El actor Dustin Hoffman, sobre cuya carrera interpretativa creo que no hace falta dar ningún dato, ha debutado en la dirección a los 74 años de edad –¿de qué va a ser?– con la versión de la obra teatral ‘Quartet’ (“cuarteto”), que ha trasladado al cine su autor, el dramaturgo Ronald Harwood, responsable de la adaptación para Roman Polanski de ‘El pianista’, de Władysław Szpilman.

El argumento de ‘Quartet’ gira en torno a una serie de músicos retirados que planifican su concierto anual, que debería coincidir con la fecha de nacimiento de Giuseppe Verdi, en Beecham House, una residencia para artistas mayores, en la que comparten alojamiento. Este año, sin embargo, la celebración del cumpleaños del compositor se verá estorbada por la incorporación de una gran dama del bel canto, encarnada por Smith, que no está pasando por su mejor momento. Saldrán a flote antiguas rencillas, una amargura común ante la inevitable certeza del paso del tiempo y las aún más inevitables dificultades para recaudar fondos.

El rodaje comenzó la semana pasada en Buckinghamshire, al norte de Londres, con un elenco compuesto por intérpretes británicos, entre los que se encuentran Maggie Smith, Michael Gambon, Sheridan Smith,Tom Courtenay y Pauline Collins. Hoffman habría querido contar asimismo con Albert Finney, pero el actor, de 75 años, está retirado debido a una afección cancerígena, por lo que su papel lo va a interpretar el escocés Billy Connolly.

La sinopsis no nos dice mucho, por el momento. No obstante, todos lo nombres asociados a este proyecto, desde el guionista y autor del material original hasta el director, pasando por los actores, son de primera fila. Por lo tanto, esperamos que el resultado sea tan satisfactorio como cabría esperar. La crítica tuvo reacciones templadas ante las representaciones de la obra, que comentan combina las risas con la tristeza. Pero lo que se achacaba allí quizá se ha corregido para el film. Y, en cuanto a ese temor que albergamos siempre que hablamos de un proyecto, es decir, que no llegue a estrenarse en nuestro país, ya podemos perder cuidado, pues las ventas internacionales del film han funcionado de forma tan fulgurante que ya hay una distribuidora española encargada de traérnosla.

Vía | Variety.

Michael Mann lleva un tiempo considerando lanzarse con diversos proyectos y por fin parece que se ha decidido por uno para comenzar. Ayer se anunció en Cannes que lo primero que rodaría sería la adaptación de la novela de Bernard Cornwell ‘Azincourt’ (‘Agincourt’).

El libro se centra en el asedio de Harfleur y en la batalla de Azincourt, que ya fue inmortalizada por William Shakespeare en su ‘Enrique V’: año 1.415, el impetuoso rey de Inglaterra Enrique V decidirá cruzar el canal de la Mancha y lanzarse a la conquista Francia… uno de los muchos episodios de rivalidad entre ingleses y franceses de la Edad Media. El arquero inglés Nick Hook nos lleva de su mano a través de los hechos.

Mann había comenzado a escribir la adaptación junto con Michael Hirst —guionista de ‘Elizabeth‘ y de ‘Los Tudor’— y ahora es Benjamin Ross, director de ‘RKO 281’, quien se va a encargar del guion.

Luc Roeg, fundador y director general de Independent, la productora que está llevando acabo el proyecto, ha declarado que es un buen momento, ya que el personaje de Enrique V está de moda. El protagonista de ‘Thor’, Tom Hiddleston, lo está encarnando en una adaptación para televisión que dirigirá Richard Eyre y producirá Sam Mendes de la obra homónima de Shakespeare, que, como ya sabéis, se ha trasladado al cine en numerosas ocasiones.

Otros proyectos para Michael Mann

Otro de los títulos que baraja Michael Mann es ‘Gold’, a la que han calificado como una contemporánea ‘El tesoro de Sierra Madre’ (‘Treasure of the Sierra Madre’), ya que se trata de una historia de buscadores de oro. ‘Gold’ estará basada en un guion de Patrick Masset y John Zinman que Paul Haggis le mostró a Mann como ejemplo de proyectos que estos dos guionistas podían escribir para ellos. A Mann le gustó tanto que decidió comprar los derechos y comenzar a desarrollarlo con su productora Forward Pass, a las que se unen Haggis y su socio de Highway 6, Michael Nozik.

También había considerado la biopic del gángster Big Tuna (Gran Atún) o del fotógrafo de guerra Robert Capa, con Andrew Garfield y Gemma Arterton; así como otra adaptación de ‘Por quien doblan las campanas’ (‘For Whom The Bell Tolls’), de Hemingway.

Además, está dirigiendo el capítulo piloto de la seire ‘Luck’, un drama sobre carreras de caballos, que también está produciendo. En ella aparecerán Dustin Hoffman, Michael Gambon, Ian Hart, John Ortiz, Dennis Farina y otros.

Lo cierto es que ninguno de estos proyectos me llama demasiado la atención. Sí me resulta estimulante pensar en una nueva película de Michael Mann, cuyo estilo admiro, pero preferiría que se centrase en un thriller contemporáneo, que ya ha demostrado que se le dan tan bien. Por otra parte, el hecho de que haya tantos proyectos a la vista y de que no parezca concretar el arranque de ninguno da la sensación de que podría descartarlos todos. Tendremos que esperar para ver cuál de estas ideas se lleva finalmente a la práctica.

Vía | Indie Wire.

“Jodiste a todas las personas que conociste y te importaban”.

