Continúan las flojas recaudaciones en la taquilla española, una semana más. La falta de estrenos potentes, el tiempo juguetón (ahora calor asfixiante, ahora lluvia torrencial) y el mundial de fútbol siguen alejando al público de las salas. Y así las cosas, ‘Prince of Persia: Las arenas del tiempo’ vuelve a ser la película más vista en España, un mes después de su estreno. La superproducción de Disney y Jerry Bruckheimer, que ha sido un fracaso en EE.UU., consigue el primer puesto en nuestro país con menos de un millón de euros recaudados, algo que no se veía desde hacía tiempo.

Al segundo puesto desciende otro producto que no ha funcionado como se esperaba, ‘Sexo en Nueva York 2’, cosechando casi 800.000 euros. En su segunda semana en la cartelera, la nueva aventura de Carrie y sus amigas ha perdido un 44% de espectadores, y no parece que vaya a recuperar el vuelo en las próximas semanas. Las fans ya la han visto y esto tiene pinta de caer en picado. El estreno más fuerte del pasado viernes, la nueva versión de ‘El retrato de Dorian Gray’, se tiene que conformar con la tercera plaza, un resultado decepcionante para una película muy anunciada que cuenta con Colin Firth y Ben Barnes como protagonistas. Más abajo aparecen la infantil ‘Garfield y su pandilla’, que sólo se ha estrenado en salas 3D, el drama ‘Crónica de un engaño’, con correctas cifras teniendo en cuenta que ha llegado con dos de retraso, y esa cosa titulada ‘Campamento Flipy’, que sólo ha arrancado 200.000 euros a los espectadores españoles.

PD: La semana que viene se estrenan ‘La venganza de Ira Vamp’ (“Se atormenta una vecina”, dice el cartelico), ‘Marmaduke’, ‘En la boda de mi hermana’ y (POR FIN) ‘The Blind Side’, entre otras. ¿Veis posible que derribe alguien al príncipe?

Datos | BoxOffice.es

‘El retrato de Dorian Gray’

Título original: Dorian Gray. Dirección: Oliver Parker. País: Reino Unido. Año: 2009. Duración: 112 min. Género: Drama, fantástico. Interpretación: Ben Barnes (Dorian Gray), Colin Firth (lord Henry Wotton), Ben Chaplin (Basil Hallward), Rebecca Hall (Emily Wotton), Rachel Hurd-Wood (Sybil Vane), Emilia Fox (Victoria Wotton), Fiona Shaw (Agatha). Guión: Toby Finlay; basado en la novela “El retrato de Dorian Gray” de Oscar Wilde. Producción: Barnaby Thompson. Montaje: Guy Bensley. Música: Charlie Mole. Fotografía: Roger Pratt. Diseño de producción: John Beard. Vestuario: Ruth Myers.

Sinopsis: La película es la última adaptación llevada a la gran pantalla de la novela El Retrato de Dorian Gray, escrita por Oscar Wilde. Dorian Gray es un atractivo aristócrata que regresa a su Londres natal tras pasar la adolescencia aislado en el campo. Abrumado por la vida nocturna londinense, Dorian se sumerge en ella de la mano de Lord Henry Wottom, quien le muestra los lugares más recónditos y peculiares de la capital inglesa. Dorian pronto comienza a obsesionarse con alcanzar la eterna juventud. Un retrato suyo pintado por Basil Hallward se convertirá en un recordatorio palpable de sus graves faltas con el paso del tiempo. A diferencia del resto de los mortales, el apuesto Dorian permanece impasible al sucederse los años, mientras que es el retrato el que envejece y asume su degradación física y moral.

¿Qué podéis esperar? Un entretenimiento básico y efectivo, a mi parecer. La vi en Sitges el año pasado y aún recuerdo que me sorprendieron gratamente algunas escenas, así como el carisma y el buen hacer de ese gentleman llamado Colin Firth. Ben Barnes lo intenta, que no es poco, y el diseño de producción ayuda a meternos en la historia. Claro que no hay que engañarse, esta nueva versión del relato de Oscar Wilde está destinado a las “nuevas generaciones”, Parker dirige como si esto fuera un videoclip, y salvo Firth, todos los demás actores podrían haber sido intercambiados, pero repito, con exigencias mínimas, esta cosa sirve para pasar el rato. Alberto, sin embargo, cree que no, y la ha calificado de muy mala.

