Solo necesitamos veinte segundos de coraje irracional. Y te lo prometo, el resultado es algo magnífico.

(Benjamin Mee)

Frases como la de arriba, dichas y repetidas con aire solemne, son parte del problema de ‘Un lugar para soñar’ (‘We Bought a Zoo’), el último trabajo de Cameron Crowe, un cargante vídeo de autoayuda de dos horas que pretende solucionar todos los problemas del ser humano con luz solar y buen humor. Y veinte segundos de locura de vez en cuando, para conseguir chicas es un método ideal (fans de Rooney Mara, apuntaos el consejo). Recuerdo que cuando fui a ver la película, hace ya un par de semanas, escuché notables reacciones de sorpresa cuando en los créditos finales hacen eso tan típico de las historias basadas en hechos reales, que es aclarar al espectador el destino o la situación actual de los auténticos protagonistas. La pregunta se extendió por toda la sala, más o menos formulada de la misma manera: ¿ESTO ha pasado de verdad? Bueno, no exactamente, Matt Damon sigue felizmente casado y no ha comprado el bonito zoo donde trabaja Scarlett Johansson en sus ratos libres. Pero sí, un tal Benjamin Mee se trasladó con su familia (mujer, hijos, hermano y madre) a un enorme terreno con doscientos animales que iban a ser sacrificados si nadie se hacía cargo de ellos. Eso es cierto.

Lo que cuenta ‘Un lugar para soñar’ no parece cierto en absoluto. Y es lo que importa, que la ficción parezca verdad. Sin embargo se percibe forzada, falsa, empujada con torpeza en una dirección: conmover al público de la manera más directa e inmediata posible. La graciosa versión infantil de Carla Gugino y el débil tigre moribundo son algunas de las toscas herramientas. La guionista Aline Brosh McKenna (‘El diablo viste de Prada’, ‘Morning Glory’) y el director (también coautor del guion) parecen caer en el error habitual de dar por sentado que al incluir un letrero de “basado en hechos reales” te cubres las espaldas, que el espectador va a asimilar las situaciones que le plantees sin oponer resistencia. Pero la fuente de la que bebe el guion solo debería ser un dato curioso, o una información para el que desee extender su conocimiento sobre la historia narrada. Nunca un comodín con el que justificar lo inverosímil. Que una película basada o inspirada en hechos auténticos resulte increíble es de lo más fácil, y por desgracia muy común; solo hay que exagerar las situaciones para hacerlas más dramáticas o más cómicas (forzar lo natural), simplificar las rutinas y los personajes, dulcificarlo todo y añadir algunos consejos vitales como los que vienen en los sobres de azúcar de las cafeterías (“quien lucha por sus sueños ya ha triunfado”, y toda esa basura). ‘Un lugar para soñar’ cae con torpeza en todos esos errores y algunos más.

Normalmente, y el que me lee a menudo lo sabe, no me interesa la historia de una película, no me gusta leer las sinopsis y suelo desviar la mirada de la pantalla cuando proyectan en cines los avances de próximos estrenos. Me interesa saber quién es el director, el guionista, los actores… los que han puesto su esfuerzo y su talento, pero no de qué va la película que han hecho, porque a menudo esa información crea expectativas que pueden ser perjudiciales para la experiencia del (primer) visionado. En numerosas ocasiones he comprobado que la principal razón que tiene la gente para no querer ver una película es el rechazo que les ha provocado el tráiler y/o el argumento (quién dirige parece ser un detalle irrelevante). En el caso que nos ocupa, ya sabía más o menos cuando me senté en la butaca qué tipo de historia iba a ver, había visto el tráiler, y aunque no esperaba nada maravilloso, y mi interés estaba en la puesta en escena de Crowe y las interpretaciones de Damon, Johansson y Thomas Haden Church, pensé que podía salir algo hermoso de la base argumental, si se manejaban con cuidado los elementos. Supongo que no soy el único que lo pensó, teniendo en cuenta el éxito de las memorias de Benjamin Mee. ¿Quién es este tipo que decide ocuparse de cientos de animales? ¿Puede una familia vivir en un zoológico? ¿Cómo afronta el fallecimiento de su esposa? Son preguntas que generan interés, se les puede sacar partido.

Sin embargo, las respuestas que da la película son pobres y decepcionantes. Para empezar, no se puede sentir empatía por un protagonista como el que interpreta Damon, un tipo perfecto que supera todo lo que le ponen por delante. Le recuerdan a cada minuto que es muy guapo, una gran persona y un periodista extraordinario, y él se ríe y manda todo a tomar viento. Esquiva proposiciones femeninas y se autodespide para empezar de nuevo (el jefe le ofrece una compensación y él la rechaza). Porque es Matt Damon y todo va a salir bien. ¡Pero su mujer ha muerto, qué pena! Hay una escena en la que Benjamin echa un vistazo a unas fotos de su mujer y Crowe obliga al actor a soltar una lagrimilla. Poco más sobre ese asunto, la consigna es seguir adelante, olvidar lo viejo. El padre viudo y desempleado decide trasladarse con sus críos a un nuevo hogar lejos de todo, un sitio diferente donde volver a empezar. Y elige un abandonado parque natural con 200 bestias. Se compromete a restaurarlo, sin experiencia ni dinero. Recordemos: es Damon, todo saldrá bien. A su llegada le espera nada menos que Scarlett Johansson, una empleada que dice que solo tiene tiempo para cuidar animales; disponible y receptiva. El hijo de Damon (Colin Ford) también tiene suerte, le espera con los brazos abiertos Elle Fanning, que no deja de sonreír a pesar del rechazo del insufrible chaval (que cambia por completo en una escena). La pequeña Carla Gugino (Maggie Elizabeth Jones), muy joven para tener pareja, se contenta con alimentar a los animalicos y hacer reír al personal con su encanto natural.

Pese a las tópicas situaciones que representan, los actores cumplen más o menos con sus papeles y salvan escenas donde otros habrían contribuido al hundimiento de la película, visualmente muy convencional. Crowe se apunta a la moda de los constantes destellos solares en la pantalla y abusa tanto del plano-contraplano como de los primeros planos, confiando en que su reparto (y la música de Jónsi) salvarán la papeleta; una puesta en escena rutinaria, sin imaginación. Me hace gracia cómo justifica el pastelazo que ha dirigido diciendo que “quería aportar alegría al mundo“. Vamos, una cura para los desempleados, marginados, enfermos y hambrientos de todo el planeta. No, más bien quería aportar dinero a su cuenta bancaria, volver al negocio y que se hablara de él, porque desde que ganó el Oscar por el guion de la sobrevalorada ‘Casi famosos’ (‘Almost Famous’), su carrera en el cine ha caído en picado. Seis años después de que ‘Elizabethtown’ pasara por las carteleras sin pena ni gloria, Crowe tenía la oportunidad de resurgir con este encargo de la Fox. Una historia que debía ser especial, divertida y conmovedora, un canto a la vida, que él convierte en una película del montón, cursi, simplona y manipuladora, un relato inverosímil donde los protagonistas no compran un zoo, sino un paraíso terrenal que parece sacado de un folleto de los testigos de Jehová (salvo por los animales enjaulados). Porque si eres bueno, Dios te ayuda. Ése es el mensaje de ‘Un lugar para soñar’.

Seguimos con el repaso a lo más destacado del cine de 2011, en opinión de los lectores de Blogdecine. Tras descubrir la identidad del mejor actor del año pasado, el título de la mejor película española y el de la mejor película animada, vamos ahora con los resultados de la encuesta a la mejor actriz de 2011.

Y no podía ser otra que Natalie Portman, la gran favorita gracias a su intenso papel en ‘Cisne negro’ (‘Black Swan’), un trabajo premiado con un Oscar que también dio origen a una amarga polémica cuando se supo que ella no participaba en todas las escenas del film, siendo sustituida por una bailarina profesional en algunas escenas de danza. Pero el controvertido largometraje de Darren Aronofsky es solo uno de los cinco que se estrenaron en España durante 2011 con Portman en el cartel. Los otros fueron ‘El amor y otras cosas imposibles’ (‘The Other Woman’), ‘Sin compromiso’ (‘No Strings Attached’), ‘Thor’ y ‘Caballeros, princesas y otras bestias’ (‘Your Highness’), trabajos donde la intérprete ofrece su versión más plana y desganada.

Pero vayamos ya con los datos y las otras actrices que integran vuestro “top 5” de 2011. Portman triunfa claramente con el 39% de los votos (1296 de 3336); Emma Stone queda en segundo lugar con el 13% por sus papeles en ‘Crazy, Stupid, Love’ y ‘Criadas y señoras (The Help)’; tercera es Jessica Chastain gracias al 11% de los lectores, que la votaron por su trabajo en ‘La deuda’ (‘The Debt’), ‘El árbol de la vida’ (‘The Tree of Life’) y ‘Criadas y señoras (The Help)’; con el voto del 8%, Kirsten Dunst queda en cuarto lugar por su interpretación en ‘Melancolía’ (‘Melancholia’); y quinta con el 7% de los votos ha sido la jovencísima Elle Fanning, a la que hemos podido ver en ‘Super 8’, ‘Somewhere’ y ‘El Cascanueces 3D’ (‘The Nutcracker in 3D’). ¿Qué os parecen estos resultados?

PD: El siguiente post desvelará el nombre del mejor director de 2011. Todavía podéis votar tanto en esa encuesta como en las de peor película y mejor película.

‘Drive’

Dirección: Nicolas Winding Refn. País: USA. Año: 2011. Duración: 102 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: Ryan Gosling (Driver), Carey Mulligan (Irene), Ron Perlman (Nino), Christina Hendricks (Blanche), Bryan Cranston (Shannon), Oscar Isaac (Standard), Albert Brooks (Bernie Rose), Kaden Leos (Benicio), James Biberi (Chris Cook). Guion: Hossein Amini; basado en la novela homónima de James Sallis. Producción: Marc Platt, Michael Litvak, Gigi Pritzker, Adam Siegel y John Palermo. Música: Cliff Martinez. Fotografía: Newton Thomas Sigel. Montaje: Mat Newman. Diseño de producción: Beth Mickle. Vestuario: Erin Benach. Distribuidora: Buena Vista International Spain. Calificación por edades: No recomendada para menores de 18 años.

