Ya sabemos los títulos de las quince películas que pelearán por el Oscar a los mejores efectos visuales del año. La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas ha revelado la lista de finalistas, en la que destaca la presencia del último trabajo de Terrence Malick, rodeado de blokbusters, algunos de los cuales todavía no se han estrenado. En alguna web echan en falta títulos como ‘Green Lantern’ o ‘Immortals’, pero en general parece que no hay muchas quejas.

Los candidatos al Oscar son: ‘Capitán América: El primer Vengador’ (‘Captain America: The First Avenger’), ‘Cowboys & Aliens’, ‘Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte 2’ (‘Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2’), ‘La invención de Hugo’ (‘Hugo’), ‘Misión: Imposible – Protocolo fantasma’ (‘Mission: Impossible – Ghost Protocol’), ‘Piratas del Caribe: En mareas misteriosas’ (‘Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides’), ‘Acero puro’ (‘Real Steel’), ‘El origen del planeta de los simios’ (‘Rise of the Planet of the Apes’), ‘Sherlock Holmes: Juego de sombras’ (‘Sherlock Holmes: A Game of Shadows’), ‘Sucker Punch’, ‘Super 8’, ‘Thor’, ‘Transformers: El lado oscuro de la Luna’ (‘Transformers: Dark of the Moon’), ‘El árbol de la vida’ (‘The Tree of Life’) y ‘X-Men: Primera generación’ (‘X-Men: First Class’).

La lista será reducida a diez por el comité de efectos visuales de la Academia en el mes de enero. Entonces, todos los miembros de la rama especializada serán invitados a ver un extracto de diez minutos de cada uno de los títulos finalistas. Y luego se vota para que solo queden cinco películas, que ya serán las nominadas que competirán por el Oscar en la 84ª edición de los premios. ¿Qué os parecen las candidatas, os parece que falta alguna película? ¿Cuáles son vuestras 5 favoritas?

PD: El Oscar a los mejores efectos visuales del año pasado lo ganó ‘Origen’ (‘Inception’).

Vía | Hitfix

Como dice William Friedkin en unas recientes declaraciones, en Hollywood sólo están interesados en remakes y en películas que son cómics. El denominado noveno arte es precisamente una fuente inagotable de ideas para proyectos que intentan sobre todo romper las taquillas de medio mundo y parte del otro. Desde que en el 2005 Christopher Nolan revolucionó las adaptaciones de superhéroes, y con los excelentes previos trabajos de gente como Richard Donner, Bryan Singer o Sam Raimi, las productoras se han lanzado a por todo superhéroe que encuentren, sea conocido o no. El caso de Linterna verde no es como el de Supermán o Batman, auténticos paladines de DC Comics, la competencia directa de Marvel, al contrario, siempre ha vivido a la sombra de los citados, de los cuales incluso adquiere ciertas señas de identidad, y su popularidad es menor.

De todos modos, eso no impide que la Warner se haya lanzado a por los derechos del personaje creado por John Broome y Gil Kane en 1959. Se trata del segundo linterna verde, Hal Jordan, al que aquí pone rostro el poco carismático Ryan Reynolds, que a las órdenes del impersonal Martin Campbell, nos ofrece todo un recital de caras de palo espectaculares. Millones y millones de dólares están al servicio de una propuesta cuyo único aliciente son unos efectos visuales vistosos, lo que no quiere decir bien empleados, pero una vez metidos en materia, lo único que se desea es que la película termine. Sí, estamos ante otro de esos eternos films, alargados innecesariamente, y cómo no, con muy pocas sustancia. La emoción también parece que se la han dejado en algún lejano lugar, tal vez de dónde es el superhéroe verde.

‘Green Lantern (Linterna verde)’ es más bien un catálogo de lo más aburrido de las características del personaje central, para el que suscribe, uno de los más insustanciales del universo DC. Durante dos horas se nos informa de lo básico, sin demasiadas complicaciones, no vaya a ser que los espectadores le cojamos gustillo a eso de pensar. Es evidente que nos encontramos ante una de esas adaptaciones al estilo de ‘Los 4 fantásticos’ (‘The Fantastic Four’, Tim Story, 2005), que tiran por un tipo de cine destinado a toda la familia, sobre todo los más pequeños. Pero no hay más que echar un vistazo a los realizadores mencionados más arriba para darse cuenta de a qué me refiero. Una cosa es realizar cine sin mayores ambiciones que las de hacer pasar un buen rato en el cine, y otra muy distinta, descender a los niveles de la simpleza y convertir el visionado de una película en un infierno. Aunque no ha sido un fracaso estrepitoso no ha recaudado todo lo que sus productores quisieran. A mí lo que me extraña es que haya recaudado lo que ha recaudado. Está claro que las campañas de promoción valen muchas veces su peso en oro, nunca mejor dicho.