(Detective O´Hearne / Mark Addy)

‘El mundo según Barney’ (‘Barney´s Version’, 2010) se estrenó en España el pasado 18 de marzo, pero hasta este fin de semana no he tenido la oportunidad de verla. No hay problema en ir a ver ‘Torrente 4’, ‘Gnomeo y Julieta’, ‘Sin compromiso’ (‘No Strings Attached’) o ‘Esta abuela es mi padre’ (‘Big Mommas: Like Father, Like Son’), una cosa que se proyecta en 300 salas. Se anuncian en todas partes, están en todos los multicines, y en consecuencia, son las más taquilleras. No puedo estar más de acuerdo cuando mi compañero Jesús León dijo hace poco, en nuestro apartado de “respuestas”, que los distribuidores son unos cobardes. En general, lo son, sin duda alguna, semana tras semana lo demuestran. Pero ahí siguen, con sus absurdas campañas de marketing (esas títulos genialmente traducciones…) y constantes retrasos en los estrenos, atacando la piratería de forma mecánica y acaparando pantallas con productos que deben considerar ventas seguras; cine de consumo rápido, de usar y tirar, o cine basura si lo preferís, en cantidades más elevadas de las que el público puede soportar sin sufrir una indigestión. El negocio se va a pique, y nos piden salvarlo, compensar su torpeza.

Comparada con la mayoría de los estrenos que infectan las carteleras, os voy a hablar de una película sobresaliente. Por sí sola no lo es, pero al menos se nota que está hecha con humildad y esmero, con la única intención de narrar una peripecia de seres humanos cuyos aciertos y errores, cuyas destrezas y debilidades, pueden entretener, emocionar y hasta inspirar al espectador. Una película que se basa en algo tan sencillo como unos actores creyéndose una historia, aportando vida y verdad a sus personajes. Y eso hoy en día es tan raro, tristemente, que solo puedo recomendarla, con importantes matices. Ante todo, su mayor defecto es que dura demasiado. O dicho de otra manera, el realizador Richard J. Lewis, procedente de la televisión, fracasa con el ritmo de la película, patina con una estructura basada en episodios, en forma de flashbacks en la mente de un personaje ya viejo y enfermo, lleno de arrepentimiento, desesperado por arreglar los destrozos que ha causado en su vida. La gran tragedia es que no puede, hay cosas que no puede corregir, y además, ya es tarde.

“Estás casado con una mujer que está forrada, que prepara un kuguel de hojaldre muy rico y que tiene un tipazo estupendo. Infinidad de matrimonios se han sustentado en mucho menos que eso”.

Izzy Panofsky (Dustin Hoffman)

Escrita por Michael Konyves, la película comienza con Barney (Paul Giamatti) llamando por teléfono a las tres de la mañana, visiblemente borracho. Quiere hablar con su esposa, pero el hombre al otro lado de la línea le recuerda la hora que es, y además que ya no es su esposa. Barney responde con crueldad y el otro cuelga. A la mañana siguiente, la hija de Barney (Anna Hopkins) le cuenta, mientras éste se marcha al trabajo, que su llamada provocó una ataque al corazón al segundo marido de su madre. Barney no puede disimular su satisfacción, y bromea con la posibilidad de que el tipo haya quedado impotente. Es una buena manera de presentar al protagonista, su forma de ser y su situación, con apenas dos escenas. Se nos ha dado información fundamental que más adelante será ampliada y explicada, como que Barney bebe más de la cuenta, que es rudo con la gente y que ama a la mujer que aún considera su esposa. Una siguiente escena añade más información, una que ya se sale de lo corriente. Un policía retirado (Mark Addy) entrega a Barney una copia firmada de un libro en el que le acusa de haber salido impune de un asesinato.

Ya tenemos la base de la historia, y una interesante. ¿Quién es este Barney? ¿Qué ocurrió con su esposa? ¿Realmente mató a alguien? Con el libro del que considera “su mayor enemigo” en las manos, el protagonista nos dará la respuesta a esas cuestiones, dando su propia versión; de ahí el título original de la película, idéntico al de la novela que adapta, ‘La versión de Barney’, escrita por Mordecai Richler, quien al parecer incluyó elementos autobiográficos. Aunque el tráiler ya se encargó de destripar todos los acontecimientos relevantes de la trama, resulta útil recordar el eslogan del cartel, Barney se casó dos veces y luego conoció a la mujer de su vida; lo más llamativo es que la conoce durante la celebración de su segunda boda, pidiéndole que se fugue con él a los dos segundos de haberse presentado. Por otro lado, su primera esposa (Rachelle Lefevre), una mujer débil de juventud problemática (fantástica la escena en la que su padre, encarnado por Saul Rubinek, relata esa historia), se suicida al creer que Barney la había abandonado; y su mejor amigo (Scott Speedman), desaparece y es dado por muerto, siendo Barney el principal sospechoso, con todas las pruebas en su contra, pero sin cuerpo no hay delito.

“No digas que harías lo que sea. La vida es real, se compone de pequeñas cosas, minutos, horas, siestas, recados, rutina… y tiene que bastar con eso”.