Sinopsis: Driver es un conductor especialista de cine por el día y un conductor para fugas por la noche. Pero no importa el trabajo que tenga que hacer porque Driver se siente siempre a gusto detrás del volante. Shannon es mentor de Driver a la vez que su jefe. Desde que se dio cuenta del talento de Driver al volante, le busca directores de cine y televisión para sus películas o criminales que necesiten al mejor conductor para sus fugas, llevándose una comisión en ambos casos. Pero el mundo de Driver cambia el día que se encuentra con Irene.

¿Qué podéis esperar? Una de las mejores películas del año. Está en mi “top 5”.

Críticas en Blogdecine:

‘Drive’, la conciencia del escorpión

‘Drive’, la serenidad al volante

‘Un lugar para soñar’

Título original: ‘We bought a zoo’. Dirección: Cameron Crowe. País: USA. Año: 2011. Duración: 124 min. Género: Drama. Interpretación: Matt Damon (Benjamin Mee), Scarlett Johansson (Kelly Foster), Elle Fanning (Lily Miska), Thomas Haden Church (Duncan Mee), Patrick Fugit (Robin Jones), Angus Macfadyen (Peter), John Michael Higgins (Walter Ferris), Stephanie Szostak (Katherine). Guion: Aline Brosh McKenna y Cameron Crowe; basado en las memorias de Benjamin Mee. Producción: Julie Yorn, Rick Yorn y Cameron Crowe. Música: Jon Thor Birgisson. Fotografía: Rodrigo Prieto. Montaje: Mark Livolsi. Diseño de producción: Clay A Griffith. Vestuario: Deborah Lynn Scott. Distribuidora: Hispano Foxfilm.

Sinopsis: Benjamin Mee (Matt Damon) es un columnista de prensa y escritor de artículos de aventuras que, como padre viudo, se enfrenta al desafío de criar a sus dos hijos pequeños. Con la esperanza de que partir de cero y llevar una nueva vida restablecerá el espíritu familiar, Mee deja su empleo y compra una vieja casa rural situada en un terreno de unas ocho hectáreas fuera de la ciudad que incluye una irrepetible particularidad añadida: un zoológico denominado el Parque de Animales Rosemoor, residencia de docenas de animales encomendados al cuidado de la jefa de guardas Kelly Foster (Scarlett Johansson) y su entusiasta equipo. Sin experiencia, con poco tiempo y reducidísimo presupuesto, Mee se propone, con el apoyo de su familia y de la gente de la localidad, reabrir el zoo. Ahora, Benjamin ya no cuenta una historia de aventuras, sino que vive la suya propia en la misma puerta de su casa.

¿Qué podemos esperar? En el peor de los casos, una cursilada “made in Hollywood” sobre lo maravillosa que es la vida (sobre todo si Scarlett Johansson te quiere en su cama). El tráiler me da mala espina (Crowe es un realizador sobrevalorado) pero la veré, sobre todo por los actores. No parece una película apta para diabéticos, gente que mate animales por placer/entretenimiento, espectadores desempleados o que acaben de romper con su pareja. Por motivos diferentes, claro.

‘El Havre’

Título original: ‘Le Havre’. Dirección y guion: Aki Kaurismäki. Países: Finlandia, Francia y Noruega. Año: 2011. Duración: 93 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: André Wilms (Marcel Marx), Kati Outinen (Arletty), Jean-Pierre Darrousin (Monet), Blondin Miguel (Idrissa), Elina Salo (Claire), Evelyne Didi (Yvette). Producción: Aki Kaurismäki, Fabienne Vonier y Reinhard Brunding. Fotografía: Timo Salminen. Montaje: Timo Linnasalo. Diseño de producción: Wouter Zoon. Vestuario: Frédéric Cambier. Distribuidora: Golem.

Sinopsis: Marcel Marx, escritor y conocido bohemio, se ha autoexiliado en la ciudad de El Havre, donde siente que está más cerca de la gente después de adoptar el honrado (aunque no muy provechoso) oficio de limpiabotas. Ha enterrado el sueño de convertirse en un reconocido autor y vive felizmente dentro de un triángulo compuesto por su bar preferido, su trabajo y su esposa Arletty. Pero el destino provoca que se cruce con un inmigrante menor de edad llegado del África negra. Arletty cae enferma, y a Marcel no le quedará más remedio que alzarse una vez más ante el frío muro de la indiferencia humana con su optimismo y la solidaridad de los habitantes del barrio como únicas armas. Pero se enfrentará a la maquinaria ciega de un Estado constitucional, representado por la policía, que sigue la pista al joven refugiado. Ha llegado el momento de que Marcel se lustre los zapatos y enseñe los dientes.

¿Qué podéis esperar? Otra de las mejores películas del año. No sé por qué han esperado tanto en traerla, pero es estupenda, una historia divertida, cruda y emocionante. Eso sí, no vayáis con prisa. Para eso hay otras opciones.

Críticas en Blogdecine:

‘El Havre’, un pequeño milagro

‘El Havre’, un Kaurismäki social y optimista

‘El cambiazo’

Título original: ‘The change-up’. Dirección: David Dobkin. País: USA. Año: 2011. Duración: 113 min. Género: Comedia. Interpretación: Ryan Reynolds (Mitch), Jason Bateman (Dave), Leslie Mann (Jamie), Olivia Wilde (Sabrina), Alan Arkin (padre de Mitch). Guion: Jon Lucas y Scott Moore. Producción: Neal H. Moritz y David Dobkin. Música: John Debney. Fotografía: Eric Alan Edwards. Montaje: Greg Hayden y Lee Haxall. Diseño de producción: Barry Robison. Vestuario: Betsy Heimann. Distribuidora: Universal Pictures International Spain. Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis: Mitch y Dave eran amigos inseparables de niños y adolescentes, pero con el paso de los años, se han alejado. Dave es un abogado enganchado al trabajo, se ha casado y tiene tres hijos, pero Mitch sigue soltero, es un hombre niño que trabaja esporádicamente y que nunca se ha atado a nada ni a nadie. Mitch cree que Dave lo tiene todo: una preciosa esposa llamada Jamie, unos niños que le adoran y un trabajo muy bien pagado en un prestigioso bufete. Dave cree que vivir como Mitch, sin estrés ni presión, sin obligaciones, es un auténtico sueño hecho realidad. Después de compartir una sonada borrachera, los mundos de Mitch y Dave se vuelven del revés cuando se despiertan cada uno en el cuerpo del otro. A pesar de verse liberados de la rutina, no tardan en descubrir que sus respectivas vidas no son tan perfectas como parecía. Para complicarlo aún más, también está Sabrina, una abogada sexy que trabaja con Dave, y el padre de Mitch. Con el tiempo en contra, Mitch y Dave deberán luchar para no hacer añicos sus vidas antes de encontrar la forma de volver a ocupar sus cuerpos.

¿Qué podemos esperar? Que el guion no sea tan malo como parece en el tráiler, y que los protagonistas estén inspirados y divertidos cuando se intercambien las identidades de sus personajes. Soy fan de Jason Bateman (si no te cae bien, hazte un favor y empieza a ver ‘Arrested Development’) así que la voy a ver, tarde o temprano. Ya os contaré, deseadme suerte…

‘XP3D’

Dirección: Sergi Vizcaíno. País: España. Año: 2011. Duración: 86 min. Género: Thriller, terror. Interpretación: Amaia Salamanca (Ángela), Maxi Iglesias (José), Luis Fernández (Carlos), Úrsula Corberó (Belén), Manuel de Blas (Dr. Matarga), Alba Ribas (Diana), Óscar Sinela (Toni), Miguel Ángel Jenner (profesor Fuentes), Eduard Farelo (padre). Guion: Daniel Padró. Producción: Mar Targarona, Joaquín Padró y Mercedes Gamero. Música: Marc Vaillo. Fotografía: Sergi Bartrolí. Montaje: Joan Manel Vilaseca. Dirección artística: Rosa Ros. Vestuario: María Reyes. Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España. Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis: Ángela es una estudiante de psiquiatría escéptica ante la existencia del mundo paranormal. El profesor más duro y excéntrico de la facultad le propone a Ángela y a un grupo de estudiantes demostrar o desmentir la existencia del más allá investigando un pueblo minero con una historia oscura. Ángela y cuatro compañeros de clase emprenden entonces el viaje a Susurro, en compañía de Diana, la hermana menor de Ángela, que les presta su furgoneta (la relación entre ambas ha sido fría desde la infancia, cuando unos trágicos acontecimientos las separaron irremediablemente). Juntos recorren el pueblo y las antiguas minas de sal. Sin hacer caso a las advertencias, abren un portal hacia el Más Allá, con consecuencias imprevisibles.

¿Qué podemos esperar? Una basura. Y seguro que me estoy quedando corto. Tengo dos preguntas para los responsables de esta cosa: ¿por qué bautizaron la película como si fuera una impresora? ¿Los actores pensaban que iban a rodar un anuncio de ropa?

‘Porfirio’

Dirección y guion: Alejandro Landes. Países: Colombia. Año: 2011. Duración: 101 min. Género: Drama. Interpretación: Porfirio Ramírez Aldana (Porfirio), Jarlinsson Ramírez Reinoso (Lissin), Yor Jasbleidy Santos Torres (Jasbleidy). Producción: Francisco Aljure y Alejandro Landes. Fotografía: Thimios Bakatakis. Montaje: Eliane D. Katz. Diseño de producción: Daniela Schneider. Distribuidora: Karma Films.

Sinopsis: Porfirio es un hombre que ha quedado discapacitado a consecuencia del conflicto colombiano. Harto de soportar un Estado sordo y burocrático que no le apoya, decide tomar la justicia por su propia mano y por medios poco convencionales. Basada en una historia real ocurrida el 12 de septiembre de 2001, la película nos adentra, desde un punto de vista poético, en la vida cotidiana, el alma y los sueños de este personaje.

¿Qué podemos esperar? Que no sea muy aburrida. Una opción para los que van al cine buscando pequeñas historias humanas, y a ser posible, de cualquier país que no sea Estados Unidos. Si podéis elegir, id antes a ver la de Kaurismäki, no os arrepentiréis.

