Es habitual que a muchos actores les llegue un momento en su carrera en el que quieran probar suerte en la dirección de películas. Puede ser algo puntual como Nicolas Cage y ‘Sonny’ (2002) o algo en lo que va reincidiendo a lo largo de los años como Sean Penn, el cual estrenará próximamente ‘The Comedian’, película que protagonizarán Robert De Niro y Kristen Wiig. Ahora le ha llegado el turno a Ryan Gosling, uno de los actores de moda que ya ha confirmado que debutará tras las cámaras con ‘How To Catch a Monster‘ (Cómo Atrapar a un Monstruo).

Además, Gosling no sólo va a debutar como director con ‘How To Catch a Monster’, sino que el guión de la misma también ha sido escrito por el protagonista de la aclamada ‘Drive‘ (Nicolas Winding Refn, 2011). La película nos contará la historia de Billy, una madre soltera con dos hijos a su cargo. Los problemas llegarán cuando Billy se vea arrastrada a un macabro inframundo al mismo tiempo que su hijo adolescente descubre el camino hacia un pueblo situado bajo el mar. Ambos tendrán que profundizar en los desconocidos universos en los que se han aventurado para hacer todo lo posible para que su familia sobreviva. La premisa, aunque algo inconcreta por ahora, es bastante atractiva, ahora sólo falta saber si Gosling es tan buen guionista y director como ha demostrado serlo en el campo de la interpretación.

Ya se sabe también que la protagonista de ‘How To Catch a Monster’ va a ser Christina Hendricks, conocida principalmente por su papel en la televisiva ‘Mad Men‘ y que ya trabajó con Gosling en ‘Drive’, por lo que imagino que tocará iniciar en breve el casting para seleccionar a los jóvenes actores que darán vida a sus hijos. La película va a ser producida por Marc Platt y Adam Siegel, los cuales también realizaron esa labor en ‘Drive’, por lo que podemos decir que todo queda en casa. ¿Será ‘How To Catch a Monster’ igual de buena? Por desgracia, aún queda bastante para saberlo, ya que el rodaje de la película no comenzará hasta la primavera de 2013.

Vía | The Playlist

Se habla mucho estos meses de reciclados, homenajes y revisitaciones de formas y estilos de tiempos pasados. Tal y como apuntaba en mi texto sobre la infame ‘Perros de paja’ (‘Straw Dogs’, Rod Lurie, 2011), los remakes llevan haciéndose desde que el cine es cine. Lo mismo ocurre con esas películas que parecen tomar prestado de otras, puesto que el séptimo arte, como todas las demás artes, se retroalimenta para dar paso a nuevas formas de narrar historias. Nicolas Winding Refn lo ha entendido muy bien, y con ‘Drive’ (id, 2010) —recientemente ninguneada en las nominaciones a los Oscars, optando sólo al montaje de sonido— nos ha regalado un thriller, cuyas fuentes de inspiración son de lo más variopintas, no quedándose únicamente en eso. ‘Drive’ es un claro ejemplo de influencia bien asimilada y respira con vida propia en cada uno de sus intensos fotogramas.

La historia es sencilla, que no simple, y el provecho que se saca de ella es máximo. Ryan Gosling, también ninguneado en las nominaciones y ya no sólo por este film, da vida a un conductor de coches que trabaja en un taller y de especialista de cine, pero también tiene otro curioso trabajo: es chófer en atracos. Su vida se complica cuando conoce a una chica y su hijo pequeño. El marido de ésta acaba de salir de la cárcel y debe dinero por protección. Nuestro héroe, por amor, decidirá ayudarle y como consecuencia una serie de hechos fatídicos tendrá lugar. En la mejor tradición del Film Noir, la fatalidad y el destino por el que están marcados los personajes, serán los principales elementos de una historia que esconde más de lo que parece a simple vista. Pero si se mira con atención, ‘Drive’ se descubre ante nuestros ojos como algo más que un simple thriller.

En el excelente inicio Refn parece entender a la perfección una de las máximas de Cecil B. DeMille, dándole la vuelta hasta límites insospechados obteniendo así resultados mayores. Si DeMille decía que una película debía empezar con una explosión y de ahí para arriba, para obtener la atención del espectador, ‘Drive’ consigue lo mismo pero de forma inversa. En estos tiempos de efectos digitales por doquier, donde parece importar más la parafernalia visual, Refn apuesta por una escena que deja atado a la butaca con muy pocos elementos. Una persecución de lo más original, y en la que el fuera de campo posee un significado vital. Dicha escena no sólo es un ejemplo perfecto de palnificación, montaje y sobre todo sonido; también sirve para definir, casi sin palabras, al personaje central. Un personaje del que nunca sabremos su nombre y que toda su vida ha permanecido oculto o pasando inadvertido, exactamente igual que en dicha persecución. Pero ese dibujo del personaje, que tan bien perfila Refn con su cámara, se extiende a los demás personajes.

Y es que ‘Drive’ es una historia sobre la soledad, la de personajes perdidos en la inmensidad de una ciudad, y abocados al peor de los destinos. La misma soledad que hereda de sus referentes más directos, aquellos que van desde el Melville más reconocido de ‘El silencio de un hombre’ (‘Le samouraï’, 1967), cualquier cinta de Robert Bresson, con el existencialismo incluido, o la de ‘Driver’ (‘The Driver’, Walter Hill, 1978), esa maravilla en la que el personaje de Ryan O´Neal se mostraba tan hierático y frío como aquí el de Ryan Gosling, cuya composición, que bordea la parodia, parece una mezcla del mencionado y Steve McQueen. Podemos ir más hacia atrás y comprobar como Refn alude sin prejuicios a la romántica soledad del héroe del western. ‘Raíces profundas’ (‘Shane’, George Stevens, 1953) sería el ejemplo adecuado, y la historia es prácticamente la misma. El eterno pistolero cambia el caballo por un coche, la mujer casada por una joven que ha sido madre demasiado pronto, y las praderas por una ciudad, que se torna tan salvaje y peligrosa que parece engullirlos a todos.

Refn sabe perfectamente que todas las historias han sido contadas. El milagro está en la forma, y lejos de querer contentar al espectador actual le invita a la reflexión con un tratamiento en la imagen realmente exquisito. Todo está ahí. Todo. El conductor sin nombre parece no tener pasado y tampoco futuro. La dilatación del tiempo haría las delicias del mismísimo Sergio Leone, al igual que los largos silencios en los que una mirada dice más que muchas palabras, y en los que la historia de amor nace a raíz del afecto más que del deseo sexual. Éste aparece únicamente en la antológica secuencia del ascensor, donde Refn detiene literalmente el tiempo para un beso ansiado, quizá anhelado, como metáfora del deseo de otra vida mejor; y si aceptamos el sexo como un acto violento por naturaleza, la explosión de violencia posterior es de lo más lógica y coherente. Pocas escenas en el cine actual han dicho tanto como esa, mezclando sabiamente elementos de lo más reconocido.