Miriam (Rosamund Pike)

Definitivamente, no es un protagonista corriente, y conforme pasan los minutos, y vemos cómo se comporta con todo el mundo, cada vez más egoísta y tosco, comprendemos que estamos en presencia de un auténtico gilipollas. Está hecho a propósito, no tiene que caer bien. Y sin embargo, en el último tramo de la película, uno no puede evitar sentir lástima por él, que en el fondo no es más que un miserable que se emborracha y se engaña a sí mismo para poder soportarse, para no acabar hundido por los remordimientos. He leído a Giamatti decir que el mayor perdedor no es aquel que no tiene oportunidades, sino el que las desperdicia. Efectivamente, Barney es un gran perdedor, y duele verlo. Podía ser un problema tener que abarcar tres décadas de la vida de alguien con un solo actor, pero aquí se soluciona con una estupenda labor de maquillaje (candidata al Oscar) y un formidable actor. Giamatti borda el papel, hasta el punto de confundirse con Barney, parece un papel hecho a medida. Es posible que cause extrañeza verlo cautivando a mujeres tan atractivas, como criticaba mi compañera Beatriz, pero no creo que pueda ser tachado de increíble, solo hay que dar un paseo por la calle para comprobar que es cierto eso de que el amor es ciego.

Los mayores aplausos se los ha llevado Giamatti, ganador del Globo de Oro, pero lo cierto es que todo el reparto (Dustin Hoffman, Rosamund Pike, Minnie Driver, Bruce Greenwood…) está muy convincente, todos hacen creíbles, humanos, cercanos, sus personajes. Ahí radica uno de los logros de ‘El mundo según Barney’, no hay personajes de una sola cara, no hay nadie totalmente bueno o malo; mirando el conjunto de su vida, uno puede comprender el carácter y el comportamiento del protagonista, ver bondad y amor, sin que ello justifique sus errores. En principio, resulta excesivo dedicar 130 minutos a esta historia, uno debe seleccionar (claro que hay cineastas que consideran relevantes largos planos de ventanas o puertas), realizar una exhaustiva depuración de material y ofrecer solo lo más interesante del relato; Lewis no lo hace, y eso pasa factura a la película. Sin embargo, y no he leído la novela, queda la sensación de que faltan cosas importantes, que al resumir la vida de Barney se podía haber dedicado más tiempo a aclarar algunas de sus decisiones (como su segundo matrimonio). Tampoco se luce el director con la puesta en escena, más propia del medio televisivo, pero los actores consiguen que esto pase más o menos desapercibido, y que la película llegue a emocionar, aunque se mire el reloj de vez en cuando.

Posdata: Por favor, comparad este breve extracto de la película (sin spoilers), doblado al castellano y en versión original. No se pierde la mitad de la interpretación, se pierde la veracidad de la interpretación, y en definitiva, la magia de la película.

Richard J. Lewis, con ‘El mundo según Barney’ (‘Barney’s version’, 2010), trata de convertir una historia corriente, acaecida a un tipo corriente, en algo tan extraordinario como para mantener al espectador entretenido durante dos hoyas y cuarto. Y en este mismo intento, en esta ambiciosa noción, residen enteramente los problemas de la película, pues el autor se ha metido sin darse cuenta en una contradicción.

Si el resultado ha de ser, quizá no extraordinario, pero suficientemente brillante y llamativo como para que interese, es necesario tornar los sucesos de esa vida real, común y moliente, en material de ficción —literario o cinematográfico—. Pero en ese proceso, el personaje dejaría de ser un hombre del montón y se convertiría en el consabido héroe de las narraciones. Ya que el autor no desea que el personaje se eleve, pues entonces se perdería la premisa principal por la cual ha pensado que merecía la pena acercarse a esta historia, debe estar constantemente anclándolo a lo terrenal y eso impide la otra mitad de su premisa: convertir lo cotidiano en algo sublime.

No afirmaría que la contradicción supone un imposible o que el proyecto era irrealizable, pues incluso de la existencia más anodina se podría extraer un interesante relato siempre que se sepa cómo contarlo. Pero el director debutante y procedente de la televisión no está capacitado para tan complicada misión.

Paul Giamatti y su personaje

Podría parecer que el mayor disfrute de la película recaerá en observar a Paul Giamatti. Sin duda, es un enorme cómico con una gran capacidad interpretativa y una gran versatilidad. Pero la elección de este actor contribuye en gran medida a que la empatía hacia el personaje principal se muestre tan difícil.

Aunque Mordecai Richler —en cuya autobiografía se basa la película— no era guapo ni alto ni delgado, sí tenía un atractivo del que carece Giamatti, una mirada inteligente y algo morbosa. Muchos años antes, quien lo podría haber encarnado perfectamente es el propio Hoffman, que quizá por ese motivo, se ha empleado aquí como padre. Giamatti, por el contrario, produce un rechazo físico que no sería problemático en otras ocasiones, pero que en la encarnación de un seductor como éste lo que produce es la imposibilidad de creer lo que estamos viendo y de, por lo tanto, conectar con los hechos.

No es necesario que un personaje nos caiga bien o que sea susceptible de ser nuestro amigo si viviese en la vida real y contemporánea para que empaticemos con él; con mucho menos podemos identificarnos con su causa. Los autores saben que el personaje tiene muchos aspectos negativos, pero esperan que, tras todo ello, lo percibamos como un romántico incurable y que en el fondo exista cierta comprensión. Nada se ve de la forma intencionada, pues lo que él entiende como enamoramiento no se percibe más que como un encaprichamiento testarudo basado en el físico, de la misma forma que cuesta compartir el rechazo hacia otras de sus mujeres. La etapa del presente es la única que mueve alguna emoción, claro que, quién no se enternecería ante un anciano con Alzheimer.

Incluso así, la mejor baza con la que cuenta este film sigue siendo su espectacular reparto. Dustin Hoffman, en el papel del padre de Barney, obtiene el mejor personaje de todo el elenco y es asimismo el actor que más acertado está. Rosamund Pike, con un complicado papel que irá pasando por diferentes edades, logra un encantador retrato de una mujer misteriosa, aunque nunca llega a convencernos de que sienta algo por Barney. En los papeles secundarios, grandes intérpretes consiguen trabajos con similar acierto: Minnie Driver, Rachelle Lefevre, Scott Speedman, Bruce Greenwood y Macha Grenon.

