En junio del año pasado, Beatriz nos informó sobre el rodaje de ‘Our Idiot Brother’, una nueva comedia protagonizada por el simpático Paul Rudd (¿hay alguien a quien le caiga mal?) en la que iba a tener una estupenda compañía femenina. Hoy ya podemos echar un vistazo al el tráiler de la película, que tras gustar en el festival de Sundance (donde la compró la Weinstein Company) se estrenará el próximo 26 de agosto en los cines de Estados Unidos. Teniendo en cuenta los últimos avances de comedias norteamericanas que hemos visto recientemente (el aburrido de ‘The Change-Up’ y el flojo de ’30 Minutes or Less’), éste no pinta mal y solo por el reparto creo que merece la pena apuntársela.

Escrita por David Schisgall y Evgenia Peretz, ‘Our Idiot Brother’ ha sido dirigida por Jesse Peretz, bajista original de los Lemonheads y responsable de ‘First Love, Last Rites’, ‘The Château’ y ‘Fast Track’ (título español para ‘The Ex’). La trama de su nueva comedia se centra en Ned, un hombre idealista e irresponsable que tras un lío con la policía necesita la ayuda de su exigente madre y sus tres hermanas; éstas son Miranda, una mujer soltera que ha dedicado su vida a su trabajo como periodista, Natalie, cuyo estilo de vida alocado y sus mentiras dificultan su relación con su novia, y Liz, la única casada y con hijos, aunque su matrimonio está en crisis. Ned, considerado un idiota por todos los que le rodean, se quedará un tiempo en las casas de sus hermanas, cambiando la dinámica de sus vidas. Elizabeth Banks, Zooey Deschanel, Emily Mortimer, Steve Coogan, Hugh Dancy, Rashida Jones, Kathryn Hahn y Adam Scott intervienen en el film junto a Paul Rudd, que ya había colaborado en los dos últimos largometrajes de Peretz.

PD: Gracias a Mrs. Mia Wallace por el aviso.

Ayer apareció en DVD El 27 de abril saldrá en DVD, sin haber pasado por salas en España, la película ‘Harry Brown’, de Daniel Barber. La cinta está protagonizada por Michael Caine en un papel que lo remonta a los personajes de matones que tan a menudo encarnó durante los años ’60, pero con un matiz derechista, que refleja un cambio de opinión política del propio intérprete: Caine, que había militado históricamente en el laborismo, ha hecho público su apoyo a David Cameron a raíz del rodaje de esta película.

Porque ‘Harry Brown’ es un filme que encaja, de forma canónica, en el género de cine de justicieros —lo que en inglés se denomina con el término «vigilante», pero no con el sentido español— y, como tal, no sólo excusa, sino que glorifica al justiciero y apoya la noción de ejercer la justicia por la propia mano. Seguro que la premisa «han matado a mi mejor amigo y la policía no hace nada» la habéis escuchado más veces.

La película arranca con acierto: una inteligente utilización de cámaras subjetivas nos sumerge de manera ejemplar en el punto de vista de unos delincuentes juveniles que han logrado hacerse con el control de una zona absolutamente degradada. Montados en la moto de esta pandilla de encapuchados, seremos partícipes de sus robos, peleas, trapicheos, extorsiones… De pronto, el punto de vista cambia – de forma igualmente ejemplar – y pasamos a contemplar dichas actividades en plano general, desde el punto de vista del personaje de Harry Brown (Michael Caine).

Con tan solo un primer plano nada histriónico, este excelente actor consigue transmitir toda la rabia, tristeza y, en última instancia, derrota y apatía, que supone el haber conocido tiempos mejores para un barrio que se ha venido abajo.

Un ritmo pausado

El ritmo parsimonioso del que hace gala ‘Harry Brown’ en sus compases iniciales deja bien claro que, dentro del género de justicieros, se adscribe al sector de películas que se disponen a hablar de forma seria sobre el tema – ‘La extraña que hay en ti’ (‘The Brave One’, 2007) sería un buen ejemplo, así como ‘El justiciero de la ciudad’ (‘Death Wish’, 1974) –, frente a las películas que se toman la misión del vigilante como algo casi paródico, que sirve de excusa para todo un ejercicio de cine de acción, por ejemplo, la misma saga ‘Yo soy la justicia’ (‘Death Wish’) a partir, sobre todo, de su tercera entrega.

