A principios de los 70, Clint Eastwood tomó la determinación de dedicarse por completo a su productora, la Malpaso, para no tener que tratar con ningún productor cegato y poseer el control absoluto de las películas salidas de la casa. A esa decisión contribuyó también la experiencia sufrida en ‘Los violentos de Kelly’, una película que el actor tuvo que protagonizar por cumplimiento de contrato con la Metro Goldwyn Mayer, para la que ya había protagonizado ‘El desafío de las águilas’, también dirigida por Brian G. Hutton.

No leer si no se ha visto la película.

Según Eastwood, ‘Los violentos de Kelly’ podría haber sido una de las mejores películas bélicas de la historia. El guión inicial tenía un marcado carácter antibélico, y reflexionaba sobre la autodestrucción del ser humano, con una gran carga irónica. Pero los estudios querían un film bélico lleno de secuencias de acción. A pesar de que Eastwood intentó hacer ver a los productores que con ese punto de vista el film ganaría muchísimo, en la sala de montaje pasaron olímpicamente de él, algo que hizo nunca volviese a tratar con un productor (supongo que habría que añadir inteligente).

‘Los violentos de Kelly’ se sitúa durante la Segunda Guerra Mundial, tras el desembarco de Normandía. Un pelotón americano captura a un oficial alemán, por el que Kelly se entera de que el enemigo tiene un gran cargamento de oro escondido en un banco de Claremont, localidad tras las líneas enemigas. Kelly pronto tramará un plan para hacerse con el oro, pasarse la Guerra por el forro y ser ricos el resto de sus vidas. No pocos se le unirán.

‘Los violentos de Kelly’ tiene muchos puntos de contacto con ‘El desafío de las águilas’. Segunda Guerra Mundial, una misión suicida (en la primera dentro de la Guerra, y en la segunda fuera de ella), y un reparto con unas cuantos rostros conocidos, todo de cara a conseguir un gustoso rendimiento en taquilla. Sin embargo, hay una gran diferencia entre ambas películas que la distancia considerablemente. ‘El desafío de las águilas’ era una película loca en su planteamiento, pero su tono era totalmente serio, mientras que en ‘Los violentos de Kelly’ el humor baña la mayor parte del metraje, llegando por momentos a resultar un film paródico.

El humor está introducido a lo largo del film en situaciones tan dispares como aquella en la que el encargado de los bombardeos se disculpa histéricamente ante Kelly por sus errores. Temeroso de que aquél vaya a hacerle algo, el nivel de desesperación que alcanza el personaje, harto de la Guerra, es delirante, casi al borde de la locura, y uno de los pocos elementos críticos que quedaron del borrador original. Ya dentro de la misión, que en realidad no es tal, pues son ellos mismos los que deciden ir por su cuenta a buscar el oro, aprovechando un permiso de tres días, se introduce en la historia uno de los elementos más recordados del film: tres tanques Sherman, capitaneados por un atractivo personaje, que es un hippy. Algo totalmente anacrónico, y que sin embargo funciona de maravilla por lo excéntrico del mismo.

Tampoco podemos soslayar a ese oficial americano, harto de la cobardía o desdén de sus hombres, y que por accidente es testigo por radio de las andanzas de Kelly y los que le siguen, pensando que se encuentra ante soldados únicos y valerosos, lo cual le llena de orgullo, y dispuesto y con ganas decide reunirse con ellos para condecorarlos sin ser consciente de que lo que realmente hacen Kelly y sus hombres es robar un banco. Se llega a intuir que en este personaje, al que da vida un alterado Carrol O´Connor, representa la idiotez supina de los altos mandos, su ceguera, aunque todo suavizado con el mencionado tono cómico, que parece trivializarlo todo.

Clint Eastwood prosigue con su imagen de tipo duro e inexpugnable de pasado oscuro (únicamente sabemos que es un oficial degradado, y muy respetado por sus compañeros), pero algo extraño hay en la composición de su personaje, algo falta. Es muy probable que en ese guión inicial antes citado, su rol estuviera lleno de muchos más matices de los que vemos en el resultado final, en el que es simplemente un soldado dispuesto a salirse de la suya. En el film accede a bromear con la imagen de las películas de Sergio Leone, en la escena en la que él y dos hombres se enfrentan a un tanque, y el músico, Lalo Schifrin, convertido en Ennio Morricone, evoca la trilogía del dólar. A su lado, Telly Savalas, secundario muy de moda en aquellos años, que alcanzaría un éxito importante poco después con la mítica serie de televisión ‘Kojak’, da vida al superior directo de Kelly, que termina poniéndose a sus órdenes. Donald Sutherland (que volvería a coincidir con Eastwood 30 años después, en una película) da vida al estrafalario Sargento Oddball, amo y señor de los tres tanques Sherman, siempre transmitiendo optimismo a todo el que le rodea, sobre todo a uno de sus hombres que siempre lo cuestiona todo. El resto del plantel no se hace notar tanto; como curiosidad podemos encontrarnos con un joven Harry Dean Stanton, mucho antes de embarcarse en el Nostromo.