Reflejo de varias décadas de vida

A base de extensos flashbacks, se van contando las distintas etapas de la vida personal de Barney Panofsky. Gracias a un generoso diseño de producción, donde se clava la ambientación de todas las épocas ‘El mundo según Barney’ tiene apariencia de un gran film.

Admito que las películas biográficas, ya sean los biopics de famosos, o estas otras historias de seres comunes, no suelen tentarme. En ellas, la narración se compone de episodios más o menos autoconclusivos, que responden a las etapas vitales de estas personas, en lugar de presentar una unidad de historia que se mantenga a lo largo de todo el metraje. No obstante, a esto puede haber excepciones y existen películas que reflejan una larga extensión temporal que me han enganchado gracias a sus personajes o a la forma en la que se cuentan los sucesos. ‘El mundo según Barney’ lucha contra esa dificultad, pero no halla aquí su principal obstáculo.

Concluiría diciendo que habrá quien halle satisfacción con esta película, solo por el elenco que luce y por los destellos de humor que se salpican a lo largo de todos su minutos. Personalmente, hacía esfuerzos denodados e infructuosos por encontrar algo de empatía con el personaje que, a su vez, me despertase algo de interés hacia ‘El mundo según Barney’. Si la intención es dejar claro que Panofsky fue un hombre corriente, se consigue. Si además había que transmitir que, a pesar de todo, su vida resulta extraordinaria, eso ya no.

Mi puntuación:

Primero se casó. Luego se volvió a casar. Y después conoció al amor de su vida.

(Eslogan del póster estadounidense)

Sin duda, uno de los títulos más interesantes que llegan a las carteleras españolas el próximo viernes es la comedia dramática ‘El mundo según Barney’ (‘Barney´s Version’, 2010), protagonizada por ese formidable camaleón que es Paul Giamatti, y no por el divertido Neil Patrick Harris, como los fans de ‘Cómo conocí a vuestra madre’ podrían pensar. La película obtuvo el premio del público en la pasada edición del festival de San Sebastián y Giamatti fue galardonado con el Globo de Oro al mejor actor de comedia de 2010 (sin embargo, fue uno de los grandes “olvidados” en los Oscars). En este post os traigo el tráiler y el cartel español de esta adaptación de la novela de Mordecai Richler, convertida en guion por Michael Konyves. Ojo a la duración del vídeo, yo no vería más que un minuto, destripa bastante.

Dirigida por Richard J. Lewis, curtido en el formato televisivo (ha dirigido decenas de episodios de ‘CSI: Las Vegas’), ‘El mundo según Barney’ es la historia de un hombre corriente que tiene una pintoresca vida. Su peor enemigo acaba de publicar un libro revelador que saca a relucir los capítulos más comprometedores del pasado de Barney, por lo que se obligado a contar su propia versión; dado que su memoria empieza a fallar, y tiene la costumbre de emborracharse hasta perder el sentido en los momentos clave, Barney nos lleva con paso inseguro por el camino de los recuerdos, no sólo para explicar su vida a los demás, sino para explicársela a sí mismo. Dustin Hoffman, Rosamund Pike, Minnie Driver, Rachelle Lefevre, Scott Speedman y Bruce Greenwood acompañan a Giamatti al frente del reparto. La música corre a cargo de Pasquale Catalano.

PD: En caso de que os moleste el doblaje español del tráiler, cosa que entiendo perfectamente, os dejo también el vídeo en versión original subtitulada (con uno subtítulos gigantescos para los más cegatillos):

Cuarenta y cuatro años desde que se estrenó, no estoy muy seguro de que a estas alturas quepa algún comentario crítico acerca de la segunda película como director de Mike Nichols, y probablemente la más famosa e importante de todas ellas. Pero quizá sí quepa preguntarse si su tema (o su discurso, o su mensaje, como lo queramos llamar) continúa vigente tanto tiempo después, teniendo en cuenta lo que esta película significó en su momento, por su velada crítica a una sociedad burguesa aletargada y (como siempre) decadente. Un cine casi subversivo, que en su descripción de una serie de caracteres, a cada cual más mezquino y trágicamente imperfecto, no dejaba títere con cabeza. Pero, ¿realmente es una película tan valiosa como dijeron? ¿Tan feroz, tan valiente? Como es lógico, yo no viví el impacto de esa película (y aunque hubiera nacido veinte años antes, tampoco lo habría vivido realmente, más que de oídas, por haber nacido en España) pero es fácil imaginarse lo que significó en Estados Unidos en 1967, cuna de la hipocresía sexual más rampante, la historia de este muchachito descarriado.

Y me pregunto (y de paso pregunto al lector, que también tendrá su punto de vista al respecto, digo yo) si precisamente por ser una película norteamericana, por estar encuadrada en esos años tan bulliciosos, tan significativos para el colapso moral del “American Way of Life”, como fueron los últimos años sesenta, ‘El graduado’ (‘The Graduate’), una de las películas más célebres de aquella época, ha sido quizá sobrevalorada hasta la extenuación, o simplemente se ha tomado como artificial referencia para cuestionar una serie de valores, cuando a lo mejor no es más (ni menos) que un drama existencial con algunos buenos y mordaces momentos, que quizá nunca se planteó realmente erigirse en símbolo de nada, aunque ya, a estas alturas, parezca inevitable. Lo que sí tengo claro es que no se trata de una comedia, tal como he leído que la describieron no pocos críticos en su momento (por ejemplo, el ínclito Roger Ebert), pues me parece que la comedia tiende a hablar de gente patética, torpe, graciosa o alocada, pero no oscura, egoísta, perturbada, cuando no miserable o rastrera, como son muchos de los personajes de esta singular película.

