La última vez que me tocó anunciar los estrenos en DVD y Blu-ray, apareció este título, que era uno de los de 2011 que me habían quedado por ver. Con críticas tan positivas como las que recibió en este y otros medios, ‘El origen del planeta de los simios’ (‘Rise of the Planet of Apes’, 2011), de Rupert Wyatt, se convertía en insoslayable, así que no tardé en recuperar este film que cuenta en su reparto con James Franco, Freida Pinto, Brian Cox, Tyler Labine y John Lithgow. Tras verlo, coincido con la opinión generalizada en el buen resultado de los efectos especiales, en la potente presencia del simio principal y en su capacidad para transmitir emociones, pero quizá no tanto en las apreciaciones más profundas.

César resulta más carismático que todos los personajes humanos unidos, ya que a estos el guion no les plantea demasiados matices. La personalidad atrayente no solo la consiguen la voz, gestos y movimientos que le presta Andy Serkis, sino también la convincente integración que hace Weta Digital de la figura animada con la imagen real y la expresividad de sus rasgos y su mirada. Aunque no comienza contando con el protagonismo, pues se presenta como un elemento sin consciencia, el primate se apropia de la atención hasta darle la vuelta al punto de vista y lograr, al robar la empatía, que la indignación ante el trato injusto que reciben él y sus semejantes se transmita con fuerza. No es tan raro que un animal se descubra como lo más simpático de una película, pero desde un momento muy temprano, este chimpancé deja de ser percibido como un ser irracional. La manera en la que va evolucionando y creciendo es muy sorprendente y durante buena parte del metraje, la película funciona como la historia de un joven y su compañero. Así, César no solo se torna protagonista por encima de los otros personajes, sino también por delante del contenido argumental. ‘El origen del planeta de los simios’ es antes una historia de personaje (en singular) que un relato de ciencia ficción.

Personalmente, no soy muy partidaria de las cintas o novelas en las que lo que transcurre podría haber supuesto un planteamiento, es decir, aquellas narraciones que terminan donde muchas otras tendrían su primer punto de arranque, independientemente de que se deba a que suscitan una franquicia o a que sirven para ofrecer una respuesta a una antigua incógnita. Si no disfruto de argumentos estructurados de esta forma no es porque necesite más escenas de acción o de entretenimiento, sino porque me paso la película anticipando que se produzca un giro que no llegará hasta el final y eso me provoca una ligera desazón. He comentado lo mismo tras muchas primeras entregas de trilogías y he comprobado que esta preocupación no está muy generalizada, por ese motivo la indico como algo particular mío. No quiere decir que no viese ‘El origen del planeta de los simios’ con interés o que no estuviese entretenida, pero ni el asumir que el levantamiento –que se menciona (“rise”) en el título original, pero que con sabiduría no se ha trasladado a la traducción– no se produciría hasta el final del guion de Rick Jaffa y Amanda Silver minimizó mi impaciencia.

El componente de ciencia ficción, aunque sí está incluido, no tiene el efecto que tenía la traslación a un supuesto futuro de ‘El planeta de los simios’ (‘The Planet of the Apes’). La sensación que produce la de 2011 no es el vértigo ante siglos de desconocidos sucesos que propiciaba la de 1968, no porque lo ignoto se aclare, sino porque se extrae otro tipo de emoción de la ficción científica. No nos encontramos ante las premisas clásicas del género, que te inundan de un arrobamiento casi místico ante teorías, descabelladas o no, sobre mundos alternativos. Se trata de un relato basado en un hecho científico ficticio, pero aventuraría que no apela tanto al espectador amante de la ciencia ficción como a uno más generalista –un público para el que es indiferente no haber visto la saga inicial, pues no es necesario para entender esta “precuela“–. Viendo ‘El origen del planeta de los simios’ eché de menos ese estremecimiento que sí me producen, no solo el film de Franklin J. Schaffner, sino cualquier novela o película de ciencia ficción canónica.

La crítica ecologista que contiene ‘El origen del planeta de los simios’ se me antoja no solo obvia en la forma en la que está planteada, sino también algo ingenua en cuanto al propio mensaje –estoy de acuerdo con criticar las pruebas en animales, pero habrá que ofrecer una alternativa, pues no creo que la solución sea dejar de investigar en medicamentos para la curación de los humanos–. La película pionera, protagonizada por Charlton Heston, ya contenía una poderosa advertencia sobre la manera en la que estamos tratando el planeta. La diferencia es que en aquella ocasión, a pesar de que se hacía de un modo indirecto y nada evidente, resultaba tan eficaz que creaba temblores al respecto.