Las películas de este segundo tipo no solo pueden resultar más entretenidas y trepidantes, sino que, además, son menos peligrosas ideológicamente, ya que existe la capacidad de verlas sin tomárselas en serio. Y es que el tiempo que dedican las de tono trascendente a defender y justificar a su héroe suele ser interminable. Es evidente que existen excepciones dentro de ese grupo que se toma en serio, como es el caso de la compleja personalidad de Travis Bickle en ‘Taxi Driver’, film no glorifica a su protagonista.

Durante los tres cuartos de hora que ‘Harry Brown’ dedica a presentar la situación para justificar que finalmente Brown coja su fusil, la película no ha profundizado ni en el problema social que aborda, ni en la psique de su personaje, ni en las dificultades de la policía para actuar. En su lugar, ha presentado una reiteración innecesaria de secuencias similares entre sí en las que parece que la duración excesiva de sus planos sólo responde a la intención de alejar el film de los tópicos del género.

Un justiciero de setenta años

Cuando, por fin, Harry Brown se pone en marcha, nos encontramos con un tipo de realización muy alejado de la garra del inicio de la película: el realismo ha dejado paso a recursos clásicos del cine de acción, rodados con las limitaciones que implica el tener a un protagonista de más de setenta años. El resultado es un camino intermedio que no logra ser espectacular ni verosímil. La fotografía de la película es un claro ejemplo de esta opción: huye del cromatismo de cierto tipo de cine de acción pero, a la vez, en su feísmo verdoso, ya pasado de moda, es visualmente muy afectada.

El director añade una buena dosis de tremendismo y se recrea en las escenas sin otro propósito que el subrayado. El final llega precipitado por unos mecanismos de guion manidos y antinaturales. Sin embargo, por aquello de la simetría, también debo decir que la imagen elegida para cerrar la película es una metáfora tan limpia y sencilla como eficaz.

En conclusión, nos encontramos con una película que tiene apariencia de buena y trascendente por la forma en la que está tratada, pero que no se aleja del simplismo de algunas cintas de acción que, al menos, entretenían. Clint Eastwood, con una edad similar y tras haber encarnado a uno de los más famosos justicieros, Harry el sucio; demostró en la magnífica ‘Gran Torino’ que se pueden afrontar asuntos como la degradación de un barrio sin este tipo de extremismos maniqueos. ‘Harry Brown’ no está exenta de valores fílmicos positivos y brinda la posibilidad de observar la interpretación de Caine, pero no se encuentra entre los grandes films de su género.

Mi puntuación:

‘Shutter Island’ debía haberse estrenado a finales del año pasado, pero los directivos de la Paramount decidieron que ya tenían suficientes candidatas a los Oscars de 2009 (la promoción cuesta dinero) y retrasaron el estreno de lo nuevo de Martin Scorsese para febrero de este 2010. La jugada les ha salido bien porque pudieron presentarla de forma oficial en el prestigioso Festival de Berlín (donde la vio mi compañero Adrián) y dudo mucho que la película hubiese cosechado muchas nominaciones. Además, quizá por la espera, la película ha logrado una fantástica recaudación en taquilla, siendo la de mayor éxito en la carrera de Scorsese y Leonardo DiCaprio.

Pero hablemos ya de la película en sí. Basada en la novela homónima escrita por Dennis Lehane (de quien también se han adaptado ‘Mystic River’ y ‘Adiós pequeña, adiós’), ‘Shutter Island’ nos traslada a 1954 y nos presenta a Teddy Daniels (DiCaprio), un agente judicial que se dirige, junto con su compañero Chuck Aule (Mark Ruffalo), a una pequeña isla donde está situado un hospital psiquiátrico en el que se internan a los enfermos más peligrosos. El motivo del viaje es la misteriosa desaparición de una peligrosa paciente, cuya fuga tiene desconcertados a los encargado de la institución. Nada más llegar a la isla, Daniels, quien esconde la verdadera razón de su implicación en el caso, descubre que no será fácil encontrar a la mujer, ya que nadie parece dispuesto a colaborar con ellos.