Continuamos con el repaso a lo más destacado que nos ha dejado el cine de 2011, en opinión de los lectores de Blogdecine. Tras las encuestas de mejor película, mejor director y mejor actor, os traigo ahora la de mejor actriz. Así que, ¿quién ha sido la mejor intérprete del año?

Nunca es fácil elegir lo mejor de todo un año cinematográfico, pero creo que con las interpretaciones es todavía más complicado. Yo sé cuál ha sido la película que más me ha entusiasmado (y por tanto, el mejor director), pero no tengo claro a quién votar en mejor actor o mejor actriz. Hay tantos intérpretes que han bordado sus papeles… Y eso que solo vamos a tener en cuenta los estrenos en España durante 2011; no es posible votar en esta encuesta, por tanto, a las protagonistas de ‘My Week with Marilyn’, ‘Albert Nobbs’ o ‘La dama de hierro’ (‘The Iron Lady’), que están en todas las quinielas al Oscar de este año en la categoría de mejor actriz.

Como en otras ocasiones, quiero aclarar que las diez propuestas que aparecen en el cuestionario que tenéis más abajo no son las únicas opciones disponibles, son solo sugerencias que he incluido después de consultar a mis compañeros editores y a los lectores que han participado en el correspondiente post de Respuestas. Recordad que tenéis el botón “otro” para escribir el nombre de vuestra actriz favorita si no aparece en la lista. Y sin más, os animo a dar vuestra opinión.

PD: El siguiente cuestionario estará centrado en la mejor película española de 2011.

‘El topo’

Título original: ‘Tinker, tailor, soldier, spy’. Dirección: Tomas Alfredson. Países: Reino Unido, Francia y Alemania. Año: 2011. Duración: 127 min. Género: Thriller. Interpretación: Gary Oldman (George Smiley), Colin Firth (Bill Haydon), Tom Hardy (Ricki Tarr), John Hurt (Control), Mark Strong (Jim Prideaux), Benedict Cumberbatch (Peter Guillam), Stephen Graham (Jerry Westerby), Ciarán Hinds (Roy Bland), Toby Jones (Percy Alleline), David Dencik (Toby Esterhase). Guion: Bridget O’Connor y Peter Straughan; basado en la novela homónima de John le Carré. Producción: Tim Bevan, Eric Fellner y Robyn Slovo. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Hoyte van Hoytema. Montaje: Dino Jonsäter. Diseño de producción: Maria Djurkovic. Vestuario: Jacqueline Durran. Distribuidora: DeAPlaneta. Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis: La historia del film nos traslada a los años 70. El fracaso de una misión en Hungría desencadena un cambio en la cúpula de mando de los servicios británicos. Uno de los defenestrados es el agente George Smiley. Cuando Smiley ya se ha hecho a la idea del retiro, le encargan una misión especial. Hay sospechas de que un “topo” está infiltrado entre las altas instancias del Servicio y sólo alguien de fuera puede descubrirlo. Con ayuda de otros retirados y de algún agente fiel, Smiley irá recabando información y encajando las piezas que le lleven al traidor. Por el camino encontrará historias de traición, ambición y mentiras.

¿Qué podéis esperar? Una de las mejores películas del año. Imprescindible.

Crítica en Blogdecine:

‘El topo’, el lado humano de los espías

‘Immortals’

Dirección: Tarsem Singh. País: USA. Año: 2011. Duración: 111 min. Género: Acción, fantástico. Interpretación: Henry Cavill (Teseo), Mickey Rourke (rey Hiperión), Freida Pinto (Fedra), Luke Evans (Zeus joven), Kellan Lutz (Poseidón), Isabel Lucas (Atenea), John Hurt (anciano), Stephen Dorff (Stravros), Daniel Sharman (Ares), Joseph Morgan (Lisandro), Peter Stebbings (Helios). Guion: Charley Parlapanides y Vlas Parlapanides. Producción: Mark Canton, Ryan Kavanaugh y Gianni Nunnari. Música: Trevor Morris. Fotografía: Brendan Galvin. Montaje: Stuart Levy y Wyatt Jones. Diseño de producción: Tom Foden. Vestuario: Eiko Ishioka. Distribuidora: Universal Pictures International Spain. Estreno en USA: 11 Noviembre 2011. Estreno en España: 23 Diciembre 2011. Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis: El brutal y sangriento rey Hiperión y su despiadado ejército avanzan por Grecia, destruyéndolo todo a su paso con implacable eficiencia. Los pueblos caen uno tras otro ante los hombres de Hiperión y cada victoria le acerca un poco más a su objetivo: desatar la furia de los titanes dormidos para vencer a los dioses del Olimpo y a medio mundo. Nada parece capaz de detener el inexorable avance del malévolo rey en su conquista del mundo, hasta que un joven llamado Teseo jura vengar a su madre, que ha perecido en uno de los ataques de Hiperión. Teseo pide consejo al Oráculo de la Sibila, Fedra, que ante las perturbadoras visiones del futuro del joven, se convence de que solo él podrá detener la terrible destrucción. Con su ayuda, Teseo reúne a un pequeño grupo de hombres y asume su destino en una batalla desesperada por el futuro de la humanidad.

¿Qué podemos esperar? Un espectáculo violento similar a ‘300’, con la imaginación visual del director de ‘The Fall’. El segundo plato para los que ya hemos visto ‘El topo’.

En Blogdecine:

‘Immortals’, la película

‘Immortals’, derroche de testosterona del todo a cien

‘Noche de fin de año’

Título original: ‘New Year´s Eve’. Dirección: Garry Marshall. País: USA. Año: 2011. Duración: 118 min. Género: Comedia romántica. Interpretación: Halle Berry (Aimee), Ashton Kutcher (Randy), Jessica Biel (Tess), Jon Bon Jovi (Jensen), Robert De Niro (Stan), Josh Duhamel (Sam), Zac Efron (Paul), Katherine Heigl (Laura), Sarah Jessica Parker (Kim), Abigail Breslin (Hailey), Chris “Ludacris” Bridges (Brendan), Sofía Vergara (Ava), Michelle Pfeiffer (Ingrid), Hilary Swank (Claire), Seth Meyers (Griffin), Lea Michele (Elise), Carla Gugino, Hector Elizondo (Kominsky), Til Schweiger (James). Guion: Katherine Fugate. Producción: Mike Karz, Wayne Rice y Garry Marshall. Música: John Debney. Fotografía: Charles Minsky. Montaje: Michael Tronick. Diseño de producción: Mark Friedberg. Vestuario: Gary Jones. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

Sinopsis: ‘Noche de Fin de Año’ es la secuela de la película romántica ‘Historias de San Valentín’ y se trata de una celebración de amor, esperanza, perdón, segundas oportunidades y nuevos comienzos en plena Navidad, a través de las historias entrelazadas de parejas y personas solteras, contadas con el telón de fondo de la emoción y lo que Nueva York promete en Nochevieja, la noche más deslumbrante del año.

¿Qué podemos esperar? Un extenso anuncio publicitario de la ciudad de Nueva York y una cursilada difícilmente soportable para la mayoría de los mortales. Solo apta para muy fans de las estrellas que aparecen en el reparto.

‘El rey león 3D’

Título original: ‘The lion king 3D’. Dirección: Roger Allers y Rob Minkoff. País: USA. Año: 1994. Duración: 89 min. Género: Comedia, familiar, musical. Doblaje original: Matthew Broderick (Simba adulto), Jim Cummings (Ed), Nathan Lane (Timon), Jeremy Irons (Scar), James Earl Jones (Mufasa), Ernie Sabella (Pumbaa), Whoopi Goldberg (Shenzi), Rowan Atkinson (Zazu). Guion: Irene Mecchi, Jonathan Roberts y Linda Woolverton. Producción: Don Hahn. Música: Hans Zimmer. Montaje: Ivan Bilancio. Diseño de producción: Chris Sanders. Distribuidora: The Walt Disney Company Spain. Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

Sinopsis: El clásico de Disney nos cuenta las aventuras de Simba, el adorable cachorro de león que está deseando ser rey. Pero su envidioso tío Scar tiene otros planes ya que quiere ascender al trono y obliga a Simba a exiliarse del reino. Solo y a la deriva, Simba no tarda en unirse a las andanzas de un divertidísimo suricato llamado Timón y de un cariñoso jabalí llamado Pumba. De este modo, Simba adopta el estilo de vida relajado de Hakuna Matata y olvida sus responsabilidades hasta que comprende cuál es su destino y regresa a las Tierras del Orgullo para recuperar su lugar en el Círculo de la Vida.

¿Qué podemos esperar? Que el 3D no estropee una de las mejores películas de la factoría Disney. Yo no pagaría ni un céntimo por verla en ese formato, pero supongo que muchos padres no tendrán más remedio si quieren vivir una hora y media de paz.

‘Route Irish’

Dirección: Ken Loach. Países: Reino Unido, Francia, Bélgica, Italia y España. Año: 2010. Duración: 112 min. Género: Drama, bélico. Interpretación: Mark Womack (Fergus), John Bishop (Frankie), Andrea Lowe (Rachel), Geoff Bell (Walker), Jack Fortune (Haynes), Talib Rasool (Harim), Craig Lundberg (Craig), Trevor Williams (Nelson), Russell Anderson (Tommy), Jamie Michie (Jamie). Guión: Paul Laverty. Producción: Rebecca O’Brien. Música: George Fenton. Fotografía: Chris Menges. Montaje: Jonathan Morris. Diseño de producción: Fergus Clegg. Vestuario: Sarah Ryan. Distribuidora: Alta Classics. Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis: Liverpool, agosto de 1976. Fergus, de 5 años, conoce a Frankie en su primer día de colegio. Se convertirán en inseparables. Siendo adolescentes, faltan a las clases para ir a beber sidra en el ferry que cruza el río Mersey, mientras sueñan con viajes alrededor del mundo. Pero Fergus nunca imaginó que su sueño se haría realidad mediante una carrera en el cuerpo de élite de las fuerzas especiales del Reino Unido, las SAS. Tras haber dimitido, en septiembre de 2004, Fergus logra convencer a Frankie (a su vez, antiguo paracaidista) de incorporarse a su equipo de agentes de seguridad, en Bagdad, a cambio de un salario mensual de 10.000 libras libres de impuestos. Es su última oportunidad para “ganar pasta” en esta guerra cuya privatización va en aumento. Juntos, arriesgarán su vida en una ciudad en la que reina la violencia, el terror y la codicia.