El dejar el motivo abierto era uno de los valores del film de entonces. No reprocho, no obstante, el ejercicio que supone ahora de plasmar una de las posibles hipótesis, pues lo encuentro un juego curioso que no creo que afecte para nada a la anterior. Y tampoco digo que me habría contentado más cualquier otra teoría –apocalipsis nuclear, calentamiento global, tercera y devastadora guerra mundial…–, siempre que no hubiese adolecido de esa dosis de simpleza. Me convence algo menos que se pierda la noción de que los simios habitarán el planeta tras sufrir los siglos de evolución que a nosotros nos han traído hasta aquí y en lugar de eso partan ya dotados de una inteligencia propiciada, además, por los mismos humanos. Pero estas consideraciones no se refieren tanto a la calidad del presente film, sino a su adecuación en una serie en la que no tiene la necesidad de encajar para ser buena película.

Conclusión

He disfrutado ‘El origen del planeta de los simios’, ya que me ha resultado entretenida y agradable de ver. No se puede negar que es el carisma de César, interpretado por Andy Serkis, la baza que mayor peso tiene dentro de un film más emocional que de género. Se aleja de las cintas iniciales, no tanto argumentalmente, sino en espíritu, lo que no tendría por qué suponer un factor negativo, ya que esta y sus secuelas pueden considerarse como una propuesta alternativa, más que complementaria, que funcionen independientemente, sin necesidad de rendir cuentas a la saga iniciada en 1968. Me interesa todo lo que plantea, aunque podría gustarme más una película que comenzase con todo ello ya establecido, por lo que la siguiente debería satisfacerme más. Me quedo a la espera.

Otras críticas en Blogdecine |

‘El origen del planeta de los simios’, entretenimiento de calidad, por Juan Luis Caviaro.

‘El origen del planeta de los simios’, mucho más que entretenimiento, por Alberto Abuin.

En lo primero que pensaríamos todos al leer este titular es en el film homónimo de nuestro querido Uwe Boll, especializado en adaptar –o, como muchos dirían, destrozar– videojuegos. Sin embargo, el ‘Rampage’ del alemán no es una adaptación del juego en el que un gorila que imita a King Kong, un lagarto tipo Godzilla y un hombre-lobo destruyen edificios. De hecho, parece que la película de Boll, sobre un hombre que entra en una espiral de asesinatos, tuviese más sentido que trasladar a la pantalla la trama de un juego con tan poco desarrollo argumental. Claro que, de todo se puede inventar una historia.

Warner Bros. compró los derechos de ‘Rampage’, el viedeojuego de Midway Games, en 2009. Se los pasó a New Line, desde la que el productor John Rickard, responsable de ‘Pesadilla en Elm Street’ (‘A Nightmare on Elm Street’), ‘Destino final’ (‘Final Destination’), ‘Cómo acabar con tu jefe’ (‘Horrible Bosses’) y el futuro estreno ‘Jack the Giant Killer’; está buscando guionistas a los que encargarles la labor de hallar algo que contar con duración e interés de largometraje, a partir de este juego ochentero, que hoy en día se ha reproducido para las consolas actuales.

La idea es tomar del videojuego el tirón de su título, a pesar de que ya se ha utilizado antes para el cine, no solo en la de Boll, sino también en ‘Safari en Malasia’ (‘Rampage’, 1963), de Phil Karlson con Robert Mitchum, o en ‘Desbocado’ (‘Rampage’, 1987), de William Friedkin, entre muchas otras. El poder icónico de las imágenes también es otro de los puntos fuertes que ahora se quien explotar para convertir esta adaptación en una apuesta fuerte de película vendedora. Con un elevado presupuesto y gran cabida a los efectos especiales, podría convertirse en un film de catástrofes que apele al gran público y, especialmente, a aquellos nostálgicos que le dieron frenéticamente al juego en su infancia.

Vía | Hollywood Reporter.

El director de cine de culto Juan Piquer Simón falleció en Valencia, el pasado domingo, víctima de un cáncer de pulmón, a los 74 años de edad.

Aunque nunca se podrá incluir entre los directores más reputados ni elogiados por la crítica, su filmografía de serie B —o serie Z para algunos— consiguió, además de respetables taquillas con algunas de sus producciones, una importante repercusión entre ciertos círculos underground amantes del «cine basura». En ese sentido, tal vez uno de sus mayores logros fuese liderar el ‘Bottom 100’ de la IMDb con su película ‘Los nuevos extraterrestres’ —actualmente en el puesto 26 de esa disputada lista—.

