Una de las cosas esenciales en el mundo del cine es la credibilidad que puedas tener para interpretar todo tipo de papeles. Eso provoca que haya actores que acaben encasillados en un tipo determinado de papel al ser especialmente buenos en ese tipo de rol, pero en otras ocasiones el problema llega cuando se selecciona a un actor para un personaje en un error de casting descomunal, ya que será casi imposible que nadie se lo crea en un papel como el que le ha tocado. Ese tiene toda la pinta de que va a ser el caso de Elijah Wood en ‘Maniac’, el remake del slasher (aunque sea un poco injusto meterla en ese subgénero) de 1980 dirigido por William Lustig, una auténtica rareza que optaba por potenciar ciertos aspectos enfermizos de la personalidad del asesino.

De esta forma, Wood parece querer evitar volver a ser encasillado como Frodo tras repetir ese papel en la adaptación ‘El hobbit’, de la cual pudimos ver unas imágenes en el set de rodaje muy recientemente. No obstante, lo que creo que pasará será algo similar a lo que sucedió en el cine en el que vi ‘Spy Kids 3D: Game Over’, cuando un montón de espectadores llegó a exclamar en voz alta “¡Mira, es Frodo!”, pero sería aún más ridículo si lo hacen cuando interpreta a un loco asesino.

Con el tiempo, ‘Maniac’ ha adquirido el cuestionable estatus de película de culto (lo cual está muy lejos de ser una garantía de ser una buena película) y eso es algo que parece una señal para que en Hollywood hagan una nueva versión de lo que ya nos contaron hace más de 30 años. La historia que nos cuenta el remake se acerca bastante a la de la película original, ya que el protagonista trabaja en una tienda que vende maniquíes y asesina a sus víctimas a modo de venganza hacia su madre, la cual abusaba de él. Hay algún cambio obligado como que localice a sus víctimas a través de Internet, pero lo cierto es que el argumento tampoco era algo esencial en la obra original, sino el clima enfermizo que intentaba conseguir. Yo he de reconocer que no conecté demasiado con ‘Maniac’ cuando la vi hace unos años, pero tengo serias dudas que esta nueva versión vaya a ser una mejora significativa.

Yo no considero a Wood un actor especialmente versátil. y las imágenes que he visto que fans se han sacado con él en diferentes convenciones tampoco ayudan, ya que aparece en todas ellas con la misma cara de palo, Además, un psicópata es un personaje complejo que puede acabar resultando involuntariamente cómico si el actor no resulta convincente. Espero equivocarme y que no sea el caso, pero lo dudo mucho. Junto a Wood tenemos a otros intérpretes como Hank Azaria, Nora Amezeder o Dan Hunter, todos ellos bajo la batuta de Franck Khalfoun, cuyo trabajo más destacado hasta la fecha ha sido ‘Parking 2’

PD: Os dejo con el tráiler de la película original para que podáis fabular aún más sobre la credibilidad que pueda tener Elijah Wood como el personaje protagonista de esta historia. ¿Tenéis fe o también os oléis una posible pifia de mucho cuidado?

Vía | WorstPreviews

Una de las víctimas comerciales de los hambrientos vampiros amorosos ha sido la segunda parte de ‘Happy Feet’ (2006). La película animada de George Miller se estrenó el pasado viernes en Estados Unidos como la gran propuesta familiar de la semana, pero solo recaudó unos decepcionantes 22 millones de dólares, prácticamente la mitad de lo que cosechó la primera entrega, que además no contaba con salas en 3D. ¿Una mala fecha o una secuela que no interesaba? Ya veremos, ‘El gato con botas’ (‘Puss in Boots’) tampoco logró un buen estreno pero se mantuvo fuerte en las semanas siguientes y ya acumula más de 120 millones. ‘Happy Feet 2’ llegará a los cines españoles el próximo 2 de diciembre. Me entusiasmó la primera parte, la encontré divertida y emocionante, y en principio me apuntaría a ver la segunda, pero ni el teaser ni el tráiler que os dejo en esta entrada me han convencido, parece que han apostado por una película más infantil y tonta. ¿Qué os parece a vosotros, vais a verla?

Miller y Warren Coleman firman el guion de ‘Happy Feet 2’, cuyos personajes cuentan con las voces originales de Elijah Wood, Robin Williams, Hugo Weaving, Matt Damon, Brad Pitt, Common, Pink, Anthony LaPaglia y Hank Azaria, entre otros. Un gancho para el público que (de momento) no ha demostrado ser muy eficaz. La trama de la película se centra en el hijo de Mumble, Erik, que tiene pánico a bailar. El pequeño escapa de su hogar y se encuentra con el poderoso Sven, un pingüino que puede… ¡volar! Mumble no tiene ninguna posibilidad de competir con un personaje tan carismático, pero cuando las cosas empeoran, y el mundo es sacudido por poderosas fuerzas, él se convertirá en el líder que todos necesitan.

PD: ‘Happy Feet’ ganó el Oscar a la mejor película de animación. Este año parece que será para ‘Tintín’... ¿no?

Desde que os hablamos la última vez de ‘El Hobbit’, se han comunicado varias noticias sobre las películas, especialmente con respecto a nuevas incorporaciones a su elenco, como el fichaje del genial Stephen Fry para el papel del Master of Laketown o la confirmación del rumor de que Orlando Bloom sería de nuevo Legolas.

Para no sobrecargar, hemos esperado a tener algo más concreto para reincidir sobre este ambicioso proyecto que, tras pasar por muchas manos, ha regresado a aquellas en las que siempre debió estar, las de Peter Jackson. Y ahora parece un buen momento: las dos entregas de esta adaptación de la novela de JRR Tolkien ya tienen títulos oficiales y también fechas de estreno. La primera se llamará ‘The Hobbit: An Unexpected Journey’ y se estrenará el 14 de diciembre de 2012, seguida de ‘The Hobbit: There and Back Again’, que llegará el 13 de diciembre de 2013.

El enorme reparto, por el momento, está compuesto, aparte de los dos ya mencionados, por Martin Freeman, Andy Serkis, Elijah Wood, Hugo Weaving, Ian McKellen, Cate Blanchett, Richard Armitage, Jed Brophy, Adam Brown, John Callen, Ryan Gage, Mark Hadlow, Peter Hambleton, Stephen Hunter, William Kircher, Sylvester McCoy, Bret McKenzie, Graham McTavish, Mike Mizrahi, James Nesbitt, Dean O’Gorman, Lee Pace, Mikael Persbrandt, Conan Stevens, Ken Stott, Jeffrey Thomas y Aidan Turner.

