‘Escalofrío en la noche’ o ‘La gran estafa’, fabuloso film de Siegel). Pero en el mismo también intervinieron, aunque no aparezcan acreditados, John Milius y Terrence Malick, dos futuros directores en las antípodas de Siegel. Del primero se conservó la famosa frase (en el siguiente vídeo) que con el paso de los años se ha convertido en todo un referente, aunque en un primer guión era algo diferente. De Malick no se sabe muy bien que se conservó, pero cuando Eastwood sugirió más escenas de acción, es fácil pensar por dónde iban los tiros, nunca mejor dicho.

‘Harry el sucio’ se estrenó en el momento adecuado. La administración Nixon, Vietnam, y las crecientes oleadas de crímenes en los USA alcanzaban unos niveles impensables. El pueblo americano estaba harto, y Harry Callahan representaba la voz de todos ellos. Por fin, en una película se ponían sobre la mesa los derechos de las víctimas a manos de desalmados asesinos. El Inspector Callahan administra justicia y asegura que si la ley deja escapar a un asesino por una argucia entonces la ley está equivocada. Muchos vieron en esta película un mensaje fascista que glorificaba el cuerpo policial, justificando el uso de métodos poco ortodoxos, sobrepasando el abuso de poder, para hacer cumplir la ley. Tanto Eastwood como Siegel rechazaron de pleno estas lecturas. Y es que hay que ser muy cegato para ver en ‘Harry el sucio’ interpretaciones que sí tenían imitaciones posteriores del film, como la flojísima (y muy peligrosa ideológicamente) ‘El justiciero de la ciudad’.

‘Harry el sucio’ es el retrato de un individualista, algo parecido a lo que King Vidor realizó con Gary Cooper en ‘El manantial’, pero en contextos muy diferentes. Callahan desea cumplir la ley, no soporta que los malvados se salgan con la suya beneficiándose de los fallos del sistema judicial. Lo irónico del asunto es que para hacer cumplir la ley, hay que sobrepasarla, lo cual demuestra que ésta no funciona. El film está centrado en la investigación de Callahan en busca de un asesino llamado Scorpio, que ha amenazado matar a una persona al día si no se le entrega una gran cantidad de dinero. Mientras el alcalde prefiere aceptar las demandas del delincuente, Callahan insiste una y otra vez que no se pueden doblegar ante un don nadie que se ha vuelto loco y le da por matar personas a diestro y siniestro.

Callahan es un hombre huraño y solitario. Sus métodos están desaprobados por prácticamente todo el que le rodea. Es viudo, y normalmente el culpable de que sus compañeros fallezcan en el intento de hacer cumplir la ley. Lo sabe muy bien, pero también sabe que el sistema está podrido, que la ley actúa con retraso y mal. Le suelen encargar los trabajos más asquerosos (de ahí su apodo) y apenas tiene amigos. Pero nada de esto le convierte en un fascista, y hay en el guión algunos elementos inteligentemente insertados que contradicen esa visión tan simple de este gran personaje. En cierta secuencia en la que Callahan persigue a un sospechoso, se sube a unos cubos de basura para ver lo que aquél hace en el interior de una casa, y que no es otra cosa que tener un encuentro sexual con una mujer. De repente, Harry es golpeado por cuatro hombres que lo acusan de voyeur, y es socorrido por su compañero que se dispone a detener a los cuatro individuos; pero Harry es muy consciente de que todo es producto de una equivocación y deja marchar a los que hace nada le pegan patadas y puñetazos.

Clint Eastwood contribuyó con su fuerte carisma a construir un personaje que se convertiría en todo un icono; y con la cámara de Siegel lograron un thriller ejemplar de fuerte contenido violento, y con un crescendo dramático pocas veces conseguido en el género. El montaje del film es primordial para ello, y Garl Pingitore cumplió los deseos de Siegel alcanzando la perfección. El que también había sido montador de ‘El seductor’ y ‘Escalofrío en la noche’ (curiosamente no volvería a trabajar ni con Eastwood ni con Siegel, retirándose de la profesión pocos años después de la realización de ‘Harry el sucio’), logra instantes tan poderosos como toda la larga secuencia del autobús en el tramo final de la película. La cámara de Siegel, colocada en los lugares más impensables, y el material editado, logran una tensión difícil de aguantar, que tiene su clímax en el antológico final, inspirado en parte en ‘Sólo ante el peligro’, en el que Cooper tiene un gesto que Callahan repite aquí.

El binomio Eastwood/Siegel nos dio tres obras maestras imperecederas: ‘El seductor’, la presente y ‘Fuga de Alcatraz’ (de la que hablaremos en su momento). ‘Harry el sucio’ es en la que se nota más la futura influencia de Siegel sobre el cine de Eastwood director. Su puesta en escena, el uso de un adecuado ritmo, gratuidad cero (aún tratándose de un film policíaco), personajes que respiran verdad, y pocas concesiones al espectador (que Callahan termine con el delincuente de la forma en la que lo hace no es precisamente un final feliz y complaciente, pues con ello, y su gesto tirando la placa a la bahía, renuncia a ser policía, dejando definitivamente de creer en el sistema) emparejan las maneras de Siegel con las de Eastwood. Incluso el actor llegó a dirigir dos secuencias de ‘Harry el sucio’: la nocturna en la que se encuentra con un gay en un parque, y aquella en la que impide que un suicida se tire desde un edificio, que también transcurre de noche. Siegel se encontraba enfermo y confiaba de lleno en Eastwood para filmar ambas secuencias, las cuales terminó mucho antes de lo programado, algo que repetiría a lo largo y ancho de su carrera como realizador.

