El cineasta, escritor, escenógrafo, fotógrafo y dibujante Carlos Saura recibe hoy, 22 de noviembre, la Medalla Internacional De Las Artes, en reconocimiento a su destacada trayectoria cinematográfica y por su contribución a la divulgación del arte y la cultura. Uno de los realizadores españoles con mayor proyección internacional, puede ser el que durante más tiempo haya personificado el cine de autor en nuestro país, de la mano de su productor, Elías Querejeta.

Especialista en hallar metáforas con las que criticar la situación social y política para superar la censura de la dictadura, Saura realizó películas críticas como ‘La caza’, que le valió el premio al mejor director en el Festival de Berlín, sin que su clara alusión a la Guerra Civil fuese detectada. ‘La prima Angélica’ o ‘Cría cuervos’, que representaban la situación política española en forma de familias lideradas por patriarcas, servían a un mismo propósito. Ya en democracia, Saura realizó ‘Deprisa, deprisa’, que le valió un Oso de Oro en la Berlinale; ‘¡Ay, Carmela!’, ganadora de 13 merecidos Premios Goya; ‘Buñuel y la mesa del rey Salomón’, ganadora de un Goya, y ‘Fados’, asimismo galardonada con un Premio Goya. Su última película hasta la fecha ha sido ‘Flamenco, Flamenco’ (2010).

Saura ya había obtenido el Premio Nacional de Cinematografía en 1980, la Medalla de Oro de la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas de España en 1992. También se le ha otorgado, por el Gobierno francés, la Orden de Artes y Letras de Francia, y ha sido investido, por el Gobierno italiano, como Gran Oficial de la Orden del Mérito de la República Italiana. Es también Doctor Honoris Causa por la Universidad de Zaragoza y la Universidad Nacional Autónoma de México. Pero no solo ha sido reconocido en España y el mundo de habla hispana, sino que Carlos Saura es, junto con Luis Buñuel y Pedro Almodóvar, el director español que más premios y reconocimiento ha recibido en el extranjero. Películas como ‘Carmen’ fueron fenómenos sociológicos en toda Europa.

La concesión de este galardón de la Comunidad de Madrid, que se creó en abril de 2000, se decidió el 20 de octubre por parte del Consejo de Gobierno de la Comunidad de Madrid, a propuesta del vicepresidente y consejero de Cultura y Deporte, Ignacio González.

Por otra parte, Carmen Maura recibirá el Premio de Cultura en la modalidad de Cine, Josep María Pou, quien también ha trabajado en cine, en la categoría de Teatro, y Juan Marsé, cuyas obras se han llevado en numerosas ocasiones a la gran pantalla, en la de Literatura.

Vía | Por la Red.

El director de fotografía José Luis Alcaine, nacido en Tánger hace setenta y dos años, que ha trabajado para los directores más prestigiosos y célebres del panorama nacional y que es responsable de la luz en películas como ‘Canciones para después de una guerra’, ‘Demonios en el jardín’, ‘Más allá del jardín’, ‘El sur’, ‘Tasio’, ‘La corte del faraón’, ‘El viaje a ninguna parte’, ‘¡Ay, Carmela!’, ‘Amantes’, ‘Jamón, jamón’, ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’, ‘Belle Epoque’, ‘Roma’, ‘Al sur de Granada’, ‘Volver’, ‘Las trece rosas’ o ‘La piel que habito’, entre muchas otras, recibe hoy la Medalla de Oro de la Academia de cine, de manos del presidente de la institución, Enrique González Macho. Alcaine ya había obtenido el Premio Nacional de Cinematografía 1989, cinco Premios Goya, el Cóndor de Plata, el Premio de la Academia Europea por ‘Volver’ y el Ricardo Franco del Festival de Málaga.

La ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, el presidente de la Academia, Enrique González Macho, Leonor Watling, Juan Diego Botto, Concha Velasco, Bigas Luna, Aitana Sánchez-Gijón, Natalia Verbeke, María Esteve, Gonzalo de Castro, Ray Loriga, Verónica Sánchez, Enrique Cerezo y Pilar Bardem, asistirán esta noche a una cena homenaje para uno de los operadores más reconocidos del cine español.

La Medalla de Oro, que se concede con ese nombre desde 1991 –en 1986 se entregó con otra denominación–, es uno de los galardones más importantes que entrega la Academia de la Artes y de las Ciencias cinematográficas de España. Es decisión de la Junta directiva y su objetivo es ofrecer un homenaje en reconocimiento a quienes han contribuido con su trayectoria profesional a mejorar el cine español en el aspecto industrial o en el artístico.

