Michel Gondry nos trae ‘The Green Hornet’, una comedia de superhéroes que se centra en estudiar la figura del compinche —sidekick—, al mismo tiempo que rinde homenaje a todo el cine de este género de hace ya tantas décadas que si nos remontamos a esa época podemos hablar tranquilamente de retro.

Seth Rogen, Jay Chou, Cameron Diaz, Christoph Waltz, James Franco, Edward Furlong, Edward James Olmos y Tom Wilkinson protagonizan esta aventura de un joven y rico heredero que se aburre tanto al tenerlo todo en la vida que decide combatir el crimen. Y como la fortuna de este chaval no reside solo en el dinero, sino también en la suerte, resultará que Kato, el antiguo mecánico de los coches de su padre, además de preparar deliciosos cafés con crema, es experto en artes marciales. Utilizando la agilidad de este hombre y el cerebro de su nueva ayudante, Britt Reid formará un equipo perfecto sin darse cuenta de que él es quien menos pinta en la cuadrilla.

El guion de Seth Rogen y Evan Goldberg está basado en el personaje que George W. Trendle creó en los años treinta para novelas baratas —pulp—. Desde entonces, ha habido varias versiones radiofónicas y televisivas. La que se emitió entre 1966 y 1967, ‘El avispón verde’, contaba con Bruce Lee en el papel de Kato. Este personaje había sido ya parodiado en las películas de ‘La pantera rosa’, de Blake Edwards, quien fue acusado pocos años antes de incluir un estereotipo racista asiático en el personaje de Mickey Rooney, Mr. Yunioshi, en ‘Desayuno con diamantes’.

La estética Gondry aplicada a los superhéroes

La imaginación visual de Gondry y sus vastos conocimientos en postproducción lo convierten en uno de los realizadores que más puede deslumbrarnos con conceptos visuales, tanto en sus largometrajes, como sus videoclips o su trabajo publicitario. ‘The Green Hornet’, sin embargo, no plantea grandes novedades. El director francés recicla, en las secuencias de acción, efectos vistos en sus videoclips para White Stripes o Chemical Brothers —la repetición de un objeto en un mismo plano— que funcionan especialmente bien para el 3D.

Quizá lo más novedoso sea una secuencia en pantalla partida en la que se procede creando un plano a través de dos encuadres —dos cámaras enfocando lo mismo—. En un momento dado, aparece una línea divisoria negra sobre dicha imagen. Acto seguido, una mitad del encuadre comienza a generar un nuevo movimiento de cámara que se separa de la acción anterior. Conceptualmente simple y exquisitamente ejecutado.

Esta falta de hincapié a la hora de trufar la película de efectos en realidad juega muy a favor de ‘The Green Hornet’. Gondry limita su arsenal estético a momentos muy específicos —secuencias de pelea, flashbacks explicativos, secuencias de montaje— y decide no experimentos visuales allá donde la historia no los requiere. Gracias a eso, el desarrollo argumental es fluido y la película puede verse, con ojos profanos, como cualquier otra del género.

Hay quienes acusan a Gondry de haber perdido su esencia, pero lo entiendo más como la versatilidad de alguien que sabe amoldarse al proyecto para el que está trabajando, en lugar de imponerse a él —ya que, para aplastarlo, mejor sería no elegir un film de superhéroes—.

La divertida historia de una amistad

La trama de la mafia rusa no es más que una excusa —un McGuffin, si queréis— para contarnos lo que «es el comienzo de una hermosa amistad». Kato y Britt Reid, el avispón verde, descubren que se necesitan el uno al otro y desarrollar un amor mutuo que raya la gaycidad. Es decir, el guion pone por fin las cartas sobre la mesa acerca de una relación que se ha mostrado en la ficción en infinidad de ocasiones.

Al mismo tiempo, sirve de reivindicación de los apenas reconocidos compañeros que han estado siempre a la sombra de los principales. Lo más importante para los autores es la humanidad detrás del superhéroe.

Todo esto está contado con grandes dosis de humor en forma tanto de chistes completos, como de referencia paródica que, sin llegar al spoof, recuerda la cutrez de algunas producciones superheroicas de los años ’60 y ’70.