La violencia en ‘Drive’ es prácticamente necesaria. Su contundencia recuerda a Peckinpah —tal vez sin su sentido de la coreografía—, aunque el realizador declara haberse inspirado en Gaspar Noé, pero la finalidad es otra. Aunque al igual que en las mejores cintas del maestro, los personajes no pueden escapar de su destino, Refn la utiliza para asestarnos duros golpes de realidad. Y la operación resulta de lo más curiosa y satisfactoria, pues siempre navega alrededor de la fábula, cual buen cineasta que demuestra ser. Si durante toda la historia, donde la acción física no tiene lugar, cierta irrealidad parece llenar todo el relato, la cual es interrumpida por brotes bestiales de violencia en los que incluso hace acto de presencia el gore. La exageración bien entendida como herramineta de narración, recibiendo el espectador puñetazos que más allá de desagradarnos sacude nuestras mentes.

Ryan Gosling, haciendo la interpretación de su vida, Carey Mulligan, Bryan Cranston, Albert Brooks y Ron Perlman están simplemente perfectos. El duro solitario, la fragilidad, el perdedor, y la maldad, todos marcados por un destino común: la soledad, la irremediable y real soledad que va en consonancia con la eterna noche de una ciudad que enamoraría a Michael Mann. Kavinsky y College, entre otros, como trasunto de Morricone marcando el carácter de los personajes. Y como decía Billy Wilder, cuando una película termina otra historia comienza. Podemos imaginar así a un conductor sin nombre, de misterioso pasado llegando a otra ciudad, tal y como haría Shane, y conociendo a otra mujer, agarrándose a lo poco bueno de la vida, llena de dolor y muerte. Así es ‘Drive’.

Otras críticas en Blogdecine:

• ‘Drive’, la serenidad al volante

• ‘Drive’ (Nicolas Winding Refn)

• ‘Drive’, llamada nocturna

10.- ‘Más allá de la vida’

Atacada injustamente por muchos defensores del cine de Eastwood —luego a la hora de la verdad no lo son ni la mitad—, en realidad creo que se trata de uno de sus films más complejos, en el que se atrevea explorar un camino sólo sugerido en obras anteriores. Es pues, un paso muy lógico en la trayectoria de Eastwood, quien muestra una vez más su mano para narrar como nadie, mientras parece disfrutar hablando de cosas de las que parece no habla, y no, lo que hay después de la muerte no es el tema. Espectacular, íntima, dura y a ratos elegantemente romántica, forma ya parte de los títulos incomprendidos de su director. Hablaremos en su momento en el eterno especial que le dedicamos al más grande en estas páginas.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Más allá de la vida’, soledad, muerte y amor

9.- ‘Código fuente’

En un estupendo contexto de ciencia ficción, con el tan atrayente tema de los viajes en el tiempo, el hijo de David Bowie vuelve al género tras la anodina ‘Moon’, con resultados muy superiores. Jake Gyllenhaal lo borda como héroe auténtico, esto es, ese tipo de hombres a los que las circunstancias obligan a ser algo que no han pedido. Homenajes sentidos al género, algunos de ellos muy disimulados —el cameo de Scott Bakula— y una historia cuya finalidad es reflexionar sobre las segundas oportunidades y lo que es verdaderamente importante en la vida, cuyos caminos son infinitos.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Código fuente’, maravillosa reflexión sobre los deseos

• ‘Código fuente’, Duncan Jones baja a la Tierra después de ‘Moon’

8.- ‘Midnight in Paris’

Esta vez la cita anual con Woody Allen ha dado como fruto una de las mejores películas del director de los últimos años. Con claras coincidencias temáticas con la obra cumbre de su filmografía, ‘La rosa púrpura del Cairo’ (‘The Purple Rose of Cairo’, 1985), Allen parece encontrarse como pez en el agua con la fantástica historia de Gil —sorprendente Owen Wilson, en el mejor papel de su carrera— en el París de los años 20, donde se encontrará con artistas famosos de la época y también una fascinante mujer de la que se enamorará. Perfecta para soñar.

Críticas en Blogdecine:

• Festival de Cannes 2011: ‘Midnight in Paris’, vida, magia y amor
• ‘Midnight in Paris’ o los prodigios de la ciudad de la luz
• ‘Midnight in Paris’, amor y muerte

• ‘Midnight in Paris’, la grandeza de lo sencillo

7.- ‘El origen del planeta de los simios’

Después del insulto que el sobrevalorado Tim Burton espetó a uno de los grandes clásicos de la ciencia ficción nadie daba un duro por una precuela. Pero un tipo llamado Rupert Wyatt nos calló a todos la boca con uno de los espectáculos cinemtográficos más gratificantes del año. Con sumo respeto hacia el film protagonizado por Charlton Heston, y con una puesta en escena que sorprendentemente no cede a las típicas asparatosidades en las que se suele caer en este tipo de producciones que normalmente buscan deslumbrar visualmente al vago público, Wyatt se atreve a hacernos pensar. Incluso se puede aplaudir en el tramo final, de una fuerza inusual.

Críticas en Blogdecine:

• ‘El origen del planeta de los simios’, entretenimiento de calidad

• ‘El origen del planeta de los simios’, mucho más que entretenimiento

6.- ‘Super 8’

El muy de moda J.J Abrams se alia con su admirado Steven Spielberg para uno de los ejercicios retro del año pasado. Con clarísimas referencias al cine espectáculo de los 80, a la cabeza títulos como ‘Los Goonies’ (‘The Goonies’, Richard Donner, 1985) y ‘E.T.’ (Steven Spielberg, 1982), uno de los reyes de la televisión actual hurga en los recuerdos de toda una generación, creando un film de referencia para el público actual dentro del infravalorado cine de entretenimiento, no renunciando a los temas que siempre han interesado a Abrams como autor —uy, lo que he dicho—, casi siempre alrededor del peso de los recuerdos. Michael Giacchino vuelve a demostrar que es uno de los grandes del presente.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Super 8’, mirar los cielos
• ‘Super 8’, magistral máquina del tiempo
• ‘Super 8’, prefabricado espectáculo nostálgico

• ‘Super 8’, una aventura con corazón

5.- ‘One Day’

Para el que suscribe la gran sorpresa del año porque me esperaba algo completamente diferente a lo que me encontré. Una disección sobre el amor a través de una relación de 20 años entre los dos personajes centrales, que destaca por la peculiar forma de mostrarlo narrando los acontecimientos del mismo día del año. Una reflexión sobre el paso del tiempo, la madurez y la ilusión del amor como sentimiento único perdurable. Los ecos de Stanley Donen y los arañazos de Robert Mulligan son innegables. Anne Hathaway demuestra que es mejor actriz de lo que parece, y Rachel Portman que puede estar a la altura de los grandes.