Entrando en la pesadilla

Desde la primera escena, se nos muestra que Daniels no está bien. Primero culpa al viaje en barco, está mareado. Habla con su compañero, con quien no había trabajado antes, y se distrae por un momento. Le aclara que es viudo. Un pirómano incendió el bloque de apartamentos donde vivían y él estaba de servicio, no llegó a tiempo. Esto es, Daniels va a la isla en mal estado, tanto físico como anímico. Desde que desembarcan hasta que llegan al portón principal, la siniestra institución es presentada magníficamente con un acompañamiento musical que hiela la sangre (compuesta por Robbie Robertson, colaborador habitual de Scorsese), la 3ª sinfonía (Passacaglia, Allegro Moderato) de Krzysztof Penderecki. La sensación es que Daniels está entrando en el infierno.

En la puerta, le quitan las armas. Allí mandan los vigilantes del centro/prisión. Pronto les presentan al Dr. John Cawley (Ben Kingsley), la cabeza visible de la institución médica, quien desde el principio se muestra reacio a colaborar con los agentes en la forma que éstos demandan. Revisan la habitación donde residía la paciente y Daniels descubre un pedazo de papel oculto en el suelo. “La ley de los 4; ¿quién es el paciente 67?“. Cawley no tiene ni idea de qué significa. Hablan con los empleados y Daniels vuelve a descubrir algo: uno de los guardias no estuvo en su puesto todo el tiempo. Interrogan a un grupo de pacientes y uno de ellos escribe “RUN” (“HUYE”) en la libreta del agente. Los guardias salen a buscar a la desaparecida, pero no hacen nada realmente, porque piensan que ha muerto. Todo es demasiado raro en Shutter Island. Sin duda, algo huele a podrido allí dentro, y Daniels está dispuesto a destaparlo.

La película va pasando de inquietante, tenebrosa, a opresiva, agobiante. Scorsese ha preparado un oscuro y retorcido laberinto en el que el protagonista se va perdiendo cada vez más, incapaz de fiarse de nadie, ni siquiera de su compañero, decidido cueste lo que cueste a resolver el misterio de la paciente y saldar una cuenta pendiente personal, que tiene con alguien que podría estar escondido en aquel lugar. Los cuidados escenarios, la banda sonora, la atmósfera, la puesta en escena, las interpretaciones, todo está perfectamente orquestado para diseñar una implacable tela de araña que atrapa tanto a Daniels como al espectador. ¿Qué es verdad? ¿Qué ocurre allí realmente?

Resolviendo el puzzle

Presentada la institución mental, sus extraños habitantes y los enigmáticos empleados (entre ellos un doctor alemán, interpretado por Max Von Sydow, del que desconfía plenamente Daniels), y con la investigación bloqueada por falta de pruebas, toca centrarse en Daniels. El temporal que azota la isla (lo que hace imposible marcharse de allí) y la atormentada mente del protagonista parecen una misma cosa. Desde que el agente entra en el recinto se siente especialmente violento, vulnerable a las miradas, las palabras y el aire que se respira en Shutter Island. Todo le afecta allí dentro. Y su cabeza es el campo de batalla. Las heridas del pasado vuelven al presente. Recuerda lo que vivió siendo un soldado, recuerda a su amada esposa (Michelle Williams)...

Los sueños poco a poco parecen mezclarse con la realidad. Daniels cree que le están administrando drogas. Sus desconfianzas iniciales van aumentando y pronto sospecha que ha caído en una trampa. Las incontables piezas del puzzle parecen ir encajando, formando una terrible imagen en la que los médicos son los principales enemigos. Daniels está convencido que le han llevado allí para convertirse en el paciente 67 al que se refería la paciente desaparecida… El suspense llevado al máximo. Toca resolver el asunto. Llegamos al clímax… y cuando se descubren las cartas, en mi opinión, ‘Shutter Island’ da un bajón impresionante. Tanto que parece una broma. Pero no, se le empieza a explicar la película al público (recurso burdo donde los haya) y uno va resignándose. Bueno, pues nada. Superado el impacto del jarro de agua fría, la película vuelve a recuperarse. DiCaprio está demasiado enganchado como para dejar que aquello se eche a perder, y los otros actores le siguen. El final recupera el mejor tono del film, acabando en una escena extraordinaria.