¿Qué podemos esperar? Un interesante drama que despierte reflexiones y debates. Es de Loach y hay que verla. A pesar de que la distribuidora la haya traído tan tarde (y sin anunciarla apropiadamente, menuda desfachatez).

‘Copito de Nieve’

Dirección: Andrés G. Schaer. País: España. Año: 2011. Duración: 86 min. Género: Aventuras, familiar. Interpretación: Pere Ponce (Luc de Sac), Elsa Pataky (Bruja del Norte), Claudia Abate (Paula), Joan Sullà (Leo), Rosa Boladeras (Ana), Félix Pons Ferrer (Daniel), Mercè Comes (abuela despistada), Constantino Romero (voz de Ron), Carlos Latre (voz de Ailur). Guion: Albert Val y Amèlia Mora. Producción: Julio Fernández. Música: Zacarías M. de la Riva. Fotografía: Sergi Bartrolí. Montaje: Álex de Molina. Dirección artística: Sylvia Steinbrecht. Vestuario: María Engo. Distribuidora: Filmax. Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

Sinopsis: Copito de Nieve, el único gorila blanco del mundo, llega al zoo de Barcelona. Debido a su albinismo, acapara todas las miradas de los visitantes, pero también provoca el rechazo de sus nuevos compañeros gorilas, que no lo aceptan como uno de los suyos. Desesperado por integrarse, Copito irá en busca de la Bruja del Norte para que lo convierta en un gorila normal y corriente. Durante su aventura se enfrentará a innumerables peligros, la mayoría planeados por Luc de Sac, un gafe malvado que quiere capturar al gorila blanco. Paula, la mejor amiga humana de Copito de Nieve; Leo, el amigo de Paula; y Ailur, un panda rojo budista que se cree una pantera, serán los compañeros inseparables del gorila.

¿Qué podemos esperar? No morir de vergüenza ajena. La propuesta española para estas fiestas lo tendrá difícil para lograr espectadores, no tanto por la fuerte competencia internacional sino por la mala pinta que tiene, parece una estupidez solo apta para recién nacidos. Espero equivocarme…

‘El Cascanueces 3D’

Título original: ‘Nutcracker in 3D’. Dirección: Andrei Konchalovsky. Países: Reino Unido y Hungría. Año: 2010. Duración: 101 min. Género: Fantasía, familiar, musical. Interpretación: Elle Fanning (Mary), Nathan Lane (tío Albert), Frances de la Tour (reina Rata/Eva), John Turturro (rey Rata), Richard E. Grant (padre), Yulia Visotskaya (madre/hada madrina), Aaron Michael Drozin (Max), Charlie Rowe (príncipe), Shirley Henderson (Cascanueces). Guion: Andrei Konchalovsky y Chris Solimine; basado en el cuento de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann. Producción: Andrei Konchalovsky y Paul Lowin. Música: Edward Artemiev. Fotografía: Mike Southon. Montaje: Henry Richardson, Mathieu Bélanger y Andy Glen. Diseño de producción: Kevin Phipps. Vestuario: Louise Stjernsward. Distribuidora: Flins & Pinículas.

Sinopsis: Un cuento de hadas clásico con toques, golpes y temas modernos, El Cascanueces 3D comienza cuando el viejo cascanueces de madera de Mary cobra vida durante la noche de Navidad. Inmediatamente la niña se ve envuelta en una aventura llena de magia, fantasía y peligro. Inspirada en el legendario ballet, El Cascanueces 3D contiene ocho canciones del aclamado letrista Tim Rice (El Rey León, La Bella y la Bestia, Evita, Jesucristo Superstar) todas ellas basadas en las famosas partituras de Tchaikovsky.

¿Qué podemos esperar? Un espectáculo en 3D para ver en familia, si no hay ganas de volver a pagar para ver a Simba en la gran pantalla. He leído comentarios de todo tipo sobre esta película de Konchalovsky (la distribuidora más o menos lo califica de genio por cosas como ‘Tango & Cash’), así que mucha precaución. Puede resultar cualquier cosa…

‘El hombre cerilla’

Título original: ‘L´uomo Fiammifero’. Dirección: Marco Chiarini. País: Italia. Año: 2009. Duración: 87 min. Género: Fantástico. Interpretación: Marco Leonzi (Simone), Francesco Pannofino (padre), Greta Castagna (Lorenza), Davide Curioso (Rubin), Tania Innamorati (madre). Guion: Marco Chiarini, Giovanni De Feo y Pietro Albino Di Pasquale. Producción: Dimitri Bosi y Fabrizio Cico Diaz. Música: Enrico Melozzi. Fotografía: Pierluigi Piredda. Montaje: Lorenzo Loi y Marco Chiarini. Diseño de producción: Michele Modaferri. Vestuario: Chiara Ferrantini. Distribuidora: Sherlock Films. Estreno en Italia: 7 Diciembre 2009. Estreno en España: 23 Diciembre 2011. Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

Sinopsis: Simone es un niño de 11 años que vive en el campo con su malhumorado padre, el cual siempre le está castigando sin dejarle salir de casa. Continuamente tentado por la excitante llamada de la aventura, se fuga en cuanto encuentra la ocasión en busca de un ser mítico, El Hombre Cerilla, que puede hacer cumplir sus más profundos deseos. Para encontrar a esta fantástica criatura se servirá de su singular y loco universo de estrambóticos amigos: Armando Armario, Luz Ciérnaga, Óscar Oscuro, el Tío Disco y Manos Grandes; a los que se unirá Lorenza, una coqueta niña de 13 años que llega al campo para pasar las vacaciones. Pero el enemigo número uno de Simone, el despreciable Rubin, les sigue la pista.

¿Qué podemos esperar? Pues otra aventura infantil que no aburra o desespere a los padres. Os dejo el tráiler, que es un desastre, pero la película no pinta del todo mal:

‘Rare Exports: Un cuento gamberro de navidad’

Título original: ‘Rare Exports: A Christmas Tale’. Dirección: Jalmari Helander. Países: Finlandia, Noruega, Francia y Suecia. Año: 2010. Duración: 84 min. Género: Comedia negra, suspense. Interpretación: Onni Tommila, Jorma Tommila, Per Christian Ellefsen, Tommi Korpela, Rauno Juvonen. Guion: Jalmari Helander, basada en un idea original de The Helander Brothers. Producción: Petri Jokiranta. Música: Juri Seppä y Miska Seppä. Fotografía: Mika Orasmaa. Montaje: Kimmo Taavila. Diseño de producción: Jalmari Helander. Vestuario: Saija Siekkinen. Distribuidora: Vértigo Films. Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis: Las prospecciones que realiza un grupo de científicos en un pueblo del norte de Finlandia están alterando el ánimo de los lugareños. El pequeño Pietari será uno de los primeros en darse cuenta de que algo extraño se está tramando. Su curiosidad le llevará a descubrir el terrorífico origen de uno de los personajes más populares de la Navidad: Santa Claus.

¿Qué podéis esperar? Una idea muy jugosa echada a perder. La triunfadora del festival de Sitges 2010 cuenta con una premisa muy potente pero Helander no es capaz de sacarle provecho y le queda una película floja que puede aburrir a mucha gente. Avisados quedáis.

‘No tengas miedo a la oscuridad’

Título original: ‘Don´t be afraid of the dark’. Dirección: Troy Nixey. País: USA. Año: 2010. Duración: 85 min. Género: Terror. Interpretación: Katie Holmes (Kim), Guy Pearce (Alex Hurst), Bailee Madison (Sally), Garry McDonald (Blackwood), Edwina Ritchard (Srta. Winter), Jack Thompson (Harris), Alan Dale (Charles), Julia Blake (Sra. Underhill), Nicholas Bell (doctor). Guion: Guillermo del Toro y Matthew Robbins; basado en el telefilm de 1973 de Nigel McKeand. Producción: Mark Johnson y Guillermo del Toro. Música: Marco Beltrami y Buck Sanders. Fotografía: Oliver Stapleton. Montaje: Jill Bilcock. Diseño de producción: Roger Ford. Vestuario: Wendy Chuck. Distribuidora: Tripictures. Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis: Basada en un telefilm de la ABC del año 1973, la película nos cuenta la historia de una niña (Bailee Madison) que se muda con su padre (Guy Pearce) y la novia (Katie Holmes) de éste a una casa en la que habitan unas criaturas demoníacas. Cuando la pequeña las descubre, primero sentirá cierta fascinación por ellas, pero luego comprobará lo peligrosas que son.

¿Qué podemos esperar? Un correcto relatillo de terror para pasar una hora y media entretenidos, sin mirar el reloj. Espero. Una anécdota: Guillermo del Toro himself nos escribió un correo, molesto por mis palabras en un post sobre esta película, asegurando que se había implicado mucho en la producción y que confiaba plenamente en la labor del director. Así que ya sabéis a quien podéis culpar si la película es mala.

‘Pepe & Rubianes’

Dirección: Manuel Huerga. País: España. Año: 2011. Género: Documental. Intervenciones: Joan Manuel Serrat, Lucila Aguilera, Carles Flavià, Joan Gràcia, Toni Coll, María Rosales, Pepe Molina, Joan Lluìs Bozzo, Manel Pousa. Guion: Lluís Arcarazo. Producción: Jaume Roures. Música: Xavier Capellas. Fotografía: Mario Montero. Montaje: Pablo Montes. Distribuidora: Alta Classics.