Crítica en Blogdecine:

• ‘One Day (siempre el mismo día)’, el paso y el peso de los años

4.- ‘Nunca me abandones’

Magistral relato desolador sobre el vacío destino del ser humano, el ser olvidados, a través de una portentosa historia sobre clones. Ciencia ficción como contexto para una historia más humana de lo que parece. Mark Romanek se encuentra inspirado en una puesta escena minimalista, en la que menos es más, y la delicada sutileza es la marca de la casa. Carey Mulligan literalmente impresiona con su calculada interpretación, y Andrew Garfiled se revela como uno de los actores del año. Respecto a Rachel Portman, léase lo dicho en la anterior película de la lista.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Nunca me abandones’, una vida insignificante y fugaz

• ‘Nunca me abandones’, contención y desolación

3.- ‘No habrá paz para los malvados’

La cinta espoñola del 2011. Un milimétrico thriller que nos muestra a un Enrique Urbizu lleno de fuerza, como nunca en su filmografía. Cine negro de pura cepa que maneja con habilidad dos de los elementos obligados del género: la casualidad, llámese destino tambien, y el fatalismo. Personajes que respiran verdad —ya era hora en el cine de género patrio— gracias a excelentes interpretaciones, entre las que sobresale la de un José Coronado inmenso. Todo un ejemplo de influencias perfectamente asimiladas, y una clara muestra de por dónde deben ir los tiros en nuestro cine.

Críticas en Blogdecine:

• ‘No habrá paz para los malvados’, retrato de un antihéroe
• ‘No habrá paz para los malvados’, dejad sitio a Urbizu, insensatos

• ‘No habrá paz para los malvados’, el hombre intranquilo

2.- ‘Drive’

Obra ejemplar por demostrar sin miramientos que la principal herramienta en el séptimo arte es la puesta en escena. Ryan Gosling, en el que sin lugar a dudas ha sido su año, compone un personaje inolvidable, y el film desprende una poesía inusual en este tipo de películas. Violenta, íntima, tensa, trágica y espectacular, es el thriller del momento.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Drive’, la serenidad al volante
• Festival de Cannes 2011: ‘Drive’ (Nicolas Winding Refn), palmarés de Un Certain Regard y más de Von Trier

• ‘Drive’, llamada nocturna

1.- ‘The Artist’

Una obra maestra atemporal que va mucho más allá de ser un sentido homenaje a una época ya muerta en el séptimo arte, y sobre la que ya me extenderé en su momento, al igual que la anterior.

Críticas en Blogdecine:

• ‘The Artist’, una celebración del pasado y del presente

• ‘The Artist’, un delicioso regreso al cine clásico de Hollywood

Y eso es todo. También podría indicar otros títulos que me han gustado mucho y que se salen del top ten por razones evidentes. ‘The Fighter’ (id, David O. Russell, 2010), ‘Cisne negro’ (‘Black Swan’, Darren Arnofsky, 2010), ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio’ (‘The Adventures of Tintin, Steven Spielberg, 2010), ‘Another Year’ (id Mike Leigh, 2010), ‘La piel que habito’ (Pedro Alomodóvar, 2010) y ‘Cars 2’ (id, John Lasseter & Brad Lewis, 2010) merecen una mención.

Los inmortales de Tarsem siguen en lo más alto en este recién comenzado año 2012. Con el gancho del 3D y la llamativa mezcla de acción y fantasía mitológica, ‘Immortals’ continúa en el número uno de la taquilla española y está a punto de superar la barrera de los 4 millones de euros, aunque hay que destacar que en su segunda semana en cartelera ha perdido un 47% de recaudación. Solo un 23% cae ‘Misión imposible: Protocolo fantasma’ (‘Mission: Impossible – Ghost Protocol’), sin 3D, una muestra de que está gustando mucho esta cuarta entrega de la saga protagonizada por Tom Cruise.

No ha habido mucha suerte para las últimas novedades cinematográficas del año 2011. La que más puestos ha logrado escalar ha sido la comedia dramática ‘Un lugar para soñar’ (‘We Bought a Zoo’), el nuevo trabajo de Cameron Crowe; a pesar de contar con Matt Damon y Scarlett Johnasson al frente del reparto, y proyectarse en más de 300 cines, la película no llega al medio millón de euros recaudados. Curiosamente, las tres siguientes novedades de la lista se estrenaron antes, el día 28. La española ‘XP3D’ suma 750.000 euros en más de 300 pantallas, que no está nada mal para el bodrio que debe ser; Disney ha estrenado ‘Drive’ muy tarde y en solo 200 salas, de ahí que no haya logrado mejores cifras en taquilla (aun así tiene el segundo mejor promedio de la semana); ‘El cambiazo’ (‘The Change-Up’), comedia con Ryan Reynolds y Jason Bateman, ha funcionado peor de lo esperado y solo lleva medio millón de euros con 216 pantallas a su disposición.

Por lo demás, llama la atención la subida de ‘El gato con botas’ (‘Puss in Boots’) en su sexta semana en cartelera, el hundimiento de ‘Noche de fin de año’ (‘New Year´s Eve’) a pesar de haber sido estrenada en la mejor fecha posible, y el paso firme de ‘The Artist’, que con sus escasas 55 copias ya ha superado los 700.000 euros en 3 semanas. Mañana llega a España la segunda parte de ‘Sherlock Holmes’, así que esta vez no os voy a preguntar si los inmortales conservarán el número 1.

PD: La película más taquillera de 2011 en nuestro país es ‘Torrente 4: Lethal crisis’. Gracias al 3D. ‘La saga Crepúsculo: Amanecer. Parte 1’ (‘The Twilight Saga: Breaking Dawn. Part 1’) ha recaudado 50.000 euros menos pero gana en número de espectadores con más de 3 millones. Y ahora voy a vomitar.

