Como ya os anunciámos hace unas semanas, se ha llevado a cabo la segunda criba por parte de la Academia de Hollywood para elegir las películas que optarán al Oscar a los mejores efectos visuales. Ahora, tan sólo son siete los títulos que tienen opciones. Y el próximo día 15 de enero conoceremos las tres películas que finalmente serán nominadas y estarán en la gala.

No sorprende demasiado la selección y las favoritas se meten en la terna final. Se caen Indiana Jones, James Bond, Narnia y Hulk, entre otras. Y se quedan, curiosamente, las más taquilleras como ‘El caballero oscuro’ e ‘Iron Man’, además de ‘Australia’, ‘El curioso caso de Benjamin Button’, ‘Hellboy II: el ejército dorado’, y dos títulos con Brendan Fraser: ‘La Momia: La tumbra del emperador dragón’ y ‘Viaje al centro de la Tierra’. Ésta última premiando, quizás, la apuesta por el 3D. Y como la cosa resulta fácil, me mojo y apuesto por Batman, Iron Man y Benjamin Button. Aunque me temo que ‘Australia’ será el título más amenazador en muchas candidaturas (también en este apartado), por aquello de que huele a multinominada. Parece que esta selección de siete títulos es bastante justa.

Vía | Tío Oscar y Oscars.org

En pleno desarrollo de la carrera a los Oscars 2009, la Academia de Hollywood ha hecho público los quince títulos que pueden optar al premio a los mejores efectos visuales. Se trata de una primera selección realizada por una subdivisión del Comité de Efectos Visuales, tras la cual se realizará, en enero, una segunda criba (una semifinal) para quedarse con siete candidatas. Posteriormente y tras la proyección den quince minutos de cada cinta a todos los miembros del comité, se votarán las tres nominadas al Oscar en la categoría, que serán conocidas el 22 de enero (junto con el resto de nominaciones).

Un sistema que intenta no dejar escapar ningún título que realmente merezca la consideración en este apartado técnico y que, dado la alta competencia de este año, se plantea bastante interesante. Parece obvio que el trabajo de efectos visuales de ‘El caballero oscuro’ uno de los títulos del año debería estar entre las nominadas finalmente, pero no lo tiene tan claro. No se puede negar el excelente trabajo de ‘Hellboy II: El ejército dorado’ o de ‘Hancock’. Pronto saldremos de dudas.

A continuación el listado de las quince que han pasado la primera selección:

• ‘Australia’
• ‘Las crónicas de Narnia: El príncipe Caspian’
• ‘Monstruoso’
• ‘El curioso caso de Benjamin Button’
• ‘El caballero oscuro’
• ‘Ultimátum a la Tierra’
• ‘Hancock’
• ‘Hellboy II: El ejército dorado’
• ‘El increíble Hulk’
• ‘Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal’
• ‘Iron Man’
• ‘Viaje al centro de la Tierra’
• ‘La momia: La tumbra del emperador dragón’
• ‘Quantum of Solace’

• ‘Las crónicas de Spiderwick’

Vía | Tío Oscar y Oscars.org

Uno de los directores más famosos del mundo es el realizador canadiense James Cameron. Este grado de conocimiento, de sus películas y su nombre, por parte del gran público, no va exactamente parejo con el grado de conocimiento acerca de las razones que impulsan su obra. Tampoco se le concede, por lo general, el grado de “autoría cinematográfica” que ostentan otros creadores, aunque estos no firmen todos sus guiones, o aunque no produzcan ni una sola de sus películas. Es por tanto, a juicio de quien esto escribe, víctima de cierto elitismo crítico, que incluso ha visto justificada su postura tras una película tan de prestigio, en teoría, como ‘Titanic’.

Es un caso parecido al de Steven Spielberg, si bien el director de ‘Saving Private Ryan’ ha desarrollado una carrera con más puntos débiles (también por el hecho de haber dirigido cuatro veces más películas), mientras que, de nuevo a juicio de quien esto escribe, Cameron es probablemente el más grande, complejo y poderoso director de Sci-fi de la Historia del Cine, y con una única película fuera de ese género, la ya nombrada tragedia marina, que es una joya pocas veces valorada sin prejuicios o ideas preconcebidas.