Si la implicación de Clint Eastwood en el proyecto (tanto como productor como actor) fue determinante para el resultado del mismo, podríamos decir lo mismo de su antagonista en pantalla, Andy Robinson, que sencillamente borda uno de los psicópatas más célebres de la historia del cine. Robinson se hizo con un personaje que, en un principio debía interpretar Audie Murphy (el cual lo rechazó por lo violento que era), después de que Eastwood se fijase en él en una obra de Broadway. Cuando Siegel le vio, sentenció que era el Scorpio perfecto, su rostro, normal y corriente, era lo que andaban buscando. Alguien que podría ser nuestro vecino, con apariencia de niño inocente perteneciente a un coro (palabras del propio Siegel), hacía mucho más temible el personaje. A ello se añadió además un pequeño, pero muy significativo, detalle; Robinson era pacifista, odiaba las armas, y cuando en la película tuvo que disparar varias veces, apenas podía soportarlo, por lo que, cada vez que lo hacía cerraba los ojos. El efecto es inmejorable, y ayuda a vestir psicológicamente a Scorpio.

En el siguiente vídeo puede verse (sólo en los primeros minutos del mismo) algo que rara vez se ve en el cine de acción: el uso de un travelling como elemento emocional. Tras una persecución a pie, Callahan dispara a Scorpio en una pierna ya herida, para que éste caiga. Una vez a su lado, le obliga a decir donde tiene una chica secuestrada que puede morir. Scorpio sólo grita aludiendo a sus derechos legales; Callahan le tortura pisándole su pierna herida, mientras Siegel se aleja con un movimiento de cámara aislando a sus dos personajes del mundo. El momento posee una violencia indescriptible, y el espectador se libera a través de ese travelling, no queriendo saber nada de lo que ocurre ahí. Pero el siguiente plano es el rescate de una chica, violada y asesinada, de un lugar en el que su sufrimiento fue mucho mayor del que padeció Scorpio. ¿Justifica la violencia la película? No. Simplemente la muestra, y también sus consecuencias. Y nos estampa la triste realidad en nuestras caras: en este asqueroso mundo hay gente con la que no se puede razonar.

Clint Eastwood ya era una estrella, pero ‘Harry el sucio’ elevó su fama hasta donde pocos actores han llegado. Su éxito provocó que la Warner quisiera volver al personaje varias veces más, aunque los resultados no estuvieron a la altura del film firmado por Don Siegel. Una obra maestra rotunda, que provoca en el espectador sensaciones nuevas a cada visionado, convirtiendo el entretenimiento en arte. La influencia de la película fue tan fuerte que casi nadie escapó a ella. El John McLane de ‘Jungla de cristal’ y el Martin Briggs de ‘Arma letal’, por poner sólo dos ejemplos bien conocidos, no son más que reinterpretaciones del Harry Callahan de Siegel y Eastwood. Aún a día de hoy, su imagen es más poderosa de lo que nos podamos imaginar, superando todas las burdas imitaciones (léase el caso de Charles Bronson y su infumable Paul Kersey, o productos mil de Chuck Norris) que no hicieron otra cosa que prostituir el original, haciendo que muchos espectadores los metieran a todos en el mismo saco.

Servidor no recuerda un film relativamente reciente, perteneciente al género, que me haya dejado clavado a la butaca como ‘Harry el sucio’ lo logra. Será por la impecable labor de Siegel, por la fuerte personalidad de Eastwood, por lo convincente que está Andy Robinson, o por lo efectiva que resulta la música de Lalo Schifrin, pero si el CINE (así con mayúsculas) se hizo para disfrutar al máximo, ‘Harry el sucio’ es la prueba latente de ello. Lo dicho, una obra maestra.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

El debut en la dirección

Como os dije en su momento, este especial sobre la carrera de Clint Eastwood será amenizado con un par de concursos. El primero de ellos, el próximo lunes en vuestro blog favorito. Gracias a todos por vuestro tiempo.

Clint Eastwood: El debut en la dirección

Alberto Abuín — Fri, 27 Mar 2009 16:08:34 +0000

Para un director que ha de dirigirse como actor, uno de los problemas que ha de resolver es separar el personaje de la historia que cuenta del hombre que se sienta detrás del tomavistas.

En 1971, Clint Eastwood debuta en la dirección con ‘Escalofrío en la noche’ (horroroso título español para ‘Play Misty for Me’). Sus deseos de ponerse tras las cámaras se remontan a la serie ‘Rawhide’, en la que propuso varias veces el dirigir, petición que le fue denegada siempre. Sea como fuere, Eastwood pasó mucho tiempo fijándose en todos los directores que pasaron por la serie, y cómo no, con todos los que trabajó posteriormente, sobre todo su amigo Don Siegel, quien le convenció para dar el salto a la dirección, y quien fue convencido para participar con un pequeño papel en el film.

Cuando se le propuso a la Universal (con la que había firmado un contrato para coproducir y distribuir varias películas como actor) el dirigir la película, estos aceptaron a condición de que no pagarle nada como director. Eastwood aceptó sin pensárselo dos veces, y lo más sorprendente es que no metieron las narices en el rodaje, dejándole total libertad para hacer el film como a él le apeteciese. Únicamente tenía que comprometerse a protagonizar después un thriller o un western para la productora.

No leer si no se ha visto la película.