Datos | Eleconomista

El ejemplo de Tarantino puede ir por eso, también por el uso de la cultura pop para reutilizar caminos ya transitadas: el sonido de Kavinsky o College no es pop ochentero New Wave sino un revival: una reproducción auto-consciente y que prolonga aquellos sonidos. En sus títulos de crédito, la poética de Windign Refn, danés que había dirigido antes películas como ‘Bronson’ o ‘Valhalla Rising’, llega a su extremo: partiendo de un homenaje a ‘Risky Business’ (id, 1983), llevando la película por una ruta insólita, a medias entre un Michael Mann deliberado (grandes panorámicas, héroe solitario) y con toques sutiles, artificiales, propios de, pongamos, DePalma (atentos al breve plano secuencia del primer encuentro entre Gosling y Mulligan en el apartamento).

La película transcurre por rutas ya conocidas, un tránsito en cualquier relato fatídico de cine negro, ese film noir que a todos nos chifla por razones no del todo exactas. Un chico conoce a una chica. El chico es Ryan Gosling, estólido, temperamental en su reproducción estoica de Steve McQueen, punteando la parodia sin que apenes medie la caricatura. Ella es Carey Mulligan. Pronto llegaran los gángsteres. Un encargo que resolver con el ex decididamente peligroso de ella, encarnado por un demente Oscar Isaac. Y una misión que cumplir con ¿adivináis? la tragedia, el fatalismo como elementos más seguros para el desenlace. No es nada que no haya sucedido antes, pero tampoco conviene protestar: el cine negro de esta película es absolutamente perfecto, su maquinaria parece funcionar a un nivel casi superior. Es una película que han reseñado y admirado ya mis compañeros Juan Luis Caviaro y Beatriz Maldivia, así que vamos por materia.

¿Me permiten recordar las palabras de Dave Kehr a propósito de ‘Driver’ (The Driver, 1978) de Walter Hill? Les traduzco yo para evitar molestias.: “Las referencias cruzadas aquí son Howard Hawks, Robert Bresson y Jean-Pierre Melville; una extraña, embriagadora y bastante efectiva gama de influencias”. También advertía al principio que la película era “tan altamente estilizada que estaba garantizado que alienara al 90 por ciento de la audiencia’. Advertencia que en el caso de la película que nos ocupa me parece idéntica.

Es cierto, Refn sustituye la metafísica y el estilo existencialista de un Bresson por la superación que hace Hill, Melville se mantiene y el estilo de Hawks queda eclipsado por el de su magnífico continuador, John Carpenter, otro maestro de la panorámica, y da paso también a Michael Mann. Todas estas figuras eclipsan los referentes originales, algo natural en el curso de la historia del arte, pero en este caso eclipsan también los referentes de mayor calado filosófico y artístico: estilizar es todo lo que vemos y todo lo que no.

No me parece casual que Albert Brooks, encarnando al despiadado gángster Bernie Rose, pronuncie un monólogo muy divertido, tanto que uno diría que es obra del propio Brooks, pese a que su interpretación sorprenda gratamente – dando una amenazadora elocuencia a su personaje, obviando cualquier tic más o menos neurótico. En él dice que ‘un crítico las llamó europeas, yo creo que son una mierda’. ¡Hay tanto por discutir en esa escena! ¿A quién habla Winding Refn? ¿Se ríe del propio sistema de la película, a la postre premiada en el certamen galo quintaesencialmente europeo o hace referencia a esa tradición de embolados sobre la que despega? Tal vez su respuesta sea igual de sospechosa. Al fin y al cabo es un danés, educado en producciones espídicas e hiperviolentas como la trilogía ‘Pusher’. Winding Refn no tiene una identidad más allá de la cinéfila, el juego de máscaras no es nuevo a su cine y su pasado fílmico es norteamericano y europeo a la vez.

Porque esta película es neo noir, claro, no entra en el período clásico que tanto debate a los historiadores sobre su final, pero sí se percibe hija de esa ruta que abrió para siempre Roman Polanski con ‘Chinatown’ (id, 1974).: el noir empieza a ser convención, la convención sujeta a revisitación y abstracción conveniente. Neo noir, como todas las etiquetas, nos genera problemas y debates que debemos discutir, pero lo que parece claro es que hay una diferencia, abismal, entre Scorsese y Tarantino, del mismo modo que entre Hill y Winding Refn.

College cantan en un momento unos versos magníficos: ‘No quiero ser un héroe / Quiero ser un verdadero humano’. ¿Está Winding Refn anunciando su feliz parodia? Siempre ha dicho que concebía la película como una versión chiflada de ‘Dieciséis Velas’ (Sixteen Candles, 1984) y esto indica dos cosas: la primera es que Windign Refn tiene un gran sentido del humor, la segunda es que muy posiblemente neutralizar el sentido del humor en su traspaso a la pantalla forme parte de ese sentido del humor. La violencia de Gosling, su tono revanchista puntea la parodia. El romanticismo modelado tras un empacho de Hughes o de la perversión de los arquetipos western empleada en clásicos populares como ‘Top Gun’ (id, 1986) puede desconcertar al espectador más centrado.

La película carece de cualquier apunte, por supuesto, metafísico. Todo está en sus imágenes. Todo está en la bellísima secuencia del ascensor – donde esas luces dignas de un cuadro de Edward Hopper, como ha señalado ya el intelecto indomable de Eulalia Iglesias en Cahiers España – en la que la acción se detiene para un estallido-vals de violencia en el que Refn pone a prueba nuestras propias expectativas sobre la realidad infundada de la película. Es posible que los planteamientos sobre los que Refn construye este texto fílmico, esta pequeña y magnífica especulación, sean decididamente discutibles, pero su ejecución demuestra talento, brillantez, sobrada maestría.

‘Drive’

Dirección: Nicolas Winding Refn. País: USA. Año: 2011. Duración: 102 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: Ryan Gosling (Driver), Carey Mulligan (Irene), Ron Perlman (Nino), Christina Hendricks (Blanche), Bryan Cranston (Shannon), Oscar Isaac (Standard), Albert Brooks (Bernie Rose), Kaden Leos (Benicio), James Biberi (Chris Cook). Guion: Hossein Amini; basado en la novela homónima de James Sallis. Producción: Marc Platt, Michael Litvak, Gigi Pritzker, Adam Siegel y John Palermo. Música: Cliff Martinez. Fotografía: Newton Thomas Sigel. Montaje: Mat Newman. Diseño de producción: Beth Mickle. Vestuario: Erin Benach. Distribuidora: Buena Vista International Spain. Calificación por edades: No recomendada para menores de 18 años.