Tampoco es que las características superficiales de su carrera ayuden mucho: cada película suya ha costado, sistemáticamente, más dinero que la anterior (su futura ‘Avatar’ no va a ser una excepción); es notoria su ilimitada exigencia hacia los actores, hasta el punto de que muchos no se hablan con él; es un pionero en los efectos visuales de sus películas, lo que ofrece carnaza a los puristas que le acusan de no tener sustancia; en todas sus películas hay profusión de armas y tiros (incluso en ‘Titanic’, donde el barco puede considerarse un arma tecnológica y tienen lugar varios famosos tiroteos) lo que da carnaza a los progres que le acusan de ultraderechista; es considerado un gran director de escenas de acción (muchas de ellas grandes espectáculos), un inoculador de testosterona, lo que para muchos es síntoma de comercialidad extrema y simpleza mental y su relación con Arnold Schwarzenegger en la mitad de las películas que ha dirigido hasta ahora termina por completar el cuadro.

Pero si no nos limitamos a lo superficial, sino que profundizamos un poco (que para eso estamos escribiendo estas líneas), observamos que Cameron supo crear una obra imperecedera con cuatro chavos, ‘The terminator’, y que el presupuesto elevado (o elevadísimo) del resto de sus producciones, esta plenamente justificado por la historia que pretende contar y por la investigación técnica que requiere dar vida a futuros sombríos o trágicos eventos del pasado; que aunque suele ser muy duro con sus actores a menudo arranca de estos interpretaciones memorables, algo inusual en un director de superproducciones; que sus proverbiales magníficos efectos visuales son para él (casi)siempre una herramienta para hacer más creíble la película y no una razón para contar determinada historia; que la profusión de armas en sus películas resultan de su conocimiento de estas pero también de su interés por criticar un mundo que es peor gracias a ellas.

Pero es su pericia y su talento para el cine de acción lo que le sitúan en el punto de mira. François Truffaut escribía a propósito de su admirado Alfred en el imprescindible ‘El cine según Hitchcock’ que muchos desdeñan el suspense, pero que este es en verdad el núcleo del cine. Yo añadiría que la acción, y no sólo los tiros y persecuciones, son junto al suspense el núcleo y el corazón del cine. Muchos quizás ignoren que drama proviene del griego dram, que significa acción. Y esa es la primera palabra que el director grita para que comience eso, la acción. Como iremos demostrando y analizando sucesivamente, no es que Cameron sea un gran director de secuencias de acción y por eso es un gran director, sino que es un gran director y por eso tiene grandes secuencias de acción.

Cameron tiene mucho en común con Hitchcock. Sobre todo en lo concerniente a su efectividad narrativa, a su dominio de la acción y el suspense como herramientas absolutas del cineasta de raza, y como objetivo final de la puesta en escena. El cine, más que una coda de la literatura, es con directores como Hitchcock y Cameron un soporte dinámico de emociones e imágenes vibrantes, llenas de vida. Si con el tiempo se ha comprendido la profunda compasión y melancolía de Hitchcock tras décadas de ser tachado de gélido y cerebral, algo parecido creemos que ocurrirá con el canadiense.

No se trata de proponer a Cameron como dueño de una carrera sin falla ninguna y perfecto en todo. Nada más lejos. Se trata de situarle apropiadamente, siempre a juicio del que firma, entre los mejores directores de la historia. Así de sencillo. Pero vamos a profundizar lo más posible en su carrera, con sus luces y sus sombras, lus logros, sus hazañas y sus decepciones; sus constantes y sus incoherencias (que las tiene); su evolución y su compleja personalidad. Cameron dirige, escribe, produce, monta, lleva la cámara, hace maquetas, sabe de maquillaje. No hay muchos directores tan completos y que dominen tantas disciplinas cinematográficas como él, y que hayan dejado una huella tan profunda en la Sci-Fi, y vamos a encargarnos de demostrarlo.

Seis películas. Ochocientos cincuenta y cinco minutos de cine. Seiscientos sesenta y uno de ellos dedicados a una Sci-Fi que oscila entre lo mejor, como ‘Aliens’, y lo peor, como ‘True Lies’. Ciento noventa y cuatro dedicados al melodrama histórico, ese feo género despreciado por manipulador y folletinesco. Eso sin contar los doscientos cincuenta y uno que son cine documental, y su serie de televisión, dicen que de culto pero que significó prácticamente un rotundo fracaso, ‘Dark Angel’. Una filmografía corta. Seis ficciones, tres documentales, una serie de la que dirigió un episodio, un par de cortometrajes (‘Xenogénesis’ y ‘T2:3D’), algunos pocos guiones para terceros, parecen poco para treinta y un años de carrera. Pero sin duda han cambiado el cine.