Mi compañero Juan Luis Caviaro define ‘Green Lantern (Linterna verde)’ como una superchapuza, adjetivo muy indicado para el trabajo que ha orquestado Martin Campbell, realizador que me tiene más que desconcertado. Él solito ha firmado el peor Bond de la historia, la lamentable ‘GoldenEye’ (id, 1995), pero también una de las mejores aventuras del espía británico, ‘Casino Royale’ (id, 2006), sin duda alguna, su mejor película. El resto de su filmografía se divide entre lo pasable sin más —‘La máscara del Zorro’ (‘The Mask of Zorro’, 1998)—, y lo directamente insoportable —‘Amar peligrosamente’ (‘Beyond Borders’, 2003)—, y el caso que nos ocupa pertenece sin margen para el error al último grupo. ‘Green Latern (Linterna verde)’ es un suplicio para los sentidos, un sopor que navega muy por encima de un personaje que en realidad no tiene demasiado que ofrecer. Su condición de superhéroe es heredada, prestada. Si lo que se pretendía era hacer al personaje más popular, el tropiezo ha sido considerable. El efecto del film es precisamente el contrario, querer olvidar a Hal Jordan y su anillito del poder.

Ni Ryan Reyndols tiene el carisma para dar vida al Jordan salvamundos ni Campbell la mano para dotar el conjunto con un mínimo de emoción. Porque si no podemos ser exigentes en cuanto a la profundidad de la historia, sí creo estar en pleno derecho de pedir al menos un poco de emoción en el asunto. Hablamos de un héroe cuyo destino es salvar a la humanidad del paso devastador de un ser intergaláctico que recuerda al temible Galactus, y que para ello ha de enfrentarse a sus propios miedos —explicados en un forzado flashblack que podrían haberse ahorrado—; pues no hubiera estado mal algo de emoción, de esa que tiene otros films idénticos. No hay nada más triste que una película que nos habla de heroicidades y lo que realmente debe importarnos en la vida, todo en un contexto de cómic, evidentemente, y que notemos que sus responsables no se han involucrado absolutamente nada. No existe la empatía, nos da todo igual, la previsibilidad se apodera del relato y su más que esperado final se hace de rogar a través de un montón de secuencias en las que además, acción hay poca.

Destacaría eso sí, un par de escenas que bromean sobre el universo de los superhéroes, aquel que atañe a la conversión en su alter ego, o la identidad secreta. Hal Jordan intenta convertirse en Linterna verde delante de su mejor amigo con resultados en principio decepcionantes, y no lo vamos a negar, divertidos. La novia de Jordan (sosísima Blake Lively)reconoce a su enamorado tras el antifaz, escena muy inspirada que alude a Supermán y su identidad secreta, en clave de broma bienintencionada hacia el espectador y todo aquel que se pregunte en ocasiones cómo es que la identidad de algunos superhéroes no se desvela pues se les reconoce a leguas. En cualquier caso, son apuntes aislados, y cómicos, que no logran arreglar ni por asomo el completo desastre por el que además se pasean con cara de circunstancias actores como Tim Robbins o Peter Sarsgaard, el que parece pasárselo mejor de todo el reparto, tal vez por que en él recae el personaje con más posibilidades. Ni siquiera Mark Strong está lo suficientemente aprovechado, aunque me imagino que su papel en la secuela —el final durante los títulos de crédito parece indicar la continuidad de la saga, aunque todo dependerá de los millones amasados— será de mayor relevancia que en la presente.

El verde es el color de la esperanza, ¿no? Me va a dar la risa, lo estoy viendo.

Os traigo a estas horas de la madrugada —mientras aún reflexiono sobre cierta maravilla estrenada este pasado viernes— la noticia más interesante para un servidor de las acontecidas en los últimos días. Douglas Trumbull regresará a la dirección aprovechando el tirón actual de las nuevas tecnologías desarrolladas por culpa de la 3-D. Precisamente, en la película se utilizará un sistema creado por el propio Trumbull hace años llamado Showscan, y que intentó aplicarse en una de las dos películas dirigidas anteriormente por el realizador, ‘Proyecto Brainstorm’ (‘Brainstorm’, 1983). Imagino que en estos casi 30 años transcurridos desde entonces, habrán tenido tiempo más que suficiente para perfeccionar el sistema. Éste consiste en filmar a 60 fps (imágenes por segundo), parecido a lo que James Cameron intenta hacer con la segunda y tercera entrega de ‘Avatar’ (id, 2009).