Los anteriormente homenajeados con esta medalla fueron: La actriz Rosa María Sardá en 2010, Carmen Maura en 2009, en 2008 Maribel Verdú, en 2007 el director, animador, dibujante y técnico de efectos visuales Pablo Nuñez; Geraldine Chaplin, también actriz, en 2006; Basilio Martín Patino, director, productor, escritor e investigador, en 2005; Antonio Banderas, en 2004; Concha Velasco, en 2003; Carmelo Bernaola, músico y compositor, 2002; Fernando Fernán-Gómez, en 2001; José Luis Borau Moradell, en 2000; Gil Parrondo, decorador, en 1999; Elías Querejeta, en 1998; Sara Montiel, en 1997; en 1996 se celebró el Centenario de cine y se entregaron 46 Medallas de Oro. En 1995 la medalla fue paa la actriz Ana Belén, mientras que en 1994 la había recibido el productor Alfredo Matas. En 1993 recayó en Francisco Rabal, tras haber sido entregada en 1992 a Carlos Saura, y haber comenzado en 1991 con Fernando Rey. En 1986 se concedió al Responsable de la productora CIFESA, Vicente Casanova.

Vía | Academia.

“Para mí, ‘El Sur’ será siempre una obra inacabada” – Víctor Erice

Las leyendas de la historia del cine suelen ser de dos clases: las que son leyendas por la enorme calidad estética que atesoran, y las que lo son por la película que hay detrás de la película, es decir, por su producción, por los avatares que confluyeron en su creación, conflictivos, dolorosos, muchas veces caóticos. Muy pocas veces estas leyendas son de ambos tipos. Es decir, creaciones de gran vuelo estético que, además, conocieron un proceso creativo tumultuoso. Pienso en ‘Apocalypse Now’ (íd, Francis Ford Coppola, 1979), durante cuyo rodaje el director consideró seriamente pegarse un tiro o tirarse por un barranco de la pura desesperación, pero también en la película española más enigmática, recordada, lírica, en muchos años de cine español, la joya cercenada de Víctor Erice ‘El sur’ (1983). La tensión psíquica que convocan sus imágenes y sus sonidos, la profunda verdad que subyace en esta historia de un padre y de una hija, la sitúan más allá del cine narrativo. La colocan en los territorios del arte imperecedero.

Diez años después de alzarse, por aclamación (aunque no sin algunos abucheos por parte de los asistentes) con la Concha de Oro en el Festival Internacional de cine de San Sebastián (la primera película española que ganaba tan importante premio, cuando ese premio todavía significaba algo) por su extraordinaria ‘El espíritu de la colmena’ (1973), Erice regresa a las tinieblas y las oscuridades de la infancia como origen de toda emoción, pero lo hace, de nuevo, con tal luminosidad de espíritu, con tal refinado conocimiento del alma, que donde hay tinieblas y lejanía él propone lucidez y clarividencia, donde hay dolor y amargura, él regala compasión y misterio infinitos, a través de la mirada de otra niña inolvidable, Estrella, y de la complejísima relación que la une con su padre, Agustín, extendiendo y enriqueciendo aquella relación que Ana mantenía con el distante y taciturno Fernando de su debut.

Desde el amor a la compasión y el perdón

Basado en un relato de Adelaida García Morales, la mujer del director, que comenzó a coescribir junto a Ángel Fernández-Santos (que ya habían compuesto juntos el guión de la anterior película de Erice, y a los que unía una profunda amistad y admiración mutua), y que, una vez que el antiguo crítico de El País abandonó la colaboración por diferencias respecto al tono de la historia, Erice convirtió en solitario en un libreto de varios cientos de páginas. Se proponía el cineasta una indagación poética en el viaje iniciático de una niña, pero mientras el de Ana, diez años, fue el de la conciencia de la muerte desde el reducto de la ficción, aquí es el del enamoramiento platónico, posterior desilusión, y finalmente el perdón y la comprensión de una niña hacia la figura totémica del padre, entre las sombras de la memoria y la soledad. A lo largo de siete años, desde la infancia hasta la adolescencia, Estrella verá en su padre primero a un hombre casi con propiedades mágicas, pero luego como a un ser trágico y cuyo pasado no le permite vivir en paz.

Antes de seguir hablando de esta película, una aclaración: nunca he comprendido que algunos espectadores se quejen de un cine “lento”, o que lo califiquen como tal de forma peyorativa. No creo que muchas de esas creaciones que muchos consideran “lentas” sean realmente lentas. En cualquier caso, ¿cómo narrar el despertar de la niña (véase el vídeo encima de estas líneas, con cuyas imágenes arranca la película) si no es con este ritmo, en el que el despertar del día trae también un despertar de la conciencia de la niña, y del abandono definitivo del padre? Sin este tiempo capturado, sin esa cadencia consistente en dejar pasar el tiempo, la fortísima conmoción de algunas imágenes de esta película nunca tendría lugar. Porque las imágenes, y más aún, los sonidos, penetran lentamente, y sin piedad, en el ánimo del espectador, hasta el punto de que se convierte en una segunda realidad, mucho más intensa y verdadera que esta. Al estar construidos desde una mirada poética, de la un artista que nos introduce en su realidad personalísima, los acontecimientos que rodean a Estrella se levantan ante nuestros ojos, como en todo verdadero gran cine, tan reales, o más aún, que la vida misma.