Vidas vacías

Los que me lean habitualmente quizá sabrán el poco aprecio que le tengo al trabajo como cineasta de Mike Nichols, un hombre que en el teatro de de Estados Unidos es toda una institución y que, según me acabo de enterar, es una de las pocas personalidades en poseer los cuatro grandes premios de ese país: el Oscar, el Tony, el Grammy y el Emmy. Pero su trayectoria cinematográfica dista mucho de ser genial, aunque seguidores no le falten. En realidad, dista mucho incluso de ser coherente o interesante, salvo un par de títulos aislados y algún hallazgo eventual. Lo único realmente bueno que se puede decir de él es que es un gran director de actores, disciplina que no destaca, precisamente, por su facilidad. Pero ni ha desarrollado una personalidad como cineasta, ni posee un estilo propio, ni es un gran nombre a pesar de su dilatada carrera. Claro que le llegó muy pronto la celebridad, cuando ganó el Oscar por ‘El graduado’, único que le concedieron a la película, lo que da idea de hasta qué punto querían destacar la propuesta formal y la valentía a la hora de tratar ciertos temas. Pero viéndola de nuevo sucede como con la polémica en torno a ‘La vida de Brian’ (‘Life of Brian’, Terry Jones, 1979) y su supuesto ataque a la iglesia católica: tampoco hay para tanto.

Recién graduado en la Universidad, Benjamin Braddock, un chaval apocado de vientiún años que no sabe qué va a hacer con su vida, termina seducido, pese a sus iniciales reticencias, por la madura y atractiva señora Robinson, lo que tendrá consecuencias imprevistas para su vida cuando se enamore de la hija de su amante. Hay más mala leche, más corrosión cínica en algunas de las miradas, y en algunas de las palabras, y en los gestos de una impresionante Anne Bancroft, así como en ciertos juegos visuales de Nichols, que en una historia que a estas alturas no escandaliza a nadie, que conoce un final feliz, pese a su ambigüedad, y que va perdiendo fuelle a medida que avanza. Creo que para ser la importantísima película que algunos promulgan, ‘El graduado’ debería funcionar a un nivel universal y atemporal, cuyos conflictos y temas pudieran extrapolarse a cualquier situación de la vida real, y esto no sucede. Su marco (la vida adinerada y aburrida de los universitarios y de sus acomodados padres en sus estupendas mansiones) hace difícil que algunos nos identifiquemos con esta supuesta tragicomedia sentimental, y el alcance de su carga crítica se queda en una época y en unas personas muy determinadas.

Eso sí, no puedo negar que por una vez (y nunca más conoció esta inspiración, ¿acaso dirigió otra persona ‘El graduado?...) Nichols se maneja con la puesta en escena audiovisual de manera admirable, empleando como nunca en su vida las herramientas más puramente cinematográficas como son el encuadre, el espacio y el ritmo. Sobre todo en su primera mitad, la cámara y el montaje de Nichols pueden calificarse de audaces. Es notable la presentación de la sombría señora Robinson, que en un fabuloso plano queda completamente diferenciada del resto de los asistentes a la fiesta, o la forma en que, con el encuadre cerrado en el rostro de Braddock, sentimos su creciente agobio. Sin olvidar ese instante estupendo en que la madura señora por fin se desnuda delante de Benjamin, que no puede evitar (al igual que nosotros) fugaces visiones del cuerpo desnudo de su futura amante y pesadilla. Nichols no tiene miedo de situarse en el punto de vista de Benjamin siempre que le es posible, buscando nuestra identificación con él, viendo el drama a través de sus ojos, siendo partícipes de su vacío emocional, de su languidez moral. Era inevitable que algunos establecieran vínculos con una imagen nítida de la muerte definitiva del llamado “Sueño Americano”.

Hay que reconocer, también, que tanto Dustin Hoffman, la ya comentada Bancroft, como la por entonces jovencísima Katharine Ross, que desarrolló una decepcionante carrera tras unos comienzos fulgurantes, están soberbios en papeles bastante difíciles y desde luego muy poco agradecidos, al igual que el resto de un reparto muy bien cohesionado por Nichols y en el que nada sobra y nada falta. Por sobrar, a mí me sobra la melosa música de los Simon & Garfunkel, pues siempre me ha parecido un pegote innecesario que muchas veces termina por transfigurar, o casi, la dirección de actores y el tono entero de la cinta (como sucede en demasiadas películas con la música, me temo, y es que hay pocos directores con sentido musical), convirtiendo este siniestro cuento de hadas en una broma intrascendente a la que se le apagó la chispa y que no queda más que como un epitafio de cierta forma de entender el cine, el sexo y la vida burguesa. ¿Y desde cuándo los epitafios son obras de arte?

Lo mejor, lo peor e imagen favorita

Lo mejor…¿hace falta decirlo? ¡Anne Bancroft! Lo peor: lo dicho, que su impacto fue muy limitado. Ya no impresiona. Es casi ingenua. Mi imagen favorita es, de nuevo, la Bancroft aguantando que el chaval proteste porque lo único que hacen es quedar para tener sexo. Con una actriz como esta tienes media película hecha.