Sinopsis: El 12 de enero de 2011, en un piso del Paseo de Gracia, un grupo de amigos que le conocieron mejor que nadie y que se autodenominan ‘Las viudas de Rubianes’, se encuentran (como acostumbran a hacer de vez en cuando) para cenar y recordar cómo era Pepe, su insólita personalidad, los buenos (y malos) momentos compartidos, las anécdotas, los rasgos que mejor definen al cómico más polémico e inclasificable de este país. Compañeros inseparables como Joan Lluís Bozzo, con quien comenzó su carrera de actor; Pepe Molina, actor, con quien compartió tantas vivencias y viajes; Joan Gràcia, miembro del Tricicle, Lucila Aguilera, con quien estuvo casado siete años manteniendo posteriormente una amistad profunda y sincera; Carles Flavià, cómico, showman y amigo del alma; María Rosales, su gran amor y mano derecha durante quince años; Toni Coll, su manager; Manel Pousa, “el padre Manel”, el cura con el que Rubianes colaboró en festivales benéficos, y, por último, Joan Manuel Serrat, amigo de toda la vida por el que Pepe sentía una admiración recíproca.

¿Qué podemos esperar? Un emocionante homenaje a Rubianes, si Huerga ha estado inspirado. Para fans del actor y su trasero.

El 23 de diciembre se estrenará ‘El cascanueces 3D’ (‘The Nutcracker in 3D’, 2010), adaptación a nuestros tiempos del clásico cuento infantil navideño, que ha llevado a cabo el director ruso de Andrei Konchalovsky, sobre un guion que ha escrito junto con Chris Solimine. John Turturro, Nathan Lane, Elle Fanning y Richard E. Grant protagonizan la cinta anglo-húngara, que se podrá ver tanto en 2D como en tres dimensiones.

Corren los años 20 en Viena. María, una niña a de 9 años vive en una casa repleta de objetos encantadores y soledad. Molestada por su irritante hermano Max y desatendida por sus bien intencionados pero distraídos padres, añora la compañía y la aventura. La víspera de Navidad su querido tío Albert llega con el regalo de un muñeco de madera cascanueces. Más tarde esa noche, la imaginación de Mary vuelve el muñeco a la vida. Presentándose como NC, lleva a Mary a un viaje maravilloso a través de una increíble dimensión donde los juguetes asumen forma humana y donde todo es diez veces más grande.

Inspiradas en el ballet de ‘El cascanueces’, de Chaikovski, la película contiene ocho canciones de Sir Tim Rice, el letrista y libretista ganador de un Oscar, que ha compuesto partituras para ‘El rey león’, (‘The Lion King’), ‘Evita’ y ‘Jesucristo Superstar’ (‘Jesus Christ Superstar’), entre otras.

Konchalovsky, que ha firmado películas como ‘El círculo del poder’, ‘Tango y Cash’, ‘El tren del infierno’, ‘Siberiade’... hace un cambio considerable en su tono al pasarse a algo tan infantil. Muchas veces, las películas para niños pueden verse con cualquier edad porque tienen algo que nos divierte a todos o porque apelan a la nostalgia y nos atrapan. Sin embargo, lo que este tráiler vende aparenta ser –presupongo, no prejuzgo, pues habrá que esperar al estreno para ser categórica– algo que gustará principal o exclusivamente a los más pequeños.

Vía | YouTube.

¿Quién es Johnny Marco?

Casi un año después de pasar por los cines de varios países europeos (puede comprarse por menos de 7 euros en Amazon), el pasado viernes se estrenó estrenó en España ‘Somewhere’, la cuarta película de Sofia Coppola, galardonada con el León de Oro del Festival de Venecia 2010. Debió ser una edición mediocre la del año pasado si éste era el mejor trabajo que competía en la sección oficial, o quizá el jurado (presidido por Quentin Tarantino) quiso ir de especial y de compasivo apoyando el cine más desvalido y endeble, que no destacara por sus propias virtudes, a fin de cuentas en la mayoría de las ocasiones participar o ganar en festivales no es más que publicidad, un empujón justo para llamar la atención (y una inyección de ruido y dinero para una ciudad). Teniendo en cuenta que se presentaron obras como la contundente ’13 asesinos’ o la cautivadora ‘Cisne negro’, y que Álex de la Iglesia fue premiado por el guion y la dirección de una película tan torpe como ‘Balada triste de trompeta’, me inclino más por la segunda teoría. Un disparate el palmarés de la Mostra 2010, en cualquier caso.

‘Somewhere’ gira en torno a Johnny Marco (Stephen Dorff), una estrella de Hollywood que lleva una vida de excesos en el famoso hotel Chateau Marmont de Los Angeles, con todo el dinero del mundo, las mujeres a sus pies y mucho tiempo libre para fiestas, sexo y borracheras. Y sin embargo, es un hombre solitario, aburrido, cansado, desorientado, apagado. Se diría que no le falta nada, que tiene acceso a todo, pero debajo de la superficie no hay nada, Johnny se siente vacío, un estado del que solo puede escapar cuando se entrega a distracciones que satisfacen sus impulsos a corto plazo. Pero se despierta al día siguiente y nada ha cambiado en su interior. Un día su ex, con la excusa de una crisis personal, le deja temporalmente al cuidado de la hija de ambos, la adolescente Cleo (Elle Fanning). La chica, prácticamente una desconocida para su padre, supondrá una inyección de luz, diversión y alegría en la gris existencia de Johnny, y éste comenzará a plantearse realmente qué está haciendo y a dónde quiere ir.

Puede que el punto de partida anime a mucha gente a ir a ver ‘Somewhere’, seguramente buscando algo parecido a lo que ofrece Tom Hanks con su ‘Larry Crowne’, pero conviene destacar que estamos ante una de esas historias en las que, como suele decirse, “no pasa nada”. Ya sabéis, personajes inexpresivos, miradas al infinito, tomas estáticas que duran más de lo habitual, escenas cotidianas, pocos y simples diálogos, comportamientos que no parecen tener ninguna lógica, situaciones repetidas, silencios… Es una película de esa clase. Coppola no está interesada en una narrativa convencional, en tener entretenido al espectador o contar una de esas típicas historias de redención barata, todo eso le da igual, lo que pretende es crear ambiente y plasmar, con lo mínimo, ese insustancial y monótono día a día del protagonista, atrapado en una existencia sin rumbo. De hecho, la película empieza con una metáfora muy simplona que viene a decirnos tal cosa, una escena en la que vemos a Johnny dar vueltas con su Ferrari, pasando varias veces por delante de la cámara, como si estuviera en un pequeño circuito cerrado.

Es mucho más interesante la relación que se establece entre la profesión y la vida que tiene Johnny, dando lugar a la potente imagen que encabeza esta crítica. No soy yo nadie para decirle a Sofia Coppola qué tendría que haber hecho con su película, pero si me hubiera consultado (todos pensamos que los demás necesitan nuestros consejos, ¿cierto?), le habría instado a seguir por ese camino, por explotar cómo se altera y se degrada la vida del protagonista al seguir el juego de la industria y los medios. Aunque ha declarado que no se trata de una película autobiográfica (parece obvio, su padre no tiene pinta de parecerse mucho al padre de Cleo), la directora tira de experiencias personales para crear esta burbuja en la que queda atrapado el protagonista, acomodado en un mítico “castillo” (símbolo de privilegio y estancamiento). ‘Somewhere’ funciona mostrando la abismal diferencia que hay entre la máscara pública y la verdadera esencia de este hombre, que no tiene nada de especial. Pero lo han elegido, es famoso, admirado y deseado. Una moda, una farsa. La sesión de fotos, la rueda de prensa, la ceremonia de premios, sus relaciones con las mujeres… una rueda de acontecimientos que han perdido valor y sentido para el protagonista.

La soledad, el vacío existencial del personaje se traza con crudeza y precisión, pero Coppola cae en el error de subrayarlo. Se podía haber plasmado lo mismo en mucho menos tiempo, sin recurrir a situaciones que inciden en las mismas ideas (¿eran necesarias todas las partidas en la Wii o la de ping-pong?) ni tanta parsimonia mostrando algo que no requiere más que un vistazo, sin que aporten nada todos esos segundos de más que dura el plano; la escena de Johnny y Cleo tomando el sol mientras la cámara se aleja está exagerada gratuitamente (si se quería reflejar la paz de ambos bastaba con ese momento en el que oyen juntos una canción). ‘Lost in Translation’ también hablaba de la soledad, el hastío y la desorientación, y también iba de un triste actor que comparte unos días con una chica joven (el interés no es el mismo, pero el efecto es similar), y también era “lenta”, la cámara se quedaba embobada con los actores sin que éstos hicieran nada especial, pero había frescura, sugerencia e ideas por explotar, los personajes tenían mucho que decir aunque no dijeran nada. Eran retazos de algo grande, y queríamos ver más. Aquí hay poco y uno se cansa de mirar.

No comparto en absoluto la fascinación que sienten algunos (unos de verdad, otros por aparentar) hacia los tiempos muertos en el cine, creo que un cineasta tiene la obligación de aportar algo con cada instante, que cada plano debe importar, porque lo más fácil es enfocar algo y dejarlo ahí, y que el espectador mire y entienda lo que le dé la gana, haya algo qué mirar o no; no veo qué mérito tiene hacer algo que puede hacer cualquiera. Eso sí, los actores salen beneficiados de la manera en la que trabaja Coppola, dejando escenas de mínimo contenido tanto tiempo, pues tienen el lujo de poder vivir relajada y naturalmente la ficción, de dejarse llevar, sin decir o hacer nada que no sientan que sale de dentro. Stephen Dorff se ve muy cómodo con el personaje de Johnny Marco, y lo hace suyo sin esfuerzo aparente. Elle Fanning confirma que es una de las actrices más valiosas y prometedoras del momento, está perfecta y tiene una escena maravillosa en la que cuesta no emocionarse; tiene algo especial esta chica, es capaz de coger una escena de lo más corriente y hacerla brillar. Por lo demás, cabe destacar la breve participación de Michelle Monaghan, Alden Ehrenreich (el joven protagonista de ‘Tetro’) y Benicio del Toro, que apenas tiene un cameo de unos segundos.