Hay momentos que le convierten a uno la sangre en hielo, del oscuro estremecimiento que narran. Momentos como la aparición sorpresa del padre entre las sombras, semejante a un recuerdo que emergiera de las tinieblas de la memoria (¿y no son acaso el rostro y los movimientos de nuestro padre algo inasible e incomprensible para nosotros?). O como ese en el que la niña descubre la violencia oculta del mundo de los hombres, al ir a buscar de nuevo a su padre y observarle a lo lejos, acompañado de otros, disparando con su rifle. Los claroscuros de Jose Luis Alcaine son cercanos, pero a su manera también muy diferentes, de los de Luis Cuadrado, y si este último inventó el color miel para los interiores, el primero obtiene una luz invernal grisácea y azulada que tiene mucho que ver con el estado de ánimo de las criaturas de Erice, perdidas en una existencia parecida a un sueño del que no logran despertar. La sencillez de la película es tal, y sus numerosos enigmas tan certeros, que no se sabe muy bien cómo las imágenes invernales de esta película hechizan la imaginación del espectador.

La triste historia de la interrupción del rodaje cuando se llevaba algo más de la mitad de su calendario, cercenó lo que iba a ser una película de dos horas y media de duración, en lugar de los 95 minutos que ha visto medio mundo. Como es lógico, y entendible, me siento mucho más cercano a Erice y me creo su versión de que el rodaje fue interrumpido por motivos económicos, una artimaña legal de Querejeta, que decidió por su cuenta que el material rodado hasta entonces era suficiente para una muy interesante película, obligando (o casi) a Erice a montarlo y presentarlo en el Festival de Cannes. Pero falta algo muy importante en este relato que lo deja totalmente descompensado: había una hija en el norte, Estrella, pero también un hijo en el sur, y el pasado del padre con el que la hija se encuentra, y la entrega del péndulo al hermanastro, y la simetría física y moral del relato. Se truncó así una joya del cine que podría haber sido, quizá, todavía más grande de lo que es, si no hubiera llegado un productor incapaz de cumplir un contrato (hay tantos…) y de mantenerse al lado de su director.

Conclusión a una obra de arte

¿Alguien puede creer que un director capaz de llenar un camino de hojas hasta donde se pierde la vista (esto me lo contó a mí uno de sus asistentes de cámara), incluso hasta donde la cámara no lo capta, porque “no se ve, pero se siente”, puede dejar tantas cosas sin cerrar en esta historia, un final tan abrupto, y numerosos hilos dramáticos sin culminar? Imposible. Aún así, se trata de una película bellísima, un poema audiovisual que tantos cineastas y artistas han venerado desde 1983. Desde entonces, el director sólo ha filmado un largo documental, inolvidable, y un espléndido corto. Si el más grande director vivo de este país ha sido incapaz de dirigir más películas, creo que es elocuente del estado de las cosas. Me cruzo algunas veces con Erice por la calle (la última, hace pocos días, pero nunca me atrevo a decirle nada…) y me pregunto si alguna vez se pondrá de nuevo delante de una cámara. No creo ser el único.

Considero que pensando durante más de dos segundos podemos darnos cuenta de que el cine es un trabajo de equipo en el cual la autoría es mucho más difusa de lo que la Ley de Propiedad Intelectual especifica.

Pongamos una serie de ejemplos, para continuar más adelante con el debate:

¿Es más “autor” de ‘Infiltrados’ Howard Shore (músico) que Thelma Schoonmaker (montadora y merecidísma ganadora del Oscar)?

¿Es más “autor” de ‘Robocop’ Jost Vacano (director de fotografía) que Rob Bottin (creador de la armadura, de la cual depende el 90% de la credibilidad de la película)?

¿Es más “autor” de ‘Metiroso Compulsivo’ Tom Shadyac (director) que Jim Carrey (y no, que nadie diga que su interpretación estaba marcada muy de cerca por Shadyac)?

Vosotros mismos podríais poner innúmeros ejemplos en los cuales múltiples departamentos no considerados en la Ley de Propiedad Intelectual —diseño de vestuario, efectos especiales— tienen un nivel de “autoría” igual de relevante. ¿Por qué, entonces, la ley no los contempla?

La respuesta nos la dan los directores de fotografía: en sus debates, simplemente se limitan a arrimar el ascua a su sardina y, en ningún momento plantean en derecho legítimo de otros departamentos a la “autoría” como se está haciendo este artículo.

¿Y eso por qué es así? Muy sencillo: la consideración de “autor” no es una mera recompensa moral, no —para eso ya están los premios—. Es algo mucho más importante en este mundo en que vivimos. Y ese algo se llama dinero.

Los directores de fotografía reclaman una autoría a la que, sin duda, tienen derecho, pero se cuidan mucho de incluir a nadie más porque ello supone, por aritmética simple, que “la parte del pastel” que les corresponde sería menor. Sólo interesa la “justicia” que beneficia a cada uno.

Al final, la Ley no recoge “lo justo”: deja que la definición de “autoría” provenga del propio “mundo del cine”. Así, el resultado es una ley que, antes que atender a lo lógico sólo muestra una foto de una industria inexistente donde unos pocos grupos de presión, debidamente organizados y sindicados, saben imponerse.

No dudo que los directores de fotografía lograrán su pretensión. Y no me parecerá mal. Simplemente, se ganarán el merecido rechazo de otros oficios cinematográficos que no han logrado crear las debidas asociaciones para luchar por sus legítimos derechos. Como decía Jack Nicholson al principio de ‘Infiltrados’, “Nadie te va a dar nada: tienes que cogerlo”.