La página de Facebook de la que extrajimos las declaraciones sobre el rodaje a 48 fps, continúa que echa humo. Ahora mismo, en ella, Jackson está respondiendo a preguntas de los fans.

Vía | Empire.

Uf, ¿se supone que debes desear ver más? Me lo pasé estupendamente con ‘Happy Feet’ (2006), pero a esto no le veo la gracia por ningún lado. Warner Bros. Pictures ha lanzado ya el teaser o primer tráiler de ‘Happy Feet 2’, que se estrena el próximo 18 de noviembre, en salas 2D, 3D e IMAX. De la secuela se ha encargado nuevamente el director George Miller, cuya nueva entrega de ‘Mad Max’ sigue parada, al menos hasta que Tom Hardy acabe su trabajo en ‘The Dark Knight Rises’.

Escrita por el propio Miller, ‘Happy Feet 2’, o ‘Happy Feet Two’, nos devuelve a la Antártida, donde Mumble tiene que enfrentarse a nuevos conflictos; por un lado, su hijo Erik le ha desplazado como modelo tras conocer a Sven, un pingüino que puede volar (??), por otro, unas poderosas fuerzas ponen en peligro su mundo, y la única manera de impedirlo es que Mumble se convierta en el líder de la nación de los pingüinos y consiga la ayuda del resto de animales con los que conviven. Elijah Wood, Robin Williams, Hank Azaria, Alecia Moore (Pink), Elizabeth Daily, Sofia Vergara, Brad Pitt y Matt Damon, entre otros, prestan sus voces a los protagonistas. John Powell pone la música.

PD: Desde ‘Babe, el cerdito en la ciudad’ (‘Babe: Pig in the City’, 1998), Miller ha dirigido ‘Happy Feet’ y ‘Happy Feet 2’. Woody Allen hizo trece películas en el mismo tiempo.

Cómo una película que empieza con dos pingüinos cantando temas pop, rodeados por más pingüinos que forman un corro en forma de corazón, y que al juntarse forman otro corazón con sus cuerpos, puede emocionarme tanto, lo cierto es que es un verdadero misterio para mí. Más aún cuando es una producción que explota a tope el recurso de pequeños animales adorables de angelicales vocecitas con los que es imposible no atiborrarse hasta arriba de diabetes. Y todavía más cuando, al igual que tantas otras películas de animación, o tantos melodramas sobre la adolescencia, la cosa va de un marginado que en este relato, al no saber cantar como la mayoría, y por lo tanto al no hacer igual de bien lo que todos los demás, es considerado como un apestado, pero que al poseer un ritmo endiablado con los pies terminará ganándose el respeto de los suyos. En ese sentido, nada nuevo bajo el sol. Entonces, ¿cómo es que ‘Happy Feet’ (id, George Miller, 2006) resulta una película tan inolvidable, tan especial y decididamente sobrecogedora?

Quizá porque a diferencia de algunas producciones Disney recientes, o de otros títulos de animación que son incapaces de trascender el tema en cuestión para capturar la vida en la pantalla (por mucho que se trate de películas de animación), ‘Happy Feet’ rebosa en cada plano de una vida muy difícil de describir pero muy fácil de disfrutar y de recordar. Quizá porque no toma al espectador potencial (los niños) como una panda de memos a los que se les puede convencer con cualquier aventura de dibujos; muy al contrario, estamos ante un guión de gran precisión narrativa y psicológica. O, no sé, quizá porque su mera puesta en escena está henchida de una musicalidad que no sólo tiene que ver con las canciones o con la música (por cierto soberbia) de John Powell, sobre todo con el ritmo visual, increíblemente dinámico y con un sentido sinfónico de la imagen y la planificación. O a lo mejor tiene que ver con lo mucho que desde siempre me han gustado los pingüinos (los de verdad) por ser unos animales asombrosos, mucho más de lo que parecen, y que aquí reciben un precioso homenaje.

Lo cierto es que, a poco que uno se fije con atención, esta película tiene bastante que ver con las tres primeras de su director. Hace poco, escribiendo sobre la magnífica ‘Mad Max 2, el guerrero de la carretera’ (‘Mad Max 2’, 1981), ya comenté que para mí George Miller era un cineasta de gran talento. Aquí vuelve a tratar el tema de un mundo vasto y despiadado, y de un protagonista absoluto que lo pierde todo y cuya misión en la vida parece, a ojos de todos los demás, un verdadero disparate. Por supuesto que en esta ocasión, dados los requerimientos técnicos de una producción tan compleja a todos los niveles, George Miller no está solo en la silla de director, que comparte, en calidad de co-directores, con los también guionistas del proyecto Warren Coleman y Judy Morris (el cuarto guionista, John Collee, no figura en los créditos de director), pero hay mucho del sentido de lo grandioso de Mad Max en esta película, en la que los inmensos desiertos de arena de un mundo apocalíptico son sustituidos por las planicies heladas de la Antártida, en una aventura que resulta absolutamente épica desde el principio hasta el final.

Mitología pingüina

En ‘Happy Feet’ la sociedad pingüina y su ficticia cultura, que por supuesto es una parábola de las jerarquías sociales de estos animales, y sobre todo de la del pingüino emperador, alcanza el rango de mitología. Así, la representación de su ciclo reproductivo, en el crudo invierno ártico, con toda la comunidad cantando, es una imagen perfecta de la comunión de estos animales con la naturaleza, casi de un modo espiritual. Así mismo, el reencuentro con las madres que han ido al mar a alimentarse durante ese tiempo, posee ecos bíblicos. Es sólo el comienzo. Los antiguos del clan son una suerte de ancianos sabios, pero también de conservadores carcas incapaces de aceptar la diferencia y siempre con el no en la boca. En esa sociedad, el gurú es un pingüino de penacho amarillo al que llaman Doctor Amor, y los seres humanos somos para ellos una especie de alienígenas (observando nuestro comportamiento con el entorno natural, puede que lo seamos…) que les abudcen y que se llevan todo el pescado para dejarles morir de hambre. En suma, un universo en el que otras especies representan grandes peligros para el grupo, pero por la necesidad de supervivencia, y en el que el mayor enemigo es la ignorancia del hombre.