Una banda sonora que incluye a algunos de los conocidos de Gondry y a otros buenos músicos se suma a los alicientes del conjunto entre los que, por no dejar nada fuera, también podemos contar la contemplación de bellísimos coches deportivos.

Actores

Aunque Seth Rogen aporta simpatía, quien consigue mostrarse entrañable ante el espectador es Jay Chou, con una interpretación similar a la de John Cho como Harold Lee en ’2 colgaos muy fumaos’. Su aparente indiferencia lo dice todo y sirve para provocar que el protagonista se exprese y progrese como ser humano.

Christoph Waltz demostró su grandeza en ‘Malditos bastardos’ y en esta ocasión quiere emular al personaje de Hans Landa: cruel, inteligente, calculador… Sin embargo, su interpretación en ‘The Green Hornet’ funciona porque conocemos la que hizo para Tarantino y entramos en su primera escena viendo, más que a un personaje nuevo, a nuestro viejo conocido y esperando de él el comportamiento de Landa. Hacia el final, Chudnofsky se va de las manos, más de los guionistas que de Waltz, y se torna ridículo y blando, pero su primer diálogo está sembrado.

Conclusión

Un guion distraído, actores competentes y un realizador que puede hacer lo que le dé la gana con la imagen consiguen que ‘The Green Hornet’ esté bien en varios frentes. Así, nos hallamos ante una divertida propuesta que por fin nos va a sacar del hastío de tanto cine del que podemos decir que malo no es, pero que tampoco nos entusiasma. Gracias a la maestría estética de Michel Gondry, el film, además de tener comicidad y ser entretenido, se convierta en una gozada visual.

Mi puntuación:

En Sony Pictures no quieren que nos olvidemos de ‘The Green Hornet’, una de sus apuestas fuertes para 2011, y recientemente han lanzado un segundo cartel y un nuevo tráiler, el tercero ya. Comparando este nuevo con el último avance, da la impresión de que se están oliendo el fiasco en taquilla y se han puesto las pilas (el film ha costado cerca de 100 millones de dólares) montando un mejor tráiler, con más espectáculo y escenas de acción (los efectos visuales siguen cantando un poco). Con todo, y teniendo en cuenta todos los problemas y los retrasos que ha sufrido la producción, lo cierto es que sigue sin tener muy buena pinta.

La única esperanza reside en que la película ha sido dirigida por el francés Michel Gondry, ya sabéis, el responsable de ‘Olvídate de mí’ (‘The Eternal Sunshine of the Spotless Mind’) y ‘Rebobine, por favor’ (‘Be Kind, Rewind’), entre otras. Escrita por Seth Rogen y Evan Goldberg, basándose en la serie radiofónica de los años 30 creada por George W. Trendle y Fran Striker, ‘The Green Hornet’ (o ‘El Avispón Verde’) gira en torno a Britt Reid, un amante de las fiestas que hereda un imperio mediático tras la muerte de su padre; junto a su ayudante Kato, experto en artes marciales, Britt cambiará de vida y comenzará a luchar contra el crimen bajo una nueva identidad. Seth Rogen y Jay Chou encabezan un llamativo reparto en el que también figuran Christoph Waltz, Cameron Diaz, Edward Furlong, Tom Wilkinson y Edward James Olmos, entre otros. La fecha del estreno está fijada para el próximo 14 de enero, en salas 2D y 3D (ojo, no ha sido rodada en este formato).

PD: Esto… ¿por qué el fuego no se refleja en el capó del coche?

Vía | Impawards y ZonaFandom

Un poco tarde, pero ya ha salido el primer cartel de ‘The Green Hornet’, que se estrena el año que viene. No sé si os acordáis de esto, pero es una comedia de acción basada en la serie de televisión de la década de los 60. Dirige el francés Michel Gondry, no sabemos muy bien por qué, y la protagoniza Seth Rogen, uno de esos cómicos norteamericanos que no paran de trabajar (tampoco se encuentran los motivos). El póster es sencillito, como suele ser un teaser, y está centrado en el coche que usan los héroes, el Black Beauty, y en el símbolo de la serie, el avispón verde. No está mal.