El argumento de ‘Escalofrío en la noche’ parte de una historia escrita por Jo Heims, a quien Eastwood le compró su relato, ofreciéndole el escribir el guión ayudada por Dean Riesner, por aquel entonces muy cercano al actor y a Siegel, para quien escribió varias películas. Dave Garner es un disjockey de Carmel (localidad de California en la que vive el propio Eastwood), que todas las noches ameniza a sus oyentes con el mejor jazz posible. Entre ellos hay una mujer, Evelyn, que le llama puntualmente todas las noche para hacerle una petición, el mítico Misty de Erroll Garner. Un día esa mujer hace acto de presencia, y Garver, mujeriego como muchos, se acuesta con ella pensando que la cosa no pasará de ahí. Nada más lejos de la realidad. Evelyn se convertirá en una verdadera pesadilla para Dave, amenazándole a él y todo su mundo.

‘Escalofrío en la noche’ es un thriller de suspense, con varios elementos añadidos que lo apartan un poco del género, permaneciendo como toda una curiosidad en la carrera de Eastwood. En unos años en los que el salto a la dirección por parte de los actores no se prodigaba tanto como en nuestros días, el actor no sólo sorprendió con su ópera prima, llamando la atención sobre la crítica (de público fue un éxito más bien modesto), sino que además, logró mantener un status como director que muy pocos actores lograron conservar en su salto al otro lado de la cámara. A la Universal no le preocupó en absoluto que Eastwood quisiese dirigir y arriesgarse en cierta medida con su primer trabajo como director; al fin y al cabo, él protagonizaba la película y no temieron por sus resultados comerciales, lo único que les importa a las grandes majors.

Eastwood demostró una pericia narrativa que conecta directamente con la de su mentor, Don Siegel, con quien se permitió el lujo de bromear durante el rodaje (le hizo repetir una escena 11 veces, tras lo cual le dijo al operador que la siguiente sería la buena porque la cámara tendría película). Al mismo tiempo se aparta de su “maestro” (vamos a permitirnos esta licencia), arriesgándose sobre todo en el montaje. Sirva como ejemplo la secuencia en la que Garner pasea con su ex-novia, imágenes casi de postal, mientras los diálogos, desincronizados adrede, nos dan la información necesaria en esa secuencia. También se permite algún segmento con abierto tono documental, como la visita al Festival de Jazz de Monterrey (donde podemos apreciar al público mirando a la cámara), y que Eastwood rodó por su gran afición al jazz. De hecho, su primera película como director tiene un sentido carácter jazzísitico, por el hecho de resultar una obra libre que, cual melodía de jazz, navega alrededor de un tema, alejándose y volviendo a él, para terminar con una gran explosión. Eastwood consigue la atención del espectador, que éste se identifique con los personajes, le aleja de ellos a su capricho, los vuelve a acercar, creando y liberando tensión de modo que el público está a su merced. Al final, la liberación expresada en un directo puñetazo puede hacer que rompamos en aplausos.

Como actor, Eastwood siguió con la imagen que empezó a cambiar en ‘El seductor’, personaje al que Dave Garner se parece un poco, sobre todo por su carácter de empedernido mujeriego. Logra apartarse de la imagen de pistolero o justiciero que teníamos de él, haciendo creíble y cercano un personaje que una vez más, es fotografiado muchas veces en la oscuridad de su estudio (Bruce Surtees vuelve a ser el operador de cámara, logrando instantes muy poderosos). Al igual que en el film de Siegel, su personaje da con una mujer (en la otra película eran varias) a la que cree poder controlar, y ésta se rebela como alguien muy peligroso. Jessica Walter fue elegida por el propio Eastwood para realizar ese papel, logrando imponer su decisión a la major, donde querían otra actriz más conocida (Lee Remick). Walter realiza una interpretación prodigiosa, convirtiéndose en el alma mater del film (sobre todo porque a Eastwood le gusta renunciar a su lucimiento en beneficio de los demás actores), siendo temible e impredecible en cada plano en el que hace acto de presencia (la facilidad con la que Eastwood logra que la temamos aún cuando ríe, es de lo mejor de esta gran película). En un personaje muy, muy secundario, su amigo Don Siegel, dando vida al dueño del bar donde Garner para; una interpretación más anecdótica que otra cosa por lo que representa en la relación personal de los dos cineastas. Donna Mills da vida Tobie, la ex-novia de Dave que vuelve a entrar en su vida. Estawood la retrata muy bien en una secuencia muy comentada en su día, aquella en la que suena el tema de amor interpretado por Roberta Flack, The First Time Ever I Saw Your Face.

La crítica de la época habló de la influencia de Otto Preminger (por más que reviso el film no soy capaz de encontrarla) y sobre todo Alfred Hithcock. El maestro del suspense quedó maravillado con el trabajo de Eastwood, llegando a reunirse con él para un futuro proyecto (una película ambientada en un tren en el medio de Europa) que nunca vio la luz (Don Alfredo estaba ya muy enfermo). La parte final de ‘Escalofrío en la noche’ es la que más bebe del autor de ‘Psicosis’, película con la que guarda algún que otro parecido (el asesinato del policía que va a la casa de Dave a investigar), sobre todo en la extraordinaria secuencia de Evelyn intentado matar a Dave mientras duerme. La planificación en ese instante imprime una ambigüedad al momento (aportación de Eastwood para lograr apartarse del homenaje en sí, creando un propio estilo), en el que llegamos a dudar sobre si lo sucedido es real o no (una llamada de teléfono nos da la solución).