‘Larry Crowne, nunca es tarde’

Dirección: Tom Hanks. Título original: Larry Crowne. País: USA. Año: 2011. Duración: 99 min. Género: Comedia, drama, romance. Interpretación: Tom Hanks (Larry Crowne), Julia Roberts (Mercedes Tainot), Bryan Cranston (Dean Tainot), Taraji P. Henson (B’Ella), Wilmer Valderrama (Dell Gordo), Rob Riggle, Cedric the Entertainer (Lamar), Gugu Mbatha-Raw (Talia), Rami Malek (Steve Dibiasi), Pam Grier (Frances), Nia Vardalos (voz de Map Genie). Guion: Tom Hanks y Nia Vardalos. Producción: Gary Goetzman y Tom Hanks. Música: James Newton Howard. Fotografía: Philippe Rousselot. Montaje: Alan Cody. Diseño de producción: Victor Kempster. Vestuario: Albert Wolsky. Distribuidora: Tripictures. Estreno en USA: 1 Julio 2011. Apta para todos los públicos.

Sinopsis: Hasta que fue despedido, el afable y amigable Larry Crowne era un líder de primera en una gran compañía, donde trabajó desde que salió de la Marina. Con una hipoteca disparatada, por una vivienda devaluada, y sin saber qué hacer con tantos días libres, de repente, Larry sigue los consejos de su amigos y vecinos y se dirige a una universidad local para volver a empezar. En la Universidad Comunitaria de East Valley, Larry se convierte en parte de un pintoresco grupo de estudiantes que se mueven en vespa. Todos ellos están intentando ganarse un futuro mejor. Para su propio asombro, Larry empieza a sentirse atraído por su profesora, Mercedes Tainot, que ha perdido toda la pasión, tanto por la enseñanza como por el muerto de hambre de su marido. Mercedes no puede negar que los cambios en Larry son una inspiración, ni tampoco su creciente atracción por su alumno de mediana edad, quien está sufriendo una transformación fascinante. Un hombre simple, que tiene todas las razones del mundo para pensar que su vida se ha estancado, acabará aprendiendo una lección inesperada: cuando crees que todo lo que merece la pena ya ha pasado, es posible que descubras tu verdadera razón de ser.

¿Qué podemos esperar? Una comedia dramática suavizada y ligerita sobre lo que es importante en la vida. Tom Hanks, uno de las estrellas más queridas y taquilleras de la industria norteamericana, firma el guion (junto a Nia Vardalos), dirige y protagoniza esta historia que no ha funcionado muy bien en su país de origen. He leído que es bastante blandita, y me lo creo.

‘Somewhere’

Dirección y guion: Sofia Coppola. País: USA. Año: 2010. Duración: 97 min. Género: Drama. Interpretación: Stephen Dorff (Johnny Marco), Elle Fanning (Cleo), Michelle Monaghan (Rebecca), Laura Chiatti (Sylvia), Chris Pontius (Sammy), Benicio del Toro, Amanda Anka (Marge), Ellie Kemper (Claire). Producción: G. Mac Brown, Roman Coppola y Sofia Coppola. Música: Phoenix. Fotografía: Harris Savides. Montaje: Sarah Flack. Diseño de producción: Anne Ross. Vestuario: Stacey Battat. Distribuidora: Vértigo Films. Estreno en USA: 22 Diciembre 2010. Estreno en España: 30 Septiembre 2011. No recomendada para menores de 7 años.

Sinopsis: Johnny Marco es un actor de primera línea con perfil de chico malo, que tropieza por una vida llena de excesos. Vive en el legendario hotel Chateau Marmont de Hollywood, se pasea en su Ferrari y sus días son una neblina de alcohol, mujeres y fans. Arropado en esta celebridad inducida por un mundo artificial, Johnny ha perdido todo sentido de su verdadero ser. Hasta que un día, su hija de 11 años, Cleo, fruto de su fracasado matrimonio, se presenta en el hotel inesperadamente y comienza a ser su ancla con la realidad. Sus encuentros hacen que se enfrente a la cuestión de dónde se encuentra en su vida y a la pregunta que todos debemos afrontar: ¿qué camino tomarás en ella?

¿Qué podemos esperar? Un trabajo a la altura de ‘Lost in Translation’. Quiero pensar eso. Ganó el León de Oro en Venecia, algo debe tener. Una de las imprescindibles de este año.

‘Pina’

Dirección y guion: Wim Wenders. Países: Alemania, Francia y Reino Unido. Año: 2011. Duración: 103 min. Género: Musical. Intervenciones: Pina Bausch, Regina Advento, Malou Airaudo, Ruth Amarante, Rainer Behr, Andrey Berezin. Producción: Wolfgang Bergmann, Gabriele Heuser y Dieter Schneider. Música: Thom Hanreich. Fotografía: Helène Louvart y Jörg Widmer. Montaje: Toni Froschhammer. Diseño de producción: Péter Pabst. Vestuario: Rolf Börzik y Marion Cito. Distribuidora: Avalon. Estreno en Alemania: 24 Febrero 2011. Apta para todos los públicos.

Sinopsis: Largometraje en 3D sobre la Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, compañía de danza fundada por la gran coreógrafa alemana. A través de un viaje sensual, visualmente muy impactante, Wenders acerca al espectador sus coreografías más conocidas. Escrito, dirigido y producido por Wim Wenders, este film experimental revolucionará la relación entre el cine y la danza, no sólo por estar grabado en 3D, sino por la originalidad de su planteamiento. Está rodado íntegramente en escenarios urbanos y naturales de Wuppertal, ciudad alemana en la que Pina Bausch residió durante 35 años y hogar de la Tanztheater Wuppertal Pina Bausch.

Crítica en Blogdecine:

‘Pina’, danza tridimensional

‘Los tres mosqueteros’ (2011)

Dirección: Paul W.S. Anderson. Título original: The three musketeers. Países: Alemania, Francia, Reino Unido y USA. Año: 2011. Duración: 110 min. Género: Acción, aventuras, romance. Interpretación: Logan Lerman (D’Artagnan), Orlando Bloom (duque de Buckingham), Ray Stevenson (Porthos), Matthew Macfadyen (Athos), Milla Jovovich (Milady de Winter), Luke Evans (Aramis), Juno Temple (reina Ana), Christoph Waltz (cardenal Richelieu), Mads Mikkelsen (Rochefort), Til Schweiger (Cagliostro). Guion: Alex Litvak y Andrew Davies; basado en los personajes creados por Alejandro Dumas. Producción: Paul W.S. Anderson, Jeremy Bolt y Robert Kulzer. Música: Paul Haslinger. Fotografía: Glen MacPherson. Montaje: Alexander Berner. Diseño de producción: Paul D. Austerberry. Vestuario: Pierre-Yves Gayraud. Distribuidora: Aurum. Estreno en Alemania: 1 Septiembre 2011.

Sinopsis: Nueva adaptación de la famosa novela de aventuras de Alejandro Dumas, en esta ocasión en versión 3D, dirigida por Paul W.S. Anderson, responsable entre otros títulos de la saga ‘Resident evil’. Son conocidos como Athos, Porthos y Aramis, tres guerreros de élite que sirven al rey de Francia como sus mejores mosqueteros. Tras descubrir una malévola conspiración para derrocar al rey, los mosqueteros se cruzan con un joven que aspira a convertirse en héroe, D´Artagnan, y lo toman bajo su tutela. Juntos emprenden una peligrosa misión para frustrar el complot que amenaza no sólo a la Corona de Francia, sino al futuro de toda Europa.

¿Qué podemos esperar? Una lujosa tontería con pinta de videojuego sobre el clásico de Dumas. Parece una propuesta exclusiva para los que creen que el buen cine de acción es ver a gente saltando a cámara lenta, esquivando balas y cortando cuellos. Pero algunos nombres del reparto despiertan curiosidad, igual no es tan estúpida y aburrida como parece…

‘Johnny English returns’

Dirección: Oliver Parker. Título original: Johnny English reborn. País: Reino Unido. Año: 2011. Duración: 101 min. Género: Comedia. Interpretación: Rowan Atkinson (Johnny English), Gillian Anderson (Pamela Thornton), Dominic West (Simon Ambrose), Rosamund Pike (Kate Summer), Daniel Kaluuya (agente Tucker), Richard Schiff (Fisher), Togo Igawa (Ting Wang). Guion: Hamish McColl y William Davies; basado en los personajes creados por Neal Purvis y Robert Wade. Producción: Tim Bevan, Eric Fellner y Chris Clark. Música: Ilan Eshkeri. Fotografía: Danny Cohen. Montaje: Guy Bensley. Diseño de producción: Jim Clay. Vestuario: Beatrix Pasztor. Distribuidora: Universal Pictures International Spain. Apta para todos los públicos.

Sinopsis: En esta nueva entrega de ‘Johnny English’, el espía más insólito del servicio secreto de Su Majestad deberá detener a un grupo de asesinos internacionales antes de que eliminen a un líder mundial y abran la puerta al caos global. Durante su desaparición de la faz de la tierra, el mejor espía del MI7 ha estado puliendo sus increíbles habilidades en una lejana región de Oriente. Pero cuando sus jefes se enteran de que alguien planea atentar contra la vida del primer ministro chino, no les queda más remedio que encontrar al poco ortodoxo agente. El mundo le necesita y Johnny English vuelve a la carga. Ahora tiene la posibilidad de redimirse, y deberá hacer uso de lo último en tecnología para desenredar una complicada conspiración que implica al KGB, a la CIA e incluso al MI7. Faltan pocos días para que dé comienzo la conferencia estatal y un hombre deberá usar todos sus trucos para protegernos a todos. En la mente de Johnny English, el desastre puede ser una opción, pero el fracaso, jamás.

¿Qué podemos esperar? Lo mismo que ‘Johnny English’ (2003), una comedia poco ingeniosa y repetitiva para los muy fans de Atkinson.

‘El arte de pasar de todo’

Dirección y guion: Gavin Wiesen. Título original: The art of getting by. País: USA. Año: 2011. Duración: 84 min. Género: Drama, comedia, romance. Interpretación: Freddie Highmore (George Zinavoy), Emma Roberts (Sally Howe), Sasha Spielberg (Zoe), Michael Angarano (Dustin), Alicia Silverstone, Marcus Carl Franklin (Will), Ann Dowd (Sra. Grimes), Elizabeth Reaser (Charlotte), Rita Wilson (Vivian), Blain Underwood (director). Producción: Kara Baker, P. Jennifer Dana, Darren Goldberg y Gia Walsh. Música: Alec Puro. Fotografía: Ben Kutchins. Montaje: Mollie Goldstein. Diseño de producción: Kelly McGehee. Vestuario: Erika Munro. Distribuidora: Hispano Foxfilm. Estreno en USA: 17 Junio 2011. No recomendada para menores de 7 años.