Piquer Simón, sin embargo, también fue apreciado por un sector crítico que valoró su condición de rara avis: su cine apostaba por la creación de un tejido industrial, por la proyección internacional —sus películas eran rodadas en inglés— y por un culto a los efectos especiales. De hecho, J. P. Simon, como también se le conocía, consideraba su ópera prima, ‘Viaje al centro de la tierra’, la primera producción española con efectos especiales.

El film que le reportó mayor fama fue ‘Mil gritos tiene la noche’: una incursión en el gore a partir de la cual, sus producciones lograrían recaudaciones más que considerables. Aunque tuvo éxito comercial, lo que no recibió esta cinta —y probablemente, su director nunca buscó— fue el reconocimiento crítico. Pero Piquer Simón no era profeta en su tierra y fuera de nuestras fronteras cosechaba más fama que aquí. Baste como demostración que los directores Eli Roth o Edgar Wright le han dedicado homenajes póstumos en sus Twitter refiriéndose a este título, que ellos conocen como ‘Pieces’.

Sus coproducciones, en el mejor de los casos, podían contar con actores como Peter Cushing y Terence Stamp —‘Misterio en la isla de los monstruos’, una adaptación de Julio Verne rodada en 1980— y, en el peor de ellos, con los efectos visuales de ‘Supersonic Man’, con la que se erigió en el primer español en usar el «frontal projection» para lograr una mejor integración de sus personajes volando contra el cielo de Nueva York. Esta imitación de ‘Superman’ es recomendable para ver en reuniones de amigos, con el único fin de reírse del trajecito del protagonista, de la mala incrustación del superhéroe sobre los fondos o de la música de cabecera, con su repetitivo «I wanna be», que declara de forma demasiado descarada la naturaleza de la película: un «wannabe», o sea, un «quiero y no puedo».

Otras películas que, además de taquilla internacional, también tuvieron repercusión «de culto» fueron ‘Slugs, muerte viscosa’ o ‘La grieta’, esta última con el debut en el cine de Pocholo Martínez-Bordiú. La muerte de su personaje, a los cuatro minutos de aparecer, fue otro motivo de notoriedad para la filmografía de Juan Piquer.

Sus últimos proyectos —las adaptaciones de ‘El guerrero del antifaz’ o de ‘El capitán Trueno’— nunca pudieron ponerse en pie por falta de financiación. «Mi frustración es no haber adaptado más novelas de Julio Verne, que estimulaba mi imaginación», declaraba. En los últimos años Piquer Simón dirigió la Mostra de Valencia Cinema del Mediterrani. Su muerte, a día de hoy, no ha tenido una repercusión muy destacada. Sin embargo estoy segura de que, en pequeños círculos, se habrá recibido un fuerte mazazo: guste o no, nos ha dejado un director único.

Vía | El País.

En ‘Adéle y el misterio de la momia’ (‘Les Aventures extraordinaires d’Adèle Blanc-Sec’), Luc Besson adapta varios de los álbumes que Jaques Tardi publicó en los años setenta con la intención de unir el folletín con componentes de aventuras, como la egiptología y otros descubrimientos, y de crear un personaje de mujer que en aquella época no era común en el cómic, más dado a presentar protagonistas femeninas que fuesen objetos sexuales o a tener la mujer en un segundo plano. Asimismo, el francés, acostumbrado a una obra prestigiosa, seria y crítica, perseguía el humor como soplo de aire fresco, aunque ello supusiese incluir situaciones descabelladas o golpes humorísticos absurdos.

Una inteligente adaptación

La adaptación que ha escrito Besson pasa por una reescritura intensa, lo cual supone una sabia decisión, debido a que a los álbumes de Tardi se les podrían achacar algunos problemas estructurales y la sensación de que el límite de páginas impedía a Tardi narrar todo lo que tenía en el tintero. Las largas temporadas entre publicación y publicación provocaron un gran desorden de información, del que el propio autor era consciente y demostraba en las notas al pie y los asteriscos que referían a otros volúmenes, que se han eliminado en la presente edición recopilatoria.

‘Adéle y el misterio de la momia’ combina las tramas de varios álbumes y esto, lejos de suponer una ofensa contra el original, significa una mejoría, no sólo porque para completar un largometraje sea necesario ampliar el contenido, sino también porque se pone orden en el caos formado por Tardi. Resulta impresionante lo bien integradas que están unas historias con otras, tanto que cualquier espectador que se acerque al film sin haber leído las historietas, no percibirá que se están mezclando títulos.