‘Crónica de un engaño’

Título original: The Other Man. Dirección: Richard Eyre. Países: Reino Unido y USA. Año: 2008. Duración: 90 min. Género: Drama. Interpretación: Liam Neeson (Peter), Antonio Banderas (Ralph), Laura Linney (Lisa), Romola Garai (Abigail). Guión: Richard Eyre y Charles Wood; basado en el relato corto de Bernhard Schlink. Producción: Frank Doelger, Tracey Scoffield y Michael Dreyer. Música: Stephen Warbeck. Fotografía: Haris Zambarloukos. Montaje: Tariq Anwar. Diseño de producción: Gemma Jackson. Vestuario: Consolata Boyle.

Sinopsis: Basada en un relato breve de Bernhard Schlink, “Crónica de un engaño” cuenta la historia de Peter, quien tras perder a su esposa Lisa (Laura Linney) descubre que ésta recibía e-mails y mensajes de móvil de un hombre cuya existencia hasta ahora ignoraba. En contra del consejo de su hija, Abigail, dolido y dominado por los celos, vuela a Milán para localizar al misterioso Ralph y descubrir la verdad acerca del otro hombre en la vida de su esposa.

¿Qué podemos esperar? Otro de esos estrenos que nos llegan con tanto retraso que la gente a la que le pudo interesar ya la vio por otros medios (en calidad DVD) o perdió el ánimo y la verá ya cuando la pasen por televisión. ¿Y os habéis fijado en cómo han “traducido” el título original? Enhorabuena una vez más, mentes pensantes de las distribuidoras, cracks del universo.

‘Campamento Flipy’

Dirección: Rafa Parbus. País: España. Año: 2010. Género: Comedia. Interpretación: Flipy, Carlos Areces (Jeremías), Eloi Yebra (Lorenzo), Pablo Carbonell (don Carcajón), Marta Belmonte (Violeta), Ernesto Sevilla (Cirilo), Raúl Cimas (Galarza), Pedro Reyes (padre de Flipy). Guión: Alfredo Díaz, Luis Gamboa y Enrique Pérez Vergara; basado en un argumento de Antonio Trashorras. Producción: Enrique Pérez Vergara, Rafa Parbus y Jorge Torrens. Música: Spinny Walder. Fotografía: Javier Cerdá. Montaje: Rafa Parbus. Dirección artística: Nacho Tomás. Vestuario: Verónica Almodóvar.

Sinopsis: “Flipy” es un adolescente canijo, torpe y en plena edad del pavo. A los 12 años, un experimento transforma, de la noche a la mañana, su cuerpo en el de un adulto. Su nuevo aspecto le animará a seguir a Violeta, su amor platónico, hasta el campamento de verano donde es monitora. Jeremías, su mejor amigo (que ha repetido curso seis veces), y Lorenzo, un especial niño burbuja, serán sus mejores aliados para conquistar a la dulce Violeta, y de paso, desenmascarar a Don Carcajón, el horrible director del campamento que no sólo oculta un oscuro secreto, sino que además quiere camelarse a la monitora con la ayuda de su fiel esbirro Cirilo.

¿Qué podemos esperar? ¿Habéis leído la sinopsis? Pues está muy claro. Que nuestros ojos se derritan, luego la cabeza, el cuerpo… y sólo quede de nosotros una burbujeante y viscosa mezcla de repugnantes mocos. Por lo menos.

‘The Cove’

Dirección: Louie Psihoyos. País: USA. Año: 2009. Duración: 92 min. Género: Documental. Intervenciones: Joe Chisholm, Mandy-Rae Cruikshank, Charles Hambleton, Kirk Krack, Richard O’Barry, Hayden Panettiere, Isabel Lucas, John Potter, Louie Psihoyos. Guión: Mark Monroe. Producción: Paula DuPré Pesman y Fisher Stevens. Música: J. Ralph. Fotografía: Brook Aitken. Montaje: Geoffrey Richman.