Sinopsis: Driver es un conductor especialista de cine por el día y un conductor para fugas por la noche. Pero no importa el trabajo que tenga que hacer porque Driver se siente siempre a gusto detrás del volante. Shannon es mentor de Driver a la vez que su jefe. Desde que se dio cuenta del talento de Driver al volante, le busca directores de cine y televisión para sus películas o criminales que necesiten al mejor conductor para sus fugas, llevándose una comisión en ambos casos. Pero el mundo de Driver cambia el día que se encuentra con Irene.

¿Qué podéis esperar? Una de las mejores películas del año. Está en mi “top 5”.

Críticas en Blogdecine:

‘Drive’, la conciencia del escorpión

‘Drive’, la serenidad al volante

‘Un lugar para soñar’

Título original: ‘We bought a zoo’. Dirección: Cameron Crowe. País: USA. Año: 2011. Duración: 124 min. Género: Drama. Interpretación: Matt Damon (Benjamin Mee), Scarlett Johansson (Kelly Foster), Elle Fanning (Lily Miska), Thomas Haden Church (Duncan Mee), Patrick Fugit (Robin Jones), Angus Macfadyen (Peter), John Michael Higgins (Walter Ferris), Stephanie Szostak (Katherine). Guion: Aline Brosh McKenna y Cameron Crowe; basado en las memorias de Benjamin Mee. Producción: Julie Yorn, Rick Yorn y Cameron Crowe. Música: Jon Thor Birgisson. Fotografía: Rodrigo Prieto. Montaje: Mark Livolsi. Diseño de producción: Clay A Griffith. Vestuario: Deborah Lynn Scott. Distribuidora: Hispano Foxfilm.

Sinopsis: Benjamin Mee (Matt Damon) es un columnista de prensa y escritor de artículos de aventuras que, como padre viudo, se enfrenta al desafío de criar a sus dos hijos pequeños. Con la esperanza de que partir de cero y llevar una nueva vida restablecerá el espíritu familiar, Mee deja su empleo y compra una vieja casa rural situada en un terreno de unas ocho hectáreas fuera de la ciudad que incluye una irrepetible particularidad añadida: un zoológico denominado el Parque de Animales Rosemoor, residencia de docenas de animales encomendados al cuidado de la jefa de guardas Kelly Foster (Scarlett Johansson) y su entusiasta equipo. Sin experiencia, con poco tiempo y reducidísimo presupuesto, Mee se propone, con el apoyo de su familia y de la gente de la localidad, reabrir el zoo. Ahora, Benjamin ya no cuenta una historia de aventuras, sino que vive la suya propia en la misma puerta de su casa.

¿Qué podemos esperar? En el peor de los casos, una cursilada “made in Hollywood” sobre lo maravillosa que es la vida (sobre todo si Scarlett Johansson te quiere en su cama). El tráiler me da mala espina (Crowe es un realizador sobrevalorado) pero la veré, sobre todo por los actores. No parece una película apta para diabéticos, gente que mate animales por placer/entretenimiento, espectadores desempleados o que acaben de romper con su pareja. Por motivos diferentes, claro.

‘El Havre’

Título original: ‘Le Havre’. Dirección y guion: Aki Kaurismäki. Países: Finlandia, Francia y Noruega. Año: 2011. Duración: 93 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: André Wilms (Marcel Marx), Kati Outinen (Arletty), Jean-Pierre Darrousin (Monet), Blondin Miguel (Idrissa), Elina Salo (Claire), Evelyne Didi (Yvette). Producción: Aki Kaurismäki, Fabienne Vonier y Reinhard Brunding. Fotografía: Timo Salminen. Montaje: Timo Linnasalo. Diseño de producción: Wouter Zoon. Vestuario: Frédéric Cambier. Distribuidora: Golem.

Sinopsis: Marcel Marx, escritor y conocido bohemio, se ha autoexiliado en la ciudad de El Havre, donde siente que está más cerca de la gente después de adoptar el honrado (aunque no muy provechoso) oficio de limpiabotas. Ha enterrado el sueño de convertirse en un reconocido autor y vive felizmente dentro de un triángulo compuesto por su bar preferido, su trabajo y su esposa Arletty. Pero el destino provoca que se cruce con un inmigrante menor de edad llegado del África negra. Arletty cae enferma, y a Marcel no le quedará más remedio que alzarse una vez más ante el frío muro de la indiferencia humana con su optimismo y la solidaridad de los habitantes del barrio como únicas armas. Pero se enfrentará a la maquinaria ciega de un Estado constitucional, representado por la policía, que sigue la pista al joven refugiado. Ha llegado el momento de que Marcel se lustre los zapatos y enseñe los dientes.

¿Qué podéis esperar? Otra de las mejores películas del año. No sé por qué han esperado tanto en traerla, pero es estupenda, una historia divertida, cruda y emocionante. Eso sí, no vayáis con prisa. Para eso hay otras opciones.

Críticas en Blogdecine:

‘El Havre’, un pequeño milagro

‘El Havre’, un Kaurismäki social y optimista

‘El cambiazo’

Título original: ‘The change-up’. Dirección: David Dobkin. País: USA. Año: 2011. Duración: 113 min. Género: Comedia. Interpretación: Ryan Reynolds (Mitch), Jason Bateman (Dave), Leslie Mann (Jamie), Olivia Wilde (Sabrina), Alan Arkin (padre de Mitch). Guion: Jon Lucas y Scott Moore. Producción: Neal H. Moritz y David Dobkin. Música: John Debney. Fotografía: Eric Alan Edwards. Montaje: Greg Hayden y Lee Haxall. Diseño de producción: Barry Robison. Vestuario: Betsy Heimann. Distribuidora: Universal Pictures International Spain. Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis: Mitch y Dave eran amigos inseparables de niños y adolescentes, pero con el paso de los años, se han alejado. Dave es un abogado enganchado al trabajo, se ha casado y tiene tres hijos, pero Mitch sigue soltero, es un hombre niño que trabaja esporádicamente y que nunca se ha atado a nada ni a nadie. Mitch cree que Dave lo tiene todo: una preciosa esposa llamada Jamie, unos niños que le adoran y un trabajo muy bien pagado en un prestigioso bufete. Dave cree que vivir como Mitch, sin estrés ni presión, sin obligaciones, es un auténtico sueño hecho realidad. Después de compartir una sonada borrachera, los mundos de Mitch y Dave se vuelven del revés cuando se despiertan cada uno en el cuerpo del otro. A pesar de verse liberados de la rutina, no tardan en descubrir que sus respectivas vidas no son tan perfectas como parecía. Para complicarlo aún más, también está Sabrina, una abogada sexy que trabaja con Dave, y el padre de Mitch. Con el tiempo en contra, Mitch y Dave deberán luchar para no hacer añicos sus vidas antes de encontrar la forma de volver a ocupar sus cuerpos.