Hay imágenes en esta película que le cortan a uno la respiración, por mucho que quieras evitarlo: la fragmentación del glaciar, que revela una grúa en su interior, la cual cae al agua helada y se hunde en las profundidades; la caminata de los seis amigos en busca de la cura para el “collar místico” del Doctor Amor (una argolla de plástico con la que se ahoga) a través de unas ventiscas terribles que les impiden avanzar; el descubrimiento del abandonado puerto pesquero como si de un universo paralelo se tratara; el divertimento que son los pingüinos para un par de orcas juguetonas, las cuales se lo pasan bomba antes de intentar devorarles; la aparición del enorme pesquero como un monstruo ciclópeo que les arrebata el sustento; el posterior salto de Mumble para intentar comunicarse con los alienígenas, en una caída de cientos de metros y una carrera de cientos de kilómetros; la sensación de enorme agobio y aislamiento en el confinamiento de los pingüinos…Todo ello amenizado con un coro de voces realmente inspirado, entre los que se encuentran Elijah Wood, Hugh Jackman, Robin Williams, Brittany Murphy, Hugo Weaving, Nicole Kidman y otros muchos.

Capturando el movimiento del mejor bailarín de claqué del mundo, Savion Glover, para hacer realidad los movimientos del pingüino Mumble, así como de otros bailarines para dar vida al resto de animales del grupo; empleando cuatro años y un enorme grupo de animadores (y de servidores…) para hacerla realidad en nueve meses de tiempo de renderización; su rotundo éxito popular y su Oscar, así como lo impresionante de su factura técnica, demuestran que hay vida más allá de Pixar, y al mismo tiempo son testigos del amor por el cine que hay que atesorar para hacer algo como ‘Happy Feet’. Verdadero gran cine cuyo mensaje ecológico, más necesario que nunca, no es moralizador ni tendencioso. Es lo que hay: si seguimos así, todo se acabará muy pronto. Esperamos como agua de mayo la segunda parte, que llegará dentro de no mucho en 3D, y que ojalá nos traiga un par de horas de grandísimo cine de animación y de aventuras como la primera.

Otras críticas en Blogdecine

• ‘Happy Feet’, bailando con la animación (por Alberto Abuín)

• ‘Happy Feet’, tienes que verla (por Juan Luis Caviaro)

Recuperamos hoy esta sección que llega ya a su octava entrega. Como ya sabéis los lectores habituales, con ‘Hay más cine ahí fuera’ hacemos un repaso a lo que han publicado otros blogs en español dedicados al cine, y destacamos las entradas más jugosas, temas que no han sido tratados en Blogdecine. Echad un vistazo, seguro que hay algo que os interesa:

• Uno de los aspectos más aplaudidos de ‘La red social’ fue la banda sonora compuesta por Trent Reznor y Atticus Ross. En Las Horas Perdidas leo que el dúo volverá a trabajar para David Fincher poniendo la música de ‘The Girl with the Dragon Tattoo’, la nueva versión de ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’.

• La nueva versión de ‘Valor de ley’ que han filmado Joel y Ethan Coen está siendo un éxito de taquilla en Estados Unidos (tampoco es que tenga mucha competencia, todo hay que decirlo) y se rumorea que podría conseguir nominaciones importantes a los Oscars. En Tierra de Cinéfagos he visto una lista de los cinco mejores westerns de la historia según los hermanos Coen. Muy… curiosa.

• En No es cine todo lo que reluce he leído que la mítica saga ‘Star Wars’ (esto es, las seis películas) estará disponible en Blu-ray a partir del mes de septiembre. Entrad en la noticia si queréis saber toda la información de la que se dispone hasta el momento.

• Gracias a Salon del Mal me entero que Elijah Wood volverá a interpretar a Frodo en la problemática adaptación de ‘El hobbit’ que va a dirigir Peter Jackson. Frodo no aparece en el libro, pero parece que la idea es que los protagonistas de la trilogía de ‘El señor de los anillos’ aparezcan en algún momento de las dos películas que compondrán ‘El hobbit’.

• Ya queda menos para descubrir la lista de ganadores de los Globos de Oro, y gracias a Extracine he descubierto un interesantísimo vídeo protagonizado por algunos de los actores nominados. Se trata de una mesa redonda en la que Ryan Gosling, Robert Duvall o Jesse Eisenberg hablan sobre los premios y los diferentes métodos de trabajo de los directores.

Eso es todo por hoy. No olvidéis que podéis hacernos llegar vuestras sugerencias a nuestro formulario de contacto.

“Reviso la lista. tubo de goma, gas, sierra, guantes, puños, alambre de espino, hacha, Gladys, y mis puños.”

- Marv (Mickey Rourke)

En los últimos años, las adaptaciones de cómics se han multiplicado exponencialmente, ya que las grandes majors de Hollywood han encontrado en ellas un filón muy rentable en el que invertir dinero y tiempo. Es decir, las más de las veces, por no decir siempre, se lleva a cabo una adaptación de cómic atendiendo, sobre todo, a su potencial comercial, lo que ya de por sí es indicio del nulo interés y de la moda pasajera que representan. Entre tantas adaptaciones, las hay incluso con membrete de prestigiosas, como en el caso de las que se han llevado a cabo de algunos trabajos del insigne Frank Miller, algo así como una vaca sagrada del tebeo norteamericano. Aunque no se puede decir que la experiencia de Miller en Hollywood hubiera sido positiva con anterioridad, y por eso esperó el momento propicio para que su querida ‘Sin City’ conociese su conversión fílmica. Eso sí, Robert Rodríguez, fan irredento del cómic, tuvo que convencer a Miller previamente con una prueba de lo que pretendía hacer, mostrándosela en una proyección, aunque probablemente lo que más le convenció es que le ofreció co-dirigirla.

‘Sin City (Ciudad del pecado)’ (‘Frank Miller’s Sin City’, 2005) nacía por tanto como un proyecto ambicioso y técnicamente complejo y hasta único, pues sería una de las primeras películas en emplear, de manera casi total, la pantalla verde para hacer realidad los escenarios imaginados por Miller en su “novela gráfica”, salvo algunos detalles puntuales en unos pocos interiores. Filmada íntegramente en los estudios TroubleMaker, propiedad de Rodríguez, el cinesta mexicano no se cansó de advertir que, más que una adaptación, se trataba de lograr una traslación fiel del cómic al cine. Quizá ahí residan, al mismo tiempo, los defectos y las virtudes de un filme tan irregular y tan deslavazado, pues en cierta forma acoge los defectos ya presentes en el sobrevalorado trabajo de Frank Miller, mientras que es incapaz de formalizar una trabajo plenamente cinematográfico. Eso sí, técnicamente (fotográfica, digital, visualmente), la película es una maravilla. Y también goza de algunos buenos momentos que otorgan al conjunto cierta calidad.