Además del film citado —para quien suscribe una joya—, Trumbull fue el realizador de uno de los clásicos de la ciencia ficción, la entrañable ‘Naves misteriosas’ (‘Silent Running, 1972), y también metió mano en los efectos visuales de películas tan destacadas como ‘2001: Una odisea del espacio’ (‘2001: A Space Odissey’, Stanley Kubrick, 1968), ‘La amenaza de Andrómeda’ (‘The Andromeda Strain, Robert Wise, 1971), ‘Encuentros en la tercera fase’ (‘Close Encounters of a Third Kind’, Steven Spielberg, 1977), ‘Star Trek’ (id, Robert Wise, 1979) y ‘Blade Runner’ (id, Ridley Scott, 1982), siendo nominado al Oscar por las tres últimas. Todo un pionero en el campo de los efectos digitales y fotográficos.

Nada se sabe del proyecto, y a mí no me importa. Con el apellido Trumbull en él me llega para considerarlo uno de los más esperados en el futuro.

Vía | Las horas perdidas

Robert Downey Jr. y Jude Law, muy bien compenetrados, anuncian dos premios: efectos visuales y montaje. El primero va a parar muy merecidamente a ‘Origen’, que ya suma cuatro premios, y el segundo, también muy merecido se lo lleva ‘La red social’, que va camino de convertirse en la gran triunfadora de la noche. Uno de esos impresentables invitados de Canal Plus dice que temía que el montaje se lo llevase el film de Nolan. Pues amigo, habría sido un milagro ya que no estaba nominada. ¿Es que no se documentan estos personajes?

En Francia soy un autor, en Alemania soy un director de cine, en Inglaterra soy un director de películas de terror y en Estados Unidos soy una puta mierda

Así se expresaba el propio John Carpenter hace ya unos cuantos años cuando se le preguntaba por la mala recepción crítica de sus películas en su país de origen, los Estados Unidos de América. Resulta curioso que con el paso del tiempo, que la mayoría de las veces suele poner las cosas en su sitio, Carpenter sea todavía rechazado por la mayoría de los cinéfilos e incluso críticos que no ven nada de especial en un director que ha sabido moverse con agilidad dentro de los cánones del cine comercial pero sin sucumbir a las típicas concesiones de este tipo de cine. En la sección Críticas a la carta estamos de enhorabuena, vosotros habéis demandado un texto sobre este genial director al que el éxito no le acompaña desde hace décadas y sobre la que muchos consideran su mejor película: ‘La cosa’ (‘The Thing’, 1982).

La película es la primera entrega de la llamada Trilogía del Apocalipsis, seguida en la magnífica ‘El príncipe de las tinieblas’ (‘Prince of Darkness’, 1987) —una de las películas más infravaloradas de su autor— y la interesante ‘En la boca del miedo’ (‘In the Mouth of Madness’, 1995. También se trata de una nueva adaptación del relato de John W. Campbell Jr. que ya había conocido una traslación al cine de la mano de Howard Hawks y Christian I. Niby en ‘El enigma de otro mundo’ (‘The Thing From Another World’, 1951) de la que ya os hablé en su momento, una película que había impresionado mucho a Carpenter —en ‘Halloween’ es el film proyectado en televisión en un momento dado—, pero que distaba mucho de ser una adaptación fiel de un relato con enormes posibilidades.

El argumento no varía demasiado del film de 1951 al menos en lo que es su esqueleto: a una base científica del Polo —el Norte en el film del 51, el Sur en la de Carpenter— llega una forma de vida alienígena que pone en jaque a los residentes del lugar. En el relato de Campbell el alien no tiene una forma específica, es en realidad “una cosa”. Es evidente que en el film de Hawks por razones presupuestarias y que los efectos visuales estaban lejos de la perfección de hoy día, el extraterrestre tiene forma humanoide, es un enemigo con forma concreta y por lo tanto fácil de exterminar. Carpenter se centró con inusitada pericia precisamente en ese aspecto tan importante en la historia: la no forma del alien.

Y digo inusitada pericia porque lo que este hombre logró con el uso de los efectos visuales y de maquillaje —uno de los grandes trabajos de Rob Bottin— es algo que muy pocos han sabido hacer, quizá Spielberg y a ratos Cameron: la perfecta inserción de la técnica en la historia narrada de forma que ésta no queda supeditada a dicha técnica, y al mismo tiempo sea ésta la única herramienta posible para narrar con convicción lo que se quiere contar. Dicho de otro modo, la forma es el fondo, y ‘La cosa’ es probablemente el ejemplo más claro en el cine moderno. Al fin y al cabo de eso se trata ser director de cine, saber poner en escena, saber narrar. Y Carpenter es, pese a quien le pese, unos de los mejores narradores que ha dado el cine americano en los últimos 35 años.