En definitiva, es difícil recomendar este film, porque una vez que te descubren el pastel la cosa pierde muchísimo. ‘Shutter Island’ tiene grandes momentos, una atmósfera muy cuidada y un reparto impresionante (todos están estupendos, y es una gozada ver a gente como la citada o a Jackie Earle Haley, Emily Mortimer, Patricia Clarkson y Elias Koteas, aunque su participación sea mínima). Pero el guión de Laeta Kalogridis, en la parte final, hace aguas por todas partes. Sencillamente, una vez resuelto el misterio, todo lo anterior no cada con la resolución, hay demasiadas incoherencias, es como si hubieran intentado hacer dos películas al mismo tiempo y las hubiesen montado a la vez. La verdad, me interesaba más la investigación policial de la isla, con la conspiración y el progresivo descenso al abismo de Daniels, que todo en lo que se convierte después la película. Pero bueno, hay que aceptarla como es, con sus aciertos y sus errores. ¿Lo mejor de Scorsese-DiCaprio? No, sigue siendo ‘Infiltrados’.

‘Shutter Island’ estaba llamada a ser una de las películas del año 2009. Sin embargo, en la Paramount decidieron retrasar su estreno hasta el año que viene para dar prioridad a ‘The Lovely Bones’ de Peter Jackson y ‘Up in the Air’ de Jason Reitman, que aspiran a colarse en las categorías más importantes de los Oscars. De este modo, ‘Shutter Island’, el último trabajo de Martin Scorsese, se podrá ver por primera vez en la próxima edición del Festival Internacional de Cine de Berlín, y estará en los cines españoles (y norteamericanos) a partir del viernes 19 de febrero. Eso es cuatro meses más tarde de lo que inicialmente estaba previsto. Podría haber sido peor, todavía no se ha visto en España cierta película de acción y ciencia ficción con Christian Bale que data de 2007 2002.

Así que ya tenemos fecha de estreno, y como podéis comprobar, el cartel definitivo de la película para nuestro país. Es muy parecido al anterior que habíamos visto, sólo cambia la pose de Leonardo DiCaprio, el protagonista principal de esta historia basada en la novela de Dennis Lehane. ‘Shutter Island’ nos traslada al verano de 1954; dos agentes federales son destinados a una remota isla de la bahía de Boston para investigar la desaparición de una peligrosa asesina recluida en el hospital psiquiatrico Ashecliffe, un centro penitenciario dirigido por el siniestro doctor Cawley, pero pronto descubrirán que el centro guarda muchos secretos, y que la isla esconde algo más peligroso que los pacientes…

Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Michelle Williams, Max von Sydow, Jackie Earle Haley, Emily Mortimer, Patricia Clarkson y Elias Koteas, entre otros, acompañan a DiCaprio al frente del reparto. A continuación os dejo el tráiler en español de la película, por si aún no lo habéis visto, o ya lo habéis olvidado:

PD: Es la cuarta película en la que repiten Scorsese y DiCaprio.

Mañana viernes, día 27, llega a los cines españoles ‘La pantera rosa 2’, así que aquí os dejo el trailer español y dos posters, por si estáis interesados. Yo no vi la primera parte y dudo mucho que vaya a hacerlo en un futuro próximo, a menos que me digáis que es una buena comedia y que está a la altura de la original que protagonizó el gran Peter Sellers en 1963. ¿Es así?

El cómico Steve Martin vuelve a ponerse en la piel del torpe inspector Jacques Clouseau, en esta secuela que gira en torno al robo de un importante tesoro; el inspector jefe Charles Dreyfus pondrá a Clouseau al frente de un equipo de detectives internacionales para tratar de encontrar al ladrón y su botín. Cabe destacar que Martin está muy bien acompañado en el reparto, que incluye a gente como Jean Reno, Emily Mortimer, Jeremy Irons, Andy Garcia, Aishwarya Rai, Alfred Molina y John Cleese, que sustituye a Kevin Kline como el jefe Dreyfus.