Sinopsis: Se relata el principio de la vida adulta de George, un adolescente solitario y fatalista que ha llegado hasta el último curso sin poder decir que haya trabajado en serio ni un solo día. Se ha hecho amigo de Sally, una chica guapa y complicada que reconoce en él a un alma gemela. Sally le arrastra como un huracán al interior de su intenso mundo. Le invita a las fiestas de moda, le acompaña a galerías y museos, se va con él de pellas y acaba convirtiéndose en su mejor amiga. De forma casi inevitable, George, un chico del montón, descubre que se muere por los pedazos de la coqueta Sally, pero es incapaz de hallar el modo de hacerle saber sus sentimientos. Sally proporciona a George un refugio donde cobijarse de la vulgaridad del instituto y de la incertidumbre del hogar, donde la situación existente entre su madre y su padrastro no es lo que parece. Entonces, con el final del último curso echándosele encima, George recibe un ultimátum del director: o completa en las siguientes tres semanas todas las tareas que no ha realizado en todo el año, o no se graduará. George no tarda en ver cuán rápidamente el mundo se viene abajo cuando uno ha perfeccionado el arte de ir tirando.

¿Qué podemos esperar? En el cartel nos dicen que es del estudio que creó ‘Juno’ y ‘(500) días juntos’, si se parece algo a esas dos, al menos encontraremos algo entretenido. En cualquier caso, una buena oportunidad para comprobar el progreso de jóvenes talentos como Emma Roberts (sobrina de Julia, la vimos hace poco en la mediocre ‘Scream 4’) o Freddie Highmore (‘Charlie y la fábrica de chocolate’, ‘Descubriendo Nunca Jamás’).

‘Tralas luces’

Dirección y guion: Sandra Sánchez. Países: España, Argentina y Portugal. Año: 2011. Duración: 122 min. Género: Documental. Producción: Fernanda del Nido. Música: Acho Estol. Fotografía: Sandra Sánchez. Montaje: Sandra Sánchez y Nahum C. Fiuza. Estreno en España: 30 Septiembre 2011. Distribuidora: Festival Films.

Sinopsis: ‘Tralas Luces’ es la historia de un viaje. El viaje de Lourdes, una feriante que recorre en su caravana las carreteras del norte de España junto con su familia y con su pista de coches de choque a cuestas. Hace años, la pista era su gran sueño. Se metieron en gastos y fundaron una familia, pero los sueños tienen vida propia. Lourdes se ahoga en sus esperanzas y nadie parece darse cuenta. A través de carreteras, pueblos y aldeas, descubriremos un mundo en peligro de extinción, una vida itinerante, y sobre todo, una gran historia de amor y de pérdida.

¿Qué podemos esperar? Una historia cruda llena de esperanza, supongo. Suena bien la historia, pero debe ser difícil plasmar todo eso en la pantalla sin que resulte tedioso. Una opción para valientes.

‘Prom’

Dirección: Joe Nussbaum. País: USA. Año: 2011. Duración: 104 min. Género: Comedia dramática, romance. Interpretación: Aimee Teegarden (Nova), Thomas McDonell (Jesse), Nicholas Braun (Lloyd), Danielle Campbell (Simone), De´Vaughn Nixon (Tyler), Nolan Sotillo (Lucas), Cameron Monaghan (Corey), Kylie Bunbury (Jordan), Jonathan Keltz (Brandon Roberts). Guion: Katie Wech. Producción: Ted Griffin y Justin Springer. Música: Deborah Lurie. Fotografía: Byron Shah. Montaje: Jeffrey M. Werner. Diseño de producción: Mark White. Vestuario: Shoshana Rubin. Distribuidora: The Walt Disney Company Spain. Estreno en USA: 29 Abril 2011. Apta para todos los públicos.

Sinopsis: En ‘Prom’, todas las parejas tienen una historia y no hay dos exactamente iguales. El baile de graduación se acerca y las historias entrecruzadas del instituto están a punto de alcanzar su punto culminante. La película nos cuenta el complicado paso del instituto a la vida adulta. Algunas relaciones acabarán y otras empezarán…

¿Qué podemos esperar? Sobrevivir al visionado. El enésimo lavado de cerebro camuflado de comedia romántica para los más jóvenes. Huele mal.

‘Four Lions’

Dirección: Chris Morris. País: Reino Unido. Año: 2010. Duración: 97 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Riz Ahmed (Omar), Arsher Ali (Hassan), Nigel Lindsay (Barry), Kayvan Novak (Waj), Adeel Akhtar (Faisal), Benedict Cumberbatch (negociador), Julia Davis (Alice), Craig Parkinson (Matt), Preeya Kalidas (Sofía), Wasim Zakir (Ahmed). Guion: Chris Morris, Jesse Armstrong y Sam Bain. Producción: Mark Herbert y Derrin Schlesinger. Fotografía: Lol Crawley. Montaje: Billy Sneddon. Diseño de producción: Dick Lunn. Vestuario: Charlotte Walter. Distribuidora: Alta Classics. Estreno en Reino Unido: 7 Mayo 2010. No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis: Cuatro musulmanes que viven en Gran Bretaña toman la decisión de convertirse en terroristas. Omar y Waj deciden viajar a Pakistán para asistir a un campo de adiestramiento para kamikazes, mientras que Barry y Fessal se dedican a adiestrar cuervos para que transporten bombas a través de las ventanas de los edificios. Esta película no es ni pro ni antirreligiosa. La comedia surge de los conflictos de los personajes, de sus excesos y errores. ‘Four lions’ es la respuesta esencial a nuestro fracaso para interconectar con la realidad y una apuesta por la idea de que reír es mejor que matar.

¿Qué podemos esperar? Una comedia afilada, inteligente e irreverente. He leído cosas muy interesantes de esta película y no me la pienso perder. Además participa Benedict Cumberbatch, un actor al que hay que seguir.

‘Feliz año, abuela’

Dirección: Telmo Esnal. Título original: Urteberri on, amona! País: España. Año: 2011. Duración: 105 min. Género: Comedia negra. Interpretación: Josean Bengoetxea, Nagore Aranburu, Montserrat Carulla, Kontxu Odriozola, Pedro Otaegi. Guion: Telmo Esnal y Asier Altuna. Producción: Xabier Berzosa. Música: Javi P3z. Fotografía: Javier Aguirre. Montaje: Raúl López. Diseño de producción: Satur Idarreta. Distribuidora: Barton Films. Estreno en España: 30 Septiembre 2011. No recomendada para menores de 7 años.

Sinopsis: La abuela Mari está absorbiendo a su hija Maritxu, por lo que Joxemari (yerno de Mari y marido de Maritxu) decide internarla en una residencia. Joxemari debe internarla sin que su mujer lo sepa, con la ayuda de Kintxo, su yerno. Esto puede parecer una tarea sencilla, pero el carácter de la abuela provoca un duelo de consecuencias imprevisibles.

¿Qué podemos esperar? Buenas interpretaciones y sano humor negro, siendo optimistas. Es el primer largo en solitario de Esnal, creo que deberíamos darle una oportunidad. Si es que se puede, claro, habrá que ver en cuantas salas se proyecta…

‘Los castigadores’

Dirección: Arantza Ibarra y Alfonso Arandia. País: España. Año: 2010. Duración: 87 min. Género: Aventuras, comedia. Interpretación: Carlos Sobera (Fernando), Anne Igartiburu (Aurora), Izaro Baza (Ainara), Amaia Aberasturi (Leire), Estibaliz Sarasola (Sandra), Asier Vegas (Javi), Nikola Zalduegi, Pello Madariaga (David), Andoni Iban. Guion: Arantza Ibarra. Producción: José María Lara. Música: Javi P3z. Fotografía: Gaizka Bourgeaud. Montaje: Julia Juániz. Dirección artística: Sandra Galizia. Vestuario: Saioa Lara. Distribuidora: Alokatu. Apta para todos los públicos.

Sinopsis: Leire tiene 10 años, y sus mejores amigas son Ainara y Sandra, que van a su misma clase. Ángel, el chulito de la escuela, y sus amigos no paran de meterse con ellas (además de con toda la clase), hasta el punto de que Ainara le pide a sus padres que la cambien de colegio. Esta es la gota que colma el vaso para Leire, que decide tomar cartas en el asunto. Es así como se junta con Sandra y con Leo, un chico nuevo al que también acosa Ángel, y forma Los Castigadores, un grupo enmascarado con uniformes de super héroe que se encarga de darle su merecido a los abusones. El talento para la lucha de Leire, las dotes para el baile de Sandra y los inventos informáticos de Leo hacen al grupo invencible. Pero Ángel, y su influyente madre, es un hueso duro de roer.

¿Qué podemos esperar? Algo graciosillo y didáctico para los más peques de la casa. Espero, por el bien de los padres que acompañan a sus hijos al cine, que no sea el bodrio que anuncia el cartel.

‘Catalunya über alles!’

Dirección: Ramon Térmens. País: España. Año: 2010. Duración: 100 min. Género: Drama. Interpretación: Joel Joan, Jordi Dauder, Gonzalo Cunill, Babou Cham, Jean Claude Ricquebourg, Belén Fabra. Guion: Ramon Térmens y Daniel Faraldo. Producción: Ramon Térmens y Víctor H. Torner. Música: Glissando. Fotografía: Oriol Bosch Vázquez. Montaje: Víctor H. Torner. Dirección artística: Albert Arribas Forcada. Vestuario: Marta Alsina y Aitziber Sanz. Distribuidora: Segarra Films.

Sinopsis: Un ex presidiario, un inmigrante en paro y un empresario de éxito son los protagonistas de este retrato de la Cataluña interior. Tres historias que reflejan una sociedad en conflicto obligada a reinventarse o a saltar por los aires.

¿Qué podemos esperar? Un crítico retrato de problemas sociales de Cataluña en particular y de España en general. La historia puede dar mucho juego, pero me temo que Térmens y Faraldo hayan tirado por lo fácil y se hayan conformado con denunciar obviedades. Ojalá que no y sea una gran película que despierte conciencias.