Personalmente, creo que hay dos opciones igualmente sanas y válidas a la hora de afrontar el tema de los derechos de autor.

La primera, basada en la lógica más elemental del mercado es que la película es sólo del productor. Todos los que trabajan en una película están ahí en virtud de un contrato con el productor, que ha decidido que son los idóneos para desempeñar su trabajo. Y, en virtud de ese contrato, cada departamento – incluido el director— es remunerado. Cierto, esto supone asumir que el productor es alguien con criterio, algo lógico en casos raros como el de Elías Querejeta, pero difícil de digerir ante mucho mafiosillo español que sabe hacer cabriolas con la subvención sin importarle el resultado final.

La otra opción supondría reconocer que todos los departamentos son autores. Con los ejemplos del principio, me resulta un hecho indiscutible que la restricción a unos pocos es disparatada. Por supuesto, si para que se imponga este criterio es necesario que toda la profesión se sindique, bienvenido sea: aumentarán los costes de producción, sí, pero ése me parece un paso necesario para que se produzca un número lógico de películas (actualmente, el cine español produce un número excesivo de filmes que el mercado no puede absorber) con mayor dotación de recursos cada una.

En cualquier caso, el “camino de en medio” que plantea la ley actual, está claro que es un sinsentido tan grande como cuando Truffaut dijo que el único autor de la película era el director (un claro caso de confundir “lo más relevante” con “lo único”) y que cualquier paso para superarlo es bien recibido. Por partidista e interesado que sea.

Cerdos Salvajes (Con un par… de ruedas)

Dirección: Walt Becker
Intérpretes: Tim Allen, John Travolta, Martin Lawrence, William H. Macy, Ray Liotta, Marisa Tomei, Kevin Durand, M.C. Gainey, Jill Hennessy, Dominic James, Tichina Arnold, Stephen Tobolowsky

Sinopsis: Un grupo de amigos de correrías de fin de semana, deciden pisar el acelerador en sus vidas rutinarias suburbanas con una última acción: un viaje cross-country en motocicleta. Tomándose un soñado respiro de sus trabajos y responsabilidades, no ven la hora de experimentar la libertad de las rutas. Pero cuando estos muchachos salen en su aventura, no tienen idea de que el golpe será... duro. Ahora, en medio de una rivalidad no intencional con la pandilla de pendencieros motociclistas conocida como los Del Fuegos, y enfrentados también con sus propios secretos, estos amigos están a punto de descubrir que emprender la ruta hacia no se sabe dónde puede llevarles a lugares que nunca habían esperado.

A priori: Reparto de campanillas en esta comedia, ¿gamberra?... Bueno, ¡y qué! Los actores se lo pasaron muy bien rodándola, con todo el peligro que eso implica. Se supone que es un estreno fuerte, pero allá donde aparezcan Tim Allen o Martin Lawrence, no me esperen cerca. A primera vista, lo mejor es que dura poco. Pero para aquellos que tengan interés en acercarse a verla, tienen el trailer para abrir boca.

El productor

Dirección: Fernando Méndez Leite

Sinopsis: Documental sobre la figura del productor Elías Querejeta. ¿Un conspirador? ¿Un hombre con ideas propias obstinado en hacerlas realidad? ¿Un echador de pulsos? ¿El mayor burlador de la censura franquista? ¿Alguien empeñado en cambiar el mundo poniéndole un espejo delante? ¿Un intrigante?¿El nombre propio más importante de la historia del cine español? Para algunos es el prototipo de productor, culpable de que existan muchas excelentes películas, y descubridor de directores como Erice, Saura, Chávarri, Gutiérrez Aragón, Armendáriz, Ricardo Franco, Martínez Lázaro, Gracia Querejeta, Fernando León… Para otros, el causante de algunas de las controversias más apasionadas de nuestro cine.

A priori: Para quien escribe, sin duda, el mejor estreno de la semana. Trabajo documental de la cadena TCM, que ha tenido una excelente acogida, y perfecto para entender cómo ha sido un cacho, importante, de la historia del cine español, de parte de alguien que se encuentra detrás de títulos tan importantes como ‘La caza’, ‘El espíritu de la colmena’ o ‘Los lunes al sol’, y que tiene mucho que enseñar. Pódeis ver el trailer y opiniones defendiendo su labor en este enlace en blog de cine.

Shooter: El tirador

Dirección: Antoine Fuqua
Intérpretes: Mark Wahlberg, Michael Peña, Danny Glover, Kate Mara, Elias Koteas, Rhona Mitra, Ned Beatty, Jonathan Walker, Justin Louis, Tate Donovan, Rade Serbedzija, Alan C. Peterson, Lane Garrison, Zak Santiago, Michael-Ann Connor

Sinopsis: Bob Lee Swagger (Mark Wahlberg) es un ex-francotirador de los Marines que creía haber dejado atrás su antigua profesión tras haber sido testigo de una terrible traición. A pesar de haberse recluido en un lejano escondite en las montañas, el coronel Isaac Johnson (Danny Glover), un oficial retirado, consigue encontrarle y le convence de que su país le necesita. Según Johnson, alguien planea asesinar al presidente de Estados Unidos y el único que puede impedirlo es Swagger, gracias a su experiencia y sus conocimientos. Éste acepta a regañadientes volver a servir a su país una vez más, pero no sabe que toda la misión es una trampa ideada por una oscura camarilla gubernamental con planes muy especiales. Pronto descubre que aparece en todos los titulares acusado de haber intentado asesinar al presidente. Perseguido, sin un agujero donde esconderse, tendrá que desvelar quiénes son los auténticos asesinos antes de que le maten. Y que además de su vida, hay mucho más en juego: está a punto de alzar el velo y sacar a la luz una terrible conspiración que nace en el mismo corazón del gobierno estadounidense.