No es el único reemplazo, Howard Zwart también se incorpora como novedad, sustituyendo al director de la primera parte, Shawn Levy. Tras filmar esta segunda parte de ‘La pantera rosa’, que no ha sido el éxito que se esperaba, Zwart se encargará de llevar a la gran pantalla el remake de ‘Karate Kid’, que como ya comentamos, estará protagonizado por el Jaden Smith.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Pd: La primera parte recaudó unos 150 millones de dólares; esta segunda, menos de 50. ¿Habrá tercera?

Vía | Cineando

Mañana, 24 de octubre, se estrena ‘Transsiberian’, el esperado film de Brad Anderson, autor de la original ‘Próxima parada Wonderland’, de la interesantísima ‘Session 9’ y de la insatisfactoria ‘El maquinista’.

Roy (Woody Harrelson) y Jessie (Emily Mortimer) son un matrimonio que conoce a Carlos (Eduardo Noriega) y a su novia, Abby, a bordo del Transiberiano. Carlos le enseña a Jessie la mercancía con la que trafica. En una estación intermedia, Roy pierde el tren y los demás le esperan en la próxima parada. Para matar el tiempo, Carlos y Jessie visitan una iglesia abandonada. Allí comienzan a enrollarse, pero ella se arrepiente a medio camino. Mientras tanto, Roy sube a bordo del siguiente tren, donde conoce a un detective (Ben Kingsley).

Xavi Giménez retrata con planos preciosos todos los exteriores del tren y nos regala algunas bellas postales. Los actores principales en general están acertados, especialmente Mortimer, quien tiene el papel más complejo y que hace una gran interpretación. ‘Transsiberian’ cuenta, hacia el final de su metraje, con alguna escena interesante.

Creo que Anderson ha tratado de hacer algo que se le escapa al derivarse más hacia lo personal y dejar tan en segundo plano el terror. Debido a eso, el guión que él mismo firma, junto con Will Conroy, está repleto de diálogos tópicos y pretenciosos y de psicología barata. El intento fallido por la profundización hace que el visionado del film se haga tedioso. Si se hubiese logrado hacer una buena película sobre personajes, sería interesante verla, pero no es el caso de ‘Transsiberian’.

Cuando hablamos de la protagonista, Jessie, sí podemos decir que haya algún atisbo de correcto retrato psicológico, Sin embargo, Abby (Kate Mara), que tan misteriosa parece en un principio, es un personaje innecesario en todo el devenir del film. SPOILER Ya que al final del todo va a ser esta chica joven quien concluya la historia, debería tener un mayor peso. Para ello, se introduce torpemente una conversación sobre su deseo de comprar una cara vivienda junto a un lago y esta preparación queda demasiado obvia. FIN DEL SPOILER. El personaje de Harrelson podría parecer que también carece de peso, pero no es así. Su existencia es fundamental en el guión y sin él no ocurriría nada de lo que sucede. Pero su valor es más conceptual como referente para Jessie que como personaje en sí mismo. Es decir que, si no apareciese, pero supiésemos que ella está casada, el efecto sería el mismo. Por lo tanto, ambos personajes son instrumentales.

La trama policiaca, que apenas dura unos minutos, también tiene defectos. Se suele utilizar en los manuales sobre guión la expresión “idiot-plot” para describir aquellas películas en las que los protagonistas se meten en un lío por su propia incapacidad. El resultado es que, si lo que les ocurre se debe a una tontería, a los espectadores nos importa poco que salgan o no del embrollo. SPOILER En este caso, el personaje de Mortimer comete la estupidez de inventar una mentira que tan fácilmente se puede probar que no es verdad y, uy qué despiste, se olvida de borrar las fotos que la incriminan. FIN DEL SPOILER

Además de eso, hay cosas que no tienen sentido, como que Carlos (Noriega) le enseñe voluntariamente las matrioshkas a Jessie simplemente porque es necesario que el espectador sepa que las tiene. SPOILER Tampoco es creíble que Ben Kinsgley decida no atarles los pies a los protagonistas por simple bondad. FIN DEL SPOILER Y así con una serie de cosas más. Este tipo de fallos, siempre lo digo, no son demasiado graves si están en un conjunto de película correcto. En esos casos, se pueden pasar por alto. Pero si todos los elementos del guión encajan de una forma igual de forzada, entonces te sacan de la historia.

