Hace unos días os dejé una lista con diez títulos para los que tenéis interés en ver cine asiático pero no sabéis por dónde empezar. Me criticaron algunos que el cine asiático también incluye el anime, donde hay cineastas absolutamente brillantes. ¡Por supuesto! Pero, como dije claramente (comprendo que leer puede ser una tarea molesta), sólo era una primera aproximación, diez títulos, buenas películas y fáciles de conseguir, para empezar. La idea es que a partir de ahí, cada uno siguiera su búsqueda. Pero bueno, ¿animación japonesa? ¿Queréis títulos básicos que deberíais haber visto ya? Vale, eso está hecho. Y como en la lista anterior, son películas que podéis conseguir con relativa facilidad, están editadas en DVD. En fin, aquí os dejo con las siete obras que considero imprescindibles en este fascinante terreno cinematográfico:

• ‘Akira’ (Katsuhiro Otomo, 1988)

La que originó el boom por el anime. Recuerdo perfectamente lo que me impresionó el primer visionado; no había visto, hasta ese momento, una animación tan brutal ni tan compleja. Luego la he vuelto a ver, que yo recuerde, dos veces más y aunque quizá su factura ya no impresione, su poderoso efecto sigue intacto. De extraordinario diseño, transportándonos a un futuro tecnológico y cruel, la película contiene momentos memorables como la persecución de motos o el apocalíptico desenlace.

• ‘El Viaje de Chihiro’ (Hayao Miyazaki, 2001)

A lo mejor a algunos os resulta un poco desproporcionado lo que voy a decir, pero yo creo que Miyazaki, con este film, consiguió que el anime se tomara ya definitivamente en serio. El Oso de Oro en Berlín es mucho premio (luego se hizo también con un Oscar). Personalmente, conozco a gente que, en cierto modo, infravaloraron este universo hasta encontrarse con esta maravillosa y mágica historia ¿soñada? Apabullante en lo visual, es todo un festín para los sentidos.

• ‘Ghost in the Shell’ (Mamoru Oshii, 1995)

Antes que la superfamosa ‘Matrix’ implantara la moda del ciberpunk (ojito a los títulos de crédito que usan los Wachoski), Oshii ya nos había proporcionado su particular visión de un mundo deshumanizado controlado por la realidad virtual. Una película compleja donde las reflexiones sobre la vida, el alma o lo artificial se mezclan con contundentes e imaginativas secuencias de acción. Años después, Oshii continuaría la trama en la impresionante ‘Ghost in the Shell: Innocence’.

• ‘La Tumba de las Luciérnagas’ (Isao Takahata, 1988)

Uno de esos títulos que no se encuentran normalmente a la venta y que, por gracia de Kubrick, se pudo adquirir hace bien poco en una de esas colecciones que inundan hoy día los kioskos; espero que os hiciérais con ella. Tristísima y memorable historia sobre la supervivencia. La animación es su punto débil (también hay que mirar el año), pero, primero, consigue que esto juegue a su favor y, segundo, lo compensa con creces con lo que cuenta sobre estos dos hermanos en un mundo cruel.

• ‘Perfect Blue’ (Satoshi Kon, 1998)

Para un servidor, la mejor película de Kon, el creador de anime que más me fascina. Me encantan sus historias, donde juega con la realidad, la ficción, la imaginación, los sueños, la memoria, la identidad, etc. Esa complejidad de planos (o de capas) en las que sumerge al espectador, así como la presencia amenazante de un misterioso asesino hacen de ‘Perfect Blue’ una tensa y preciosa ración de cine sin límites. Mi querido colega Abuín dice que es un bodrio, así que… cuidado.

• ‘Porco Rosso’ (Hayao Miyazaki, 1992)

Kon es mi favorito pero Miyazaki se queda muy cerca. Para mí, ésta es su mejor película. Me atrapó desde el principio la trepidante y mágica historia de este virtuoso piloto con un pequeño problema: es un hombre atrapado en el físico de un cerdo rosa. De nuevo, Miyazaki se sirve de una maldición para que veamos las múltiples facetas de uno de sus personajes. Las secuencias de combate aéreo son impresionantes; ya quisieran muchos directores de acción real conseguir algo así.

• ‘Jin-Roh’ (Hiroyuki Okiura, 1998)

De las siete, es la más floja, o la menos brillante, pero pienso que no debía faltar en esta lista. Okiura nos sitúa en una sociedad totalitaria donde un ex-soldado descubre la otra cara de la moneda al conocer a la hermana de una víctima del régimen. La animación no es extraordinaria, teniendo en cuenta otros títulos, pero hay momentos magníficos; especialmente me viene a la cabeza la secuencia de la persecución en los túneles (y la explosión). El diseño y la actuación de los temibles “lobos” no se olvida.