Vía | Labutaca

20th Century Fox ha lanzado por fin el esperado tráiler de ‘We Bought a Zoo’ (‘Compramos un zoo’), el regreso del director Cameron Crowe, seis años después del estreno de su último trabajo (‘Elizabethtown’). Como ya os comenté cuando vimos las primeras imágenes, la película está basada en la historia real de Benjamin Mee (relatada en su novela ‘We Bought A Zoo: The Amazing True Story of a Young Family, a Broken Down Zoo, and the 200 Wild Animals that Changed Their Lives Forever’), un padre viudo que decide que su familia necesita un cambio de aires y compra una casa en medio de un terreno lleno de animales, en libertad desde el cierre de un zoológico.

Semejante argumento podría dar lugar a uno de esos productos con gente dándose golpes y cayendo sobre excrementos, pero no es el caso. ‘We Bought a Zoo’ es una comedia dramática no apta para diabéticos, con frases como “me gustan los animales, pero amo a las personas“. De esa clase. No es precisamente algo que me entusiasme, pero no voy a dejar de lado el hecho de que solo hemos visto un avance, y uno que supongo se ha montado para cautivar al mayor número de espectadores posibles (si se atrapa al público femenino, hay muchas opciones de que éste arrastre al masculino). Aline Brosh McKenna (‘El diablo viste de Prada’) y el propio Crowe firman el guion, y Matt Damon, Scarlett Johansson (tema de la semana a causa de ciertas fotos supuestamente robadas), Thomas Haden Church, Elle Fanning, Patrick Fugit, Stephanie Szostak, Carla Gallo, Angus Macfadyen y John Michael Higgins encabezan el reparto. Llega a los cines de Estados Unidos el próximo 23 de diciembre.

Actualización: La película se estrena en España el 28 de diciembre con el título ‘Un lugar para soñar’.

PD: Gracias a Narmondil por el aviso.

-Las cosas malas suceden, pero podemos seguir viviendo

A falta de un buen DeLorean a mano, creo que una de las mejores máquinas del tiempo que existen es el Cine. El séptimo arte nos ha llevado a infinidad de rincones del planeta en infinidad de momentos históricos, a vivir mil y una historias. En un momento uno puede viajar al lejano Oeste, perderse en la maravillosa gama de grises del mejor cine negro, o acompañar a pilotos interestelares en lejanas galaxias. Se le puede dar una vuelta de tuerca, y ahora, con tanto ejercicio de revisionismo, podemos viajar ya no a épocas concretas de la historia, sino a épocas cinematográficas. El homenaje cinéfilo como forma de narración es, sin duda, arriesgado, pero J.J. Abrams ha salido airoso de un proyecto de lo más atractivo: trasladar la magia de Amblin —productora de Spielberg que nos regaló inolvidables producciones en los 80—a nuestros días, tan empapados de lenguaje televisivo, algo que el creador de ‘Lost’ conoce muy bien.

Resulta curioso que una de aquellas películas sea precisamente la estupenda ‘Regreso al futuro’ (‘Back to the Future’, Robert Zemeckis, 1985). Abrams se ha convertido en el Doctor Emmet Brown, y nos ha llevado hacia a aquellos años en los que películas como ‘E.T.’ (id, Steven Spielberg, 1982) o ‘Los Goonies’ (‘The Goonies’, Richard Donner, 1985) alimentaban nuestros sueños infantiles. Pero al igual que os comentaba hace poco al respecto de que una película como ‘El origen del planeta de los simios’ (‘Rise of the Planet of the Apes’, Rupert Wyatt, 2011) no era lo suficientemente valorada debido a su condición de blockbuster, con ‘Super 8’ (id, J.J. Abrams 2011) pasa algo parecido. Su aspecto de refrito parece impedir su justa valoración. Creo que la película va mucho más allá, y desvela a Abrams como uno de los más eficientes narradores de la actualidad, alguien que nos ha devuelto la capacidad de soñar viendo una película, algo que a día de hoy parece haberse perdido.

La acción nos traslada al verano de 1979, en el que un grupo de chicos que están filmando una película casera, son testigos de un espectacular accidente de tren, tras el cual empiezan a suceder cosas muy extrañas en el pueblo. Los chavales, aficionados al cine de terror, deciden investigar por su cuenta lo sucedido. Una premisa que nos lleva de viaje por el mismo centro de la aventura, aquella que aún siendo niños y justo antes de convertirnos en adultos, hemos soñado todos alguna vez, tal vez influenciados por aquel Spielberg ochentero. Un viaje también por la inocencia, la amistad, el amor, el perdón, y sobre todas las cosas la aceptación final de la pérdida como inquebrantable paso hacia la madurez. Todo por el filtro de un inspirado J.J. Abrams, que demuestra como nadie que una vez también fue niño, soñó, y aún lo sigue haciendo. El mayor logro ha sido hacernos cómplices de sus recuerdos. Imagino a Spielberg leyendo por primera vez el libreto de Abrams, y recordando que una vez, hace ya mucho tiempo, hacía ese tipo de cine. Los imagino a ambos, como un binomio perfecto, hurgando en la memoria de toda una generación, o varias.

Hay una frase en esa obra maestra de Sam Peckinpah titulada ‘Grupo salvaje’ (‘The Wild Bunch’, 1969) que reza que todos queremos volver a ser niños, incluso los peores de nosotros, esos si cabe todavía más. ‘Super 8’ nos da la posibilidad de volver a aquellos años, no de una forma física evidentemente, pero sí de una forma emocional que pocos realizadores actuales son capaces de afrontar. La mirada de un niño, con su inocencia y curiosidad, es una mirada que no debe perder cualquier artista, y J.J. Abrams se revela como tal, ya no sólo por devolvernos una magia que muchos creíamos perdida, sino por saber adaptarse a estos nuevos tiempos, cada vez más cambiantes, más frágiles, e incluso peligrosos. Su gran acierto ha sido recordarnos que no debemos olvidar de dónde venimos, qué fuimos, y al mismo tiempo invitarnos a deshacernos de toda nuestra carga para poder seguir hacia delante. Como la buena ciencia ficción, una aventura sin igual para hablar sobre los valores humanos.

A Abrams le bastan tres planos para introducir al espectador en el drama personal del protagonista. El primero, con el que da comienzo la película, nos informa de un accidente laboral en una fábrica, música de Michael Giacchino mediante —su partitura recuerda más a lo que compuso para la serie ‘Lost’ que a las partituras de John Williams—, cambio de plano a un niño, Joe Lamb —sorprendente Joel Courtney—, vestido para un funeral mientras se aferra a un colgante sentado en un columpio del jardín de su casa; la cámara, de una sobriedad pasmosa, enfoca a una pareja de amigos de la familia, que hablando nos informan de la relación entre Joe y su padre. El drama familiar está servido, y a partir de ahí da comienzo la aventura, mientras poco a poco pero sin demora, los demás personajes centrales, una especie de Goonies, se van perfilando. El primer punto de inflexión se produce en el megaespectacular accidente de tren, el único instante en el que creo que a Abrams se le va la mano. Aún así, esa escena es toda una lección para personajes como Michael Bay o Roland Emmerich, no sólo por cómo está filmada, sino por su utilización en la acción del film.

Militares en escena —retratados poco menos que como estúpidos—, desapariciones misteriosas, algo parecido a unos cubos de rubik —ingenioso detalle de guión, que llama la atención enseguida ¿pues quién se resiste a querer saber más con un objeto tan reconocido?—, una presencia amenazadora, y poco más son los elementos que necesita Abrams para crear el suficiente suspense. Y va más allá cuando nos ofrece dos set pieces tan increíbles como la de la gasolinera o la del ataque al autobús, auténticos prodigios de ritmo y planificación, deudoras del Spielberg de ‘Tiburón’ (‘Jaws’, 1975). A ello hay que sumar el sentido homenaje que se realiza en su segunda mitad a las monsters movies de los años 50, de las que sigue prácticamente el mismo esquema. Aventura y drama personal se mezclan a partir del instante de la confesión de Alice —excelente Elle Fanning, mejor actriz que su hermana—, una de las vitales secuencias del film, en la que Abrams usa el flashback a modo de proyección cinematográfica. Llama la atención la forma en la que el director conduce las dos investigaciones, por un lado la de Joe y sus amigos, y por otro la de su padre (efectivo Kyle Chandler, cuyo rol recuerda al Jack de ‘Lost’, incluso se llama igual), ayudante del sheriff, como evidente metáfora de la relaciones entre padres e hijos; distintos caminos, un fin común.

‘Super 8’ es uno de esos grandes espectáculos bien entendidos, y en los que al igual que en el citado trabajo de Rubert Wyatt, los efectos visuales están al servicio de la historia, sin ahogarla en ningún momento. Personajes carismáticos la mayoría de ellos, un poco de humor —no demasiado, pues Abrams no está filmando ‘Paul’ (id, Greg Mottola, 2011), otra carta de amor a Spielberg con similares intenciones—, acción y mucha emoción. Los ingredientes básicos de toda producción Amblin en aquellos maravillosos años, y de cualquier buena película que se precie de serlo. El excelente mcguffin —el alien— sirve a Abrams para volver sobre su tema predilecto: dejar las cosas ir, enfrentarse a los grandes problemas de la vida y elegir uno de los dos únicos caminos posibles, morir o vivir. Pero para seguir viviendo hay que aceptar la tragedia y liberarse, comprender que ciertas cosas ya no volverán y que su recuerdo no tiene por qué amargarnos la existencia.

Una nave espacial surca los cielos de regreso a su hogar. Para despegar necesitó algunos de los recuerdos de mucha gente, incluido un colgante, preciado nexo de unión entre un hijo y su madre muerta. Cada vez que mire los cielos, Joe Lamb tendrá esa indescriptible sensación de haber ayudado a hacer lo correcto, de dejar ir a un visitante a disgusto con la estupidez humana —muy bien reflejada en la ensalada de tiros y explosiones finales en el pueblo—, de liberarle, porque ese día él también se liberó, dejando ir a su madre. Giacchino vuelve a hurgar en nuestras glándulas lacrimales y yo me dispongo a verla por cuarta vez.

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