Escrita por Rogen y Evan Goldberg, ‘The Green Hornet’ se centra en Britt Reid, un adinerado editor durante el día y un implacable justiciero por la noche; Reid recibe la ayuda de Kato, su guardaespaldas y asistente personal, experto en artes marciales. Cabe destacar que el elenco protagonista lo completan Cameron Diaz, Jay Chou, Christoph Waltz, Edward Furlong, Edward James Olmos y Tom Wilkinson, y que la banda sonora la ha compuesto Danny Elfman. Por lo que he leído, en Estados Unidos no tienen mucha confianza en este título, hablan de muchos problemas durante su producción, de retrasos, de primeros montajes desastrosos… Será toda una sorpresa si sale algo bueno de aquí. A partir del 14 de enero estará en los cines (en 2D y 3D).

PD: Según la información de IMDb, la película ha costado 90 millones de dólares.

Vía | Impawards

Sony Pictures ha lanzado hoy un nuevo tráiler de ‘The Green Hornet’, ya sabéis, la adaptación a la gran pantalla de la popular serie de televisión de los 60. Este segundo avance, para el mercado internacional, es muy parecido al otro que vimos, destinado a las salas estadounidenses, y aunque es más corto incluye escenas inéditas. En un principio ilusionaba que el imaginativo Michel Gondry se hubiera apuntado a dirigir esta superproducción, pero viendo las imágenes de la película, en absoluto esperanzadoras, no puedo dejar de pensar que esto tiene pinta de ser una aburrida parodia de Batman. La película se estrena el 14 de enero, en salas 2D, 3D e IMAX.

Evan Goldberg y Seth Rogen se han encargado de escribir el guión de ‘The Green Hornet’, cuya trama gira en torno a Britt Reid, un adinerado editor durante el día y un implacable justiciero por la noche; Reid recibe la ayuda de Kato, su guardaespaldas y asistente personal, experto en artes marciales. Cameron Diaz, Jay Chou, Christoph Waltz, David Harbour, Edward Furlong, Analeigh Tipton, Tom Wilkinson y Edward James Olmos acompañan a Rogen al frente del reparto.

PD: De la banda sonora se ha encargado Danny Elfman.

En enero del 2011 llegará a las pantallas americanas ‘The Green Hornet’, la adaptación cinematográfica de la popular serie de televisión de los años 60. En ella se narraban las aventuras de un periodista que por las noches combatía el crimen bajo una máscara, haciéndose acompañar de su inseparable Kato, personaje al que daba vida el mítico Bruce Lee. Ahora Seth Rogen, escritor, productor y actor, se ha juntado con su amiguete Evan Goldberg para escribir el guión de la película que ha dirigido sorprendentemente Michel Gondry. Y digo sorprendentemente porque este señor no se ha caracterizado precisamente por hacer cine comercial y mucho menos una película de gran presupuesto.

El tráiler no pinta mal, acción a raudales y efectos visuales por doquier, y cómo no, la dichosa moda del 3-D —cualquier día nos reestrenan las películas de Ingmar Bergman en tres dimensiones—; aún así no sé lo que esperar de este film que bien podría ser uno de los taquillazos del año próximo o, por contra, uno de los grandes batacazos. Gondry mueve la cámara y el reparto es bastante suculento: Seth Rogen, aunque personalmente nunca me espero nada de este poco gracioso actor, Cameron Diaz, Tom Wilkinson, Edward Furlong, Edward James Olmos, Jay Chou y el ganador del Oscar Christoph Waltz.

¿Estamos todos de acuerdo en que la mejor película de Gondry es la deliciosa ‘Olvídate de mí’ (‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’, 2004)?

Vía | Trailer Addict

Soy el tipo más peligroso de esta prisión. ¿Y sabes por qué? Porque controlo los calzoncillos

- Lamont

Hay una secuencia que me gusta mucho en esta película. Es hacia el final de su metraje. Tiene lugar un flash-back en blanco y negro (uno entre varios), y en él, por fin, conocemos al fallecido padre de la triste familia Vinyard, un bombero de ideas reaccionarias cuyos discursos xenófobos y llenos de odio van a calar muy profundo en la mente de su hijo mayor, Derek, bien interpretado por Edward Norton. En un breve diálogo conocemos las semillas del odio, el modo en que las ideas de los mayores pasan a la siguiente generación, manipulando su forma de pensar.