Antes que cualquier otra consideración, he de decir que filmar una película en la que la mayoría de los planos son una traducción dinámica de la viñeta, me parece una pérdida de tiempo. Y lo es por dos razones, a mi juicio. Es como si, salvando las distancias, le dieras a un arquitecto un edificio ya diseñado que él se limita a firmar y a supervisar para hacerlo realidad. Es decir, una de las partes más importantes del trabajo de un director, la planificación y la visualización, están dadas de antemano, como si el cómic fuera un simple story-board. Esto es desvirtuar el cómic y desvirtuar el cine. Rodríguez, que se encarga de labores de realización, montaje, sonido, música, supervisión de efectos especiales, operador de cámara y algunas cosas más, se preocupa, sobre todo, de hacer la traslación lo más fiel posible, lo más cercana al cómic posible, con Miller ejerciendo de supervisor y de que todo sea como a él le gusta, e incluso con Quentin Tarantino como director invitado, responsable de una secuencia de la película. Como resultado, no puede despreciarse el producto porque es lo que quiere ser: un homenaje/calco del trabajo de Miller, un capricho técnico, y una película de escasa entidad.

Tres historias cruzadas y una atmósfera

La historia de Marv (un irreconocible, o casi, Mickey Rourke), titulada ‘El duro adiós’, ya era la mejor de todas las historias de Sin City escritas y dibujadas por Miller, y desde luego es la mejor, la más potente e inolvidable, de la película. La segunda, ‘La gran masacre’, por el contrario, era justo la peor de toda la saga de Miller, y es sin duda la más floja, la peor contada, la más confusa y aburrida, y la que más dura (o al menos eso parece) de la película de Rodríguez. La tercera y última (si no contamos con el prólogo y el epílogo, correspondientes a ‘El cliente siempre tiene razón’), titulada ‘Ese cobarde bastardo’, está cortada por la mitad en la película, y ya era un título interesante en el trabajo de Miller, que Rodríguez se limita a filmar con un buen Bruce Willis/Hartigan. La idea era, claro, mezclar las tres historias, cruzarlas quizá al estilo ‘Pulp Fiction’ (id, Tarantino, 1994), pero todo queda bastante desvaído, desorbitado, aparatoso. Tras la primera historia, bastante conseguida, nos acostumbramos al estilo, a la singular narrativa de esta película, y termina por resultar reiterativa y hasta cansina.

Filmando con la cámara digital de alta definición Sony HDC-950, inicialmente a color para luego pasarlo todo (o casi todo) al blanco y negro, se traslada lo que ya era un hiperbolizado, abstracto y un tanto simplista homenaje de Miller a los códigos de la literatura y el cine negros, en el que no podía faltar el blanco y negro, los tipos duros e invencibles con gran corazón, las chicas guapas en peligro o chicas peligrosas, los villanos despiadados, la corrupción en la más altas esferas del poder, la violencia salvaje. Y Rodríguez lo reproduce tal cual, con un blanco y negro y una iluminación un tanto repetitivas, pero que transmiten ciertamente una gran sordidez y una densidad conceptual que no se contagia, por desgracia, a unas historias demasiado trilladas, saturadas de una voz en off contínua de cada uno de los protagonistas. Una voz en off heredada, claro, del cómic de Miller, que carece a menudo de riqueza literaria y se instala demasiado en la retórica vacía o explicativa.

La podrida ciudad de Sin City, sus lóbregas esquinas candentes de miseria y podredumbre moral, es la verdadera protagonista. Por sus meandros de ciudad-metáfora de las urbes actuales, se agradece el gratificante bestialismo y la arrolladora presencia de un agreste Mickey Rourke en ‘El duro adiós’, así como la otoñal presencia de un buen Bruce Willis en ‘Ese cobarde bastardo’, segmento cuya historia de amor me parece extrañamente bella y melancólica. Es lo mejor de una película con una muy irregular (por decir algo) dirección de actores, que juega a crear atmósferas de sombras y luces, de nieve y de lluvia, de fastuosas persecuciones (totalmente falsas) de coches, de movimientos de cámara imposibles, resultando muy vistosa y muy espectacular, pero gélida, sin apenas secuencias memorables, y que avanza a trompicones, como tres capítulos de una serie unidos con alfileres. Rodríguez, como su compatriota Guillermo Del Toro, adolece de un grave problema de ritmo en sus películas. Al igual que el director de ‘El laberinto del fauno’ (id, 2006), es un profesional que conoce la técnica a la perfección, que sabe de fotografía, de luces, de montaje, de diseño, pero que no controla los aspectos más complejos de la dirección cinematográfica: la dirección de actores, el ritmo (interno) y el tono.

Tan estilizada es, tan hiperbolizada su violencia, tan truquera, que esta ofrenda a lo noir queda como un juego de niños, casi como un videojuego sin vida. Para entender mi punto de vista sobre colorear en algunos planos la sangre de rojo, creando cuadros muy vistosos y “muy chulos”, basta quizá leer lo que Jacques Rivette dejó por escrito en un magnífico ensayo (‘De la abyección’). Convertir la violencia, o el horror de la muerte, en algo estético o divertido, es precisamente, creo yo, lo contrario de lo que la gran tradición del cine negro ha pretendido mostrar siempre, ese cine negro al que aquí, y en la novela gráfica, se quiere rendir pleitesía. Rodríguez, simplemente, carece de la altura artística para formar parte de esa tradición. Si en ‘Abierto hasta el amanecer’ una violación y un asesinato atroz ocurrían en off y transtornaban incluso al protagonista de la historia, ¿por qué aquí se traiciona el blanco y negro en algunas palizas o desmembramientos?

Conclusión y secuencia favorita

Muy irregular, a ratos irritante película, que se salva de la quema por algunos momentos sorprendentemente inspirados y potentes, por algunos actores de gran talento y por su aspecto visual, que a ratos puede ser fascinante. Hubo muchas películas muy superiores a esta en el año 2005 (‘El nuevo mundo’, ‘Brokeback Mountain’, ‘Munich’, ‘Batman Begins’, ‘Una historia de violencia’, ‘El jardinero fiel’...) que quizá tuvieron menos éxito que la enésima adaptación de un cómic, que algunos consideran una película sublime pero, para quien esto suscribe, se queda en cine negro sin la menor fuerza y hasta aburrida en algunos tramos. ¿Mi secuencia favorita?: Marv dando de comer a Elijah Wood/Kevin al perro. A lo mejor es debido a mi manía hacia ese actor. Y la mejor adaptación de comics americanos seguirá siendo ‘Superman’ (‘Superman, The Movie’, Richard Donner, 1978).