Brian G. Hutton, que nunca volvió a saborear las mieles del éxito y el buen hacer como con sus dos films con Eastwood (de cosas como ‘La gran ruta hacia China’ es mejor olvidarse), dirige con total eficacia, narrando muy competentemente las aventuras de estos desfasados buscadores de oro, aunque no puede tapar los agujeros de guión que se suceden en su segunda mitad, en la que el ritmo decae, y se le nota a leguas que a la película le faltan cosas (la eliminación de dos de los tanques Sherman está resuelta de un plumazo). Eso sí, ‘Los violentos de Kelly’ es un divertimento de primera, que curiosamente y a pesar de que fue salvajemente mutilada en la sala de montaje, aguanta bastante bien el paso del tiempo, aunque no haya trascendido en la carrera de Clint Eastwood como un film a recordar.

Era la tercera vez que el actor se ponía a las órdenes de un estudio, sin tener él el control, algo que sólo repetiría una vez más, muchos años después en ‘En la línea de fuego’, de la que hablaremos un mes de estos. Pronto nos pararemos en la tercera colaboración de Eastwood con Don Siegel, ‘El seductor’, uno de sus mejores trabajos como actor, y será en el siguiente episodio.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’
• ‘La muerte tenía un precio’
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• ‘El desafío de las águilas’
• ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’

• ‘Dos mulas y una mujer’

Aquí os dejo con el póster y el trailer de ‘Trumbo’, un documental dirigido por Peter Askin (cuyo único film hasta el momento es ‘Lío en la Habana’), y centrado obviamente en el célebre guionista Dalton Trumbo. Trumbo fue uno de los escritores favoritos de Hollywood hasta que llegó el senador McCarthy, su comité de Actividades Antiamericanas y la lista negra. Destacar también que el guionista de ‘Espartaco’ dirigió una película, ‘Johnny Cogió su Fusil’, durísimo drama, y que recibió un Oscar por ‘El Bravo’ (The Brave One’, 1956).

Os recomiendo echar un ojo al trailer, os llevaréis una sorpresa por la gran cantidad de actores famosos que han participado en este documental. Donald Sutherland, Joan Allen, Brian Dennehy, Michael Douglas, Nathan Lane, Josh Lucas y Paul Giamatti son sólo algunos de ellos. Esperemos que ‘Trumbo’ se estrene algún día en España.

Los remakes llevan haciéndose desde que el cine es cine, y la mayor parte de las veces suelen ser películas innecesarias, porque si algo ya está bien hecho, ¿para qué hacerlo de nuevo? Evidentemente hay excepciones a lo largo y ancho de la historia del séptimo arte, y todas esas excepciones han sido siempre versiones que ofrecían un nuevo enfoque a la historia, y que además aportaban algo distinto a lo ya visto. Éste es el caso de ‘La Invasión de los Ultracuerpos’, película que en 1978 revisitó lo que tan bien hizo Don Siegel en su clásico del 56.

La historia ya nos la conocemos todos: una invasión alienígena, en la que poco a poco se va sustituyendo a todo ser humano de la Tierra por personas sin ningún tipo de emoción ni sentimientos. Dicho cambio se produce cuando el ser humano se duerme, por lo que nuestros protagonistas no pueden quedarse dormidos ni un sólo instante si quieren sobrevivir a lo que parece el fin del ser humano.

‘La Invasión de los Ultracuerpos’ está dirigida por el artesano Philip Kaufman, que muy probablemente consiguió con esta obra su mejor película. A pesar de partir de una película demasiado conocida y que perdura en el tiempo como una de las obras maestras del fantástico, Kaufman logró rehacerla con suma inteligencia, y sobre todo con sumo respeto hacia el original, del cual tomó todo su argumento al 100%, variándolo simplemente en unos pequeños detalles, que le dan un nuevo enfoque, enriqueciéndola en cierta manera, y por supuesto, adaptándola a los nuevos tiempos. Son ejemplares, los títulos de crédito iniciales que transcurren en el espacio, dejando muy claro de dónde viene la amenaza, ahorrándose así toda explicación posterior; y por supuesto, su inolvidable final, prácticamente en silencio hasta que éste es roto por un escalofriante grito que por derecho propio ya ha pasado a los anales de los momentos más impactantes de toda la historia del cine.