No es la única buena escena en esta desigual película, que muchos saludaron como una impresionante obra maestra cuando se estrenó, y que estuvo en boca de todo el mundo durante un cierto tiempo. El tema del racismo, y más concretamente, de los jóvenes neonazis, parecía haber encontrado su drama catedralicio. Pero, aunque esta película tiene suficientes motivos de interés, está muy lejos de representar la aportación definitiva a un tema tan importante. Y esto por varias razones.

Una historia de violencia

La primera de ellas es un guión tremendamente habilidoso, pero que tiende a adentrarse en terrenos fáciles, en lugares comunes, en vez de profundizar más a fondo en la llaga. Es como si supiera bien por dónde no debe moverse, para facilitar las cosas, y no se complica demasiado a la hora de hablarnos del terrible drama del llamado neonazi perfecto, y de su doliente familia. Con inteligencia, pese a todo, sabe mostrarnos bien de qué forma fueron calando en Derek unas ideas que cristalizaron con el dolor de la muerte de su padre.

En efecto, no hay nada como el odio y la destrucción, es decir como la ira, para alejar de uno mismo el dolor de una pérdida o de una existencia miserable. Esto el guión, y la película, saben sugerirlo muy bien. Al final, los neonazis no son más que una panda de inadaptados. Terriblemente violentos y peligrosos, sí, pero también sufrientes. Unos jóvenes marginales que focalizan toda su frustración en una forma de vida agresiva y radical, dirigidos por un cerebro mayor, aquí personificado por el astuto y despiadado Cameron (un buen Stacy Keach).

El viaje desde la inocencia hasta el odio, y de ahí a la comprensión y la redención por parte de Derek, se antoja anémico y forzado, innecesario casi, tendencioso y aleccionador. Los esfuerzos de Norton (ahora hablaremos sobre él) para hacer creíble esta peripecia vital son enormes, pero no bastan, porque el espectador tiene que poner demasiado de su parte para creerse que este neonazi cruel y sin sentimientos se da cuenta de sus errores. Todo queda contado de forma muy tangencial, los negros son demasiado duros o demasiado graciosillos, y los blancos demasiado manipulables o manipuladores.

La vida es más inasible y resbaladiza que esto.

Una dirección ambiciosa

La segunda razón de peso, casi definitiva, para considerar esta película muy por debajo de las exageraciones que se han dicho de ella, es la labor de su director, Tony Kaye, un londinense experto en anuncios y videoclips que se pasó a la dirección con esta película, esperando demostrar su gran talento con una obra maestra irrepetible. Y la sensación que se tiene es la de que Kaye está convencidísimo de que cada plano que filma es único, maravilloso y genial. Su exceso de autocomplacencia, su ambición, no tienen límites. Y aunque al final es cierto que tiene talento, también tiene mucho que crecer como artista.

Su decisión de mezclar dos tipos de fotografía (color y B&N) es, como poco, discutible. Pero es que, además, su uso y abuso de una cámara lenta recalcitrante, destinada a subrayar de manera exagerada los dramas internos de sus personajes, le desacreditan como un director de fuste. En su intento por firmar un drama social, tiene ecos de Oliver Stone y de Spike Lee, pero parece más preocupado por dejar claro en cada fotograma que es un genio.

No todo es negativo en su labor, nada más lejos. Este cineasta tiene capacidad para crear ambientes y atmósferas agobiantes, asfixiantes casi, y una destreza inusual para dar con la cuerda de la tensión en las imágenes, de modo que la inseguridad y la inquietud se adueñen del espectador. También es un director de actores competente, y su uso de la cámara es fluido y creativo. Pero su deseo de dejarlo todo bien mascado, de poner en un altar sus ideas, termina por despreciar la inteligencia del espectador.