Ya ha aparecido en la red el cartel definitivo de la tercera parte de ‘Los padres de ella’ (‘Meet the Parents’, 2000), una secuela titulada originalmente ‘Little Fockers’ que llegará a nuestros cines rebautizada como ‘Ahora los padres son ellos’. La comedia ha sido dirigida por Paul Weitz (‘Un niño grande’, ‘In Good Company’, ‘El circo de los extraños’) y como podéis ver en el póster, la idea ha sido volver a reunir a los protagonistas de las dos anteriores películas, según parece, para cerrar el círculo y terminar definitivamente con la historia de los Fockers (los Follen, en español). No estaría mal…

Ben Stiller y Teri Polo vuelven a dar vida a Greg y Pam, que ya son padres de dos pequeños Fockers; Robert de Niro y Blythe Danner vuelven a encarnar a los padres de ella, Dustin Hoffman y Barbra Streisand a los de él. Escrita por John Hamburg y Larry Stuckey, la trama de ‘Ahora los padres son ellos’ gira en torno a una reunión familiar para organizar la fiesta de cumpleaños de los hijos mellizos de Greg y Pam, lo que volverá a ocasionar conflictos entre Greg y Jack, su desconfiado suegro; para complicar un poco las cosas, aparecerá en escena el ex-novio de Pam. Owen Wilson, Jessica Alba, Harvey Keitel y Laura Dern completan el reparto. La película se estrena en España el próximo 22 de diciembre; os recuerdo que ya salió el tráiler, por si queréis echarle un vistazo.

PD: Se confirma que Hoffman aparece brevemente en el film; en un principio se dijo que no estaría, por un desacuerdo económico con Universal Pictures, pero otras fuentes aseguran que el problema eran sus escenas, que tuvieron que reescribirse.

Vía | Impawards

Los 70 fueron una década muy especial para Sam Peckinpah. Conocido el éxito gracias a ‘Grupo salvaje’ (‘The Wild Bunch’, 1969) al polémico director le empezaron a llover ofertas de todo tipo y antes de aceptar una película como ‘Perros de paja’ (‘Straw Dogs’, 1971) barajó otros posibles films, uno de ellos protagonizado por un viejo amigo, Robert Culp —recientemente fallecido— que no llegó a realizarse por uno de los típicos enfados del director. Así pues cayó en sus manos el tratamiento de una novela titulada ‘The Siege of Trencher’s Farm’ (‘El asedio a la granja Trencher’) de Gordon Williamson para retocarlo —como todo buen director debe hacer y que no se me malinterprete en esto, que ya veo los cuchillos— y convertirlo en película.

En el libro se narraba el ataque a una casa por parte de un grupo violento de personas que querían matar a todos sus inquilinos, un relato lleno de violencia que carecía de los elementos sexuales que introdujeron en el film y que precisamente hicieron que medio mundo recibiera ‘Perros de paja’ como una obra fascista casi pornográfica, nada más lejos de la realidad. Sí, estamos ante el film más violento de su director y la carga sexual intrínseca del relato es muy alta, pero nada en el film es gratuito, forzado o efectista. Al igual que en la recién comentada ‘Senderos de gloria’, la película remueve conciencias adentrándose en el ser humano y sus más bajos instintos.

‘Perros de paja’ narra la historia de Amy y David Summers, matrimonio formado por un profesor norteamericano y una jovencita inglesa que, huyendo de la crispada situación social en los USA, van a una campiña inglesa en la que David podrá investigar aprovechando la concesión de una beca. Pronto la presencia de los extraños no será muy bien recibida por los lugareños, sobre todo aquellos con poca masa cerebral, llenos de prejuicios. Amy, que había crecido en el lugar, es el centro de las miradas obscenas de los machos que rondan a la pareja. Un acto extremadamente violento será el detonante de unos hechos, inevitables, aún más violentos.

Anécdotas de un rodaje polémico

Cuando Peckinpah retocó el guión —siempre sin faltar al trabajo realizado por David Zelag Goodman— incluyó las escenas de sexo, eliminó personajes del libro —la hija de la pareja— y trató de contentar a los productores que le presionaban para que la película tuviera un final feliz. El título de ‘Perros de paja’ se le ocurrió a Peckinpah por una frase del filósofo Lao-tzu: “El cielo y la tierra son crueles, tratan a todos los seres vivos como si fueran perros de paja”, ya que titular la película igual que el film tenía un problema según sus responsables, que parecía el título de un western; y aunque en la película hay elementos del citado género estamos ante el primer trabajo de su director que no es un western puramente dicho.

Justo antes de comenzar el rodaje Peckinpah se cogió una borrachera descomunal con Ken Hutchinson, uno de los actores del reparto, mientras pasaban la noche en una playa. Esto hizo que el director cogiera un neumonía y fue obligado a hospitalizarse. Los productores empezaron a temer por la película e incluso Dustin Hoffman, la estrella del reparto, llegó a sugerir el nombre de Peter Yates para sustituir a Peckinpah. Afortunadamente para todo el mundo el director de ‘Grupo salvaje’ se puso manos a la obra y aunque no se evitaron los típicos altercados que provocaba en sus rodajes, hizo gala de su extrema y dura profesionalidad. A modo de curiosidad citar que el actor T.P. McKenna, que da vida al juez del pueblo, aparece con un cabestrillo como consecuencia de una pelea provocada por Peckinpah cuando ambos estaban con dos prostitutas. David Warner, que ha había trabajado con el director en su anterior película, tenía una contractura en un pie, y como ninguna aseguradora quería asegurarlo para el rodaje, quiso trabajar en el film aún sin estar acreditado.