La Sci-fi es un género resbaladizo, inasequible para la mayoría de los cineastas. Muchos grandes creadores que aportan su granito de arena al género, sino fracasan (o firman películas que rápidamente se quedan obsoletas) acaban cayendo en una Sci-Fi con trazas de fantasía, lo que significa aguar las posibilidades del género cinematográfico, después del documental, con más posiblidades de alcanzar lo que sólo el gran arte logra: un carácter visionario, profético casi. Dicen que la Sci-Fi, en el mundo en que vivimos, se ha quedado sin argumentos, y que la gran mayoría de ideas y títulos comienzan a quedarse atrás. Sin embargo el mundo descrito en el díptico ‘Terminator’ está ahora más vigente que nunca.

Este director, al que dedicaremos un análisis de su obra cada dos días, nos habla de la miserable condición humana en su mejor cine, tanto en ‘Titanic’ como en ‘The Terminator’, y nos propone un futuro desolador, el de ahora mismo, o el de pasado mañana, proponiendo un espejo donde reconocernos. Analizaremos sus seis largometrajes con rigor y con sobriedad. Su fallida serie ‘Dark Angel’, que podría haber resultado un estimulante título que se implementara a su discurso, tiene realmente muy poco de la densidad del gran Cameron. Su primera película oficial (de la que fue despedido), ‘Piranha II: The Spawning’, no aporta realmente nada a su carrera más que hablar de su tenacidad (se colaba en la sala de montaje para intentar arreglar a escondidas el desaguisado del productor), y aunque su director afirma con sorna que es “la mejor película de pirañas voladoras que se ha hecho” (algo que estamos dispuestos a creer) no hay nada suyo en ella, salvo ese pecio escondido que 16 años más tarde se convertiría en el ‘Titanic’.

En el próximo capítulo hablaremos de la génesis del universo ‘Terminator’ (con ‘Xenogénesis’) y comenzaremos a hablar de ese díptico extraordinario.

Roland Emmerich obtuvo el reconocimiento internacional, o al menos parte de él, con ese bodrio infumable titulado ‘El Secreto de Joey’ donde dejaba clara su admiración por el cine de Spielberg y también por la saga Star Wars. Tras irrumpir en el cine estadounidense con la torpe ‘Soldado Universal’, me sorprendió con ‘Stargate’, película de Sci-Fi más que decente; continuó con la millonaria ‘Independence Day’, en la que volvió a quedar clara su obsesión por el universo de Lucas, cosa que a mí me daba igual porque me hizo pasar un rato la mar de entretenido. ‘Godzilla’ ya es otro cantar, y aún no entiendo como Spielberg no lo ha demandado por plagio (esas escenas de las crías del bichejo son calcadas a las de ‘Jurassic Park’). Con la emocionante ‘El Patriota’ y la interesante ‘El Día de Mañana’ recuperó el sentido. Su cine está lleno de referencias al cine que admira, a veces demasiadas, pero logra entretener, que en este tipo de películas es lo que más interesa.

Ahora bien, con ‘10.000’ se le ha ido la mano y la olla de una forma totalmente descomunal. Señoras y señores, esta película es el refrito más vergonzosamente descarado, aburrido y soporífero que se ha visto en años. Ver para creer.

La historia de ‘10.000’ nos lleva a tropecientos años antes de Cristo bendito. O eso es lo que nos quieren hacer creer. Allí una tribu es atacada por unos brutos de mucho cuidado que se llevan a la mil veces nombrada niña de los ojos azules (sí, podemos hacer el chiste, pero lo vamos a evitar), destinada a casarse con un valiente guerrero de la tribu en cuestión. Tras ella partirá nuestro heroico amigo llevándose consigo a una par de colegas que le echarán una mano por si la cosa se pone dura (y me refiero a contratiempos en el viaje). Poco a poco se les irán uniendo tribus de todos los tipos y colores, que casi siempre han sentido la mano poderosa de los malosos del relato éste, que resulta trabajan para unos tíos altos y raros que hablan en una lengua extraña, y que tienen una profecía (no penséis mucho, que la adivináis), además de mapas cartográficos sobre la mesa, en uno de los cuales se puede ver perfectamente España (no es broma).