Asumámoslo de una vez, y a lo mejor así lo superamos antes y pasamos a cosas más constructivas: el cine es un verdadero coñazo, y perdón por la expresión. En un grandísimo porcentaje los directores y los guionistas han convertido un proyecto de arte supremo en una artesanía más o menos disfrutable, y muchas veces trivial. Presentación, nudo y desenlace. Tres actos. Climax. Zonas explicativas. Dibujo más o menos comprensible de personajes, motivaciones, objetivos, conductas. Plano y contraplano. Plano general y cámara en mano. Lugares comunes. Tedio. En el mejor de los casos, si el director es un tipo con las ideas claras y algo de inventiva, ese tedio puede pasar por una película quizá emocionante, quizá ingeniosa, quizá con algún elemento destacable en lo escenográfico. Pero, básicamente, y esto lo digo con convicción, mal que me pese, nos estamos dedicando a contarnos el cuento de la vieja una y otra vez. Ya he visto esa película. Una docena de veces. Y me aburre.

Con este panorama, una película, o mejor dicho, una joya deslumbrante como ‘Olvídate de mí’ (‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’, Michel Gondry, 2004) es algo así como una lavativa en condiciones, una bomba estética, un regalo incomensurable, una bofetada en el mohoso rostro del clasicismo, de lo aceptado como correcto narrativamente. Gondry los tiene cuadrados, ni más ni menos. Qué genio y qué bastardo con magia. Un verdadero mago, cuyo logro en esta película creo que no empezará a ser considerado en su totalidad hasta dentro de algunos años, cuando los cinéfilos y los críticos vuelvan a verla y se den cuenta, verdaderamente, de lo que significó y lo que alcanzó este título. Aún con sus imperfecciones (no existe una gran obra libre de ellas, creo), ‘Eternal Sunshine’ es la más lúcida y despiadada radiografía de las relaciones de pareja que sospecho se haya hecho jamás.

A grandes rasgos, la grandeza de esta obra maestra se sostiene en tres pilares indestructibles. A saber:

1. Una puesta en escena increíblemente enérgica, libre y valiente, que hace pedazos la dramaturgia ortodoxa para alcanzar el rango de vanguardia narrativa.

2. Un guión asombroso, pensado hasta en el más mínimo detalle, con el que no hay que dar nada por sentado y que margina hasta el ostracismo cualquier idea preestablecida sobre construcción dramática.

3. Unos actores superdotados y en estado de gracia, que hacen volar cada secuencia. No solamente los grandísimos Kate Winslet y Jim Carrey, que son el corazón de la historia, también Kirsten Dunst, Elijah Wood, Mark Ruffalo, Tom Wilkinson...

Michel Gondry (Versalles, 1963) se entrega con algo de impostura a una cierta retórica visual que no siempre funciona como él desearía. Pero estos juegos, en lugar de estorbar o deteriorar el tejido vivo de lo que estos artistas son capaces de lograr, funcionan al margen, como un aliciente más, o más bien otro nivel, de los muchos que jalonan este complejo e intrincado relato. Posiblemente nunca vuelva a conseguir algo de este calibre, y da la impresión de que se encontraba tan pletórico de ideas que podía haber filmado dos películas en una. Y dentro de ‘Eternal Sunshine’ residen unas cuantas películas, sin duda. Una (varias) melancólica(s) historia(s) de (des)amor, una indagación acerca de los crueles mecanismos de la memoria, y una lúcida reflexión sobre géneros tales como la sci-fi, el melodrama o el realismo mágico, formas narrativas deconstruidas por esta maravilla de película, repleta de gamberrismo y sentido del humor.

Olvidar nos hace libres

Yo creo que el cine es, en su forma más auténtica, la representación de un recuerdo. O de un sueño, que es un recuerdo interiorizado hasta profundidades insondables. Los recuerdos deberían ser la materia primordial de las películas, y desde luego lo son de ‘Eternal Sunshine’, cuya trama gira alrededor del hecho de que estamos hechos de recuerdos, somos prisioneros de los recuerdos, queramos o no. Nietzsche escribió: “benditos sean los olvidadizos, pues superan incluso sus propiois errores’. Pero Alexander Pope escribió: “Feliz es el destino de las vírgenes vestales, pues olvidan al mundo y el mundo las olvida a ellas, brillo eterno de la mente inmaculada, cada oración aceptada y cada deseo renunciado”. Nunca, nadie, imaginó una experiencia audiovisual tan certera acerca de cómo queremos retener unos recuerdos que nos hacen pedazos, y la forma en que esos recuerdos nos condicionan en decisiones futuras.

La historia de amor entre los inadaptados sociales, y ciertamente mezquinos, Joel Barish y Clementine Kruczynski, es una mera excusa narrativa para bucear sin oxígeno en las turbias aguas del transcurrir del tiempo, del egoísmo y la inseguridad humanas, de la soledad, y de la risa y la diversión como única válvula de escape a una cotidianidad irrespirable. Cotidianidad rota por el encontronazo entre dos seres opuestos que dará lugar a una nueva, e irrespirable, cotidianidad, en la que ambos se sentirán atrapados y perdidos. Charlie Kaufman, autor del guión, parece conocer todas las trampas, todos los resortes, de las relaciones de pareja, porque aquí damos un buen repaso a la realidad de enfrentarse cada día con alguien a quien amas y odias al mismo tiempo, a quien deseas y a quien rechazas.

Pero no solamente eso. Gondry se pone a la altura del guión de Kaufman, cuya historia él mismo coescribió, y lleva a cabo un ejercicio de estilo extremo, radical, que sin embargo está muy alejado del gusto por lo retorcido, que tan a menudo tiene lugar con relatos acerca del subconsciente o la mente, y no estoy pensando ahora en ningún Nolan en particular. Pero a Gondry (y a Kaufman) les interesa menos el estudio de la mente y mucho más el del corazón humano, como mapa para orientarse en este laberinto lleno de trampas. Gondry, listo como un zorro, se basa a su vez en cuatro herramientas para contar esta historia:

1. El sonido y la música empleados para dar sentido interno a una historia no lineal y apenas narrativa, con lo que se gana en abstracción y en absurdo.

2. El guión como excusa para emplear el montaje de forma altamente imaginativa, superponiendo espacios y planos, proponiendo un collage sensorial en la más fiel acepción del término “surrealismo”.