Sinopsis: El delfín es uno de los animales más inteligentes y una de las especies más admiradas en todo el mundo. Sin embargo, en un pequeño pueblo de la costa de Japón que aparentemente se caracteriza por su devoción a estos animales, se esconde un gran secreto. Un grupo de activistas liderado por el conocido entrenador de delfines Richard O´Barry, se embarca en una peligrosa misión encubierta para revelar al mundo lo que sucede en este lugar.

¿Qué podemos esperar? Un documental que ha ganado un Oscar tiene que ser interesante sí o sí. Además, mirad la sinopsis, no sé tú, pero yo quiero saber qué pasa en ese maldito pueblo con los pobres delfines. Por ahí he leído que es una mezcla entre ‘Flipper’ y la saga Bourne. Oye, esto hay que verlo.

‘La última estación’

Título original: The last station. Dirección: Michael Hoffman. Países: Alemania, Reino Unido y Rusia. Año: 2009. Duración: 114 min. Género: Biopic, drama. Interpretación: Christopher Plummer (León Tolstói), James McAvoy (Valentín Bulgakov), Helen Mirren (Sofía Tolstói), Paul Giamatti (Vladimir Chertkov), Anne-Marie Duff (Sasha Tolstói), Kerry Condon (Masha), John Sessions (Dushan), Patrick Kennedy (Sergeyenko). Guión: Michael Hoffman; basado en la novela de Jay Parini. Producción: Bonnie Arnold, Chris Curling y Jens Meurer. Música: Sergey Yevtushenko. Fotografía: Sebastian Edschmid. Montaje: Patricia Rommel. Diseño de producción: Patrizia Von Brandenstein. Vestuario: Monica Jacobs.

Sinopsis: Después de casi cincuenta años de matrimonio, la condesa Sofía, esposa devota, amante apasionada, musa y colaboradora de León Tolstói, descubre de repente que su mundo se tambalea. En nombre de la nueva religión que acaba de crear, el gran novelista ruso renuncia a su título nobiliario, a sus propiedades e incluso a su familia en favor de la pobreza, el vegetarianismo y el celibato. Sofía se consume con justificada indignación cuando descubre que el leal discípulo de Tolstói, Vladimir Chertkov, a quien ella desprecia, puede haber convencido a su marido para que haga un nuevo testamento. El documento le daría los derechos de sus obras al pueblo ruso en vez de a su propia familia. El conflicto se vuelve tan intenso que Tolstói, a los 82 años, el personaje más mediático del mundo, abandona su casa en mitad de la noche, mientras su mujer alquila un tren para seguirle por toda Rusia. En este campo minado se mueve el nuevo ayudante de Tolstói, el naif Valentín Bulgakov, convirtiéndose en un títere, primero del intrigante Chertkov y luego de la herida y vengativa Sofía. Complicando aún más la vida de Valentín está la irrefrenable pasión que siente por Masha, un alma librepensadora que comparte los ideales de Tolstói, cuya postura poco convencional respecto al sexo y al amor, le imponen y le confunden.

¿Qué podemos esperar? Con un poco de retraso (esta vez tiene un pase) nos llega también esta semana este interesantísimo drama sobre la última etapa vital de Tostoi, protagonizado por Helen Mirren, Christopher Plummer (los dos fueron nominados al Oscar en la pasada edición), Paul Giamatti y James McAvoy. Es el título imprescindible de la semana.