Pero no hablamos únicamente de unos deslumbrantes efectos visuales, que son más mérito de Bottin evidentemente, hablamos de cómo Carpenter retrata el mismísimo horror a través de una historia en apariencia sencilla, de brillante suspense gracias a un ejemplar uso de las elipsis. Tras la súbita aparición del perro perseguido por los noruegos que quieren matarlo —primera irrupción en la rutinaria vida de los habitante de la base—, éste es filmado deambulando por la base en inquietante tranquilidad. Vemos al perro llegar a la habitación de uno de los hombres de la base, se para, Carpenter cambia a otra cosa pero ya nos ha metido el miedo en el cuerpo. Ennio Morricone le ayuda con una banda sonora muy acorde con las que compone habitualmente el propio director, que dicho sea de paso ofreció componer la música a Jerry Goldsmith que rechazó la oferta.

Ese instante del perro nos prepara para la materialización posterior de nuestros temores en la set piece de las jaulas donde duermen los demás perros —segunda y traumática interrupción en la rutina de la base y auténtico punto de inflexión de la historia—, en la que el impacto es tal que Carpenter ha logrado la inmersión total del sorprendido y aterrorizado espectador. A partir de ahí es el horror, nunca sabremos quién es quién en realidad, mientras uno a uno van cayendo todos los personajes, y Carpenter utiliza los efectos para representar el terror en su esencia. ¿Quién no se queda completamente paralizado y fascinado con el instante de la primera fotografía? Ese pecho convertido en una gran boca que sesga los brazos del doctor, el fuego, la cabeza-araña… qué delirio. Es increíble que casi 30 años después el trabajo de Rob Bottin —excelente por atrevido e imaginativo— supere con creces trabajos posteriores.

A pesar de encontrarnos ante un film lleno de efectos visuales y claramente enmarcado en los límites del cine comercial, Carpenter es lo suficientemente inteligente como para sacarse la absurda etiqueta de lo comercial y no caer en ninguna concesión. Fue criticado por sus compañeros por la extrema dureza de sus imágenes, yo prefiero verlo como un llegar hasta las últimas consecuencias en la propuesta, que para deleite de los más exigentes concluye con un final totalmente ambiguo. MacReady —excelente y carismático, como siempre, Kurt Russell en una de sus colaboraciones con su amigo Carpenter— y Childs —Keith David— solos, vigilándose el uno al otro mientras su lenta y fría muerte salvará o condenará a la humanidad para siempre.

Magistral película que además se ha convertido en la primera que ponemos por las nubes en ésta vuestra sección, Críticas a la carta. En los comentarios además de hablar de las excelencias de Carpenter, sobre el que volveremos en su momento, tenéis espacio para dejar vuestra peticiones. Sed originales, por Dios.

En el excelente especial dedicado a James Cameron que mi compañero Adrián Massanet realizó en Blogdecine, éste con el buen hacer que le caracteriza, sentenció que ‘Abyss’ (‘The Abyss’, 1989) era uno de los fallidos e impersonales films de Cameron. No me deshago yo en elogios hacia la persona del director de ‘Terminator’ (‘The Terminator’, 1984) como lo hace mi compi, que piensa es uno de los mejores directores de la historia —cada vez que se lo oigo decir me parto de la risa—, señalando siempre el hecho de que se trata de uno de los mejores directores de Sci-Fi y aventuras, y con una gran capacidad para hacer creíbles los mundos que nos retrata. Da igual que sea un futuro apocalíptico en el que el futuro de la humanidad depende de unos pocos, o un grupo de marines enfrentándose al mayor terror de sus vidas en un planeta lejano, o la odisea de un barco mítico bañada con un buen número de Oscars. Cameron siempre ha logrado que nos creyésemos —al menos un servidor— lo que nos estaba contando.

Sus películas siempre han estado surtidas de lo último en avances tecnológicos. De hecho, este señor ha cambiado tres veces el curso del cine en cuanto a efectos visuales se refiere, y no por casualidad cinco de sus películas han ganado el Oscar en dicha categoría. La primera de esas veces fue en la presente ‘Abyss’, uno de sus proyectos más personales, en la que empezó a juguetear con los CGI —la famosa secuencia del tentáculo marino— para terminar de perfeccionarlo en su siguiente película, ‘Terminator 2: El día del juicio final’ (‘Terminator 2: Judgment Day’, 1991). Pero esto no convierte a Cameron en un director moderno; si algo le caracteriza es poseer una capacidad narrativa que le acerca a los clásicos. ‘Abyss’ es la prueba más evidente de ello.

La trama de ‘Abyss’ es de lo más sencilla —que no simple—, narrando las aventuras de un grupo de perforadores oceánicos de petróleo que deben colaborar con los marines para llegar hasta donde se ha hundido un submarino nuclear y evitar un incidente internacional. Una vez en el fondo del mar se encontrarán con el mayor descubrimiento al que la raza humana se ha enfrentado, una raza de alienígenas que permanecen ocultos al ojo humano en el fondo abismal del título y controlan el agua. Con guión del propio Cameron nos encontramos ante un film de Sci-fi puro y duro que se adentra en el sempiterno tema de encuentros entre humanos y aliens, algo en lo que el director se encuentra muy cómodo y que siempre ha sido del interés por parte de los espectadores de todas las épocas. Curiosamente la respuesta en taquilla de ‘Abyss’ no fue la esperada, de hecho hablamos del mayor fracaso en la carrera de James Cameron, si obviamos evidentemente su muy olvidable ópera prima en la que también había elementos acuáticos.