Si bien a la creación de Tardi —que ahora está a la venta en un tomo que reúne los cuatro primeros— le achacaba esos problemas narrativos, también presentan grandes valores, como el retrato de un precioso París, que es lo que en Francia le convierte en tal superventas, o el carácter displicente y moderno de la protagonista. Esta traslación surge de un profundo conocimiento de la obra y muestra un absoluto respeto al espíritu la creación de Tardi, en cuanto al tono ligero, a la inclusión de elementos fantásticos, al retrato de los personajes… Es decir, en cuanto a todas las intenciones que, como decía, motivaron al autor a crear los álbumes.

El personaje de Adèle

La Adèle de las bande-dessinées es borde y casi antisocial. En otra ocasión ya expresé la desconfianza que me producía la modelo Louise Bourgoin para el papel, pero lo cierto es que la joven consigue acercarse admirablemente a la imagen que teníamos de la escritora y exploradora. Incluso el propio Tardi mostró su aprobación cuando vio los brutos de la película.

Es divertido y satisfactorio ver comportarse a este personaje femenino independiente, fuerte y valiente. Sin embargo, si hay algo negativo que pueda apuntar sobre el film sería precisamente el retrato de Adèle, pues su invulnerabilidad, su sabiduría, su capacidad para estar por encima de todo el mundo resultan exageradas. Alguien tan perfecto carece de humanidad y así, la conexión con la exploradora es poca. La motivación de salvar a su hermana, que se introduce justo con la intención de humanizar a la protagonista, puede ser lo más flojo de la película. En sucesivas entregas, si la evolución del personaje sigue la de los álbumes, es decir, la de dejarse aún más llevar por los demás, sin tener motivaciones para nada, esto puede convertirse en un problema o quizá sea justo lo que resuelva la falta de realidad que se percibe ahora.

Entretenida producción de aventuras

Es importante que esta traslación a la pantalla se haya llevado a cabo por una productora que maneje altos presupuestos y es incluso favorable que hayan tenido que pasar casi cuarenta años hasta que la BD se ha convertido en película. ‘Adéle y el misterio de la momia’ cuenta con numerosos efectos especiales, que siempre están resueltos con habilidad —el único algo dudoso es el de Adèle volando sobre el pterodáctilo—. La ambientación retrocede exactamente un siglo y consigue una perfecta credibilidad en cuanto a escenarios, vestuario y peluquería, la cual destaca sobre todo en el caso de los hombres, que son clavados a sus representaciones dibujadas por Tardi.

Aunque Besson como director últimamente satisface menos que como productor, en este caso se ha tomado muy en serio la adaptación y la ha elaborado con cariño y gran acierto. La película está rodada con brío y agilidad y el ritmo, asignatura pendiente en Besson en otras ocasiones, no merece ningún reproche. Las aventuras que traen de acá para allá a la protagonista se suceden sin pausa para crear una cinta muy entretenida. No podré llevarle la contraria a quien me argumente que son un despropósito, pero esa falta de sentido común es el valor más intrínseco de las historietas ilustradas por Jacques Tardi y habría sido un error perderla.

Dictamen: muy recomendable como film de humor y entretenimiento, tanto para seguidores de los álbumes, como para quienes no los conozcan.

Mi puntuación:

“La idea es que, al final, el público no sepa qué es real y qué no, de todo lo que ha visto”.

James Cameron

Seguimos hablando un poco más de ‘Avatar’, la última película de James Cameron. En esta ocasión os traigo un par de vídeos que he encontrado en Youtube y que me parecen muy interesantes, muy entretenidos y que pueden generar algo más de debate, en torno a la película que está arrasando en las taquillas de todo el mundo, un gran espectáculo que, independientemente de que la historia nos parezca una chorrada o no, ha supuesto un salto hacia adelante en lo que a efectos especiales se refiere.

En estas dos piezas podemos echar un vistazo al particular rodaje de la película, orquestado por el director de ‘Titanic’. El primero está centrado en los alienígenas, los “na´vi”, y cómo los actores trabajaron para dar vida a esos personajes, creados por ordenador. El segundo incluye escenas sueltas donde se pueden ver cómo se rodaron diferentes momentos de la película, con pantallas verdes por todas partes, y Cameron con la cámara al hombro, disfrutando como un niño.

Según todos los implicados en la producción, con la captura de la interpretación (“performance capture”), se mantiene la esencia del trabajo del actor, y el personaje creado conserva el alma, las emociones de la persona que lo interpreta. ¿Estáis de acuerdo, creéis que un actor puede interpretar adecuadamente la escena, llevando todo eso encima y estando en un plató vacío, lleno de ordenadores? Parece que sí, pero… me sigue pareciendo que en un entorno real, con personas reales y vestuario y maquillaje real (a lo ‘Star Wars’), se pueden implicar más en la acción. ¿Qué os parece?