Porque si hay algo que llama poderosamente la atención en ‘10.000’ es la infinita cantidad de anacronismos que se producen en ella, mezclando sin ton ni son distintas épocas en una misma, o cosas tan absurdas como ver a un montón de mamuts completamente domesticados. Emmerich probablemente se defienda diciendo que estamos ante un film de aventuras con un toque fantástico. Y ciertamente podría ser una buena defensa, si el sentido de la aventura apareciera por algún lado. Pero ni eso. La película me ha resultado tremendamente aburrida, y eso que por primera vez un film de estas características no llega siquiera a las dos horas. Por otro lado, el director se ha quedado tan pancho en la que probablemente sea su película más referencial, por decirlo suavemente. Se podría jugar a enumerar (además de los anacronismos, pero eso me resulta un poco más aburrido) la cantidad de escenas casi calcadas de otras películas, y con total y absoluto descaro: tenemos desde ‘Braveheart’, hasta ‘El Señor de los Anillos’ (efectivamente esas escenas aéreas de personajes caminando por montañas nevadas, que ya empiezan a cansar), pasando por ‘Apocalypto’ (con la diferencia de que aquí hablan un perfecto inglés), ‘Alien’ y cualquiera de sus secuelas, ‘Jurassic Park’, de la que una vez más coge prestados a los velocirraptores, para convertirlos en una especie de pollos prehistóricos, y terminar de rematar la jugada con ‘300’ (aunque por supuesto el desenlace es otro).

Hablar del trabajo actoral es perder totalmente el tiempo, ya que hay que pasar por el mal trago de ver a Cliff Curtis hacer el ridículo, u oír a Omar Sharif recalcando con una molesta voz en off lo que ya vemos en imágenes. Camilla Belle da vida a la dichosa niña de los ojos azules, y sí, sus ojos son la releche en verso y más, pero su capacidad dramática es la de una plancha en estado de reposo. Los diálogos son de un absurdo increíble (atención a las ingeniosas frases de los personajes en su persecución), y la historia en sí no engancha ni lo más mínimo. No hay emoción, no hay drama, no hay tensión no hay nada. Por haber no hay ni unos efectos visuales sorprendentes, los cuales tiran más hacia lo aparatoso que hacia lo espectacular.

Roland Emmerich ha firmado su peor película, sin duda alguna, un bodrio que no conoce fronteras culturales. Un despropósito de tamaño tal, que uno abandona la sala corriendo temeroso de que en los títulos de crédito finales aparezcan los extraterrestres que amenazan con hacer acto de presencia en la película, lo cual ya sería el colmo. Por supuesto la película fue un enorme bombazo en su primer fin de semana y aunque sigue recaudando, el bajón ha sido descomunal. Y es que las habladurías sobre la calidad de esta cosa han corrido más que los protagonistas de la misma, que recorren extensiones inmensas, con cambio repentino de clima y todo, en menos que canta un gallo.

En Blogdecine | Roland Emmerich, Cliff Curtis

The Rock ha presentado el Oscar a Los Mejores Efectos Visuales que inesperadamente ha sido para Michael Fink, Bill Westenhofer, Ben Morris y Trevor Wood, por La Brújula Dorada.

Estos señores, muy simpáticos, han agradecido el premio a un montón de familiares.

‘Monstruoso’ está tocada por la mano de J.J. Abrams y se nota. Todo aquel que sea seguidor de ‘Lost’ (una serie de televisión capaz de lo peor y lo mejor) verá muchas de las constantes de ese tipo, maestro entre los maestros de crear expectación alrededor de un título, tal y como le ha pasado a su producción ‘Cloverfield’, reservando el asiento de director para el televisivo Matt Reeves. La enorme campaña en Internet que ha tenido esta película se ha saldado con un éxito en toda regla, lo cual le ha asegurado una segunda parte que volverá a dirigir Reeves. La pela es la pela.

Un servidor tenía mucho miedo de encontrarse con el timo del siglo, pues si en algo es especialista Abrams es en crear un montón de misterios y no resolver u ofrecer nada. Algo de eso tiene la película, cuya premisa argumental es la de un grupo de jóvenes, a cada cual más imbécil, que huyen despavoridos del ataque de un enorme monstruo a la ciudad de Nueva York. Pero ‘Monstruoso’ también ofrece las dosis justas de evasión y entretenimiento, que suplen en cierta medida las enormes carencias de una historia totalmente esquemática.