Evidentemente y en consonancia con los tiempos que corren, esta versión tiene más duración que su precedente. El film se para un poco más en darnos a conocer las vidas de cada uno de los personajes centrales, alargando un poco el prólogo, y estirando de más la persecución central y final de la película, momento en el que el ritmo del film se resiente un poco. Y es que en el cine las historias ya no se contaban en menos de hora y media, ahora había que emplear más tiempo, con lo que a veces las películas quedan demasiado largas. Aún así la atmósfera y el clímax están plenamente conseguidos y el agobio sobre el espectador muy bien transmitido, gracias a la identificación con los personajes, y al tratamiento realista de la historia, algo a lo que también ayudan los pocos y excelentes efectos visuales, los cuales cobran cierto protagonismo cuando los personajes se quedan dormidos y están a punto de ser suplantados.

‘La Invasión de los Ultracuerpos’ tiene un reparto más conocido que su predecesora, aunque de aquella sólo dos eran estrellas lo suficientemente conocidas: Donald Sutherland, en quien recae el personaje central, y Leonard Nimoy, que no hace falta que diga por qué era conocido por el público, y que aquí da vida a un personaje bastante inquietante. El resto de personajes principales están interpretados por la guapa Brooke Adams, y que durante mucho tiempo un servidor confundía con Karen Allen; Jeff Goldblum, que protagoniza dos momentos bastante logrados, y Veronica Cartwright, que desde que era niña se ha pasado casi todas las películas en las que ha intervenido llorando. Tal vez éste último personaje sea el más descuidado de toda la trama, llegando a desaparecer y aparecer a capricho propio.

En personajes muy secundarios, dos cameos importantes, los de Kevin McCarthy y Don Siegel. El primero, al inicio de la película corriendo por las calles mientras grita que todo se va a acabar y es perseguido por un grupo de personas. Casi se podría decir que dicha secuencia es una continuación del final de la anterior versión. Don Siegel interpreta al conductor de un taxi, con oscuras intenciones. Así pues, tanto el director como el actor dan su visto nuevo a esta nueva versión, marcándose además dos apariciones que hasta resultan simpáticas.

‘La Invasión de los Ultracuerpos’ es una espléndida película que no llega a la altura del original, pero que resulta enormemente convincente. Uno de los títulos de terror clave en la década de los 70, y que al igual que la versión de Siegel, influyó poderosamente en el cine posterior. Ciertas persecuciones a toda velocidad de personajes humanos perseguidos por infectados encuentran sus orígenes en el film de Kaufman, donde los personajes centrales no huyen de monstruos horripilantes que los van a despedazar, sino de personas aparentemente iguales que los van a dejar sin emociones para que vivan en un mundo sin sentimientos, lo cual es más terrorífico. Recordad, no os quedéis dormidos.

Ya conocíamos el tráiler de ‘Reign Over Me’, que se ha traducido en España como ‘En algún lugar de la memoria’. Ahora podemos ver el cartel para nuestro país, donde se estrenará el 29 de junio.

Los ex compañeros de habitación de la universidad Charlie Fineman (Adam Sandler) y Alan Johnson (Don Cheadle) se vuelven a encontrar por casualidad en la esquina de una calle de Manhattan. Alan está asombrado al ver que Charlie, antes un dentista de éxito, se ha convertido en una persona hosca, tras perder a su familia en los atentados del 11S. El propio Alan, que debería estar disfrutando de la vida junto a su bella mujer, sus hijos y su carrera, se encuentra sobrecogido por las responsabilidades. Su renacida relación se convierte en un punto de apoyo para los dos hombres que necesitan de un amigo en el que confiar en este momento fundamental de sus vidas.

Esta amistad tan cercana parece que vaya a deparar en ‘Os declaro marido y marido’ (‘I now pronounce you Chuck and Larry’), pero ésa es otra película de Adam Sandler.

Lo más sorprendente del film es el reparto, especialmente por Sandler, tan habitual en comedias y que probablemente trata de desencasillarse de éstas. El resto de los actores son Don Cheadle, Liv Tyler, Saffron Burrows y Donald Sutherland. El director, y también intérprete, es Mike Binder (‘Más Allá del Odio’o ‘The Upside of Anger’).

Fuente | Sony Pictures Spain

Las películas de época basadas en novelas inmortales de la Literatura suelen ser del agrado del gran público, y rara es la vez que este tipo de películas no se encuentran entre las finalistas a los Oscars del año que sea. Si esa novela habla del amor, lo celos, el odio, y su autor tiene apellidos como Shakespeare, Austen, Zweig, o muchos otros, podemos casi decir que el éxito está prácticamente asegurado. Lo malo del asunto es que muchos compararán la película con la obra literaria, algo que me parece un enorme error, ya que son dos artes completamente distintas, con técnicas narrativas distintas. Además, cuando uno va al cine, no tiene por qué conocer la novela que la precede, sea cual sea, entre otras cosas, y aquí se podría hacer un juego de palabras, porque nos llenaría de prejuicios a la hora de valorar la película.