‘Vincere’

Dirección: Marco Bellocchio. País: Italia. Año: 2009. Duración: 128 min. Género: Drama. Interpretación: Filippo Timi (Benito Mussolini), Giovanna Mezzogiorno (Ida Dalser), Michela Cescon (Rachele), Fausto Russo Alesi (Riccardo Paicher), Pier Giorgio Bellocchio (Pietro), Corrado Invernizzi (doctor Cappelletti), Paolo Pierobon (Giulio), Bruno Cariello (juez), Francesca Picozza (Adelina). Guión: Marco Bellocchio y Daniela Ceselli. Producción: Mario Gianani. Música: Carlo Crivelli. Fotografía: Daniele Ciprì. Montaje: Francesca Calvelli. Diseño de producción: Marco Dentici. Vestuario: Sergio Ballo.

Sinopsis: Hay un secreto en la vida de Mussolini: una mujer y un hijo, reconocido al nacer y después repudiado. El secreto tiene un nombre: Ida Dalser (Giovanna Mezzogiorno). Es una página oscura en la historia, ignorada en la biografía oficial del Duce. Cuando Ida conoce a Mussolini en Milán, él es el editor de Avanti y un ferviente socialista que pretende guiar a las masas a través de un futuro anti-clerical, anti-monárquico y socialmente emancipado. Ida ya tuvo un breve encuentro con él en Trento y quedó pasmada. Ida verdaderamente piensa en él y en sus ideas: Mussolini es su héroe. Para financiar Il Popolo d’Italia, un periódico que él había fundado en el núcleo del incipiente Partido Nacional Fascista, Ida vende todo lo que tiene. Al estallar la Primera Guerra Mundial, Mussolini se alista en el ejército y desaparece. Cuando Ida vuelve a encontrarle está en un hospital militar, al cuidado de Rachele, con la que se acaba de casar.

¿Qué podemos esperar? Un drama sobre una mujer que se enamoró de lo que pensó que era un gran hombre… hasta que descubrió que era un charlatán y un peligroso manipulador. Estas cosas pasan… Bueno, trama histórica, “made in Italy”, Mezzogiorno. Una opción para los que buscan huir del cine norteamericano. Ya nos contáis qué tal.

‘Ne change rien’

Dirección: Pedro Costa. Países: Francia y Portugal. Año: 2009. Duración: 100 min. Género: Documental. Intervenciones: Jeanne Balibar, Rodolphe Burger, Hervé Loos, Arnaud Dieterlen, Joël Theux, François Loriquet, Fred Cacheux. Producción: Abel Ribeiro Chaves, Sébastien de Fonseca y Cédric Walter. Música: Pierre Alferi, Rodolphe Burger y Jacques Offenbach. Fotografía: Pedro Costa. Montaje: Patricia Saramago.

Sinopsis: “Ne change rien” nace de la amistad entre la actriz Jeanne Balibar, el ingeniero de sonido Philipe Morel y Pedro Costa y es la extensión natural de un cortometraje que el cineasta realizó en 2005 sobre el trabajo como cantante de la artista francesa. En la película vemos a Jeanne Balibar en los ensayos y grabaciones de algunos temas de su disco “Slalom Dame” (2006), en algunas actuaciones en directo, en sus clases de canto clásico y en el escenario de un café de Tokio.

¿Qué podemos esperar? Pues está muy claro. A la Balibar esta cantando y ensayando y pasándoselo bien. Para sus fans y los que busquen una sala tranquilita, vacía, con aire acondicionado, para hacer dirty things.

‘Garfield y su pandilla: 3D’

Título original: Garfield´s Pet Force. Dirección: Mark A.Z. Dippé. País: USA. Año: 2009. Duración: 77 min. Género: Animación, comedia, familiar. Guión: Jim Davis y Altiere Bros. Producción: John Davis, Dan Chuba, Mark Dippé, Brian Manis y Ash R. Shah. Música: Kenneth Burgomaster. Montaje: Rob Neal y Tom Sanders.

Sinopsis: Garfield, el gato más perezoso del planeta, se ve envuelto en una aventura galáctica en la que la súper villana Vetvix ha atacado el planeta Dorkon y se ha apoderado de un invento que le ayudará a conquistar el universo. Garfield y sus amigos se unen para impedírselo.

¿Qué podemos esperar? Morir. Perder el tiempo. Malgastar el dinero. Desear quedarse ciego. Soñar con la destrucción del mundo. Morir otra vez.