PD: Una duda. ¿Habéis visto ‘Avatar’ en 2D? ¿Da igual, o pierde mucho cuando no es 3D?

Se ha presentado en el festival de Sitges la película ‘Dual. Herederos del pasado’, dirigida por Bertolt Salvago y protagonizada por Victoria Freire (en la fotografía superior), Óscar Oliva, Alberto Marimbaldo y Pau Codina.

Alan y Julián realizan un reportaje fotográfico a unas modelos en la llanura de un bosque, cuando se escucha una serie de extraños sonidos procedentes de una fosa. Alan se dirige al lugar donde es agredido por un desconocido y queda inconsciente. Cuando despierta, su cámara ha desaparecido, tiene sangre en la cabeza y se encuentra aturdido, vuelve a casa a buscar ayuda, pero no hay nadie… No hay nadie en ningún lugar, las calles están desiertas, sólo se escucha el eco de su voz una música. Alan sigue este sonido hasta una tienda de fotos, donde tiene un violento encuentro con Ernesto. Ernesto tienes las claves de los secretos que han producido esos acontecimientos, unos secretos que conducirán a Alan a experimentar vivencias más allá de su mente, más allá de su imaginación.

En la continuación se pueden ver el tráiler, el póster y un vídeo sobre los efectos especiales.

Victoria Freire es la protagonista de ‘Un banco en el parque’, junto con Álex Brendemuhl y Mónica López.

Este film fue rodado en 5 semanas en un formato de 90 min. Las locaciones usadas para la misma fueron Murcia, San Javier y San Pedro del Pinatar. Está producida por Catarsis.

Aquí se puede ver un vídeo sobre los efectos especiales:

Efectos Dual II from Savio on Vimeo.

Más abajo tenemos el cartel en formato horizontal:

Vía | Página oficial.

Un catedrático de ciencias cuyas teorías han manchado su reputación está de excursión por Islandia con su sobrino, Sean. Los exploradores encuentran una cueva que les lleva hasta las entrañas del planeta. Y así hallarán un mundo perdido en el que habitan criaturas inimaginables.

Tras el salto, encontraréis otro tráiler, el póster y más información.

Como podéis ver en el primer tráiler, Fraser se encarga de meter chistes en una cinta de acción no demasiado prometedora, lo cual ya se ha convertido en su característica principal. Una película que lleva en su título el estilo visual con el que está hecha, 3D, probablemente no será muy buena, ¿os imagináis ‘Con faldas y a lo loco 35 mm.’? Se supone que esta particularidad es lo que la hace única, pues se tratará de la película de imagen real pionera en ser proyectada gracias a la tecnología Real D, que combina la alta definición con una gafas polarizadas circularmente que se supone que evitan el problema de la “visión doble” de los 3Ds tradicionales.

Brevig es ganador del Oscar por los mejores efectos especiales y ha trabajado en esta ocupación para películas como ‘El día de mañana’, ‘Pearl Harbor’, ‘Men in Black’… El guión de ‘Journey To the Center of the Earth 3D’ está firmado por Michael Weiss, Jennifer Flackett y Mark Levin.

Más información en Blogdecine sobre Brendan Fraser.

Fuente | Zona Fandom

Cuando nos paramos a pensar y preguntamos cuál es la primera película que utilizó la animación por ordenador para efectos especiales, todos instintivamente pensamos en Tron y en la carrera de motos. Cierto que es animación por ordenador, y ahí serán los pioneros, pero los efectos especiales utlizando el ordenador tiene también su hueco en ‘Star Wars’ y un nombre Larry Cuba, artista gráfico que se acercó a George Lucas cuando estaba preparando La Guerra de las Galaxias, y le hizo ver y valorar el trabajo de diseños con ordenador que estaba realizando. Obviamente le contrató.

¿En qué secuencia se ven las manos de Larry Cuba? En el vídeo que os colgamos se ve cómo se elaboró el diseño del ataque a la estrella de la muerte, y como con los novedades de la época se rotaban los gráficos hasta lograr los pasillos por los que se irían moviendo los X-Wings y los cazas imperiales. Así mismo se explica lo que tuvieron que hacer para poder insertar el trabajo realizado por ordenador en la citada secuencia. Realmente sorprendente como documento histórico.

Vía | Binarybonsai.com
En blogdecine | La carrera de ‘Tron’ en stop motion y con cajas de cartón