3. La fotografía (responsabilidad de Ellen Kuras) capaz de dotar a cada espacio de una entidad emocional propia.

4. Un uso de la cámara absolutamente magistral, con la que Gondry expresa cada gesto, cada detalle, como si fuese un testigo y no un mero prestidigitador.

Así, Gondry esculpe más que construye, con la impagable ayuda de Carrey y Winslet, un itinerario a ninguna parte de un par de almas errabundas, que no saben amar ni perdonar, pero que sí saben que no quieren perder al otro en ese viaje, en el cual las pistas serán sutiles pero contundentes, como el color del pelo de Clementine, o el orden interno de los sucesos. Sucesos que son captados con su cámara como si se trataran de documentos acerca de la vida entre dos personas, más que de cine prefabricado, del que tantas veces ha tratado ese tema. Los encuadres de Gondry son excepcionales porque con ellos accedemos a una verdad profunda (¿la hay de alguna otra clase?) y al espejo interior de nuestros propios fantasmas.

Conclusión y escena favorita

Obra mayor del cine americano de la pasada década, sin lugar a dudas. Filmada con coraje e imaginación desbordantes, arrasada de verdad y de emoción. Mi escena favorita es aquella en la que ambos ex-amantes escuchan la cinta de uno de los dos. Extraordinaria parábola de los rencores y los odios que unen más que el cariño o la comprensión. La cinta sigue y sigue, como pensamientos que flotan y que se sienten como cuchillos, y ambos personajes salen de la habitación (de su reclusión) y se aceptan tal como son. Quimera que en el cine queda como un momento sublime.

En Blogdecine:

• ‘¡Olvídate de mí!’, embriagador y amargo amor (por Juan Luis Caviaro)

Mira, todo se está derrumbando. ¡Te estoy borrando y soy feliz!

(Joel)

Por esta costumbre tan nuestra de cambiar los títulos, e inventarnos otros que a veces no tienen nada que ver con el original, se da la peculiar circunstancia de que llega a resultar molesto hablar a otras personas sobre algunas películas que le encantan a uno, siendo preferible no hacerlo, o simular por un rato que se tiene mala memoria, y referirse a ellas por otros elementos característicos (nunca la traducción española). El segundo largometraje del francés Michel Gondry tiene un título maravilloso, pero en lugar de llamarlo ‘La eterna luz de la mente impoluta’ (‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’, extraído de un poema de Alexander Pope) aquí lo conocemos por ‘¡Olvídate de mí!’, pues se pensó que así se atraería a más público, vendiéndolo como una comedia romántica en la que Jim Carrey y Kate Winslet (entre otros) se enamoran y nos hacen reír.

Bueno, más o menos. De hecho, el aspecto que me parece mejor retratado en el film no es nada divertido, al revés, es de lo más triste; me refiero a cómo está plasmado el lado amargo del amor. Cuando estaba preparando mi lista particular de las diez mejores películas de la década, a finales del año pasado, tenía muy claro que debía incluir ‘Olvídate de mí’, porque cuando la volví a ver, me volvió a emocionar, seguía tan fresca, auténtica, lúcida e imaginativa como cuando la experimenté por primera vez, si no más. Empiezan los títulos de créditos, al ritmo de la versión de Beck del tema ‘Everybody´s Got to Learn Sometime’, y no puedo evitarlo, se me pone la piel de gallina y me rindo por completo a Gondry, Carrey y Charlie Kaufman, autor de uno de los guiones más brillantes de la historia del cine.

Almas encontradas

Podría morir ahora mismo, Clem. Estoy… feliz. Nunca me he sentido así antes. Estoy exactamente donde quiero estar.

(Joel)

Uno de los grandes aciertos del film es no empezar por el principio de la historia (aunque eso no lo sabemos aún). Vemos a Joel (Jim Carrey) despertándose con dolor de cabeza, como con resaca. Se viste y sale, descubriendo que su coche tiene un importante golpe en la parte delantera. Llega a la estación de tren y, sin saber por qué, cambia de andén y entrando por los pelos en uno de los vagones (fantástica escena, Carrey tiene que hacer verdaderos esfuerzos para atravesar la puerta). Luego le vemos en la playa, mirando por la ventana de una casa abandonada, haciendo dibujos en la arena y mirando el océano, tiritando y maldiciendo su gran fortuna al visitar Montauk (Nueva York) en invierno. Con pocos trazos, el comportamiento errático, su aspecto desaliñado y esas gruñonas reflexiones en off (”San Valentín es un día festivo inventado por las compañías de tarjetas de felicitación para que la gente se sienta como la mierda“), ya conocemos a Joel, ya parece nuestro amigo (o nuestro reflejo).

Es el momento de que entre en escena la otra protagonista, Clementine (Kate Winslet). Se ven por primera vez (o eso cree Joel) en la orilla, luego en un restaurante, donde Clementine ya saluda a Joel (éste se hace el despistado y se lamenta por enamorarse de la primera mujer que le dedica un poco de atención), y de nuevo en la estación, mientras esperan el tren de vuelta. Ella está decidida a hacerse notar, pero él se resiste a responder; hasta que ya sentados dentro de un vagón prácticamente vacío no hay escapatoria y empiezan a hablar. Se inicia así una maravillosa conversación entre ambos (con diálogos tan incómodos y naturales que parecen improvisados en la misma escena), en la que se van deslizando más guiños que sólo comprenderá el espectador más adelante (que Joel no conozca la canción ‘Oh my darling Clementine’), como el detalle de las páginas arrancadas del cuaderno, que los dos se hayan encontrado en el mismo lugar o que ella esté segura de haberle visto antes, en la librería donde trabaja.

De la misma manera que entendimos a Joel en poco tiempo, captamos enseguida cómo es Clem. No se calla, dice lo que piensa, y es impulsiva, se fía de sus tripas. Sentía curiosidad por ese tipo de aire amargado, y no dudó en acercarse a él. Ambos tienen personalidades muy diferentes, lo que al principio provoca algún malentendido (sí tienen en común que son muy susceptibles, fruto de fuertes desengaños sentimentales, algo que no se explica pero se capta), que se evapora porque se caen bien, se atraen. Superan las dudas y Clem invita a Joel a su casa. Pasan un rato juntos, él se marcha a casa y la llama en cuanto atraviesa la puerta. En unos minutos ya son las dos personas más alegres del planeta. Quedan a la noche siguiente y la pasan viendo las estrellas (otra escena deliciosa, con la constelación inventada). Al amanecer, Joel se queda embobado mirando cómo duerme Clem; finalmente la despierta, pero ella le dice que se va a vivir con él. Un instante después aparece Patrick (Elijah Wood) y el relato da un sorprendente giro.