‘Monstruoso’ tiene el punto de vista de un tipejo que filma con una cámara de vídeo una despedida que un montón de niños monos y niñas tontas le hacen a uno de ellos, que en vez de luchar por el amor de su vida, acepta un trabajo en casi el otro lado del mundo (no, si los hay gilipollas). Así que al igual que en la estupenda ‘Rec’, asistimos a la grabación de un grupo de personas expuestas a un peligro extremo (aunque no tanto, si el tío no deja de grabar nunca). Y es precisamente en la forma elegida de visualizar la historia, donde a mi parecer ‘Mostruoso’ tiene alguno de sus mayores problemas. Coincido con mis compañeros Juan Luis y Beatriz en que el film produce un mareo equivalente al de una montaña rusa, y es que la película es por momentos una atracción. Aún así, son demasiados los instantes en los que casi no vemos nada, o la cámara se mueve tanto que confunde. Vale que el tipo que lleva la cámara está corriendo por salvar su vida, pero a veces da la sensación de que tanto movimiento y mareo es para ocultar la nada más absoluta. Distraer al espectador (más bien volverle loco) y que no se dé cuenta de que le están dando gato por liebre.

Los primeros minutos de ‘Monstruoso’ son soporíferos, llenos de personajes más planos que una tabla de surf, jóvenes que aún no deben haber abandonado la adolescencia, mentalmente hablando. Por supuesto que en una película de estas características no hay que buscar personajes con una gran profundidad, pero eso es una cosa y otra ponernos de protagonistas a unos cuantos niñatos, cuyas vidas nos importan un comino, y sus reacciones son como para desear que el bicho de marras se los meriende a todos, previo sufrimiento extremo, faltaría más. Afortunadamente, a partir del primer ataque por así llamarlo, la película se centra en lo que se tiene que centrar, y sin ofrecer respiro alguno nos sube a una espectacular noria que da vueltas y vueltas. Dejando a un lado pequeñas tonterías como que cuando un personaje importante muere su novia no le llora ni lo más mínimo, o que ciertos bichejos se cepillan a soldados en un abrir y cerrar de ojos, pero luego no son capaces de resistir los golpes de nuestros protagonistas, ‘Monstruoso’ tiene los elementos característicos de las monsters movies, y durante un buen pedazo de película nos ofrece emoción, aventura y consigue que no no hagamos demasiado preguntas durante el viaje de los personajes centrales. Personajes que no tienen el más mínimo carisma (al que lleva la cámara tenemos que aguantarlo parloteando toda la maldita película), algo en lo que son superados por el bicho y sus “hijos” (algunos parecen salidos de ‘Starship Troopers’), por la cabeza de la Estatua de la Libertad, por las calles, por las piedras, etc.

Matt Reeves en menos de hora y media consigue entretenernos de lo lindo, dotando al film de ritmo (evidentemente me refiero a la parte de los ataques y la huida). Pero por mucho que nos entretengamos, Reeves no consigue que su película tenga alma propia, le falta pasión y a pesar de lo interesante de algunas ideas (ese edificio apoyado en otro), se le podría haber sacado mucho más provecho a todo. Aún así, tanto Abrams como Reeves merecen un aplauso por echarle valor. Valor por meter a un cacho monstruo en plena ciudad de Nueva York, destrozando todo cuanto hay a su paso, no dar ni una sola explicación (salvo ese plano final en el que hay que estar muy atentos al margen superior derecho de la pantalla), y lograr que nos lo pasemos bien.

Técnicamente la película no tiene reproche, los efectos visuales son buenos, y los breves momentos en los que vemos al monstruo muy espectaculares, aunque servidor echara en falta un poco más de protagonismo del gigantesco visitante. Curiosamente y aún tratándose de un film de Sci-Fi, la película en un claro intento de resultar lo más realista posible, carece de banda sonora, la cual no se echa en falta. Sólo en las títulos de créditos finales suena una impresionante obertura, obra de Michael Ciacchino, que es más espectacular que toda la película, una verdadera delicia para los oídos.

Evidentemente ‘Monstruoso’ no resistirá un segundo visionado (como tampoco lo resisten la mayoría de los episodios de ‘Lost’), pero que me quiten lo bailado. Una correcta película, que en cierta medida recupera el tipo de films de monstruos de los años 50, pero trasladado a los tiempos que vivimos, en los que cada vez más en el cine de género vemos como realidad y ficción quieren unirse. Yo sólo espero que esta manía de la cámara subjetiva no se extienda más de lo debido (aún falta por llegar lo último de Romero y sus zombies), que al final, estas modas terminan cansando tanto como la cámara del pesado protagonista de ‘Monstruoso’.