Vía | Labutaca

“Es mejor el libro que la película” es una de las frases más absurdas que he oído en mi vida, también una de las más extendidas. En pleno siglo XXI, en éste nuestro querido país tercermundista —aclaración para los quisquillosos o para los que hablen ruso, danés y chino: culturalmente hablando, of course—, aún hay gente, mucha quizá, que piensan que ‘El retrato de Dorian Gray’ libro puede compararse a ‘El retrato de Dorian Gray’ película, por poner un ejemplo, precisamente el que nos ocupa. Técnicas narrativas absolutamente distintas, herramientas en las antípodas, y ya no hablemos de que un guionista jamás podrá igualar lo que nosotros nos imaginamos cuando leemos una obra literaria. Lo que acontece en un libro y se narra de forma magistral no tiene por qué funcionar de igual manera en una película, muchas veces ni es creíble. La comparación siempre me ha parecido innecesaria. Director y guionista deben apartarse de la dictadura que representa el hacer una adaptación en otro medio y ofrecer algo nuevo pero que posea la esencia de la obra literaria sin que parezca que estamos viendo un libro.

Las dos adaptaciones de la famosa obra de Oscar Wilde son una firme prueba de ello. Tanto la versión de Albert Lewin como la de Oliver Parker adolecen precisamente de lo que señalaba. No obstante hay una diferencia abismal entre ambas, y haciendo alusiones culinarias como mi compañero Juanlu solía hacer, digamos que una es jamón de Jabugo y la otra una hamburguesa del McDonald´s hecha hace una semana.

Albert Lewin, ese gran desconocido

Es evidente que el nombre de Oscar Wilde pesa demasiado sobre las adaptaciones cinematográficas que se han realizado de alguna de sus obras. Casi nadie se queda con el nombre de Albert Lewin, casi nadie al hablar de grandes directores desconocidos del cine clásico norteamericano cita a Lewin. Todos reivindicamos a gente como Mitchell Leisen —nota mental: hacerle un especial—, André de Toth —nota mental: hacerle un especial—, Budd Boetticher —nota mental: hacerle un especial— o Joseph H. Lewis; realizadores no tan en boca de la gente como otros de apellido Ford, Hawks o Wilder, cuando en realidad no tienen nada que envidiar a éstos, siendo sus contribuciones a géneros como la comedia, el western o el cine negro tan espléndidas o más que algunas de las obras más famosas de dichos géneros. En el caso de Lewin su desconocimiento es tal que cuando se recuerda una película como ‘El retrato de Dorian Gray’ (‘The Picture of Dorian Gray’, 1945) viene a la mente lo buena que es, lo genial que está George Sanders, y cómo no, que se trata de una obra de Oscar Wilde.

Un gran desconocido frente a un gran conocido por todos, y ya no sólo entre los aficionados a la literatura. Totalmente injusto. Si hay algo por lo que debe ser recordada esta película es precisamente por la labor tras las cámaras de Albert Lewin. Realizador de tan sólo seis películas fue también productor de películas míticas como ‘La tragedia de la Bounty’ (‘Mutiny on the Bounty’, 1935, Frank Lloyd) o ‘Las tres noches de Eva’ (‘The Lady Eve’, 1940, Preston Sturges). Como director sólo dos de sus obras son recordadas por el cinéfilo, la presente y ‘Pandora y el holandés errante’ (‘Pandora and the Flying Dutchman’, 1951); hay algo en las imágenes de esas dos películas que a día de hoy sigue provocando desconcierto. Una exquisita puesta en escena con un delicado uso de la fotografía, y que en ‘El retrato de Dorian Gray’ alcanza todo su esplendor en la época dorada del blanco y negro, y casi como un preludio de lo que sería el color en la película protagonizada por James Mason y Ava Gardner, Lewin introduce breves escenas a color, precisamente aquellas en las que vemos el cuadro del retrato en primer plano.