Las cenizas de la pasión

Clementine: “Y en tu pequeño cerebro, estás intentando averiguarlo: ¿habrá follado con alguien esta noche?”

Joel: “No, Clem. Asumo que has follado con alguien esta noche. ¿No es así como consigues caer bien a la gente?”

Transcurridos unos dieciocho minutos, empiezan a pasar los títulos de crédito, mientras vemos a Joel llorando, desconsolado, conduciendo a través de una noche lluviosa. Da la sensación de que se ha dado un salto adelante en la narración, a un momento en el que todo ha acabado entre Clem y él, y esto es así, pero en realidad el salto es al pasado, como comprenderemos más adelante. Joel llega a casa, se toma unas pastillas y cae dormido. Es entonces cuando conocemos a Patrick y Stan (Mark Ruffalo), cargando con un extraño equipo electrónico entran en el apartamento de Joel, como si fuera algo acordado. Éste parece despierto, tumbado en su cama, pero ya ha empezado a soñar, a recordar, a distorsionar la realidad y confundirla. A través de su mente retrocedemos aún más en la historia, y presenciamos una escena en la que Clementine besa a otro chico justo delante de Joel, a quien trata como si jamás lo hubiera conocido.

Así es como llegamos a la escena en la que todas las incógnitas anteriores empiezan a resolverse. Joel habla sobre lo ocurrido con su hermana y su cuñado (David Cross, el impagable Tobias de ‘Arrested Development’) y descubre que Clem le ha borrado de su vida. Literalmente. Lacuna Inc. es una compañía que ofrece a sus clientes la fantástica posibilidad de suprimir los recuerdos que desee, para superar traumas y poder seguir viviendo como si nada triste les hubiese sucedido. Herido, desesperado, Joel acude a Lacuna y decide hacer lo mismo, iniciando un intenso y doloroso viaje en el que, para eliminar a Clem de su cabeza, debe antes revivir todo lo que compartió con ella. De esta forma asistimos a un resumen de la aventura de estos dos personajes (imposible no sentirla propia), cómo se conocieron (la primera vez), cómo se enamoraron, cómo vivieron juntos momentos mágicos, cómo fueron felices… y cómo empezó a torcerse su relación, a cansarse el uno del otro, hasta llegar a un punto en el que les resultaba insoportable la compañía del otro.

Don Fabrizio Salina, el protagonista de ‘El gatopardo’, definió el amor de una manera seca y contundente: “Fuego y llamas un año, cenizas durante treinta”. En ‘Olvídate de mí’ también tiene cabida esta visión amarga que expone el personaje al que dio vida Burt Lancaster en 1963 (y a la que me refería en el segundo párrafo de este texto). Más tarde o más temprano, de una forma más o menos pronunciada, una vez que empiezan a desvanecerse las embriagadoras esencias del enamoramiento, es (o parece) inevitable que empiecen a surgir en la pareja, por mucho que se amen, pequeñas fisuras, que con el paso del tiempo tienden peligrosamente a agrandarse, con el riesgo de provocar una distancia insuperable, que puede conducir fácilmente al desprecio y el odio. Lo avisa Clem al poco de conocer al enamoradizo Joel: “Llegará un momento en el que encontrarás cosas que no te gusten de mí, y me aburrirás y me sentiré atrapada“. Así sucede. En un primer momento esa mujer es absolutamente perfecta para Joel; pero pasa el tiempo y algunas de sus particularidades comienzan a irritarle, volviéndose borde y malhumorado, cínico, llegando a provocar una situación insostenible.

Una conexión mágica

¿Somos como esas parejas que ves en los restaurantes? ¿Somos los muertos que cenan?

(Joel)

La idea que da la película, o al menos la que he encontrado (quizá porque la comparto), es que esta fractura que surge en la relación se debe a que inevitablemente cada parte se vuelca en la otra, alterándola, por lo que uno acaba viendo en la otra persona sus propios defectos, inseguridades y errores; con el paso del tiempo se acaba la ilusión y el engaño, el modo en el que somos y el que amamos se termina relevando ante nuestros ojos, y eso puede resultar (en muchos casos) difícil de aceptar. Dicho esto, no puede concluirse que el guión apueste por la imposibilidad de mantener vivo el amor. Difícil, pero no imposible. Mientras que otras parejas de la película se rompen (por construirse sobre mentiras), la conexión única y verdadera que se establece entre Joel y Clem es tan poderosa que resiste incluso el borrado de memoria; están destinados a encontrarse siempre, pase lo que pase. Es una idea romántica y fantástica que así plasmado, no resulta increíble. También puede entenderse esto como una especie de triste bucle eterno, uno se merece al otro y eso sólo conduce al sufrimiento (o sea, a repetir el proceso); hay margen para los dos puntos de vista.

A hacer creíble lo increíble contribuye, cómo no, unos actores muy implicados, muy metidos en la ficción, ofreciendo la mejor versión de sí mismos (inmensos Carrey y Winslet). Gondry también está especialmente inspirado (es su mejor película hasta la fecha) con el libreto de Kaufman, ganador de un Oscar y escrito a partir de una idea del director y su amigo Pierre Bismut. El relato permite a Gondry dar rienda suelta a su imaginación y su poderío visual, al tener que lidiar con las numerosas escenas soñadas, recordadas y alteradas por Joel, a lo largo de esa implacable limpieza cerebral. Escenas resueltas con gran ingenio, en las que sólo se recurre a los arreglos informáticos cuando es necesario (la caída del coche en esa calle sin fin o la destrucción de la casa), resolviéndose muchas de ellas con una hábil puesta en escena, junto a arreglos fotográficos y artesanales. Todo funciona con fortuna en esta bellísima, sincera y melancólica historia de amor.

Clementine: “Se acabó, Joel. Todo desaparecerá muy pronto”.

Joel: “Lo sé”

Clementine: “¿Qué hacemos?”

Joel: “Disfrutarlo”.

“El anillo es mío”

-Frodo

Con Frodo paralizado y secuestrado por los Orcos, y con las puertas de Minas Tirith definitivamente rotas, comienza la última parte de una larga película a la que, a mi parecer, le sobran muchas escenas, y algunas de las que no sobran quedan tan forzadas de puesta en escena y dirección de actores, que parecen dirigidas por otro, como la del intento de Denethor, totalmente chalado, de quemar vivo a su hijo Faramir, interrumpido, eso sí (como tantas otras escenas), por otra, que está bastante mejor dirigida, la del enfrentamiento cara a cara entre Gandalf y el Rey Brujo de Angmar, que termina de manera muy diferente a la novela, y da pie a la llegada de los Rohirrim.