NOTA: todo lo expuesto a continuación son palabras de Elio Quiroga, director de ‘La Hora Fría’, quien amablemente nos cedió las interesantes fotografías que acompañan al final del texto y en las que podréis ver algunas de las cosas explicadas en el mismo. Deciros que Elio ha encajado con mucho sentido del humor la crítica que mi compañera Beatriz le ha hecho a la película, y puede que me retire la palabra si cuando yo la vea pienso lo mismo que ella. Por si las moscas le voy pidiendo el teléfono de Silke, no vaya a ser…

‘La Hora Fría’ es una película de terror y ciencia ficción, con un grupo humano encerrado durante años en un espacio reducido, y unas amenazas exteriores que les rodean.

En ‘La Hora Fría’ no todo es lo que parece. Aunque es una película con un presupuesto ridículo para una producción de género (“La Hora Fría” ha costado 35 veces menos que ‘Alatriste’, por poner un ejemplo), se procuró que los efectos visuales no restaran credibilidad a la historia, y en lo posible, añadieran elementos al espectáculo.

Los efectos visuales los realizaron como supervisores (un cargo que implica la coordinación de diversos departamentos) Jerome Debeve y Juan A. Ruiz, de La Huella Efectos Digitales. La Huella ha trabajado en cine en películas como ‘Obaba’ (donde diseñaron y animaron los lagartos que aparecen en el metraje), y sobre todo en publicidad, con spots en su haber para Metro de Madrid, Coca-Cola, Cheetos, o el popularísimo de Atún Calvo. Con tres Pavos Reales a los Mejores Efectos Visuales en Publicidad en su haber, son una empresa puntera.

‘La Hora Fría’ tenía unos límites en presupuesto para rodaje y en tiempo, lo que implicaba que algunos decorados deberían ser finalizados como un efecto visual. Así, en algunos pasillos o habitaciones, se añadieron elementos de decorado que contribuyeran a acentuar el aspecto deteriorado del lugar. En un decorado llamado El Laboratorio, donde Magdalena tiene una conversación con Ana y ambas ven por un telescopio el exterior del lugar en el que se encuentran, este, realizado en decorado real sólo como referencia, fue sutilmente sustituido por un telescopio generado por ordenador, que aparece totalmente integrado en las escenas como un elemento más del decorado.

En una escena central en la película, en la que el grupo, a causa de la escasez de medicinas y alimentos, debe hacer una salida en busca de víveres a un lugar llamado “el almacén”, tres de los miembros de la expedición acuden al lugar, siempre previniendo la presencia de los letales Extraños; el decorado estaba limitado, por lo que se extendió por vías digitales, lo que añadió amplitud al momento.

También durante las “horas frías” que tan título a la película se usó la misma técnica para mostrar cómo el hielo cubría los pasillos y paredes del decorado a medida que los Invisibles, unas criaturas de origen incierto, caminaban por los pasillos. Este efecto se logró con el trabajo de Antonio Lado, Gerardo Arpite y David González, modelando los decorados en un entorno tridimensional y ajustando el desplazamiento de una cámara virtual con el desplazamiento de la cámara real. Antonio Lado desarrolló mediante programación el fenómeno del hielo creciendo por las paredes. Todo esto se mezclaba con la imagen real en la fase de composición, usando el programa Combustion, por Jerome Debeve.

También en las “Horas Frías” el descenso de temperatura se ve reflejado en que es visible el vapor del vaho de los personajes, imposible de controlar con las limitaciones de tiempo habidas en rodaje. Para obtener el efecto, Debeve y Ruiz trabajaron con Juan Antonio Molina, una auténtica leyenda de los efectos físicos nacionales. Molina y el equipo de supervisores usaron una de las dos cámaras en una sala cubierta de tela negra para generar vapores y vahos similares a los generados por el aliento humano ante fondo neutro. Estos luego se colocarían en capas ante las bocas de los actores, intentando sincronizar la emisión de estos con la respiración de los actores, que demostró ser lo más difícil de todo el proceso. Desde el primer momento se decidió no crear los vahos usando partículas y otros efectos digitales, sino tomarlas de la realidad, debido a que el trabajo con partículas todavía tiene un cierto “cante a ordenador” que no se quería obtener, sino dar el mayor realismo posible. En una escena en la que Ana se escapa de su cuarto en plena “hora fría” y se mete en el de Mateo, ambos se abrazan y se ocultan, y éste le reprocha su acción. El vaho parece estar ahí gracias al trabajo en colaboración de Molina y la empresa de efectos digitales.