Cuenta que quiso quitar su nombre de los créditos, porque denunció que Norton había reeditado su película, con el fin de lucirse más él, en detrimento del equilibrio del filme. Puede que sea cierto, pero aunque Norton quisiera ganar en protagonismo, nada de esto tiene que ver con la puesta en escena de Kaye, como por ejemplo sus planos finales de las olas en el mar, más propio de un videoclip que de un largometraje, y que nada aportan, salvo una andanada de lujosas imágenes, a la historia de los personajes.

Tengo un problema con Edward Norton

Norton asombró al mundo entero con un trabajo formidable, el de ‘Las dos caras de la verdad’, creo que se titulaba (traducción horrible para el más estimulante ‘Primal Fear’), dirigida por el mediocre Gregory Hoblit, y en la que él era lo mejor de la función de lejos. Este gran debut dejó claro que nos encontramos ante un actor de raza. Ahora bien, es un actor tan consciente de sí mismo, tan seguro de su genio (como el director, lo que son las cosas), que su trabajo acaba resintiéndose de ello.

Le ocurre algo parecido a otro gran actor muy famoso, Leonardo DiCaprio. Se nota demasiado que está interpretando, es demasiado consciente de su propia interpretación, le falta naturalidad, serenidad, que la escena fluya a través de él. Quiere ser el protagonista a toda costa. Y, de igual manera que DiCaprio, imita demasiado a sus maestros, sobre todo a Robert DeNiro, de quien ambos se han confesado discípulos irredentos.

Su interpretación fue nominada al Oscar en aquel año, aunque tuvo que conformarse con eso, porque fue Roberto Benigni quien se lo llevó. De todas formas, el ganador debió haber sido Nick Nolte, por su fabulosa intepretación en la tremebunda ‘Aflicción’. Desde entonces, Norton ha seguido intentando ganar el Oscar de manera demasiado evidente, y exagerando sus trabajos. Con el tiempo ha ganado algo en sobriedad y ha dejado de interpretar, para ganar en sinceridad, pero sigo notando que interpreta cada vez que aparece en la pantalla.

A su lado, Edward Furlong me parece que le gana la partida limpiamente. Este es un actor nato, que nunca comete el error de actuar, sino que vive la secuencia de modo absoluto. Un tanto más para James Cameron, que le descubrió en ‘Terminator 2’, y en la que ya dio muestra de una gran capacidad de sugerencia, y de una entereza asombrosa. Furlong es el opuesto a Norton, instintivo y natural, relajado y humilde. Y aunque lleva un tiempo poco presente en películas importantes, quizá en un futuro (tiene aún 32 años) pueda dar más de sí.

Conclusión

‘American History X’ merece la pena verse, pero no es, bajo ningún concepto, la película definitiva sobre los neonazis. Tal vez haga falta un talento más valiente para llevarla a cabo (y esto queda confirmado por la filmografía posterior de este director). A pesar de sus bondades, este filme es demasiado tramposo para ser tomado demasiado en serio

Con la extrema originalidad, fuerza narrativa y riesgo de la primera película, pocos aceptan a ‘Terminator 2: The Judgment Day’ como la magistral secuela que es. Para quien esto firma, la cuarta realización de James Cameron es un ejemplo de lo que una secuela debería ofrecer: la ampliación de un universo, la concreción de unos caracteres, un salto mortal. Regresamos a la pesadilla siete años después, y las cualidades puramente cinemáticas, audiovisuales de la continuación resultan innegables, así como la arrolladora personalidad de un director en estado de gracia. Cine de autor de cien millones de dólares.

Habíamos abandonado a Sarah cuando la carretera por la que conducía se sumía bajo una tormenta siniestra. No sabíamos cuán siniestra iba a ser. Cameron se encarga de que la nueva aventura sea un viaje aún más intenso. Agotada gran parte de la capacidad de sorpresa, ‘nos queda’ una experiencia emocional basada en un sentido de la puesta en escena que totaliza las posibilidades del cine espectáculo y llega más allá: a la hipnosis fílmica. Tan sólo ‘The Dark Knight’ (Nolan, 2008) ha conseguido, en los últimos 17 años, repetir esa hipnosis. La del cine de gran presupuesto como experiencia absoluta, grandiosa, catártica.