En 1987, un impresentable de nombre Adrian Lyne (sin una sola película buena en su haber), plagió ‘Escalofrío en la noche’ de cabo a rabo, y con todo el morro del mundo. El resultado fue una de las cinco finalistas en los Oscars de aquel año, algo que nos dejó a muchos con la boca abierta. Glenn Close heredó el personaje de Walter, pero no llegó a ser ni la mitad de amenazadora que Evelyn, amante del jazz y de la poesía de Edgar Allan Poe (detalle éste más sórdido de lo que parece), y que permanece para siempre en nuestra memoria, erigiéndose como una de las psicópatas más terribles del cine. Aún viéndola flotar en las aguas del Pacífico (la verdadera Jessica Walter hizo la escena sin necesidad de usar doble), uno teme que vuelva a levantarse, mientras Eastwood se aleja con un travelling panorámico a la inversa de como empieza el film, algo que se convertiría en marca de la casa, sobre todo en los thrillers.

Tanto Eastwood como Siegel quedaron muy satisfechos de ‘Escalofrío en la noche’, y enseguida volverían a trabajar juntos. Sería en la creación y dibujo de un personaje que haría historia: Harry Callahan.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

‘El seductor’

Clint Eastwood: 'El seductor'

Alberto Abuín — Tue, 24 Mar 2009 07:05:42 +0000

Estamos en 1970 y Clint Eastwood continua con paso seguro su carrera ascendente como actor, y al frente de su productora Malpaso, controlando hasta el último detalle de las películas en las que interviene, aunque para ello tenga que pelearse insistentemente con los directivos de las majors con las que se asocia. Durante el rodaje de la floja ‘Dos mulas y una mujer’, llega a manos del actor un libro que le entusiasma, obra de Thomas Cullinan. Se lo enseña a su amigo Don Siegel, y ambos coinciden en que es un relato de terror atípico con muchísimas posibilidades.

La Universal enseguida se interesó por el proyecto, sobre todo porque se trataba de la nueva película de Clint Eastwood, y además un western que le reunía de nuevo con Siegel, con el que ya había tenido éxitos taquilleros. Jennigs Lang, el productor ejecutivo de la cinta se frotaba las manos ante la posibilidad de un nuevo éxito, y la intención de lanzarla como el nuevo western protagonizado por una de las estrellas del momento. Pero cuando vio el material, claramente atípico y anticomercial, enseguida temió por el futuro económico de la película, y se dispuso a sugerir cambios radicales en la historia.

No leer si no se ha visto la película.

‘El seductor’ es un relato ambientado en la guerra civil norteamericana. John McBurney es un soldado yanqui herido que es rescatado por una niña perteneciente a una escuela de señoritas del sur. Un pequeño grupo de mujeres, reprimidas por la falta de un hombre, lo aceptan mientras se recupera de sus heridas. Poco a poco empezarán a sentirse atraídas por el joven soldado, y éste lo usará para su provecho, enrareciendo el ambiente. Los celos, y lo que éstos pueden conllevar, harán acto de presencia.

Era un proyecto muy arriesgado, e incluso Eastwood no estaba del todo convencido de interpretarla, pues como estrella ascendente que era, podía verse perjudicado con un tipo de personaje que no sería bien recibido por el gran público (era un ser despreciable que podía caer muy antipático, y para colmo, moría al final de la película, víctima de una confabulación femenina, algo que Jennigs Lang quiso cambiar a toda costa, prediciendo el futuro fracaso económico de la cinta). Siegel convenció al actor de que debía interpretarla, de que le vendría muy bien a su carrera, artísticamente hablando, y no se equivocó. Estamos ante uno de los mejores trabajos interpretativos de Eastwood, y Siegel siempre consideró que fue su mejor película como director. Pero Lang no falló en sus predicciones, ‘El seductor’ fue un fracaso comercial, y éste echó la culpa a la imagen atípica del personaje de Eastwood.

Pero poco importa el éxito económico de una película cuando ésta permanece en la memoria de los que la visionan y aguanta el paso del tiempo sin perder ni un sólo ápice de su calidad. Para hacerla, Eastwood y Siegel tuvieron que luchar para lograr mantener los aspectos más interesantes, morbosos y atractivos del relato. Incluso, el actor tuvo que enfrentarse a Lang pues éste quería a Jeanne Moreau para el papel femenino central, que terminó interpretando una impresionante Geraldine Page. Además de eso, el actor rebajó su salario, y junto con Siegel acordó dar un tono adecuado a una película que parecía un western, pero no lo era en realidad. Casi toda rodada en interiores, ‘El seductor’ se erige como un cuento terrorífico en el que Clint Eastwood da vida a un lobo con piel de cordero en un ambiente femenino que se revela aún más terrorífico y despreciable de lo que él puede llegar a ser.

El actor sorprende con una interpretación totalmente alejada de todo a lo que nos tenía acostumbrados hasta ese momento. Esta vez, la amoralidad del personaje no es bien vista por el espectador, y el actor aprovecha al máximo este elemento pues logra desprender una rara ambigüedad, salpicada de matices que le confieren verdadera maldad, y al mismo tiempo resultar adorable y encantador, todo bajo un falsa máscara de amabilidad. Atención a los instantes en los que le preguntan por sus logros en la guerra, y él narra cosas que hace que sientan simpatía por él, mientras Siegel introduce pequeños flashbacks que desmienten sus palabras. Todo esto choca de frente con el pequeño grupo de mujeres que, en un principio se sienten totalmente atraídas por él, pero cuando comprenden que están siendo engañadas, cada una por separado, se desvela el verdadero carácter de las mismas, llegando a ser si cabe aún más crueles que su inesperado invitado. La venganza en manos de una mujer defraudada es lo más temible en este cuento de horror. Y éste es uno de los aspectos más interesantes de ‘El seductor’: cada una de las mujeres está enamorada de él, y todas quieren matarle. Aún cuando les ha engañado con sus propias compañeras, todas se unen para castigar al soldado embaucador. Sirva como ejemplo, el final, o la angustiosa escena en la que le amputan la pierna a McBurney, y que simboliza una castración.