El director se adentra en el fantástico dotando al film de una atmósfera onírica conseguida con una elegante fotografía —obra de Harry Stradling que se hizo con un Oscar por su trabajo— que baña lo narrado con un sutil carga de irrealidad, sin duda lo mejor de esta adaptación. A ello contribuye también la extraordinaria composición —fíjense que no digo interpretación— de Hurt Hatfield, casi todo el rato alumbrado con un foco a su rostro confiriéndole un aspecto de muñeco de cera con las perfecciones de su cara acentuadas. Este toque de ensueño que le da Lewin a la historia es abandonado por éste en los momentos en los que nos muestra el cuadro, la realidad que ven los personajes en un mundo lleno de grises. Una muy eficiente e impactante —las veces que aparece el cuadro en color son como golpes que resquebrajan ese onírico mundo— de unir, o enfrentar, realidad y sueño.

Porque al fin y al cabo ‘El retrato de Dorian Gray’ nos habla sobre uno de los sueños más queridos por el hombre desde el inicio de su pensar, el de permanecer eternamente joven para gozar por siempre del placer. Un singular pacto con el diablo materializado en ese cuadro que encierra el alma podrida de Dorian y que le recuerda la terrorífica realidad cada vez que lo mira. Un excelente drama fantástico que cuenta además con una impresionante interpretación, como era habitual en él, de George Sanders que recita los diálogos de la obra con un cinismo aún mayor del que pretendía Wilde con ese personaje, un hombre importante que se ha especializado en no hacer nada, sólo influir en las vidas de sus allegados. Él es el conductor de la historia en una adaptación que no siempre evita —no puede— su carácter literario y que pierde algo por culpa de un exceso en la utilización de la voz en off, la mayor parte de las veces innecesaria. Aún con eso, espléndido film.

Oliver Parker, sin alma

Protestar a estas alturas —ya sabéis cuanto me “emocionan” las nuevas versiones— por un remake de la película de Lewin —nueva adaptación de la obra de Wilde, si se prefiere— es cuanto menos inútil. En Hollywood siguen empeñados en traer viejos temas a las nuevas audiencias sin percatarse que muchas de esas películas permanecen incólumes al paso del tiempo. Pero como en todo remake puede apreciarse —al final voy a sacar algo bueno de todo esto, ya veréis— las distintas formas de ver y hacer cine en dos épocas totalmente distintas. En los años de la película de Lewin la sutilidad era una herramienta muy usada, la censura no permitía mostrar ciertas cosas y los autores se las ingeniaban para realizar alegorías muy ingeniosas sobre ciertos temas tabú —sexo sobre todas las cosas—; también es cierto que había un toque ingenuo muy típico de la época, pero que pocas veces empañaba el resultado final.

Curiosamente esa pérdida de inocencia ha traído consigo también una pérdida de sutileza, y en ese afán por mostrarlo todo al espectador se obvia todo poder de sugerencia con lo que una de las principales bazas del cine, el jugar con la imaginación del público, se pierde por completo —nota mental: hacer un post sobre ello—. Esto es precisamente lo que caracteriza a una película como ‘El retrato de Dorian Gray’ (‘Dorian Gray’, 2009) en la que Oliver Parker se enfrenta no por primera vez a un texto de Oscar Wilde, habiéndolo hecho con anterioridad en ‘Un marido ideal’ (‘An Ideal Husband’, 1999) y ‘La importancia de llamarse Ernesto’ (‘The Important of Being Earnest’, 2002). Parker ha caído en todos los excesos del cine comercial actual, simplificación de ideas y efectismos varios.

Con una puesta en escena que no aprovecha ni la fotografía —Roger Pratt lo ha hecho mucho mejor en ‘Doce monos’ (‘Twelve Monkeys, 1995, Terry Gilliam) y sobre todo ‘El fin del romance’ (‘The End of the Affair, 1999, Neil Jordan)— ni la dirección artística llena de filigranas digitales en pos de conseguir una perfecta recreación de la época, Parker no crea la adecuada atmósfera del relato, ni siquiera en sus presumibles momentos fuertes. Instantes en los que Dorian Gray, haciendo uso de su poder, da rienda suelta a su depravación sexual y que contiene algunas de las escenas de peor gusto del cine reciente. Todo es mucho más evidente, y a la simplificación de los personajes, que quedan reducidos a la mínima expresión sin posibilidad de explorar sus aristas, hay que sumar un simplismo enorme en el tratamiento de la historia. Las enormes posibilidades fantásticas del relato quedan reducidas a un muy simple cuento de terror sobre el bien y el mal sin ninguna fuerza ni emoción.