La película ha ido ganando adeptos con el paso de los años y hoy día es reivindicada por muchos como una obra de culto. No encuentro ninguna obra maestra en la filmografía de Cameron —aunque tres de ellas rozan la maestría— pero ‘Abyss’ con todos sus fallos —es un film demasiado largo, sobre todo su director´s cut— me parece una de las obras de este cineasta que deberían reevaluarse —operación que según el jovenzuelo Alvy Singer debe realizarse cada cierto tiempo—, y comprobar que su poso es el mismo que dejan películas mucho más antiguas. Posee una inocencia e ingenuidad que Cameron sólo volvió a aplicar en su monumental ‘Avatar’ —¿un ajuste de cuentas?— y que nos devuelve un tipo de cine que es muy raro de ver sobre todo en las grandes superproducciones. Sólo cineastas como Steven Spielberg son capaces de hacer cine como el de antes —Clint Eastwood también pero sin tantos millones de dólares—, y precisamente Spielberg es un nombre que viene a la mente cuando se visiona esta ‘Abyss’, tanto en el momento de su estreno como más de 20 años después.

Muchos vieron, no sin razón, una especie de ‘Encuentros en la tercera fase’ (‘Close Encounters of the Third Kind’, 1977) en el fondo del mar, pero donde Spielberg se lucía manteniendo el suspense incluso en su conclusión, Cameron da una vuelta de tuerca poniendo en manos de los visitantes el futuro de la humanidad, lo cual no deja de tener su gracia, pues éste se decide en el fondo del mar, en el lugar más oscuro y solitario que el hombre haya conocido jamás. Los extraterrestres poseen rasgos de bondad que una vez más nos acercan a Spielberg y cierto entrañable amigo del espacio, y su visita no es con vistas a dominar nuestro planeta como en multitud de títulos de los años 50, sino completamente pacifista al modo de algunos de las películas que empezaron a jugar con la premisa de los extraterrestres bondadosos, tal es el caso del mencionado film de Spielberg o ‘Starman’ (id, John Carpenter, 1984).

Al menos eso es lo que se deduce del montaje estrenado en cines en el que Cameron nos presenta la resurrección del ser humano en dos secuencias clave. La primera de ellas, la resurrección del personaje interpretado por Mary Elizabeth Mastrantonio, que da vida a otra mujer fuerte típica en el cine del director, un auténtico tour de force en el que brilla con luz propia un sobresaliente Ed Harris y la inusitada utilización del silencio por parte de Cameron. La segunda resurrección es cuando la nave extraterrestre se eleva hacia la superficie y en un final algo precipitado el ser humano puede soñar con un nuevo y maravilloso día tras la tormenta. Sin embargo en el director´s cut la cosa se asemeja más a ‘Ultimátum a la tierra’ (‘The Day the Earth Stood Still’, Robert Wise, 1951); los aliens dan un aviso al ser humano por su mal comportamiento a lo largo de la historia y lanzan enormes olas contra las costas retirándolas en el último instante un poco incomprensiblemente. Ciertamente es más sugerente y eficaz el montaje estrenado en cines, aunque el segundo posee escenas muy espectaculares llenas de efectos visuales.

Puede que ‘Abyss’ sea un poco autocomplaciente tal y como dice mi compañero Adrián, y es cierto. Parece como si Cameron estuviera encantado con su material, sus personajes, su historia y se regodea en todo ello alargando el film más de la cuenta enrollando una premisa de lo más sencilla. Afortunadamente ‘Abyss’ posee más virtudes que defectos, su visionado se disfruta más allá de los extraordinarios efectos visuales —nunca una película había sido filmada bajo el agua con tanto despliegue de medios—, y nos arrastramos, nunca mejor dicho, por la aventura de unos personajes al límite y con los que Cameron se desvela más clásico que nunca. La situación sentimental de los personajes de Ed Harris y Mary Elizabeth Mastrantonio recuerda, salvando las distancias, a la de Cary Grant y Rossalind Russell en ‘Luna nueva’ (‘His Girl Friday’, Howard Hawks, 1940) o Grant y Katharine Hepburn en ‘Historias de Filadelfia’ (‘The Philadelphia Story, George Cukor, 1940), aparentemente no se soportan pero llegado el momento de la verdad están hechos el uno para el otro. Sus diferencias personales representan en cierta medida, las diferencias entre todos los seres humanos, y la odisea que atraviesan demuestra que cuando peor están las cosas y no existe la esperanza aún se puede hacer algo para evitar una catástrofe, ya sea personal o de índole mundial.