¿Qué podemos esperar? Que el guion no sea tan malo como parece en el tráiler, y que los protagonistas estén inspirados y divertidos cuando se intercambien las identidades de sus personajes. Soy fan de Jason Bateman (si no te cae bien, hazte un favor y empieza a ver ‘Arrested Development’) así que la voy a ver, tarde o temprano. Ya os contaré, deseadme suerte…

‘XP3D’

Dirección: Sergi Vizcaíno. País: España. Año: 2011. Duración: 86 min. Género: Thriller, terror. Interpretación: Amaia Salamanca (Ángela), Maxi Iglesias (José), Luis Fernández (Carlos), Úrsula Corberó (Belén), Manuel de Blas (Dr. Matarga), Alba Ribas (Diana), Óscar Sinela (Toni), Miguel Ángel Jenner (profesor Fuentes), Eduard Farelo (padre). Guion: Daniel Padró. Producción: Mar Targarona, Joaquín Padró y Mercedes Gamero. Música: Marc Vaillo. Fotografía: Sergi Bartrolí. Montaje: Joan Manel Vilaseca. Dirección artística: Rosa Ros. Vestuario: María Reyes. Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España. Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis: Ángela es una estudiante de psiquiatría escéptica ante la existencia del mundo paranormal. El profesor más duro y excéntrico de la facultad le propone a Ángela y a un grupo de estudiantes demostrar o desmentir la existencia del más allá investigando un pueblo minero con una historia oscura. Ángela y cuatro compañeros de clase emprenden entonces el viaje a Susurro, en compañía de Diana, la hermana menor de Ángela, que les presta su furgoneta (la relación entre ambas ha sido fría desde la infancia, cuando unos trágicos acontecimientos las separaron irremediablemente). Juntos recorren el pueblo y las antiguas minas de sal. Sin hacer caso a las advertencias, abren un portal hacia el Más Allá, con consecuencias imprevisibles.

¿Qué podemos esperar? Una basura. Y seguro que me estoy quedando corto. Tengo dos preguntas para los responsables de esta cosa: ¿por qué bautizaron la película como si fuera una impresora? ¿Los actores pensaban que iban a rodar un anuncio de ropa?

‘Porfirio’

Dirección y guion: Alejandro Landes. Países: Colombia. Año: 2011. Duración: 101 min. Género: Drama. Interpretación: Porfirio Ramírez Aldana (Porfirio), Jarlinsson Ramírez Reinoso (Lissin), Yor Jasbleidy Santos Torres (Jasbleidy). Producción: Francisco Aljure y Alejandro Landes. Fotografía: Thimios Bakatakis. Montaje: Eliane D. Katz. Diseño de producción: Daniela Schneider. Distribuidora: Karma Films.

Sinopsis: Porfirio es un hombre que ha quedado discapacitado a consecuencia del conflicto colombiano. Harto de soportar un Estado sordo y burocrático que no le apoya, decide tomar la justicia por su propia mano y por medios poco convencionales. Basada en una historia real ocurrida el 12 de septiembre de 2001, la película nos adentra, desde un punto de vista poético, en la vida cotidiana, el alma y los sueños de este personaje.

¿Qué podemos esperar? Que no sea muy aburrida. Una opción para los que van al cine buscando pequeñas historias humanas, y a ser posible, de cualquier país que no sea Estados Unidos. Si podéis elegir, id antes a ver la de Kaurismäki, no os arrepentiréis.

Esta tarde El 28 de diciembre se estrena ‘Drive’, de Nicolas Winding Refn, una película sobre la que se ha corrido tanto la voz laudatoria, que en los dos meses largos que ha tardado en estrenarse en nuestro país, muchas han sido las personas que han preferido adelantarse a la premier oficial y tirar de métodos alternativos para verla y, por lo que se ha leído en comentarios y votaciones, con una recepción muy favorable en todos los casos. Basada en la novela homónima de James Sallis, la película no sitúa ante un mecánico que también se gana la vida como especialista de coches y hace algunos trabajitos al otro lado de la ley para obtener un dinero extra. Cuando su jefe consigue introducirlo como piloto de carreras, él decide abandonar el mundo delictivo.

‘Drive’ tiene un arranque ejemplar, ya que nos permite descubrir una persecución diferente a las que estamos acostumbrados a ver en cine: emocionante y cargada de tensión, pero basada más en los parones y en la ocultación que en la velocidad y el destrozo. Es decir, la forma de huir de alguien que piensa y no aplica únicamente una habilidad mecánica ante la que, de todas maneras, no tiene rival. Los títulos de crédito, rotulados en rosa y con una tipografía de las películas de los años ochenta, se acompañan de ‘Nightcall’, de Kavinsky, que imita las canciones populares de esa época, que abusaban de los teclados y de los efectos especiales tecnológicos.

La estética de la película es impecable, en ese afán de emular el cine de género de los años 60 y 70, pero al mismo tiempo con una fotografía sumamente actual que firma Newton Thomas Sigel. Cada uno de los planos está iluminado con tanta exquisitez que podemos pasarnos el rato contemplándolos sin necesitar más. Gran parte de la banda sonora se basa en las composiciones ambientales de Cliff Martínez, que crean un acompañamiento muy potente ya que, al tener poco diálogo, la película confía mucho en la música.

Ryan Gosling se utiliza y se moldea para hacer de él otro elemento que es casi estético. Tomando de cierta forma la dureza de un Steve McQueen o de un Michael Caine y gracias a su aparente inexpresividad y su parquedad en palabras, compone una representación de la imperturbabilidad, una figura que encierra lo que, abusando de los extranjerismos, podríamos llamar “cool”.

Ron Perlman, Bryan Cranston, Christina Hendricks, Albert Brooks y Oscar Isaac están en el bando criminal o, como mínimo, mezclados en negocios cuestionables. Cada uno de ellos sorprende gracias a su caracterización y ofrece papeles tirando a lo extremo, pero dentro de la verosimilitud, que también se disfrutan en todas sus intervenciones. Carey Mulligan me parece una buena elección para su personaje, ya que, para trasladar un enamoramiento respetuoso y basado más en el afecto que en la atracción sexual, no se podría haber elegido a un pibón exuberante, sino a una chica, guapa como es ella, aunque de rostro aniñado e inocente.