Ben Barnes, Colin Firth y Ben Chaplin se limitan a prestar sus cuerpos y voces a personajes que son sólo esquemas. Para colmo y como muestra de la actual moda en el cine de hoy día, se tiende hacia lo comercial por encima de todo, y así nos avivan el cuadro con innecesarios efectos visuales y ruiditos de respiraciones profundas. Se acentúa la moralina en la historia, se pretende fidelidad a la obra y a hacer caja; el alma de la película queda encerrada en algún lugar entre las intenciones y los resultados.

A mi compañero Juanlu no le desagradó cuando la vio en Sitges, pero para mí que fue víctima de la falta de sueño o de las palomitas esas de caramelo que él come, cogió un empacho y claro, la película era mejor. Bromas aparte, algunos la habrán disfrutado, supongo que por los valores de la obra de Wilde, a mí me ha parecido bochornosa.

Aunque ya estoy en casa, retomo las crónicas de Sitges 09 donde lo dejé, para seguir contando todo lo que vi allí, lo bueno, lo malo y lo regular. Ya os informé sobre la primera parte de la octava jornada, protagonizada por ‘Infectados’ (‘Carriers’), un corto e ‘Ingrid’, de la que sólo pude soportar unos diez minutos y abandoné la sala. Es algo que no recuerdo haber hecho más de un par de veces en mi vida, normalmente aguanto hasta el final, por si hay algo que rescatar, pero en esta ocasión me vi incapaz de seguir sentado y callado, permitiendo que esa cosa entrara en mis retinas por más tiempo.

Lo cierto es que salir de la sala, antes de que acabe la película, tiene dos grandes ventajas: una, te sientes libre, vivo, una vez que no tienes que seguir soportando una película que te estaba oprimiendo; y dos, precisamente, ahora tienes un tiempo extra, que ibas a pasar sentado en la butaca. Eran las diez y poco, así que aproveché para desayunar, recoger el material de prensa, mirar el correo, etc. Hasta las doce no tenía la siguiente, ‘King of Thorn’, una de esas que vas a ver básicamente porque no pinta mal y no hay otra a esa hora.

En el libraco del Festival, esta película se presentaba como “una mezcla entre Alien y Perdidos”. Demasiado bueno para ser verdad, además todos estamos acostumbrados ya a este tipo de fórmulas en Sitges, donde todo se vende como si fuera una joya imprescindible. Cuando te “engañan” un par de veces, pasas del libro y ya te fías totalmente de tu intuición. Pero en este caso me dejé convencer, me venía bien la hora y había visto poco de animación. No fue una mala decisión. Aquí os dejo el tráiler, la melodía del principio se te queda en la cabeza:

En ‘King of Thorn’ volvemos a tener un misterioso virus, llamado Medusa, que está extendiéndose por Japón, transformando a la gente en estatuas de piedra. El virus es tan poderoso que nada parecer poder detenerlo y ante la posibilidad de la extinción, una gran empresa da la posibilidad de congelar a un grupo de personas elegidas, que despertarían en un futuro en el que la enfermedad ya no exista (como tampoco más personas, aparte de ellos). Por supuesto, nada sale como se ha previsto, porque cuando ese puñado de seres humanos se despierta, se encuentra con una bienvenida monstruosa… Además de luchar por su supervivencia, deberán resolver una gran cantidad de misterios, en torno al virus y la empresa que aseguró tener la curación.