Michael Biehn, uno de los actores fetiche de James Cameron, al menos en aquellos años, sorprende aquí por su composición de marine desquiciado que será la única y verdadera amenaza a la que se enfrenten los demás gracias a que aquél se ha hecho con un bomba nuclear que piensa hace detonar en el fondo del mar convencido de que los aliens son en realidad enemigos rusos. La productora hizo campaña para que Biehn estuviese nominado al Oscar al mejor actor secundario, algo que no le hubiese venido nada mal a un actor tan carismático como Biehn, quien con el paso de los años ha ido cayendo en el olvido. En el apartado técnico mención especial para Alan Silvestri en la banda sonora, y Mikael Salomon en la fotografía en uno de sus últimos trabajos, demostrando que el color azul debe ser el favorito de James Cameron. Aquel año Salomon realizaría otro impresionante trabajo en la injustamente menospreciada ‘Always’ de Steven Spielberg, que guarda no pocos parecidos con este ‘Abyss’, por lo que respecta a hacer un tipo de cine totalmente extraviado en un tiempo en el que el espectador ha perdido su inocencia.

Gracias a nuestro incansable ent18, tenemos aquí el segundo tráiler en español de una de las películas más esperadas de este 2010, ‘Furia de titanes’. Y digo esperadas porque todo en ella huele a blockbuster de primera, actores famosos en su reparto, encabezado por el actor de moda Sam Worthington, que gracias a James Cameron conocerá lo que es la fama de verdad, y efectos visuales impresionantes, a tenor de lo visto en el espectacular avance. Remake del famoso film de los 80 dirigido por Desmond Davis, puede ser una buena oportunidad para hacer las cosas mejor de los que las hicieron en el citado film, donde sólo destacaban los maravillosos efectos del gran Ray Harryhaussen, que trabajó por última vez en el cine con esa película.

De todos modos, y por muy vistoso que sea el tráiler, hay algo que no termina de convencerme pues una poderosa sensación de déjà vu me ha corroído durante todo el avance, algo parecido a lo que se siente viendo el tráiler de ‘Robin Hood’ de Ridley Scott. Se podría hacer una lista con la cantidad de referencias que se ven sólo en el avance; y el hecho de que el que se ha puesto tras las cámaras es Louis Leterrier no añade nada de atractivo al asunto. Recordemos que ese tipo es el responsable de films como ‘Danny the Dog’, ‘Transporter 2’ y ‘El increíble Hulk’.

El próximo 26 de marzo saldremos de dudas.

Mucho se ha hablado, y se seguirá haciendo, de ‘Avatar’ el fenómeno cinematográfico del año, de los últimos años. El título que según su creador, revolucionaría el séptimo arte, dando un paso más en la evolución técnica. Ahora, mientras miles y miles de personas la ven y la vuelven a ver, la opinión general —incluida la de la crítica— se divide en líneas generales entre los que la aman y la odian. Los segundos le achacan al nuevo film de James Cameron el tener una historia muy superficial, mientras que casi todos parecen estar de acuerdo que a nivel técnico, la película es simple y llanamente sorprendente. Estoy de acuerdo, ‘Avatar’ posee una perfección a nivel visual que convierte al personaje de Gollum de la famosa trilogía de Peter Jackson—marcó un antes y un después en los efectos visuales— en un mal dibujo animado, y gente como Robert Zemeckis debe haber entrado en una profunda depresión tras verla.

No deja de sorprenderme que la película sea atacada por su historia, como si en el pasado Cameron nos hubiese regalado en algún momento alguna historia que no fuese sencilla. Desde ‘Terminator’ (‘The Terminator’, 1984) hasta ‘Titanic’ (1997), pasando por ‘Aliens’ (1986) o ‘Abyss’(1989), los films de Cameron se han servido, argumentalmente hablando, de historias llenas de clichés, de tópicos si se quiere utilizar dicha expresión, nunca han sido el colmo de la originalidad. Y ahora le piden a Cameron lo que nunca ha hecho. Sí es cierto que los fallos de ‘Avatar’ se encuentran en su guión, tan superficial como los de las anteriores películas de Cameron, pero hay en él la misma pasión, y una vez más consigue aquello para lo que siempre ha sido un genio, narrar con el poder de la imagen, fusionada a los grandes avances técnicos, muy del gusto del director.