A priori: Personaje creado por el escritor Stephen Hunter en la novela ‘Point of Impact’, primera parte de una trilogía que descifraba la historia reciente americana. Mark Walhberg viene de ser nominado por su trabajo en ‘Infiltrados’, y está dirigido por un Antonie Fuqua capaz de realizar una buena película como ‘Training Day’, como de obsequiarnos el rollo de ‘El rey Arturo’. El actor es el completo protagonista de esta historia de acción de dos horas. Puede ser perfecta para una tarde de sábado, con la única idea de desconectar, pero aún así, uno tiene sus dudas. El trailer puede ayudar a aclararlas.

Seduciendo a un extraño

Dirección: James Foley
Intérpretes: Halle Berry, Bruce Willis, Giovanni Ribisi, Richard Portnow, Gary Dourdan, Florencia Lozano, Nicki Aycox, Kathleen Chalfant, Gordon MacDonald, Daniella Van Graas, Paula Miranda, Patti D’Arbanville, Clea Lewis, Gerry Becker

Sinopsis: Siguiendo las pistas del asesinato sin resolver de uno de sus amigos de infancia, la periodista Rowena Price (Halle Berry) decide investigar por su cuenta hasta dar con el culpable. En su búsqueda por la red da con uno de sus principales sospechosos, el multimillonario Harrison Hill (Bruce Willis). Con la ayuda del experto informático y hacker, Miles Haley (Giovanni Ribisi), y aprovechando el anonimato de Internet, Rowena espera hacer justicia.

A priori: Vehículo para el lucimiento de Halle Berry, que sigue empeñada en realizar trabajos sencillos, y en teoría pensados para la taquilla. Con lo bien que lo hace cuando corre riesgos, y me viene a la cabeza ‘Monster’s ball’. La acompaña Bruce Willis, con uno de sus papeles enigmáticos, donde no para de poner cara de palo. Y les dirige James Foley, que si bien dirigió ‘Glengarry Glen Ross’, detrás estaba la mano de un David Mamet en estado de gracia, lo cual se vuelve en contra suya. Sinceramente, es una película que corre bajo vuestra responsabilidad el ir a verla. Trailer de la película.

Pudor

Dirección: David Ulloa y Tristán Ulloa
Intérpretes: Nancho Novo, Elvira Mínguez, Natalia Rodríguez, Celso Bugallo, Carolina Román, Marcos Ruiz, Lorena Mateo, Manolo Solo, Nuria González, Joaquín Climent, Héctor Colomé

Sinopsis: “Pudor” es una mirada a la intimidad, a los deseos, obsesiones, secretos y miedos que no confesamos ni siquiera a quienes más queremos. Ese pudor conduce a la incomunicación y a la soledad. Los personajes de esta historia son: un hombre que va a morir, una mujer que recibe anónimos eróticos, un hombre mayor a quien el amor tiende una última oportunidad, una adolescente que intenta superar las dudas que le genera la pubertad y un niño que ve fantasmas… Al igual que en muchas familias, todos los personajes de “Pudor”, a pesar de vivir juntos, están solos.

A priori: Película arriegada de los hermanos Ulloa, basada en la novela del escritor peruano Santiago Roncagliolo. Entiendo que no debe ser una película fácil de ver, pero a pesar de eso, ha recibido algún premio en la pasada edición del Festival de Málaga, en especial sus actores. En blog de cine, ya le hemos dedicado una primera crítica no muy favorable, pero para que saquéis vuestras conclusiones, podéis ver el trailer, o bien leer el blog sobre ‘Pudor’ que acaban de empezar sus dos directores, David y Tristán Ulloa.

Después de la boda

Dirección: Susanne Bier
Intérpretes: Mads Mikkelsen, Rolf Lassgård, Sidse Babett Knudsen, Stine Fischer Christensen, Christian Tafdrup, Frederik Gullits Ernst, Kristian Gullits Ernst, Ida Dwinger, Mona Malm, Neel Rønholt

Sinopsis: Jacob (Mads Mikkelsen) ha dedicado su vida a ayudar a los niños de la calle en la India, pero el orfanato que dirige está a punto de cerrar por falta de fondos. De pronto, recibe una oferta inesperada. Un hombre de negocios danés, Jørgen(Rolf Lassgard), está dispuesto a donar 4 millones de dólares siempre y cuando Jacob cumpla con ciertos requisitos. En primer lugar debe ir a Dinamarca y en segundo lugar, debe ir a la boda de la hija de Jorgen. La boda se convierte en un encuentro entre el pasado y el futuro, enfrentando a Jacob al mayor dilema de su vida.