Personalmente, recomiendo ver todo lo que han hecho Hayao Miyazaki, que gusta a todo el mundo por su facilidad para narrar historias y envolverlas de magia, y Satoshi Kon, que como digo es mi realizador favorito (y afortunadamente toda su filmografía está editada en DVD en España). Y seguro que hay quien me dirá que me faltan títulos que considera básicos. Como dije, la idea es partir de aquí para seguir la búsqueda. Y como siempre, ahí están los comentarios. Usadlos debidamente.

La última película de animación de Hayao Miyazaki que, a pesar de tratarse de dibujos animados, no es en absoluto una película para niños, llega a nuestro país con casi dos años de retraso. Aunque data de 2004, se estrenará aquí el 3 de marzo de 2006. También a los Oscar llega tarde, lo cual es una pena porque otro año la habría apoyado fervientemente, pero me cuesta elegir si compite contra ‘La novia cadáver’ y ‘Wallace y Gromit’.

‘El castillo ambulante de Howl’ (Hauru no ugoku shiro) sigue la línea de otras producciones del Estudio Ghibli, como ‘El viaje de Chihiro’ que le valió un Oscar al ilustrador, o ‘Laputa: El castillo en el cielo’. Con ésta última tiene muchos puntos en común, pues se trata de un castillo que, en lugar de volar, esta vez, camina.

Es una película llena de fantasía desbordante y de temas recurrentes en Miyazaki, como los fantasmas y los personajes que no se sabe si son buenos o malos. Hay momentos maravillosos, escenas increíbles, personajes muy entrañables, de entre los que el espantapájaros mudo (en la parte central del cartel) quizá sea el más simpático. La inocencia y capacidad de sentir sorpresa e ilusión de Sophie, la niña protagonista, su relación con los demás seres, como el demonio del fuego, la vieja bruja o el propio Howl (en la parte alta del cartel), un personaje lleno de matices, son otros de los logros del filme. Y… ¿qué decir de los dibujos? La estética es de cuento, fascinante, los colores son suaves y variados en la ciudad y el campo, y oscuros y tétricos en otras partes donde rugen las batallas y la devastación. Miyazaki es un indudable genio para crear ambientes y cualquiera que haya visto ya alguna de sus películas sabrá de lo que estoy hablando.

Lo más sensacional es un hallazgo de imaginación insuperable que consiste en que, según se gira una rueda de cuatro colores que hay en la puerta del castillo, al abrirla se encuentran en un lugar o en otro del mundo. ¿A quién no le gustaría hacer eso en su propia casa? La agilidad del castillo en sí, que es como un ser vivo más, las imágenes de semejante armatoste moviéndose por las montañas (en la parte baja del cartel), o su capacidad para transformarse por dentro y convertirse, en un momento concreto, en la casa donde vivía antes Sophie, son también conceptos geniales.

Por culpa quizá de aglutinar tantas visiones de ensueño, ‘El castillo ambulante’ se le va ligeramente de las manos a Miyazaki. Suele ocurrirle a este autor que las películas se le desarman y pierden un poco la cohesión hacia el final. Las conclusiones se alargan, los filmes acaban varias veces y cuesta entender cómo terminan. Aquí ocurre más aún que en sus anteriores animes. El visionado se hace un poco largo y pesado hacia la última parte. Es posible que el japonés se recree demasiado en sus personajes y en sus universos, y todo lo plantee de forma tan pausada, que la acumulación de tanta lentitud se note hacia el final con una sensación de cansancio en el espectador. También puede deberse a que no sepa bien cómo terminar unas historias tan complicadas y fantásticas. O puede tratarse de una simple diferencia cultural: que en occidente seamos más cerrados y cuadrados y, por lo tanto, nos resulte difícil comprender lo que para los japoneses es evidente. Pues, aunque el filme está basado en la novela de la escritora británica Diana Wynne Jones, probablemente Miyazaki ha transformado todos los elementos a su gusto. La prueba está en que, como ya he apuntado, vemos en esta película ingredientes comunes con muchas otras del autor.

Lo que está claro es que aquí no tenemos la imaginería y la tradición fantástica tan rica que tienen en oriente. Las historias de espíritus, seres que se transforman, movimientos de energía, son allí la sal común de todos los días, mientras aquí nos siguen sorprendiendo. Gracias al cine, los manga y la literatura, las culturas se mezclan y se intercambian y ahora podemos acceder a esos mundos maravillosos que hasta hace poco eran desconocidos para nosotros.