El argumento de ‘Avatar’ puede recordar a muchas películas antes vistas, pero como dicen por ahí, Cameron es un director atávico. Sus historias retornan a lugares conocidos por el ser humano desde que el hombre es hombre. Una cultura, con la equivocada idea y utilización de la civilización, enfrentada a otra —en este caso, otra forma de vida, haciéndolo aún más universal— de la que no conoce absolutamente nada, hasta que uno de ellos se ve inmerso en dicho mundo, y sólo desde dentro llega a entenderlos, comprendiendo que pertenece al lugar equivocado. Una historia tan vieja que nadie sería capaz de recordar la primera vez que se narró. Podemos hablar de films como ‘Bailando con lobos’ (‘Dances with Wolves’, Kevin Costner, 1990), ‘El último samurai’ (‘The Last Samurai’, Edward Zwick, 2003) o la historia de Pocahontas, pero incluso ésas no eran novedosas. No entiendo cómo han sido capaces de echarle en cara a Cameron que su historia esté más vista que el tebeo, pues se hayan en ella una serie de matices que la enriquecen como pocas veces se ha visto.

Es cierto que los personajes parecen más descuidados, y algunos como el de Michelle Rodriguez parecen puestos en la narración con un único objetivo, una trampa de guión algo torpe. Pero gana en otros aspectos de indudable belleza. La lógica y muy coherente historia de amor entre sus dos protagonistas centrales se basa en la capacidad de uno de ellos para saber mirar. Saber mirar es saber amar es una de esas frases que he oído ya no sé dónde, y el film de Cameron lo ensalza muy inteligentemente. Planos tan sencillos como el de Zoe Saldana besando los ojos de un Sam Worthington moribundo, después de haberse visto tal y como son, no pueden ser menospreciados, al contrario, enriquecen un film aparentemente vacío para muchos. O la decisión de colores tan vivos como sencilla —otra vez la sencillez en la obra de Cameron como una de sus mejores armas— metáfora sobre la VIDA —así en mayúsculas— que los humanos están a punto de destruir. Un mundo con sus propias reglas, tan diferente como parecido al nuestro. En Pandora no hay sitio para lugares oscuros como había en ‘Aliens’, a pesar de existir criaturas voladoras difíciles de amaestrar, o monstruos que atacan cuando su hábitat corre peligro. Todo ese color alcanza la perfecta armonía cuando se unen para defender el mundo en el que viven, y que como todos los mundos, es necesario un equilibrio. ¿Cómo se le puede achacar a Cameron la sinceridad de su propuesta? ¿Por mezclarlo todo en un blockbuster? Yo le llamaría inteligente. Nos habla de cosas importantes sin pajas mentales ni artificios de ningún tipo, poniendo toda la carne en el asador, pero sobre todo poniendo pasión en lo que narra.

Porque si de algo hace gala James Cameron es de saber paliar las carencias de sus guiones con una arrebatadora puesta en escena, en la que la pasión por la acción —interna y externa— hace acto de presencia, revelando al director de ‘Terminator’ como uno de los mejores narradores del siglo XXI. Sus espléndidas secuencias de acción funcionan como catarsis emocional de personajes a los que lleva al límite. Los dos ataques de los marines, o la impresionante batalla final, deslumbran no sólo por la perfección técnica con la que están realizadas, sino por la gran coherencia dentro de lo que se está narrando, haciendo creíble algo que en manos de otro director sería risible. El gran sentido aventurero de Cameron hace de nuevo acto de presencia, y así nos brinda un film de aventuras en el sentido más clásico del término. Al igual que en ‘Titanic’, Cameron filma cine clásico con todos los avances técnicos a su alcance, logrando lo que pocos autores son capaces de hacer, que la diferencia entre las intenciones y los resultados sean mínimas. Si Clint Eastwood es un director que hace films que recuerdan a las viejas películas de los años 40, Cameron hace exactamente lo mismo pero con 300 millones de dólares. Se adentra en las emociones humanas más básicas, y sus films son todo un bálsamo en los tiempos que corren. Cine de entretenimiento de un clasicismo único, donde la tecnología —en este caso la 3D— está al servicio no de lo narrado, sino de la pasión con la que se narra, mientras muchos cegatos abandonan toda posibilidad de entendimiento, precisamente por no saber mirar.

Y no se confundan. ‘Avatar’ no es grande por estar filmada en 3D —inteligente operación de marketing, ni más ni menos, para llevar más gente a las salas, cosa que han conseguido con creces—, funciona perfectamente sin ese formato, al que todavía le queda mucho por andar. ‘Avatar’ funciona por la coherencia de su discurso —en el que no faltan claras connotaciones ecológicas, y un duro ataque al descerebramiento militar—, y sobre todo porque nos devuelve al origen mismo de la aventura —atávico Cameron hay que llamarle a partir de ahora—, a ésa que nos hace vibrar como cuando éramos niños inocentes, pues Cameron tiene algo de inocente, o al menos cree en esa característica humana como el último resquicio para la verdadera salvación de nuestra especie. Una inocencia que nos hace soñar con otros mundos, poderosamente creíbles gracias a la fuerza descriptiva de su creador.