Que Cameron ha mejorado mucho en su formulación visual, queda patente en la primera secuencia, que es un prodigio de planificación: hombres contra máquinas. El percutante empleo de la música de Brad Fiedel, y la fotografía en VistaVisión 35 mm de Adam Greenberg (que por fin cristaliza el color azul metálico característico de Cameron con una percepción del encuadre muy notable) dan forma a un arranque avasallador, inconmensurable. La última imagen antes de los créditos es el rostro pétreo de John Connor adulto. ¿Cae Cameron en un gatillazo tras esta primera secuencia? Ni por asomo. Con convicción, sin flaquezas, nos arrastra junto al joven John Connor (un gran Edward Furlong, en una decisión de casting magnífica), la guerrera Sarah Connor (una enérgica y sorprendente Linda Hamilton) y un difícil T-800 (un muy creíble Arnold Schwarzenegger) y un aterrador T-1000 (intuitivo y gélido Robert Patrick) a otra pesadilla insuperable.

En esta película la acción se constituye en verdadera razón de ser, en expresión poética. No exageramos. La secuencia, tan recordada, de la persecución por los canales, que para muchos podría ser la mejor secuencia de acción de todos los tiempos, es el máximo ejemplo de esto. En opinión de quien esto escribe, es una muestra de cine puro: dinámico, emocionante, sencillo, directo, pinza entre un acto y el siguiente, descubrimiento de John de una realidad (si en ‘The Terminator’, durante la primera huída, Sarah se enteraba de la situación por las explicaciones de Kyle, aquí damos por hecho que Sarah se lo contó todo a John años atrás, aunque hasta ahora no se lo creía), narración concebida para suscitar una conmoción verdadera, que es el más alto objetivo de la puesta en escena.

Pero, y a pesar de que de nuevo la sencillez del relato lo impregna todo, Cameron tiene elementos muy interesantes que explorar por primera vez desde Aliens: tales como la necesidad del amor filial, la difícil y tortuosa relación madre/hijo o la redención a través del sacrificio en el caso de Miles Dyson o el propio T-800. Todo ello contado teniendo en cuenta las propias limitaciones, tanto personales como de una película orientada más a producir una catarsis audiovisual que a intentar una narración ilustrativa. Porque, seamos sinceros, no basta con hablar de un tema para que el espectador cambie su percepción del mundo. El cine llamado ‘de mensaje’ o ilustrativo nunca conseguirá sus objetivos. Si la humanidad hubiera aprendido los grandes valores del arte. haría miles de años que el mundo sería muy distinto, y el futuro más halagüeño (y no habría directores de Sci-Fi como Cameron). Pero nadie aprende nada si no es a través de una fuerte emoción.

Y es que si un adjetivo puede definir a los dos terminators es emoción. Y en el caso del segundo con una depuración en el estilo de Cameron evidente, que dirige con mucha seguridad en sí mismo, dotando al conjunto de gran unidad, pues no hay nada en él que pueda entresacarse sin que sufra la totalidad. Pongamos un ejemplo: tras salir ilesos del primer intento del T-1000 de asesinar a John, el muchacho intenta avisar a sus padres adoptivos. Antes, el T-800 ha comenzado a explicarle a qué tipo de enemigo se enfrentan. Después de que nosotros, espectadores, observemos aterrados cómo el T-1000 asesina a sangre fría a su padre, transformado en su madre, el T-800 completa la explicación. Todo podría haberse resuelto con una sola secuencia, pero las cinco o seis secuencias con las que lo resuelve añaden detalles importantes sobre cada personaje, preparan al espectador anímicamente (a continuación John comienza a hablar de su madre), se entrelazan unas con otras creando un contínuo secuencial de gran viveza y verosimilitud.

Cameron posee una forma de dirigir, es decir, de entender el mundo, una forma de expresión que le pertenece a él y sólo a él. En esta película en la que se le puede acusar fácilmente de realizar una jugada comercial, sólo podía intentar ser coherente consigo mismo. Y la base son los personajes. Linda Hamilton es uno de los personajes femeninos característicos de Cameron, tan fuertes e independientes como los hombres. Su tormento es asumible por el espectador, con ese complejo de Cassandra que acaba convirtiéndola en nuevo terminator. Su ‘tour de force’ es la secuencia en la que intenta asesinar, aunque al final es incapaz, al informático Dyson, que será el responsable indirecto de la creación del superodenador con conciencia propia Skynet.