‘El seductor’ posee una excelente puesta en escena por parte de Siegel, ayudado por la inestimable ayuda de Bruce Surtees (hijo del gran Robert Surtees), director de fotografía que debutaba en el cine con esta película. La historia da comienzo con los colores totalmente apagados, casi en blanco y negro, dando al film un abierto carácter onírico, a lo que también contribuye una canción cantada por el actor a modo de lamento. La película empieza y termina de la misma forma, dando a entender que lo narrado es una pesadilla, un cuento irreal, fantasmagórico e inquietante. Eastwood encontró en Surtees el operador ideal para dibujar su estilo estético. Colaboró con él en multitud de ocasiones, hasta que dio paso a otros operadores que siguieron el camino que Surtees empezó. Conocido por muchos colegas de profesión como “el señor de las tinieblas”, su trabajo en ‘El seductor’ es impresionante. Las escenas en interiores tienen unos juegos de contrastes con la luz, que dan el tono perfecto a la historia. Al respecto cabe citar una conversación entre Eastwood y Page a la luz de un fuego en la chimenea. Eastwood retratado en la oscuridad, una imagen que se convertiría en uno de los sellos de su manera de hacer cine.

‘El seductor’ tuvo muy mala suerte en su carrera comercial. La Universal trató de venderla como un western de acción, operación que les salió mal, aún estrenándola masivamente. Ni siquiera fue exhibida en Cannes, opción rechazada por los directivos de la major. Afortunadamente, la crítica la elogió, destacando sobre todo la interpretación de Eastwood, quien empezó a hacer sus primeros trabajos como director durante el rodaje (en Louisiana) filmado un pequeño documental sobre la figura de Don Siegel.

Al año siguiente, Siegel le ayudaría en la que sería la ópera prima de Eastwood: ‘Escalofrío en la noche’ (curiosamente, con más de un punto en común con ‘El seductor’), y un autor nacería, pero de eso hablaremos en el siguiente episodio.

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‘Los violentos de Kelly’

Clint Eastwood: 'Dos mulas y una mujer'

Alberto Abuín — Tue, 03 Mar 2009 08:38:57 +0000

No leer si no se ha visto la película.

‘Dos mulas y una mujer’ (el título que recibió en nuestro país ‘Two Mules for Sister Sara’) es la segunda colaboración de Clint Eastwood y Don Siegel, y sin duda alguna, la peor de todas. En un principio se trataba de un proyecto hecho a la medida de Eastwood y Elizabeth Taylor, y que había surgido durante el rodaje de ‘El desafío de las águilas’. Una producción Malpaso, a la que se asoció Universal para la distribución del film, llegando a firmar un contrato con el actor para tres películas más, que se filmaría en México, y sería un intento de reunir en una sola película el western clásico americano y el spaghetti western, muy de moda por aquellos años (estamos en 1969), relacionando la película con los films que Eastwood hizo a las órdenes de Sergio Leone en España.

Elizabeth Taylor empezó a dar problemas, queriendo filmar en nuestro país para estar más cerca de su amado Richard Burton, y la más que famosa inestabilidad emocional de la que hacía gala llevó al traste el proyecto, siendo sustituida a última hora por Shirley MacLaine, teniendo que escribir casi por entero el personaje femenino. La protagonista de películas como ‘El apartamento’ o ‘La calumnia’ no era tan famosa como Taylor, pero su registro interpretativo era muy superior, con lo que todos salieron ganando con el cambio.

El argumento de ‘Dos mulas y una mujer’ narra la historia de una mujer que es salvada de ser violada por el héroe (más bien habría que decir antihéroe, algo que siempre le encanto interpretar a Eastwood a lo largo y ancho de su carrera) del film: Hogan, un pistolero, experto en explosivos que llega en el momento adecuado. Tras descubrir que es una monja, Hogan se ve en la necesidad moral de ayudarla. Sara, simpatizante de los juaristas en la lucha contra la invasión francesa de México, se las ingeniará para que Hogan la ayude en su lucha, a pesar de que a éste sólo le mueven intereses económicos.

‘Dos mulas y una mujer’ es una película fallida en muchos aspectos. Para empezar su mezcla del western clásico y europeo, no termina de funcionar, quedando un híbrido de lo más chirriante. El guión parte de una historia de Budd Boetticher, ese genio olvidado por muchos y al que Eastwood profesa gran admiración, y de cuya escritura se encargó Albert Maltz, guionista, entre otras, de maravillas como ‘Destino Tokyo’ o ‘Clandestino y caballero’, y que repetiría en la siguiente colaboración del tándem Easwtood /Siegel, ‘El seductor’, aunque ahí firmaría con seudónimo. La historia no es demasiado inspirada, teniendo una descripción plana de personajes, y también de situaciones (salvo casos aislados) en las cuales no termina de cuajar cierto sentido del humor, insertado por las intenciones paródicas del film.