El director de Connecticut no logra crear suspense ni siquiera en las pocas ocasiones que son absolutamente propicias para ello. Por espectaculares que sean las localizaciones, tampoco está acertado con la atmósfera y toda la opresión que debería percibirse en la totalidad del film se limita a estar en el rostro de Mortimer.

Anderson cometió un error al unirse a Filmax, pues nada de lo que ha hecho con esta productora española iguala su primer film, un soberbio psicothriller con una tremenda atmósfera. Es una pena que el éxito de taquilla de una película se deba a la campaña de promoción y al renombre de su director e intérpretes en lugar de a su verdadera calidad. La propia Filmax tiene cintas mejores que se verán mucho menos.

‘Transsiberian’ no es un thriller de terror psicológico, como se podría esperar de Brad Anderson, sino un intento de reflexión sobre los propios errores. Quizá si se acude a verla con esta preconcepción y no con la idea que dan el cartel o el trailer, pueda no encontrarse tan aburrida como a mí me pareció. Se había hablado tanto del film y ha tardado tanto en llegar que nuestras expectativas estaban muy altas y no han sido satisfechas.

En Blogdecine:

• Crítica de Luisfer Romero Calero: ‘Transsiberian’, extraños en un tren

• Tráilers, pósters y más información sobre ‘Transsiberian’.

Ha llovido mucho desde esa excelente adaptación de la obra de Patricia Highsmith que realizó Alfred Hitchcock en 1951 y que proponía a dos desconocidos que hacían un pacto singular: cada uno asesinaría al “estorbo” del otro. Un crimen perfecto, con un móvil imposible de averiguar. Ahora viene Brad Anderson, director de la interesante pero pretenciosa ‘El maquinista’, está de nuevo envuelto en una coproducción española, que retoma algunos elementos del film protagonizado por Christian Bale, los adorna con un poco de ‘Asesinato en el Orient Express’, de Agatha Christie, y compone un solvente thriller que se desarrolla, prácticamente en su totalidad, en un tren, el ‘Transsiberian’.

Anderson, que también es responsable (junto a Will Conroy) del guión de la película, juega desde el principio a intentar desconcertar al espectador, a sumirlo en un estado de confusión que le permita ponerse al nivel de los personajes principales. Una estructura argumental al principio imprecisa, y a menudo irregular, resulta chocante a la hora de entender qué es lo que se nos está contando realmente. La feliz pareja formada por Jessie (Emily Mortimer) y Roy (Woody Harrelson) viaja desde Pekín hasta Moscú en el famoso Transiberiano, un tren que se toma varios días para llegar a su destino, y que atraviesa fascinantes paisajes gélidos que sirven como escenario ideal para una historia cada vez más sombría y enrevesada. Conocen a sus compañeros de compartimento, los enigmáticos Carlos (Eduardo Noriega) y Abby (Kate Mara), y a partir de ahí lo que parecía un tranquilo viaje, destinado sobretodo a satisfacer la pasión por los trenes de Roy, se torna en una espiral de secretos y mentiras.

‘Transsiberian’ es una película poco común, que intenta abarcar varios géneros, y es ahí cuando más falla y cuando más fácilmente se desvelan sus intenciones. Tiene un guión muy elaborado, pero con riesgo cero: todo es extremadamente previsible, la tensión sólo es palpable en los momentos más comprometidos, y el reparto está indudablemente desaprovechado. Lo que empieza como un thriller con personalidad, termina siendo un puré de los Coen, de ‘Un plan sencillo’ de Sam Raimi y del mencionado Hitchcock, al que Anderson calca sin tapujos en algunos planos y situaciones.