Nos encontramos en Inglaterra a finales del siglo XVIII. Cinco hermanas de clase media, son educadas por su madre con un único própósito: encontrar un marido, y a ser posible, rico. Las cinco hermanas tienen cada una una idea distinta del amor, y alguna es más resignada que otra a la hora de encontrar marido. Pretendientes no faltarán, incluso a alguno de ellos le da igual la hermana que sea. Elizabeth, la más rebelde de todas, y por eso la más atractiva para los hombres, verá cómo su mundo se desmorona cuando entre en escena un tipo llamado Darcy, del cual es muy difícdil saber lo que siente.

Asi pues, tenemos la típica historia de guerra de sexos, ambientada en un film de época. Una época en la que el poder de las palabras tenían mucha más importancia que ahora. Una época llena de un gran romanticismo, cuando esta “palabra” tenía algún significado. Cuando las sutilezas y los subterfugios tenían un papel importante. Elementos todos ellos para vestir esta historia, y que sea enormemente atractiva para el público actual, la mayor parte del cual se ha olvidado de las sutilezas, de los buenos modos, y el poder de la palabra ha pasado a ser “dar el coñazo” durante toda una noche para al final no sembrar nada. Evidentemente, los tiempos han cambiado, las personas actúan de otra forma. Pero todos siguen yendo al Cine a ver este tipo de historias. Quizá algo en su interior les inquieta, o quizá no.

En esta película destaca poderosamente una cosa: la dirección del debutante Joe Wright, quien se lo ha pasado como un enano, adornando el film de majestuosos movimientos de cámara, llenos de fuerza, y enormemente descriptivos. Hay secuencias que parecen dignas de un Kenneth Branagh (director al que Wright alude una y otra vez), o un Martin Scorsese, por citar sólo dos ejemplos de directores que saben realizar planos secuencia que no resultan gratuitos, cosa que suele ser un problema a la hora de la técnica en un film, ya que muchas veces este tipo de cabriolas se realizan simplemente para decir: “mira qué bien sé mover la cámara”. Wright aquí corre este peligro hasta cierto límite, ya que su preocupación en la factura de la película, le hace descuidar algún otro elemento, como por ejemplo, la dirección de actores, los cuales parecen haber sido dejado libres para actuar por ellos mismos.

Actores que por otro lado, no se les puede meter a todos en el mismo saco, ya que no todos ofrecen buenas interpretaciones. Keira Knightley hace el que probablemente sea el mejor papel de su carrera, pero una nominación al Oscar me parece de lo más exagerada, ya que en ningún momento se ven representadas las dudas internas del personaje. En una palabra, no transmite. Lo mismo le pasa a Mathew MacFadyen, el cual es la frialdad en persona, y que me recordó mucho a Colin Firth (cuando ví la película desconocía el dato de que Firth había protagonizado una adaptación televisiva, considerada como la mejor de todas). Pero al margen de eso, el verdadero problema reside en que su relación no es emocionante, no tiene fuerza, le falta pasión. Con lo cual no resulta demasiado creíble.

Curiosamente sí resultan creíbles las relaciones de todos los demás personajes, tanto los de las hermanas de la protagonista como algunos secundarios que pululan por ahí. Hablando de secundarios merecen especial mención Judi Dench, que sale en apenas tres escenas, y diciendo: “Así es cómo se interpreta”. Y también Donald Sutherland, quien sí es capaz de transmitir todos sus pensamientos y sentimientos. Atención a una escena final, cuando habla con Knightley, sencillamente espléndida. Tanto Dench como Sutherland aportan veteranía al conjunto, el cual no hubiera sido el mismo sin ellos.

Brenda Blethyn y Jena Malone interpretan personajes insoportables, que caen muy, pero que muy mal. Aunque la primera es una demostración de cómo hacerlo bien, y la segunda de cómo hacerlo mal.

Por último resalta la banda sonora de Dario Marianelli, preciosa y elegante, sofisticada y descriptiva. Una delicia justamente nominada al Oscar, que aunque no lo gane servirá para dar a conocer a este compositor, y salirse un poco de lo de siempre a la hora de reconocer los trabajos de unos u otros artistas. Decir que en el film también se deja oir algún fragmento de alguna obra de Henry Purcell.

Una película correcta, que hará las delicias de aquellos que miran el amor con los ojos de antaño. Pero que sin embargo se queda a medio camino a la hora de definir ese complejo sentimiento, cosa que pretende con la relación de los dos protagonista principales, y cosa que no consigue. Ahora sí, sólo por las virguerías de Wright con la cámara, ya merece la pena.