A priori: En este enlace os comentamos lo que nos ha parecido la película. Bebe del ‘Dogma’, y de ‘Celebración’, quizás la mejor película de ese movimiento.

The Darwin Awards. Muertes de risa

Dirección: Finn Taylor
Intérpretes: Joseph Fiennes, Winona Ryder, David Arquette, Chris Penn, Max Perlich, Brad Hunt, Tim Blake Nelson, Richmond Arquette, Julianna Margulies, Tom Hollander, Juliette Lewis, Nora Dunn, Ty Burrell, Josh Charles, Kevin Dunn, Judah Friedlander, Lukas Haas, Alessandro Nivola, D.B. Sweeney, Robin Tunney, Wilmer Valderrama

Sinopsis: Michael Burrows, un policía que se dedica a elaborar perfiles psicológicos de criminales, acaba de perder su empleo. Su obsesión con los Premios Darwin le abre el camino hacia un nuevo pasatiempo: elaborar los perfiles del tipo de persona capaz de tomar riesgos extremos. Con una naturaleza prodigiosamente contraria al peligro, se encuentra emparejado con Siri Taylor, una investigadora de seguros que ha olvidado más de una vez abrocharse el cinturón de seguridad. Juntos investigan las más famosas de estas leyendas urbanas, y descubren sus propios destinos por el camino.

A priori: Para Beatriz es la mejor opción de los estrenos del fin de semana. Podéis leer su crítica en este enlace. Lo cierto es que, por lo menos, despierta curiosidad el tema que trata.

También se estrenan este fin de semana, ‘El corazón en la tierra’ del español Antonio Cuadri, sobre unos hechos reales vividos en Huelva el siglo pasado, con un buen guión poco aprovechado, y ‘Disparando a perros’, película sobre el genocidio de Ruanda, del año 2005, y que se estrena ahora, de la que sólo puedo comentar que ha estado en varias secciones oficiales de festivales de cine, aunque eso tampoco es decir mucho.

Fernando Méndez-Leite es quien ha dirigido este documental.

En las cuatro últimas décadas Elías Querejeta produce de más de 50 títulos, algunos de los cuales son premiados en Cannes, Berlín, Venecia o San Sebastián. Querejeta es productor de títulos fundamentales del cine español como ‘La caza’, ‘El espíritu de la colmena’, ‘El desencanto’, ‘Pascual Duarte’, ‘Cría cuervos’, ‘Mamá cumple 100 años’, ‘Deprisa deprisa’, ‘El Sur’, ‘Historias del Kronen’, ‘Barrio’, ‘La espalda del mundo’, ‘Héctor’ o ‘Los lunes al sol’.

Trailer de ‘El productor’.

Por desgracia, en España los productores se suelen involucrar muy poco en la creación de las películas y no son capaces de opinar provechosamente sobre el guión y otros aspectos, de forma que, ya antes de comenzar el rodaje y de poner en marcha la máquina de gastar dinero que supone una producción cinematográfica, se podrían mejorar mucho los proyectos.

Como indica John Hopewell en estas palabras, Querejeta es uno de las pocas afortunadas excepciones: “Creo que hay dos tipos de productores. Un tipo al que le interesan más, por ejemplo, los acuerdos para hacer factible una película. Hay otro tipo de productor que es mucho más creativo en su atención al lado artístico: que le interesa el guión, los actores, el ambiente del rodaje… Elías Querejeta es un ejemplo de este segundo tipo de productor”.

El film contiene la participación de varios rostros conocidos. El director Carlos Saura, por ejemplo, opinó que “Uno de los estímulos que tiene es demostrar a los demás que va a hacer una cosa bien hecha”. Fernando León de Aranoa, por su parte, añade que “Sí le he escuchado decir: ‘la decisión es tuya, tú diriges la película, la has escrito…no estoy de acuerdo con lo que dices, pero la decisión es tuya’”.

Emilio Martínez-Lázaro, otro de los cineastas con los que ha colaborado Querejeta, dice que “Siempre interviene mucho, aunque sea de una manera indirecta”. Javier Aguirresarobe, el realizador de publicidad y director de fotografía cinematográfica asegura que “Elías llegó a decirme que Dios no había escogido este camino para mí. Que lo de la fotografía era una cosa en la que yo era un tipo prácticamente negado”. El actor José Luis Gómez declara que “Hubiera querido ser director…es posible”.

A Méndez-Leite se le conoce más como crítico y ensayista de cine, pero también ha trabajado como director y realizador de programas en TVE, de largometrajes, como ‘Niebla’, ‘El club de los suicidas’, ‘El rey monje’ y ‘Usted puede ser un asesino’, así como la serie La Regenta. Ha dirigido también programas culturales, musicales y cinematográficos, entre los que destaca la serie La Noche del Cine Español. Fue Director General de Cine y desde su fundación en 1994 dirige la ECAM (Escuela de Cine de la Comunidad de Madrid).