Esta colaboración entre efectos físicos y efectos digitales se prolongó en la escena de la ejecución de los Extraños, un grupo de personas, infectadas por una extraña enfermedad, cuyo tacto es letal. Pensada como una carnicería rutinaria realizada sin la menor contemplación, los Extraños son masacrados en un tiro al blanco por los protagonistas. Para aumentar la crueldad del momento, se usaron impactos de bala realizados por Molina en la sala de fondo neutro, que se colocaron sobre los cuerpos de los especialistas, y además se trabajó en heridas (cabezas reventadas, balazos que atraviesan cuerpos, etc.) que no son posibles en el mundo real, pero sí en el mundo digital. También durante esa escena se puede ver la transformación de Mateo en un Extraño, resuelta mediante maquillaje digital aplicado sobre su rostro y una réplica de su mano derecha que él mismo observa convertirse en un amasijo de carne a causa del avance de la enfermedad. Ello se consiguió modelando en 3D la mano del actor, dándole movimientos realistas conseguidos de la mano real, y haciéndola pasar por diversas fases de deterioro, programados por Gerardo Arpide. En otros momentos de la secuencia se añadieron Extraños completamente generados por ordenador que son acribillados, y que debían ser indistinguibles de los reales.

Mención aparte merecen los Invisibles, las criaturas, aparentemente fantasmales, que comparten con los Extraños los papeles de villanos –involuntarios- de la ficción. Unos noticiarios en la destartalada TV de la zona en la que habitan los protagonistas informan al espectador sobre ellos, mediante unos burdos noticiarios de propaganda cuasi estalinista. Estos noticiarios, relizados gracias a la colaboración de Archive.org, fueron insertados en postproducción sobre la pantalla del televisor, en algunos planos en los que los movimientos de cámara complicaban bastante el trabajo.

Jesús, el protagonista de la historia, que vemos a través de sus ojos y su cámara de vídeo, narra el devenir del grupo humano del que es parte mediante un diario en vídeo. Su mirada inocente ayuda al espectador a conocer la situación de las personas que le rodean y a la vez es un elemento de distensión para los adultos que le rodean, que gracias a los críos que tienen a su cargo han encontrado una razón para seguir adelante en un ambiente muy hostil. El niño es quien peor somatiza la propaganda política que emite constantemente el viejo televisor que tiene la comunidad, y se ha creado un mundo imaginario en el que se mezcla la escasa información que le dan los adultos sobre la situación real en que se encuentran, y la manipulación de los mensajes televisivos que ve. Ello se ve reflejado en un sueño que tiene a mitad de película, en el que Jesús se ve a sí mismo en dibujos animados en una playa –un lugar mítico para él-. Esta escena fue desarrollada por Santiago Verdugo, César Leal, Miguel Martínez y David Escribano, de Sopa de Sobre Dibujos Animados en animación tradicional. Las emisiones televisivas emiten cortos de Betty Boop de los años 30, por lo que ese fue el estilo que los animadores intentaron imitar. Sopa de Sobre Dibujos Animados es un estudio de animación tradicional que trabaja con La Huella, y que han trabajado en películas como ‘El Cid’ o ‘Anastasia’. La secuencia del sueño de Jesús en dibujos animados luego fue envejecida para simular película antigua.

Los Invisibles, las criaturas que visitan de vez en cuando a la comunidad humana, fueron diseñados por Pablo Valbuena, que obtuvo en 2005 el CG Award de CGTalk. Valbuena ha estado trabajando en los últimos años en varios grandes proyectos de videojuegos europeos para Playstation3. Los diseños de Valbuena, como se puede ver en las imágenes, evolucionaron de unas criaturas tipo ‘Alien’ a unos entes menos materiales y más gélidos, que fueron los elegidos finalmente. Las criaturas fueron modeladas en 3D por Antonio Lado y animadas por César Leal en SoftImage XSI. Como en el caso de las congelaciones, los Invisibles debían ser insertados en los planos reales, para lo que se modelaron los escenarios en 3D y se integraron con los movimientos de cámara. Diversas capas añadidas en Combustion por Jerome Debeve añadieron el aspecto brillante, el congelado y los vapores que rodean a los invisibles en los escasos momentos en que son visibles.

El plano final de la película, del que no podemos dar demasiados detalles para no chafar el final sorpresa de la película a los espectadores, supuso un gran esfuerzo para La Huella, al ser un plano de más de 30 segundos totalmente generado por ordenador y que debía de tener la calidad de fotorealismo que hoy en día los espectadores requieren de la imagen de síntesis. Fue realizado durante un mes de trabajo de todo el estudio, y está basado en un vuelo imposible entre asteroides y objetos de más de 400.000 kilómetros de longitud. El plano empieza por una grúa realizada en rodaje con una Scorpio, que La Huella enlazó con un Matte Painting (pintura de fondo) en 3D realizado también por Pablo Valbuena y levantado en 3D por Juan A. Ruiz, y de ahí a un entorno 3D totalmente generado por ordenador, todo en continuidad y sin cortes.