No obstante, es en este punto donde encuentro mi mayor dificultad para comulgar por completo con la película. Si bien estéticamente me parece que no se podría haber facturado mejor, en lo que se refiere a lo narrativo, pasados los sorprendentes primeros minutos y antes de llegar al explosivo final, encuentro un área un tanto gris y plomiza. Me creo que él sienta algo por esta mujer y por su niño, ya que se establece así. Sin embargo, emocionalmente no se me contagia ninguno de esos sentimientos. No porque él sea callado, sino porque, en lugar de química entre ellos, percibo una especie de asunción de que así es como tiene que ser. La película le dedica mucho tiempo a consolidar esta relación y, a pesar de ello, personalmente, no termino de verla. De todas maneras, estos tramos carentes de acción también existían en las películas de los sesenta a las que ‘Drive’ hace homenaje, por lo que todo podría considerarse como parte de esa recreación.

En definitiva, aplaudo la labor del director de la película y del director de fotografía, así como la logradísima atmósfera y la ambientación general, a caballo entre varias décadas, que, además de gracias a los trabajos de estas dos personas mencionadas, se logra por obra de un buen diseño de producción y gracias a la elección de la música y los sonidos. En la parte no tan positiva señalaría que se haya optado por un tempo tan pausado para acercarnos a todo lo que en la película es personal y que, a pesar de ello, no se haya, al menos para mí, conseguido transmitir una profundización en esos personajes o en sus sentimientos. Me gustaría haber sido capaz de entrar más en ese aspecto, ya que el inicio del film me suponía un deleite incuestionable y todo lo que parece difícil de hacer, en ‘Drive’ me parecía que estaba logrado de manera magistral. Una película de estética depurada y que hace de su protagonista la encarnación de lo “cool” y que, por lo tanto, supondrá una gozada para todos aquellos espectadores que busquen un disfrute artístico.

Otra crítica en Blogdecine | ‘Drive’, la conciencia del escorpión, por Juan Luis Caviaro.

Mi puntuación:

En 1994 tuve la gran suerte de ver ‘El rey león’ (‘The Lion King’, Rob Minkoff, Roger Allers) en su estreno cinematográfico —por aquel entonces yo trabajaba en un gran cine de mi ciudad, pero ésa es otra historia— y la opinión que tuve entonces a mis 24 años, no ha cambiado ni un ápice. Una obra maestra como la copa de un pino es lo que es esta película, una de las cumbres de Disney, de la animación y del cine en general. Que su conversión a las 3D tan de moda en la actualidad sólo puede tomarse como una buena noticia. ¿Necesito decir qué opina la crítica y el público votante en la IMDb?

‘Drive’ es el nuevo trabajo de Nicolas Winding Refn —‘Bronson’ (2008), ‘Valhalla Rising’ (2009)—y a parecer por las reacciones tanto de la crítica como del público votante, debemos estar ante una de las películas del año. Mi compañero Caviaro la vio en Cannes y sus impresiones no pudieron ser mejores. Personalmente tengo muchas ganas de verla, cómo no, pero el recuerdo de aquella maravilla de Walter Hill titulada ‘Driver’ (1978) —uy, qué curioso— no deja de acecharme. Aquí la veremos el 25 de noviembre. Ahí, ahí, película esperada, película retrasada. ¿Cuándo aprenderán nuestras vagas distribuidoras?

‘Straw Dogs’ es el remake de la magistral película de Sam Peckinpah ‘Perros de paja’ (‘Straw Dogs’, 1971), y que dada su repercusión a nivel crítico y de público, me temo que pronto dejaremos de oír hablar de ella. Todavía no sé quién es el verdadero impulsor de este remake, pero ya hay que tener osadía. En fin, las cifras hablan por sí solas. La crítica la ha suspendido. Aquí estaremos de acuerdo, o no, a partir del 11 de noviembre.

‘Tentación en Manhattan’ (‘I Don’t Know How She Does It’, Douglas McGrath, 2011) es el nuevo producto al servicio de Sarah Jessica Parker, actriz de lo más grimosa que ha aparecido en una pantalla. Su argumento interesa a cuatro que ya la han visto, así que ¿para qué perder más el tiempo?

Vía | IMDb

Por fin puede verse sin problemas el primer tráiler completo de una de las películas norteamericanas de género más esperadas del año. Técnicamente, es un Red Band, es decir, un tráiler con altas dosis de violencia y sexo que en prinicipio no se exhibirá en salas. Pero yo tampoco veo ninguna razón para no hacerlo. Lo que sí veo es que tanto los elogios dedicados por buena parte de la crítica especializada y de algunos que ya la vieron (como Juan Luis, que la vio en Cannes y le entusiasmó) como el esfuerzo de sus responsables por promocionarla, convencidos de su calidad y de su más que probable impacto, se traduce en unas imágenes poderosas y en un policiaco que, esperemos, sea de gran calidad. En caso contrario, sería una gran decepción, al menos para mí.

Me ha parecido un tráiler soberbio, que pese a su longitud no cuenta demasiada cosas y te provoca ganas de averiguar si es tan estupenda como la quieren vender. Secuencias de acción, tensión, suspense y romance, perfectamente mezcladas, y da la impresión de un diseño de producción muy cuidado. Recordemos que ‘Drive’ cuenta la historia de un particular especialista de cine, que durante el día se dedica a filmar peligrosas secuencias de acción al volante de bólidos, y por la noche emplea esa misma habilidad en peligrosos robos de gran envergadura en los que ejerce de gélido chófer. Ojalá que tan interesante premisa sea llevada hasta sus últimas consecuencias en la puesta en escena. Por lo demás, no se estrena en España hasta el otoño, en principio. Habrá que tener paciencia. En su estimulante reparto podremos disfrutar del talento de Ryan Gosling, Carey Mulligan, Ron Perlman, Bryan Cranston, Christina Hendricks, Albert Brooks y Oscar Isaac. El director es el cineasta de origen danés pero adopción neoyorquina Nicolas Winding Refn, que hasta ahora había demostrado ser, al menos, un director peculiar. El guión lo firma Hossein Amini sobre la novela de James Sallis. Newton Thomas Sigel es el operador de cinematografía. Huelga decir que recomiendo verlo en HD.

Gracias a Luissss por el aviso.

‘Drive’, la conciencia del escorpión

Si me preguntáis cuál es la mejor película de la sección oficial del Festival de Cannes 2011, o cuál creo que tiene más opciones de ganar la Palma de Oro, me lo tendría que pensar mucho, y no sé si podría responder con un solo título. Ahora bien, si la cuestión es decir qué película he disfrutado más, lo tengo muy claro: ‘Drive’. El nuevo trabajo del danés Nicolas Winding Refn (‘Pusher’, ‘Bronson’, ‘Valhalla Rising’) cuenta con Ryan Gosling como un conductor solitario, anónimo y parco en palabras que, como los violentos héroes del western y los thrillers de los 60 y 70, siempre está de paso, intentando no implicarse en la vida de los demás, hasta que ocurre algo y se ve obligado a actuar, desatando un baño de sangre. Tanto el director como el actor se pasaron por la Croisette para presentar la película, una fascinante y romántica salvajada.