Clint Eastwood vuelve a quedar en un segundo plano con respecto a su compañera de reparto, una atractiva Shirley MacLaine que se convierte en la reina absoluta de la función sobre todo porque su personaje es mucho más rico que el de Eastwood. Entre ambos, y a pesar de que la química no es todo lo perfecta que cabría esperar, se intuye una tensión sexual latente, que estará presente a lo largo de todo el relato, y que tendrá su explosión final cuando Hogan descubre que Sara en realidad es una prostituta, y que le ha estado engañando todo el tiempo (memorable la frase de diálogo ante la réplica de Hogan de que están en un burdel: “No es un burdel, es la mejor casa de putas de todo el pueblo”). Al respecto, cabe citar la que es probablemente la secuencia más famosa de toda la película, aquella en la que Sara le saca una flecha india a Hogan del hombro, mientras éste se emborracha para no sentir nada.

Al igual que en los films de Leone, sobre los que la película de Siegel planea todo el rato, la inmoralidad de sus personajes es una de las constantes de la historia. Pero resulta curioso comprobar que en ‘Dos mulas y una mujer’ el personaje amoral es el de ella y no el de él. Eastwood da vida a un desinteresado vive la vida, que sólo busca ganar dinero para gastárselo en juego y bebida; usa explosivos en vez de un revólver, y cuando ha de utilizar éste, la mayor parte de las veces dispara por la espalda. Y hasta aquí hemos llegado; su supuesta inmoralidad se queda reducida a nada cuando se trata de respetar una sotana, dejando todo de lado por ayudar a una monja. Sin embargo, Sara, que en principio creemos una monja, se vale de su condición religiosa para aprovecharse de las situaciones, y al final, se riza el rizo, descubriéndonos a una prostituta que no duda en hacerse pasar por monja para su propio provecho y el de la causa. MacLaine utiliza muy bien su físico, logrando ser sensual en el momento adecuado, aún llevando ropas de monja. Eastwood se muestra mucho más divertido que en ocasiones anteriores, riéndose de sí mismo, aunque su personaje parezca una copia sin entidad alguna, de sus trabajos con Leone (hasta en la parte final del film lleva un poncho), añadiendo únicamente un tono paródico, que vuelvo a señalar, hace demasiado daño a un film que debió ser mucho más desmelenado y no depender tanto de la influencia europea.

Para más subrayados, Ennio Morricone compone la banda sonora, hermana bastarda de los films de Leone, y en la que también va impreso cierto tono de broma acorde con la historia, como si las notas nos narrasen, a modo de sinfonía burlona, los vericuetos por los que atraviesan los protagonistas. Pero Don Siegel se muestra incapaz esta vez de sacar algo de provecho del material que tiene entre las manos, mostrando una gran inseguridad y torpeza en la narración (esos zooms de acercamiento sin ningún sentido dramático), por no hablar de la ausencia total de estilo en un film que en apariencia es un western, pero cuyo engranaje entra de lleno en la comedia, con la consabida guerra de sexos incluida (las razones por las que Hogan no tiene una mujer a su lado provocarían el enfado de cualquier feminista de tres al cuarto). Las escenas de acción no son nada del otro mundo (algo muy raro en Siegel), y en la parte final se nota la falta de un malvado con más presencia, alguien que realmente haga peligrar el por otro lado demasiado fácil, plan de nuestros héroes.

‘Dos mulas y una mujer’ termina con una escena realmente inspirada: Tras conseguir todos lo que querían, Hogan y Sara se acuestan para terminar así con tanta tensión sexual. Tras ello, Sara, con una ropa muy diferente a la de una monja, acompaña a Hogan en su camino; éste con cara de enfado le recrimina para que vaya más rápido. Una vez consumado el acto sexual, ya no queda nada en la relación por lo que interesarse. Al igual que con el dinero, Hogan demuestra moverse únicamente por instintos básicos. Cuenta la leyenda que el título del film hace referencia a dos mulas, una es sobre la que va montada MacLaine, y la otra es el personaje de Clint Eastwood, quien no se enteró hasta el final del rodaje del chiste.

El actor seguía cimentando su imagen de duro, y entraría de lleno en la década de los 70, una de las más ricas, artísticamente hablando, de su vida. ‘Los violentos de Kelly’ sería el primer título en esos años, pero hablaremos de ella en el próximo post del especial.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

‘La leyenda de la ciudad sin nombre’

Clint Eastwood: El encuentro con Don Siegel

Alberto Abuín — Thu, 29 Jan 2009 22:31:33 +0000

Corría el año 1968 y la fama de Clint Eastwood subía como la espuma. Tras el éxito de ‘Cometieron dos errores’ recibió una oferta de la Universal para protagonizar un film titulado ‘Coogan´s Bluff’, que en nuestro país fue bautizado como ‘La jungla humana’, en la que un policía de pueblo tenía que ir a la gran ciudad (en este caso la inigualable Nueva York) a recoger a un delincuente para devolverlo al estado de Arizona. A Eastwood le recordaba a los films de Frank Capra en los que un personaje tenía que desenvolverse en un ambiente distinto al suyo, pero mientras en los films del director de ‘Caballero sin espada’ esto era prácticamente el tema central, en ‘La jungla humana’ es un aspecto más de un denso y a ratos agobiante thriller.

Como en todas las producciones Malpaso, Eastwood tenía la última palabra sobre el director a elegir, y aún así no está muy claro como las riendas de dirección terminaron en Don Siegel. Parece ser que Eastwood recomendó a Don Taylor, y los de la productora se equivocaron de Don (algo sobre lo que el director de ‘Harry el sucio’ bromeó durante años). Aunque también se dice que el proyecto fue encomendado a Mark Rydell, quien no pudo aceptarlo recomendando a Siegel. Conociendo el carácter bromista de éste último es lógico pensar que la segunda opción se acerca más a lo que realmente sucedió. Sea como fuere, todos salimos ganando con Siegel tras las cámaras.