A Peckinpah le gustaba presionar a sus actores en los rodajes con el fin de conseguir el máximo rendimiento de ellos, pero no siempre se salió con la suya. En la mítica secuencia de la violación —que en determinados países fue cortada, con lo que perdía toda su fuerza— el director tuvo que someterse a los deseos de Susan George, que estaba muy asustada por las técnicas de rodaje de Peckinpah. Éste tenía pensado que la actriz hiciese cosas que ésta se negaba en rotundo por lo que ella le sugirió hacerlo enfocado simplemente las reacciones de la cara al ser violada por segunda vez. Gracias a ello Peckinpah jugo con las dos violaciones mediante un montaje que termina con planos muy cortos y muy sugerentes. El resultado es una de las escenas clave del film, un punto de inflexión en el devenir de los hechos.

La violencia del ser humano

Peckinpah quedó muy impresionado por los escritos de Robert Ardrey —libros como ‘African Genesis’, ‘El imperio territorial’ o ‘El contrato social‘—, que explicaban las similitudes del hombre con el resto del reino animal, como el instinto de supervivencia o el de proteger su territorio y hogar contra invasiones. Nuestro lado violento no se puede negar, el hombre es así por naturaleza y hay que aprender a vivir con ello y controlarlo para poder sobrevivir. ‘Perros de paja’ es el perfecto resumen de todo lo que Ardrey sostenía, Peckinpah aplica perfectamente dichas teorías a un relato cuya explosión de violencia final se consigue por medio de uno de los crescendos dramáticos más conseguidos que se hayan visto.

Una de las primeras secuencias nos muestra a una Susan George con un jersey bajo el cual no lleva sujetador. Un breve plano de sus pechos, en el que notamos unos pezones duros, intercalado con planos de algunos de los habitantes del pueblo que la miran con deseo, proporciona el primer golpe de inquietud en el espectador. Peckinpah nos advierte que el carácter sexual de la historia será determinante en un momento dado. Más tarde y como producto de una pequeña pelea con su marido, Amy se deja ver medio desnuda por los hombres que arreglan un tejado en su propiedad, y posteriormente la tan comentada escena de la violación doble, en la cual podemos observar cómo en un principio Amy parece disfrutar de ello —¿lo ha provocado porque es lo que desea?— y luego es violada brutalmente. Los hombres se han dejado llevar por sus instintos más bajos y han utilizado la violencia —lo único que conocen, que son— para conseguir lo que querían.

En el tramo final del film y en un inteligente detalle de guión, la violación de Amy pasa a segundo plano y la violencia que estalla no es por venganza de la violación, sino para impedir otro acto de violencia esta vez mayor ya que incluye la muerte de alguien, en este caso el personaje de Henry Niles, un retrasado, que es acusado de ser el culpable de la desaparición de una joven niña. Niles se refugia en la casa del matrimonio, acosada por varios hombres del pueblo, entre ellos los dos violadores, que quieren tomarse la justicia por su mano. David Summers, que hasta entonces se ha comportado con un hombre algo cobarde, se niega en rotundo a entregar a Niles —sabe que de hacerlo, lo matarán— y decide defender su hogar. No le queda más remedio que usar la violencia para ello. La gran ironía de la violenta situación es que en realidad Niles ha matado a la chica por accidente y nadie lo sabe, sólo el espectador.

La escena del ataque es toda una lección de montaje y ritmo, de manejo del suspense y también de cómo filmar excelentes secuencias de acción, algunas de ellas muy influyentes —como el trabajo de Peckinpah en general— en el cine posterior. Con una sugerente puesta en escena, que incluye planos inclinados que acentúan la tensión, Peckinpah nos habla de cómo a veces la violencia no puede evitarse. Para aquellos que saben controlarse —caso de David— es el último recurso, pero cuando tu vida está en peligro es inevitable sacar al ser violento que llevamos dentro porque será única manera de escapar a dicha situación. Todos y cada uno de los asaltantes prueban en sus carnes la misma violencia con la que han nacido —¿no es el nacimiento de un ser humano un acto violento en sí mismo?— y convivido. Después un nuevo David, que se ha encontrado con su yo animal, se pierde en la noche con Niles a salvo mientras éste le advierte que no conoce el camino de regreso a casa. David sonríe y confiesa que él tampoco. Un falso final feliz de múltiples interpretaciones.

‘Perros de paja’, como muchas obras magistrales, nos hace pensar y recapacitar al asquearnos por ver lo bajo que el hombre puede caer si se deja llevar por sus instintos primarios. Pero sólo la aceptación de este lado salvaje puede hacer que nos enfrentemos a ello. Peckinpah no nos lo pone fácil y con toda su crudeza nos hace disfrutar de un relato insoportable por su dureza, que habla de la peor cara del ser humano. Su mensaje es claro y contundente como el impacto de un disparo en un cuerpo humano, algo con lo que Peckinpah siempre dijo más de lo que mostraba.

En el 2011 nos llegará un remake dirigido por Rod Lurie e interpretado por James Marsden y Kate Bosworth. Sin comentarios.

Especial Sam Peckinpah en Blogdecine:

• Un título profético
• ‘Duelo en la alta sierra’
• ‘Mayor Dundee’
• ‘Grupo salvaje’

• ‘La balada de Cable Hogue’

Aquí tenéis la primera imagen de ‘Little Fockers’ (2010), nada más y nada menos que la tercera parte de ‘Meet the Parents’, aquella comedia en la que Ben Stiller no dejaba de hacer el tonto en casa de Robert de Niro. La película, titulada en España como ‘Los padres de él’ ‘Los padres de ella’, fue un gran éxito y tuvo una secuela, ‘Meet the Fockers’, en la que Dustin Hoffman metía mano a Barbra Streisand; aquí se estrenó como ‘Los padres de él’.