Basada en la novela homónima de James Sallis, escrita para la gran pantalla por Hossein Amini, ‘Drive’ arranca en la habitación de un hotel de Los Angeles, con el protagonista hablando por teléfono (dando instrucciones específicas sobre su parte del trabajo) mientras se juega un partido de baloncesto entre Lakers y Clippers (los dos equipos de la ciudad). Con la banda sonora jugando un papel fundamental a la hora de crear la atmósfera y el estado de ánimo idóneo para cada escena (la tensión del partido se traslada al desarrollo de la secuencia inicial), la cuidada fotografía y la imaginativa puesta en escena de Refn (siempre abordando de manera diferente los fogonazos de acción, buscando la sorpresa y la emoción del momento, cuando lo habitual, tristemente, es la repetición y la excesiva exposición de imágenes espectaculares), uno se sumerge enseguida en este tenso cuento urbano de violencia y amor. Es sensacional la manera en la que se ha tratado el contraste que caracteriza la peripecia del conductor, un hombre que puede ser tan frío y brutal como tierno y bondadoso. Lo que puede sonar contradictorio e inverosímil se hace simplemente auténtico gracias a labor creativa del guionista y el realizador, y la convincente labor del carismático Gosling (en un papel que inicialmente era para Hugh Jackman), un héroe venenoso.

“¿Conoces la fábula del escorpión y la rana?”

Driver (Ryan Gosling)

El protagonista es un excepcional conductor que aprovecha su talento para ganarse la vida de dos maneras; por el día, cuando no trabaja en un taller, es un especialista de escenas de riesgo en películas de Hollywood; por la noche ofrece su volante para participar en actos delictivos, asegurando una infalible huida a quien le contrate. Su vida en L.A. parece cómoda, pero todo cambia cuando conoce a Irene (Carey Mulligan) en el ascensor del bloque de apartamentos donde residen (ojo a lo diferente que son las dos escenas en el ascensor). El conductor empieza a pasar tiempo con ella y su hijo, creándose un vínculo entre los tres (lo rápido que conecta con el pequeño hace intuir su problemática infancia); pero entonces el marido de la joven, Standard (Oscar Isaac), sale de la cárcel. Es interesante que, cuando a partir de aquí lo usual sería que se explotara la tensión entre los dos hombres (en el primer encuentro entre ambos saltan chispas), lo que ocurre es que el protagonista acepta su lugar y se convierte en una especie de protector de la familia. Cuando Standard le confiesa que tiene que formar parte de un peligroso robo para saldar sus deudas, el conductor decide ayudarle. Y da comienzo la espiral de violencia…

Cuenta Nicolas Winding Refn que tras reunirse con Ryan Gosling para discutir el proyecto (el actor le recomendó para el trabajo), éste lo llevó en coche de vuelta a su hotel; durante el trayecto se produjo un incómodo silencio, así que Gosling subió el volumen de la radio, y empezó a sonar una acaramelada canción pop, algo que iluminó al cineasta; el protagonista de ‘Drive’ sería un tipo solitario que por las noches escucha temas románticos como alivio emocional, mientras recorre la fría jungla de asfalto. Cabe destacar que pese al título, no se trata de una película centrada en persecuciones, aunque hay estupendas secuencias con coches, en las que prima más la tensión, la sorpresa y la emoción que la ruidosa espectacularidad. Es una clara apuesta por un cine de acción de la vieja escuela, directo y contundente, con la inspirada subtrama romántica para provocar el cambio en el protagonista, pero esto no significa que se descuiden los personajes. En realidad es uno de los puntos fuertes, un abanico de personajes arquetípicos construidos con inteligencia y humor, que cobran vida en manos de un elenco acertadísimo; a los ya citados hay que sumar Ron Perlman, Bryan Cranston, Christina Hendricks y Albert Brooks, en un papel sorprendente. ‘Drive’ es un festín audiovisual destinado a convertirse en título de culto.

Palmarés de la sección “Un Certain Regard” y nuevo capítulo de la polémica sobre Von Trier

Un día antes de que sepamos quién se lleva la preciada Palma de Oro de esta 64ª edición, ya se ha hecho público el palmarés de la (menos relevante) sección Un Certain Regard, cuyo jurado estaba presidido por el serbio Emir Kusturica. El premio a la mejor película ha sido ex aequo para ‘Arirang’ de Kim Ki-duk (habrá sorprendido a todos aquellos que se aburrieron o se marcharon antes de tiempo, pero ya dije que el film tenía cosas interesantes) y ‘Halt Auf Freier Strecke’ de Andreas Dresen; el premio especial del jurado ha sido para ‘Elena’ de Andrey Zvyagintsev y el de mejor dirección se lo ha llevado Mohammad Rasoulof por ‘Bé Omid é Didar’.

Por otro lado, hay un nuevo capítulo en la lamentable polémica protagonizada por Lars von Trier, que como sabéis fue declarado “persona non grata” por los organizadores del festival de Cannes tras las declaraciones que hizo la presentación ‘Melancholia’ (al director se le ha prohibido estar a menos de cien metros del Palais des Festivals, pero su película se mantiene en competición… aunque ya con mínimas opciones). El visceral cineasta se ha referido a lo ocurrido en una reciente entrevista, asegurando que nunca más volverá a asistir a una rueda de prensa. Dice que se emocionó e hizo el estúpido, pero que este tipo de decisiones políticamente correctas son peligrosas. También se ha referido a su compatriota Nicolas Winding Refn, que calificó de repugnantes las declaraciones de Von Trier. Respondió que conoce a Refn desde que era pequeño (el padre del director de ‘Drive’, Anders Refn, ha montado películas de Von Trier) y que… le jodan. Palabras textuales: “I´ve known him since he was a kid! Fuck him”. En fin, un enemigo más a estas alturas le debe dar igual. Lo que está claro es que, como dije en su momento, se ha sobredimensionado lo que dijo ante la prensa, que aprovechó para montar un escándalo que ha costado caro al director danés. Bueno, más bien al festival de Cannes. Porque ha perdido a una de sus grandes figuras.

PD: En el próximo artículo incluiré una lista con las películas de competición que más me han gustado, y el título de la que creo que va a ganar.