‘Avatar’ nos devuelve después de doce años al James Cameron de siempre, creando otro film-isla —¿os habéis dado cuenta de que nadie es capaz de imitarle?— en el que incluso se permite los autohomenajes —¿señales de identidad?— como el realizado con Sigourney Weaver, cuya primera aparición es tras salir del estado de hibernación, y a la que propone para un final que hubiera sido glorioso en la famosa saga comenzada por Ridley Scott, el de unirse a una especie alienígena lejos de combatirla. O sin ir más lejos, el personaje de Stephen Lang, que no hace de villano, hace de Terminator, amenazante y peligroso de verdad, dejando en evidencia a McG y su intento de rejuvenecer la saga de la que Cameron es el único padre. El tercio final del film, en el que el director no se priva de crueldades es toda una lección a los supuestos directores de cine de acción que hay en la actualidad, un claro ejemplo de lo que es ritmo y planificación, asignaturas pendientes en el presente cine de acción.

Cameron pertenece a esa serie de directores de acción que se diferenciaban de los demás por su clara implicación con lo que narraban, porque sus personajes importan tanto como los de los más grandes dramas existenciales. John McTiernan, Richard Donner o Kathryn Bigelow son los primeros nombres que me viene a la mente. No sólo filman como nadie el espectáculo, además sus personajes nos importan. Recientemente he visto esto mismo en ‘District 9’ —para un servidor de lo mejor del año pasado—, film con el que ‘Avatar’ guarda no pocos parecidos de fondo.

Se habla de una posible trilogía, y lo único que se me ocurre pensar al respecto es que a este paso, Cameron va a lograr que Sam Worthington se retire de la interpretación, porque ha conseguido que un personaje generado por ordenador sea mejor actor que él. Ver para creer, la máxima de Cameron.

Otras críticas en Blogdecine:

• ‘Avatar’, los rasgos de una obra maestra
• ‘Avatar’, la técnica por encima del arte

• ‘Avatar’ es otra más

No sorprende demasiado la selección y las favoritas se meten en la terna final. Se caen Indiana Jones, James Bond, Narnia y Hulk, entre otras. Y se quedan, curiosamente, las más taquilleras como ‘El caballero oscuro’ e ‘Iron Man’, además de ‘Australia’, ‘El curioso caso de Benjamin Button’, ‘Hellboy II: el ejército dorado’, y dos títulos con Brendan Fraser: ‘La Momia: La tumbra del emperador dragón’ y ‘Viaje al centro de la Tierra’. Ésta última premiando, quizás, la apuesta por el 3D. Y como la cosa resulta fácil, me mojo y apuesto por Batman, Iron Man y Benjamin Button. Aunque me temo que ‘Australia’ será el título más amenazador en muchas candidaturas (también en este apartado), por aquello de que huele a multinominada. Parece que esta selección de siete títulos es bastante justa.

Vía | Tío Oscar y Oscars.org

En pleno desarrollo de la carrera a los Oscars 2009, la Academia de Hollywood ha hecho público los quince títulos que pueden optar al premio a los mejores efectos visuales. Se trata de una primera selección realizada por una subdivisión del Comité de Efectos Visuales, tras la cual se realizará, en enero, una segunda criba (una semifinal) para quedarse con siete candidatas. Posteriormente y tras la proyección den quince minutos de cada cinta a todos los miembros del comité, se votarán las tres nominadas al Oscar en la categoría, que serán conocidas el 22 de enero (junto con el resto de nominaciones).

Un sistema que intenta no dejar escapar ningún título que realmente merezca la consideración en este apartado técnico y que, dado la alta competencia de este año, se plantea bastante interesante. Parece obvio que el trabajo de efectos visuales de ‘El caballero oscuro’ uno de los títulos del año debería estar entre las nominadas finalmente, pero no lo tiene tan claro. No se puede negar el excelente trabajo de ‘Hellboy II: El ejército dorado’ o de ‘Hancock’. Pronto saldremos de dudas.

A continuación el listado de las quince que han pasado la primera selección:

• ‘Australia’
• ‘Las crónicas de Narnia: El príncipe Caspian’
• ‘Monstruoso’
• ‘El curioso caso de Benjamin Button’
• ‘El caballero oscuro’
• ‘Ultimátum a la Tierra’
• ‘Hancock’
• ‘Hellboy II: El ejército dorado’
• ‘El increíble Hulk’
• ‘Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal’
• ‘Iron Man’
• ‘Viaje al centro de la Tierra’
• ‘La momia: La tumbra del emperador dragón’
• ‘Quantum of Solace’

• ‘Las crónicas de Spiderwick’

Vía | Tío Oscar y Oscars.org