Robert de Niro, Ben Stiller, Barbara Streisand, Dustin Hoffman, Owen Wilson y Teri Polo regresan en esta nueva entrega, a la que se han incorporado tres importantes novedades: Harvey Keitel, Laura Dern y Jessica Alba. La película, escrita por John Hamburg y Victoria Strouse, y dirigida por Paul Weitz (‘Un niño grande’, ‘In Good Company’), se centra en las dificultades que deben superar los Follen cuando tienen su primer bebé. Imagino que el título es un pequeño spoiler, y que luego descubrirán que son gemelos, por lo que sus “tronchantes problemas” se multiplicarán.

La fecha del estreno de ‘Little Fockers’ es el próximo 30 de julio, aunque a los cines españoles no llegará hasta casi un mes más tarde, el 20 de agosto. Sospecho que esta vez a nadie le va a molestar el retraso.

PD: A ver cómo titulan aquí la tercera, se admiten apuestas: ¿‘Los niños de ellos’, ‘Los pequeños Follen’...? Ya veremos, siempre nos sorprenden.

Es un deporte violento, el béisbol, ¿o no?

- Capitán Garfio

De las siete películas que Steven Spielberg dirigió en los años ochenta, a pesar de sus altibajos, no hay ninguna que pueda considerarse fallida o innecesaria (aunque ‘El imperio del sol’ a veces se acerca a lo primero). Pero los altibajos de los años noventa van a ser mucho más pronunciados. De hecho, comienza la década con el que podría ser, si se me apura, el peor de los largometrajes que ha dirigido en su vida.

Tras el fracaso crítico y de público de ‘Always’, Spielberg efectuó lo que su maestro Hitchcock llamaba un ‘run for cover’: una apuesta no demasiado arriesgada. Aunque, de forma paradójica, sí arriesgó, de alguna manera, transformando el extraordinario cuento original en una suerte de ‘collage Spielberg’. Intentó mezclar su sentido de la aventura, que tantos buenos resultados le había dado, con un enfoque más adulto de la historia de Barrie. El resultado bordea el ridículo cuando no se instala en él de manera calamitosa.

¿El capitán garfio es el motivo?

Muchos aducen que esta no es una historia sobre Peter Pan, realmente, sino sobre el capitán Garfio, que es quien le da el título a la película. Interpretado por el excelente actor Dustin Hoffman, si en verdad él es el protagonista del relato, que lo dudo, realmente no veo nada de notable en su creación, que a ratos es lo suficientemente guiñolesca, pero que sorprende por su esquematismo y la poca fascinación que produce. A su lado, Bob Hoskins, uno de los mejores actores de su generación sin ninguna duda, está completamente desprovechado como Smee, haciendo más un cameo que un papel. Y es que ‘Hook’ es uno de los ejemplos máximos de desaprovechamiento que pueden encontrarse en la trayectoria de un director importante.

El relato original de Barrie tenía todos los ingredientes para ser un gran Spielberg, las cosas como son. Algo así como un nuevo ‘E.T.’. Sin embargo lo que el director y su guionista proponen es una relectura cuanto menos muy discutible en su pertinencia, en la que Peter Pan ha crecido, se ha casado y ha descubierto la sensación sublime de ser padre (no me resisto a señalar los componentes ultraconservadores de tal idea). Pero claro, Garfio vuelve y se lleva a sus hijos, por lo que tendrá que recordar quién era y volver a asumir el liderazgo de los niños perdidos. Ni la premisa es excesivamente original, ni su ejecución es digna de ningún elogio.

Nunca me ha gustado mucho Robin Williams como cómico. Cuando hace papeles más serios está un poco mejor, pero tampoco es nada espectacular, por lo que no entiendo la fama de la goza en su país, y que le ha garantizado papeles en un principio estelares, como éste. Aquí crea un Peter Pan soso y olvidable, un pobre remedo del original. Lo que se llama un miscasting total. Y los niños perdidos, que se han convertido (por eso de estar acorde con los tiempos…) en una panda de macarras skaters, no producen la menor simpatía en el espectador. De hecho caen bastante mal. En comparación, toda la turba de piratas andrajosos y borrachos son bastante más simpáticos, quizá porque resultan más divertidos que los niños perdidos en su carácter disparatado, aunque el conjunto es de una trivialidad recalcitrante, una aventura muy ligera.

Rasgos estilísticos, por llamarlos de alguna manera

A veces se ha acusado a John Ford, el gran gurú de Spielberg, de pecar de sentimental. Es cierto que, sobre todo en su última etapa, hay momentos que parece que van a pasar de lo melancólico a lo sentimental, pero nunca de un modo innoble. Spielberg, en ‘Hook’, alcanza su cima como sentimentaloide, con varios momentos que causan vergüenza ajena, como por ejemplo casi todos los protagonizados por una Campanilla (insoportable Julia Roberts) que parece que está en otra película. Pero también las reminiscencias de Peter como padre, y la canción de la hija en la cubierta del barco pirata. Y en general todo el tono de una película sin ninguna idea narrativa interesante, ninguna secuencia realmente buena.

Este es un Spielberg muy apagado, que recibió su justo castigo crítico y de taquilla (pues recaudó mucho menos de lo esperado). Las escenas de aventuras, por llamarlas de alguna manera, brillan por su ausencia. ¿Dónde está ese directorazo de ‘La última cruzada’, capaz de superarse secuencia de acción tras secuencia de acción? ‘Hook’ tiene poquísima aventura y muchísimo dulce, hasta empalagarse. El clímax final es impropio de un hombre que tantas alegrías nos ha dado en el género que ahora degrada de mala manera por querer contarnos lo que se siente siendo padre. En definitiva, un error mayúsculo de este gran director.