La película se basa en el manga homónimo de Yuji Iwahara y está dirigida por Kazuyoshi Katayama. A mí me entretuvo durante bastante tiempo, hasta que llega al último acto y la historia comienza a dar vueltas sobre sí misma, dando todo tipo de explicaciones y llenándose de flashbacks en los que van cambiándose detalles para tratar que no te enteres de nada, y creas que todo es supercomplejo. A la salida del cine, nadie parecía haberse enterado de nada, pero más que pensar que la película era muy profunda, la sensación era de que el guión era un desastre. Ni siquiera los que conocían el cómic entendieron el final, ya que al parecer la adaptación ha sido muy libre, modificándose la trama.

No voy a contar aquí mi propia conclusión, porque arruinaría la película a los que no la habéis visto, pero creo que sólo es cuestión de simplificar las cosas y olvidarse de lo que muestran al principio, que es lo que puede despistar. La clave está en un detalle, una herida, y ya me callo. Al margen del último tramo, para olvidar, y del primero, que dura demasiado y se podría haber eliminado (es una presentación muy aburrida, innecesaria), todo lo demás está muy bien realizado, entretiene e interesa todo lo que ocurre. Se podría haber sacado un poco más a cada personaje, pero no obstante el cóctel funciona, en general.

La siguiente película del día fue ‘Dorian Gray’, la nueva adaptación del clásico relato de Oscar Wilde. Ben Barnes se pone en la piel de Dorian, un joven de gran belleza que alcanzará la inmortalidad gracias a un retrato mágico. Dorian puede hacer lo que le plazca, sin que su apariencia se vea afectada lo más mínimo; es en el cuadro donde se revela su verdadero rostro, envejecido y maltratado por todas sus vivencias sin límite.

En contra de lo que esperaba, ‘Dorian Gray’ también me entretuvo, resultando destacable la ambientación y el reparto. Por supuesto, no es una excelente película, pero el trabajo de los actores y el correcto guión, en el que hay varias escenas más retorcidas de lo que cabía esperar, logran salvar la labor de un realizador (Oliver Parker) escaso de talento, incapaz de sacar provecho de los medios que tiene a su disposición.

Claro que la historia de Wilde es tan buena que ni siquiera un director mediocre puede destrozarla hasta lograr una mala película, pero bueno, nunca se sabe, quizá sea posible, así que demos a Parker medio aplauso por saber mantener el espíritu de la obra original. Así que, en definitiva, esta nueva versión, interpretada por Barnes, Ben Chaplin, Rachel Hurd-Wood, Rebecca Hall y Colin Firth (sin duda, lo mejor de la película), resulta agradable de ver y no aburre. No es mucho, pero tampoco es poco.

PD: Tras un día de descanso peliculero, esta noche vuelvo al cine, a ver ‘Agora’. Pero lo que más me apetece es comer palomitas. En Sitges no había.

Tras ver el cartel, ya podemos echar un vistazo al tráiler de ‘Dorian Gray’, basada por supuesto en el clásico escrito por Oscar Wilde, ‘El retrato de Dorian Gray’. La película ha sido dirigida por Oliver Parker y está protagonizada por Ben Barnes, a quien pudimos ver en ‘Las crónicas de Narnia: El príncipe Caspian’.

La historia de ‘Dorian Gray’ se centra en Dorian, un joven que llega a la Londres victoriana y es introducido en las altas esferas de la sociedad por el carismático Henry Wotton, quien muestra a Dorian los mayores placeres de la ciudad. Cuando un retrato del muchacho es revelado, tal es su belleza que él realiza una promesa: hará cualquier cosa por permanecer de la misma forma que aparece en el cuadro, hasta entregar su alma.

Colin Firth, Rebecca Hall, Rachel Hurd-Wood, Fiona Shaw y Ben Chaplin acompañan a Barnes en el reparto. La fecha del estreno de ‘Dorian Gray’ es el 9 de septiembre, en Reino Unido. En España se estrena el 11 de junio de 2010, rebautizada como ‘El retrato de Dorian Gray’. A continuación os dejo el tráiler doblado al castellano:

PD: Con Barnes, ya son trece los actores que han interpretado a Dorian en el cine.

Vía | Youtube