El IV Festival Internacional de Cine Solidario de Navarcles rendirá homenaje a Elías Querejeta Durante los tres fines de semana que van del 20 de abril al 6 de mayo se va a desarrollar en la población barcelonesa de Navarcles el IV Festival Internacional de Cine Solidario (Clam 07). El evento proyectará diversos largos, cortos y documentales en torno a temáticas como los poderes en la sombra, el deporte como ocio, negocio o espectáculo, y la explotación infantil. Además, contará con un concurso de cortometrajes para el que han sido seleccionados 27 trabajos y rendirá homenaje al productor Elías Querejeta.

El Festival de Cine Español de Málaga dedica una sección a la exhibición de documentales. En esta ocasión, tuve la oportunidad de ver dos de ellos: ‘Goodbye, America’ y ‘La silla de Fernando’. Curiosamente, ambos consistían en la presencia ante la cámara de un actor de avanzada edad, Al Lewis y Fernando Fernán Gómez, respectivamente, que contaba sus implicaciones en movimientos políticos o sus ideas sobre la política y la sociedad.

Sobre ‘La silla de Fernando’ nos había informado Teresa. Dirigida por Luis Alegre y David Trueba, esta película-conversación, como ellos mismos la llaman, está creada con la idea de permitir a una gran cantidad de personas apreciar las capacidades como conversador de Fernando Fernán Gómez. El film son los extractos de una larga conversación sobre temas como la guerra, las posibilidades de una actor en la época en la que Fernán Gómez comenzaba y, sobre todo, los ligues o la diversión nocturna.

Durante todo el metraje vemos un primer plano del actor y en cortos momentos se intercalan fotografías o fragmentos de películas protagonizadas por él.

Dependiendo del atractivo que pueda tener para cada uno la figura de Fernando Fernán Gómez, este documental podrá resultar como una amena charla con alguien a quien da gusto escuchar o una mera entrevista grabada sin interés. En mi caso, admiro a Fernán Gómez y no sólo como actor, que suele ser la faceta que más se conoce de él, sino también como escritor y como cineasta. Sus películas me parecen de una genialidad infravalorada y sus novelas son maravillosos documentos.

Poco más se puede observar sobre la película como no fuese extractar momentos de la conversación, pero para ello es preferible escucharlos de boca del propio Fernán Gómez.

‘Goodbye, America’, producido por Elías Querejeta y dirigido por Sergio Oksman, muestra a Al Lewis, actor al que conocemos por haber encarnado al abuelo de ‘La familia Monster’ y que murió el 3 de febrero de 2006.

Durante una sesión de maquillaje previa a una actuación, Lewis cuenta anécdotas del pasado y opina sobre el Mccarthismo y otros problemas a los que se enfrentó EE. UU.

Lewis fundó su propio partido político y se presentó como senador. Otra faceta importante que podemos ver la de radio. Durante esta época, animaba a los oyentes a que escribiesen cartas a los presos, ya que había conocido que algunos de ellos podían pasarse décadas sin recibir una sola visita o una sola misiva.

El actor declaraba que había nacido en 1910 y así lo afirma durante el documental, pero tras su muerte, su hijo confesó que la verdadera fecha de nacimiento de su padre era el 30 de abril de 1923.

El documental era interesante gracias a la figura de este carismático actor. El tratamiento es muy parecido al de ‘La silla de Fernando’. Aunque, afortunadamente, el tamaño de los planos cambia más y existe algo de puesta en escena, la cinta se basa en las declaraciones de Lewis a su maquillador y se intercala con metraje y fotografías de la época o con fragmentos de la serie ‘The Munsters’.

El director del documental ‘Asesinato en febrero’, Eterio Ortega Santillana, ha realizado ‘Noticias de una guerra’, con producción de Elías Querejeta, quien también se involucró en ‘Invierno en Bagdad’, de Javier Corcuera. Este nuevo documental, al que Querejeta también ha aportado el guión, quiere ofrecer una nueva visión histórica de la Guerra Civil española.

“No quiero ningún posicionamiento ideológico”, declaraba Querejeta. La idea es “crear un producto cinematográfico basado en datos históricos rigurosos y comprobados”. Por ello, buena parte del documental bebe de fondos históricos españoles — La Filmoteca Española, el Archivo Histórico de la CNT y la Agencia EFE, entre ellos— y de otros países, como Alemania y Rusia. El resultado es fruto de un año de búsqueda y visionado de imágenes — en su mayoría inéditas y de un valor incalculable—.

La cinta nos sitúa en enero de 1936. Se convocan elecciones generales a las que 11 millones de ciudadanos españoles tienen derecho a voto y segunda ocasión en la que las mujeres también votaban. “No se ha concebido como una conmemoración. El filme es un acercamiento a una forma de entendimiento, a las relaciones humanas, a la realidad que está reflejada en la guerra civil. La radio es un elemento conductor. Setenta años no son nada para aquel suceso como forma de horror”, asegura el productor.