Sus sueños del día del Juicio Final, con imágenes de niños reducidos a cenizas, son el apocalipsis que muchos hemos temido durante décadas, desde la proliferación de las armas nucleares y la cesión del control, cada vez más, a la inteligencia artificial. Aunque T2 fuera una jugada comercial, nadie puede negarle su vigencia a la hora de hablarnos de nuestro mundo. Los que somos unos paranoicos nos sentiremos más identificados con Sarah. Los más optimistas con John. El muchacho es el contrapunto perfecto al pesimismo, lógico, de Sarah. En narrativa, los opuestos se complementan y se enriquecen. En esta película Sarah tiene algo que ver con la muerte, y John, que hasta encuentra una figura paterna en el T-800, tiene algo que ver con la vida, con el futuro. Edward Furlong le da vida con una verdad que hay que verlo para creerlo.

En realidad el giro final en el que el cuarteto protagonista (una vez que Dyson se une a ellos) decide cambiar el futuro, ya existía en los esbozos de la primera película. Incluso se llegó a filmar una secuencia que se eliminó del montaje final, en la que Sarah intentaba convencer a Kyle de cambiar el futuro. Siguiendo la lógica de completar el círculo de Terminator, de ir lo más lejos posible, era inevitable explorar ese giro narrativo. De modo que la película sigue subiendo de interés e imprevisibilidad cuando entran en el edificio de Cyberdine en su hazaña suicida. Mientras en otras películas muy menores como ‘True Lies’, el giro final saca a uno completamente de la película, y resulta muy poco creíble, aquí es una razón de ser. Por supuesto esto da lugar a que el T-1000 tenga una tercera oportunidad que casi resulta definitiva, en un clímax final que no desfallece desde que vuelan las oficinas hasta la secuencia de la fundición. Más de media hora insuperable.

Y es que al ‘azul Cameron’ presente en la gran mayoría del metraje, se opone el rojo final del fuego de la fundición, en un giro también estético. Un rojo infernal, pero que también es una victoria frente al carácter líquido y frío del T-1000. Un largo final, angustioso y opresivo, que culmina el viaje de supervivencia y destrucción en un entorno casi onírico, prístino, abstracto. La mutilación provocada al T-800, la escalofriante ‘muerte’ del T-1000 y el sacrificio (con una vista en primera persona también escalofriante) final del personaje de Schwarzenegger no son sino manifestaciones de la muerte en todas sus formas. Cuando la pantalla del T-800 se queda en negro, es el espectador el que muere a través de él, y el corazón parece detenerse. Cuando experimentamos piedad por el despiadado T-1000 nos sentimos un poco más humanos.

Una tristeza inasible nos invade con las imágenes finales de ‘T2’. Los exterminadores, tanto el líquido como el sólido, no son sino parábolas, con su aspecto humano, de nuestra propia mortalidad, y sus muertes nos hermanan con ellos. Tanto en su monstruosidad como en su pasión (dolor). Cameron erige con sus criaturas una figura, un espejo, la ficisidad extrema (sobre todo en el caso del cambiante T-1000) como susceptible de la desmembración, la destrucción extrema, la regeneración pero también la desintegración. Un coro fantasmal acompaña los últimos momentos del T-1000, mientras que el tema clásico de Terminator resuena, ritualístico y lánguido, en la muerte del T-800.

Se cierra el círculo. Cameron ensancha y enriquece (después de enriquecer y ensanchar el mundo de Alien) su ‘Universo Terminator’. Con la muerte de sus criaturas, el hombre prosigue su camino. No hay esperanzas de que no repitamos los errores, pero algunos podemos aprender algo, podemos vernos a nosotros mismos. Habrá más apocalipsis, en planetas lejanos (‘Aliens’) o en pasados cercanos (‘Titanic’). Ya veremos qué nos ofrece Cameron con ellos.

En Blogdecine:

• James Cameron (I): El futuro es ahora

• James Cameron (II): Universo Terminator

• James Cameron (III): Huir o morir