Al principio Eastwood y Siegel no se entendieron demasiado bien, hasta que pasaron un fin de semana en la casa del primero, en California, hablando sobre cualquier cosa menos cine. Llegaron a compenetrar a la perfección, conociéndose como personas (siendo uno liberal y el otro republicano jamás discutieron sobre política durante su larga amistad), y una vez dado este paso, se pusieron manos a la obra. Ambos coincidían en que el primer borrador del guión no funcionaba, y junto con uno de los guionistas contratados, Dean Riesner, se pusieron a reescribirlo hasta quedar de su agrado. Era la primera vez que Eastwood participaba en un guión de forma tan comprometida, pues hasta ese momento sólo había aportado elementos sobre los personajes que interpretaba.

Con una premisa tan sencilla como la de un policía de la desértica zona de Arizona tiene que ir hasta una gran ciudad a recoger a un delincuente para devolverlo a su “lugar”, Siegel logra filmar un thriller mucho más interesante y atractivo de lo que dicha premisa sugiere. Durante los títulos de crédito iniciales, el personaje central queda totalmente dibujado: se trata de un rudo policía que usa cualquier método para atrapar a un indio escapado de la reserva. De hecho, se podría emparejar con su futuro personaje de Harry Callahan, aunque ciertos aspectos en la personalidad de Coogan (no dar un pitillo a su preso haciéndole sufrir, o antes de entregarlo ir a visitar a una mujer casada con la que se acuesta) le infieren cierto aspecto amoral del que Callahan carece. En su viaje a la gran ciudad, se encontrará con todos los típicos prejuicios que existen (éste un elemento en el guión más actual que nunca) contra la gente de pueblo. Pero en lugar de sentirse engullido por toda la burocracia policial (no le entregarán al detenido hasta que éste no sea dado de alta en el hospital psiquiátrico en el que se encuentra), y las bromas de mal gusto de las que es objeto (un taxista le cobra más de lo debido, y el jefe de policía le llama texano, aún sabiendo que proviene de Arizona), Coogan reacciona con mucha filosofía (apenas le deja propina al taxista) y se adapta a su nuevo entorno con la facilidad de un imparable camaleón, aunque para ello las cosas se tengan que poner serias, y reciba descomunales palizas (algo que por aquel entonces parecía ser un elemento típico en los personajes interpretados por Eastwood).

Eastwood encarnó a la perfección a este tipo proveniente de un pueblo, ampliando su registro incluso hasta la comedia. Al respecto cabe citar el aspecto mujeriego de Coogan, confraternizando con los dos personajes femeninos del film: una psiquiatra de la policía, a la que no duda en seducir para conseguir sus propósitos, y una de las amantes del delincuente al que tiene que atrapar, con la que utiliza el mismo método, aunque con diferentes resultados. Mientras una termina rendida a sus pies, con la otra termina recurriendo a la violencia física. Dos personajes vitales encarnados muy acertadamente por Susan Clark y Tisha Sterling. En el papel del jefe de la policía en Nueva York, tenemos al excelente Lee J. Cobb, del que echamos en falta un poco más de protagonismo, pues su participación se limita a meras intervenciones poniendo alguna traba a Coogan, para al final despedirse de él mostrándole respeto.

Don Siegel (en la época en la que firmaba sus películas como Donald Siegel) provenía de conseguir cierto prestigio dirigiendo películas como ‘La invasión de los ladrones de cuerpos’ o ‘Crimen en las calles’, entre otras, films de bajo presupuesto en los que el director, con una cantidad mínima de elementos conseguía la máxima eficacia, algo muy del gusto de Eastwood (una de las características más representativas de su trabajos como director). Éste, que sólo le conocía por los films mencionados o el curioso remake de ‘Forajidos’, ‘Código del hampa’, enseguida quedó encantado de su forma de enfocar un rodaje, teniendo las ideas siempre claras de qué iba a filmar. El estilo directo de Siegel queda bien patente en ‘La jungla humana’, a la que dota de un ritmo increíble, sobre todo gracias al originalísimo y eficaz uso de las elipsis, que llevan al personaje de un lado a otro en un abrir y cerrar los ojos, sin resultar brusco. La violencia, siempre justificada, está narrada sin tapujos, muy directa, algo que tuvo algunos problemas con la censura de la época, junto con ciertas escenas de alto contenido sexual, además de retratar la noche neoyorkina de forma atrevida.

‘La jungla humana’ puede pecar de una historia algo simple, pero la puesta en escena de Siegel, quien además aprovecha para situar de nuevo a Eastwood en un western, pero esta vez urbano (esas motos en lugar de caballos), le confiere una mayor profundidad. Actor y director dieron inicio aquí a una relación profesional inolvidable, un tándem que nos regalaría alguna que otra joya. En cuanto a Eastwood y su futura carrera de realizador, comenzada tres años después de la realización de ‘La jungla humana’, siempre reconoció que todo lo que sabe acerca de hacer cine, lo aprendió de la mano de Siegel, al que siempre consideró a la misma altura que directores como Howard Haws. No es para menos; siempre he tenido la impresión de que Don Siegel era considerado a un menor nivel que otros grandes directores, y me alegro de que en este especial sobre Clint Eastwood podamos repasar cuatro títulos más de su excelente filmografía.