La campaña electoral muestra las pasiones de la derecha y de la izquierda. El primer día de febrero vota el 72 por ciento del censo. Con un margen mínimo gana el Frente Popular. A partir de ese momento las diferencias entre la derecha y la izquierda pasan con rapidez de las palabras a los hechos… El film también recorre buena parte de los momentos más relevantes de la contienda civil que siguió al levantamiento militar del 17 de julio, muestra la llegada de voluntarios extranjeros de las Brigadas Internacionales en lucha contra el avance del fascismo en Europa; la muerte del anarquista Buenaventura Durruti o la evacuación de niños españoles al extranjero.

La imposibilidad de ofrecer testimonio visual de algunos momentos de la guerra obligaron a reconstruir algunas de las imágenes, mientras que casi todos los discursos y alocuciones de personajes fundamentales, como Franco o La Pasionaria, han sido doblados “a partir de textos rigurosamente históricos”, ya que muchos de los archivos originales carecían de sonido o era deficiente. Los discursos y transmisiones de radio del momento sirven como hilo conductor de este documental, que recuerda “la importancia y repercusión de un medio cuya función social ha sustituido hoy en día la televisión”.

Miles de horas visionando escenas de la época, “porque —añade el director— los reporteros de guerra de entonces estaban aquí, no había otra guerra”. “Había una estructura previa —prosigue Querejeta—. No sólo ha sido una gran labor de montaje, puesto que partíamos de esa estructura anterior que establecía una manera de contemplar esa realidad que fue la guerra civil”. La gran cantidad de material filmado fue un obstáculo: “Era tan atractivo, que te enamorabas de las imágenes. Llegar a la esencia fue lo complicado”, apostilla el realizador.

La participación en la película del historiador Santos Juliá —Premio Nacional de Historia 2005 por Historias de las dos Españas y autor de Manuel Azaña. Una biografía política— ayudó a Querejeta y Ortega a “subsanar posibles fallos históricos, pero no influyó en el guión previo”, aseguró el productor. Conscientes de la polémica que despierta en la actualidad la Ley de Memoria Histórica, Ortega aseguró que nunca ha buscado con ‘Noticias de una guerra’ un posicionamiento ideológico”, sino “ofrecer otra perspectiva de la historia, vista desde la distancia, gracias a imágenes que, en muchos casos, son inéditas”.

El productor siente que es “indispensable el debate” en todos sus proyectos, porque es la prueba de que “cada una de ellos suscita interés”; algo con lo que coincide con Ortega, quien defiende el cine “como herramienta para la denuncia social, una tradición arraigada en el cine documental”.

La cinta llega el próximo viernes a las pantallas de Madrid, Barcelona, Bilbao, San Sebastián, Zaragoza, Sevilla, Santander, Oviedo y Pamplona, tras su proyección en los últimos festivales de San Sebastián y Valladolid y en el Congreso Internacional sobre la Guerra Civil Española, celebrado en Madrid a finales de noviembre.

Querejeta y Ortega han colaborado en cuatro proyectos para televisión y tres de cine, a los que el productor siempre se ha negado a calificar como documentales, prefiriendo referirse a ellos como “películas documentales”. Ambos se mostraron sorprendidos ante la “enorme cantidad de material disponible” sobre el conflicto, lo que exigió un “duro y estricto proceso de montaje” que redujo las cuatro horas de duración inicial a los 93 minutos finales, “para no perder la estructura dramática buscada”.

Vía El País y ABC.

Respetar o no el espíritu de una obra es una cuestión muy subjetiva. ¿Cómo puede un tribunal determinar si se ha respetado algo, especialmente el espíritu, que es como no decir nada? Cualquier adaptación modificará de alguna manera el producto inicial, sobre todo si se lleva a cabo por otra persona. Pero incluso un mismo autor adaptando una novela propia a un guión puede tener problemas para transmitir lo mismo que transmitió en la obra literaria. No siempre es fácil mantener un tono y un “espíritu”, aunque se intente. Por otro lado, si lo que los Querejeta, ambos autores del guión, ofrecieron fue hacer una adaptación, lo lógico sería que la adaptaran, que la llevaran a su terreno. Si Gracia Querejeta dirigió la película, es normal que hubiera más de ella en el resultado que de Marías. Es muy habitual adaptar algo de lo que quizá sólo interese tomar un aspecto secundario. Quizá en lo que se equivocaron fue en incluir la cláusula sobre el respeto al espíritu.

El Juzgado de Primera Instancia número 38 dictó sentencia a favor de Javier Marías en 1998, y la Audiencia Provincial de Madrid hizo lo mismo en 2002. La productora de Querejeta había presentado un recurso de casación que fue rechazado el pasado 7 de marzo por la Sala de lo Civil del Tribunal Supremo. Contra este acto del Supremo ya no cabe recurso. El 15 de marzo la agencia literaria de Marías, Mercedes Casanovas, informó de la sentencia, que ha sido confirmada por el autor a EFE.

Elías Querejeta está obligado a retirar cualquier referencia a Javier Marías y a ‘Todas las almas’ de los títulos de crédito de la película. Además, tendrá que indemnizar al escritor por los daños morales causados mediante el pago de 36.000 euros. Además, Marías recupera los derechos sobre su novela y señala que, si algún productor estuviera interesado, “se podría hacer una verdadera adaptación, cosa que hasta ahora estaba impedida por la existencia de esa falsa adaptación que hicieron los Querejeta”.