Es extraño, pero lo que hasta entonces había resultado una batalla amorfa, en cuanto a su ritmo y a su tensión, que cada poco se derrumbaban, incapaces de tenerse en pie mucho rato, una vez llegados los jinetes, aportan una intensidad y una épica que parecían imposibles pocos minutos antes. La emoción es sincera cuando el rey Theoden grita “¡Death!” (¡Muerte!) por tercera vez, y la carga está montada con precisión y violencia salvaje. Hay algunos planos en esta batalla que quedan poco creíbles, pero al que sepa algo de guerras medievales le parecerá totalmente realista (aunque algunos expresaron su incredulidad), cuando los caballos pasan por encima a muchas filas de orcos. Eso hace, literalmente, la caballería al galope.

No tiene ningún sentido volver en ese momento a Denethor y su locura, más aún cuando con tanto follón nos habíamos desconectado emocionalmente de ese personaje. El montaje, insisto, es una calamidad. Menos mal que enseguida volvemos a los campos, y tenemos la brutal (no hay otra palabra para describirla) carga de los enormes elefantes de combate. Theoden comete el trágico error de cargar contra ellos de frente, y la masacre es de gran envergadura. Jackson comete el acierto de no poner música, y hay momentos electrizantes, como cuando un elefante gigante choca contra otro.

Queda un poco forzado, no obstante, que Eowyn pueda moverse con tanta soltura entre tanta masacre, y que con dos espadas pueda hacer lo que no puden cientos de flechas. La cámara es demasiado nerviosa y no se aprecian bien los detalles. El crucial momento en que Eowyn vence, contra pronóstico, al Rey Brujo, está nuevamente partido en varios fragmentos de montaje. De esta manera, su potencia narrativa queda disuelta. En este momento, también, tiene lugar un bello momento, ya comentado en Blogdecine, que parece digno de los mejores momentos de ‘Las dos torres’.

Eowyn se enfrenta al Nazgul más poderoso, que le rompe el escudo y el brazo, Jackson, con mal tino bajo mi punto de vista, fragmenta el momento y vuelve con Aragorn y sus tropas de fantasmas verdes (por cierto, saltan del barco, y la calidad gráfica es la de un videojuego de los 90…). Volvemos a Eowyn, y todo queda muy deslavazado. Pero con los fantasmas, entramos en el final de la batalla, rematado por una penosa escena en la que Legolas, él solito, se carga a toda la tropa sobre un elefante gigante, y al mismo gigante, sin despeinarse. Muy poca imaginación, y así todo termina muy pronto, y la tensión acumulada se deshace sin un crescendo apropiado.

Volviendo con Sam y Frodo, la escena de la torre de los Orcos está bastante conseguida, aunque parece atropellada y sin garra, y como el resto de la película, no llega más allá de un cómic vistoso. En la pelea que se desata, la cámara de Jackson más parece la de un operador con parkinson, que la de un director de fuste. Así no se consigue el ritmo, sino con una puesta en escena más elaborada, y más veraz. El segmento de la novela de la torre de los orcos, es mucho más rica en detalles, y más emocionante que esto, pero aquí, al contrario que en otras partes, no querían extenderse demasiado.

En la versión extendida, aún dura más el camino de los dos hobbits hasta el Monte del Destino. Por suerte, en la versión de cines, su desvío y casi descubrimiento por parte de los orcos, fue suprimido. Hay una idea fantástica por parte de Jackson y sus guionistas, que es la de convertir la mirada de Sauron en un foco de luz que todo lo observa, como en un campo de prisioneros nazi. Es aterrador recorrer todo ese camino tratando de mantenerse a salvo de esa mirada. Peor idea es la de una escena suprimida de la versión para cines, en la que vemos al infame Boca de Sauron: una creación poco afortunada, sin ningún ingenio ni imaginación, de película de terror de serie Z.

Ya estamos un poco cansados de arengas bélicas, pero ahí está de nuevo Aragorn animando a sus soldados. Por suerte la batalla dura poco, y por fin Frodo y Sam llegan hasta el fuego del Monte del Destino. Aquí la medida de las cosas se le escapa al director. ¿Por qué tenemos que ver cómo Frodo decide en cámara lenta que no va a tirar el anillo, cómo Gollum le roba a Frodo el anillo en cámara lenta…y cómo Frodo pelea con Gollum una segunda vez en cámara lenta? Un aburrimiento después de tantas horas de drama. Ahora bien, hay una gran emoción, una emoción profunda y que convence, cuando Sam porta encima a Frodo porque este no puede más, o cuando llegan las águilas. Por fin ha acabado todo. Y provoca lástima la muerte de Gollum…

Me parecen deleznables secuencias como la del reencuentro de todos, de un sentimentalismo nauseabundo. Tampoco me gusta nada el enésimo final (uno de tantos), con todos haciendo reverencia a los cuatro Hobbits. Lo considero innecesario, naif, fuera de lugar. Muchísimo más pertinente para su interior anímica, para su verdad interior, me parece ver a los cuatro amigos regresar a su vida cotidiana, después de tan gargantuesca aventura. Eso sí, la boda de Sam, y la despedida en los puertos, son el colmo de la ñoñería, que ni el Spielberg más cursi podría llegar a igualar. La partida del último barco es una imagen poética de la muerte para Tolkien, pero Jackson convierte ese momento en una postal sentimentaloide. Una más…

Conclusiones

No creo que se pueda discutir mucho que ‘Las dos torres’ es la verdadera pieza catedralicia, con sus pocos defectos y sus muchas virtudes, de esta saga multimillonaria, que tantas cosas vulneró de las leyes de mercado del cine, con su producción simultánea. Muy por debajo de ella se sitúa, a mi parecer, ‘La comunidad del anillo’, y aún más por debajo, esta fastuosa e irregular ‘El retorno del rey’. A muchos les parece que no me gusta esta trilogía. Creo que sí me gusta, y si no fuera así, no le dedicaría tantas palabras. Pero creo que es conveniente apartar fanatismos y ver las cosas como son.

Es una trilogía valiosa, con bastante cine dentro en general, pero en modo alguno algo tan bello como ‘Star Wars’, inspirada en parte en el viaje del héroe tolkiano. Puede estar contento Jackson de ser el director de este éxito, que posee no pocas secuencias antológicas, y tanto esfuerzo, y tan buenos actores. Eso sí, con matices…