Tras el momento final y los créditos de salida hay además un plano de regalo para los espectadores con paciencia, que fue realizado por La Huella, combinando elementos físicos realizados por Molina FX con elementos digitales.

La película requería un tratamiento especial a la luz. El director de fotografía, Ángel Luis Fernández (AEC), trabajó con el colorista digital Regis Barbey, que realizó en postproducción el retoque de color y etalonaje de la película en Combustion. El trabajo fue muy laborioso, ya que requería el retoque de color de todos los planos, y llevó bastante tiempo. Pero el resultado contribuye a la acentuación de la atmósfera de la película, y ayuda al drama de los personajes.

Siendo una película pequeña, ‘La Hora Fría’ ha intentado salvar sus limitaciones con la colaboración de los talentos de La Huella y Sopa de Sobre, intentando crear en lo posible un cine español de género digno y que interese al espectador.

DESCRIPCION DE LAS IMÁGENES

0 – Captura de pantalla del modelado de uno de los Extraños “virtuales” (es la foto del post, no está en la galería)

1- Bocetos de vestuario de algunos personajes, por Santiago Verdugo.

2- Integración de elementos de decorado en postproducción.

3- Integración de elementos en el decorado de “el telescopio”.

4- Prolongación digital de decorados en la escena de “el almacén”.

5 y 6- Efecto de congelado y tratamiento de color durante una “hora fría”.

7- Escena de muerte de un Extraño virtual en la ejecución.

8, 19 y 10- Simulación de impactos de bala digitales en cuerpos reales en la escena de la ejecución.

11 y 12- Maquillaje digital y mano 3D en escena de la ejecución.

13 y 14- Generación de los Invisibles en la escena de la huída.

15- Matte digital con plano real (centro) en escena final.

16- Diseños preliminares de los Invisibles, por Pablo Valbuena.

17- Secuencia del sueño por Sopa de Sobre Dibujos Animados.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Curioso que el primer trailer de ‘Alien Vs. Predator: Requiem’, título seleccionado (tras muchas vueltas) para la secuela de ‘Alien Vs. Predator’, sea uno que sólo está recomendado para mayores de 18 años. Y es que, para bien o para mal, como estamos comprobando últimamente, se está poniendo de moda esto de los trailers sin censura o trailer red band.

No sé qué opinaréis vosotros, pero a mí ‘Alien Vs. Predator’ me dejó con muy pocas ganas de ver (o sufrir) una segunda parte. Eso sí, a tenor de este sangriento avance, parece que en ‘Alien Vs. Predator: Requiem’ sí van a ofrecer lo que los fans esperaban de su predecesora. Señalar, por último, que la película ha sido dirigida por los hermanos Colin y Greg Strause, expertos en el terreno de los efectos visuales, y se estrena en España el próximo 11 de enero de 2008.

Vía | Tierra de Cinéfagos

John Knoll, Hal Hickel, Charles Gibson y Allen Hall son los ganadores del premio Oscar a los Mejores Efectos Visuales por Pirates Of The Caribbean: Dead Man’s Chest, arrebatándole así un premio a El Laberinto del Fauno. Al momento de escribir esto, El Fauno ha perdido el premio a la mejor película extranjera.

Hace un par de días ya os avisaba Red de las siete películas que podían optar al Oscar a los mejores efectos especiales en el 2007. Él apostaba por ‘Piratas del Caribe 2: el Cofre del Hombre Muerto’, que realmente tiene unos efectos sorprendentes. Éstos fueron realizados por ILM (Industrial Light & Magic), y para corroborarlo, acaban de lanzar un microsite interactivo donde muestran el trabajo realizado para la serie de Piratas del Caribe, partiendo del fotograma real que rodaba el director. Es decir, una comparación entre lo rodado y lo que finalmente vimos en el cine verdaderamente espectacular.

Antes el cine tenía que recurrir al ingenio para lograr hacer semejantes maravillas. Claro que llegó Lucas y empezó a imaginar otras posibilidades. El poder de una pantalla de ordenador y unos cuantos chips.

Vía |Feed – A Peek under the hood at ILM