Tenéis editada ‘La jungla humana’ en dvd, y como anécdota decir que la película inspiró una serie de los 70 que tuvo un impresionante éxito, sobre todo en nuestro país: ‘McCloud’, interpretada por Dennis Weaver.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

La Malpaso y dos errores

'La Invasión de los Ladrones de Cuerpos', obra maestra de la ciencia ficción

Alberto Abuín — Thu, 25 Oct 2007 11:21:21 +0000

A punto estuve de incluir ‘La Invasión de los Ladrones de Cuerpos’ en la lista de mis diez películas favoritas de los años 50, cuando recientemente volví a visionarla, y de nuevo volví a quedarme maravillado por la perfecta conjunción de todos sus elementos, desde una historia sobrecogedora por aterradora, unos actores más que perfectos, una atmósfera de lo más conseguida, y una breve duración en la que hay tiempo para desarrollarlo todo. Mañana estrenan ‘Invasión’, cuarta versión del mismo tema, y que está recibiendo palos en todos lados.

Don Siegel, el artífice de esta maravilla, había hecho algo de ruido en los años 40 con una maja película de cine negro protagonizada por los maravillosos Robert Mitchum y Jane Greer, ‘The Big Steal’, pero fue en los años 50, concretamente en el 56, cuando empezó a mostrar sus dotes de maestro, tanto en esta película, como en ‘Crimen en las Calles’, impresionante film hoy un tanto olvidado protagonizado por John Cassavettes. Los 70 también fueron unos años de máximo esplendor para él, llegando a ser, en cierta medida, el tutor de Clint Eastwood, quien ha confesado más de una vez que todo lo que sabe sobre rodar películas lo aprendió de Siegel.

‘La Invasión de los Ladrones de Cuerpos’ es un asfixiante relato de terror que narra como en una localidad americana la gente empieza a comportarse extrañamente. Muchos tienen la sensación de que sus seres más queridos no son los mismos de siempre. Una especie de histeria colectiva parece haberse adueñado de todos, hasta que un día, nuestros protagonistas descubren algo aterrador. Esta es la premisa argumental de una historia que está narrada a través de un flashback, contado por el propio protagonista que llega a una ciudad avisando a la gente y diciendo haber escapado de la gran amenaza.

Muchas son las cosas que se cambiaron en la película desde su concepción original, algo que por supuesto ocurre con prácticamente todas las películas. Pero a modo de curiosidad podríamos decir que Siegel prefería el título de ‘Sleep No More’, bastante más adecuado y mucho más sutil, algo a lo que la actriz principal, Dana Wynter, que consiguió el papel gracias a que Vera Miles lo rechazó porque la llamó Hitchcock para hacer una película, convenció a los productores para que cambiasen el título, también ayudó ya que consideraban que daba la sensación al público de estar ante un film más serio. No olvidemos que ‘La Invasión de los Ladrones de Cuerpos’ es un film de serie B. También Siegel prefería otro final, concretamente el que realizó Philip Kauffman en su remake (del que os hablaré próximamente), y que es absolutamente inolvidable.

Sin embargo, y a propósito de su final, no me parece que esta película tenga un final típico si lo observamos detenidamente. Sin desvelar absolutamente nada, sólo diré que la película tiene una conclusión aparentemente feliz, pero nada más lejos de la realidad. ¿Realmente se ha acabado con la amenaza? Una amenaza que en la película tiene la forma de unas vainas de las que salen réplicas perfectas de cuerpos humanos, de nosotros mismos, para que cuando estemos dormidos nos suplanten, y al despertar lo haremos en un mundo sin ningún tipo de emociones, ni ira, ni odio, ni amor. Evidentemente, debajo de esta historia existe una lectura en consonancia con los tiempos en los que la Caza de brujas de McCarthy estaba haciendo estragos entre la población americana. Ahora cualquiera podía ser tu enemigo, posiblemente tu vecino. En ese aspecto, el film retrata a la perfección ese miedo colectivo de ser “contagiado” por el enemigo. Un enemigo que se torna en cierto modo invisible, y que puede estar entre nosotros. Atención a uno de los planos finales del personaje central, totalmente desquiciado, mira a la cámara y grita “tú serás el siguiente”. Más claro, agua.

Siegel aplica al film un ritmo perfecto e in crescendo, llegando a agobiar bastante al espectador, sobre todo en su tramo final. Y tratándose de un film de corte fantástico, rehuye en todo momento los golpes de efecto típicos del género, e incluso de la violencia, logrando todo con una atmósfera extraordinaria de puro terror. A ello contribuyen también las excelentes interpretaciones de todos su reparto, empezando por un sensacional Kevin McCarthy, que a partir de esta película se hizo bastante famoso, llegando a ser uno de los secundarios de lujo de los 70 y 80. A su lado, una primeriza Dana Wynter, aguantando muy bien el tipo. Un reparto de desconocidos, para lograr un mayor impacto en las audiencias, sin necesidad de que éstas tuvieran delante una estrella famosa. A modo de curiosidad, cabe citar que en la película aparece en un pequeño papel Sam Peckinpah, que era amigo de Don Siegel, quien logró meterle en el film, para el que además Peckinpah hizo una de las revisiones del guión.

Una obra maestra en todos los aspectos, y una de esas películas que vi de niño, impactándome de tal manera que durante mucho tiempo me refería a ella como “la película de las vainas”. Es tal su poder de sugestión, que uno la tiene en la cabeza inquietando en nuestro interior, después de varios días. Antes de iros a ver la nueva versión, cosa que desde luego pienso hacer, sería perfecto que revisarais, o descubrierais, esta joya del cine. La tenéis editada en dvd por Suevia, en su maravillosa colección de “Clásicos de Oro”.