Se hace larga, con su hora y tres cuartos de duración, y es porque tiene muchas escenas que son puramente “de paja”, irrelevantes para el desarrollo de la historia y más encaminadas a aportar ciertos estándares del cine negro clásico que a avanzar en la trama. Porque ‘Transsiberian’ es una película que se podría haber realizado en los años setenta, perfectamente. No ofrece nada que no se pudiera haber visto tras la enorme influencia que tuvo, no me canso de decirlo, el mítico autor de ‘La ventana indiscreta’ o el ‘Atraco Perfecto’ de Stanley Kubrick. No transmite una sensación de claustrofobia, lo que habría sido un destacable punto a favor, sino que el hecho de que la historia se desarrolle en el tren es casi anecdótico, como lo es también su escenario frío, nevado y desconocido. La última media hora juega incluso a coquetear con el género de acción, con un par de situaciones muy forzadas e inverosímiles, y para entonces ya nos hemos dado cuenta del engaño.

Pero en ‘Transsiberian’ podemos encontrarnos ciertos factores muy disfrutables. La interpretación de Emily Mortimer, que demuestra su talento con creces y que deja en segundo plano a un grande como Woody Harrelson. Eduardo Noriega está mejor que de costumbre, pero no es decir mucho. De los demás, sólo destaca Ben Kingsley haciendo de Ben Kingsley. Por supuesto, tengo que recalcar que la música de Alfonso de Villalonga es fenomenal, de una diversidad extraordinaria y de las mejores que he oído este año. El director de fotografía, también español, Xavi Giménez, ha perdido una gran oportunidad de captar el interés con los hermosos paisajes que la historia propone.

‘Transsiberian’ es una película mediocre, con algunos aspectos sobresalientes y unos pocos destellos de genialidad. Brad Anderson sabe cómo hacer buen cine, pero le pierde su falta de concretitud. Si esto hubiera sido idea de Hitchcock, habría sido una obra menor dentro de su filmografía. Pero más de cincuenta años después de ‘Extraños en un tren’ se espera más riesgo, más innovación. Que parezca que no lo hayamos visto todo dentro del thriller. ‘Transsiberian’ no lo consigue, y por eso no termina de convencer.

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• ‘Transsiberian’, trailer.

Cuando me tocó aventurar sobre qué podíamos esperar de esta película, el día del aún reciente estreno en nuestro país, dije que, con David Mamet a bordo, era complicado que como mínimo no nos encontráramos ante un producto muy entretenido. Suelo meter la pata, muchas veces, casi siempre a propósito, para hacer más entretenida la tarea del post, pero en este caso acerté (cuando es fácil, sí). ‘Redbelt’, ‘Cinturón Rojo’, no es una gran película, pero sí me parece que se merece un notable, si tuviera que calificarla. Y a los que creen que sólo se trata de una película con combates de artes marciales, que cambien el chip. Precisamente, no es eso lo central de la película. Si el protagonista fuera, por ejemplo, cazador, lo central, la esencia de la historia sería prácticamente la misma.

Lo importante, tal como yo lo entiendo, es la defensa de la integridad del ser humano. La defensa y la reivindicación, en un mundo donde ya no se cree en nada, corrputo, sin ideales, que sólo habla de dinero, de posesiones, de propiedades, egocéntrico, donde lo importante es estar por encima de los demás, especialmente gracias a ese dinero y a la utilización de las personas que aún conservan su inocencia. Ricos y pobres… pero de alma, de conciencia, de valores, de integridad. Que una película quiera hablar de todo esto, hoy en día, es muy de agradecer. Por eso, entre otras cosas de las que hablaré a continuación, recomiendo ir a ver ‘Cinturón Rojo’.

La película tiene dos protagonistas, el inteligente puzzle ideado por David Mamet en el guión, que recuerda a las anteriores ‘Casa de Juegos’ o ‘La Trama’, y la interpretación de Chiwetel Ejiofor, impresionante. A Mamet no lo vamos a descubrir ahora, tiene ya unos cuantos trabajos magistrales en su carrera (sobre todo, los guiones de ‘Los Intocables de Elliot Ness’ y ‘Glengarry Glen Ross’). En su nuevo film, vuelve a jugar con el espectador de forma gloriosa, manejando su atención y sus expectativas, sorprendiéndole con una serie de certeros giros que explotan en el último tramo de la historia. Esto, por otra parte, no es la gran baza de la película, no estamos ante uno de esos thrillers que se basan exclusivamente en un sorprendente desenlace. Estamos ante un drama sobre los valores y la integridad de un ser humano, con sorpresas argumentales tan disfrutables como justificadas. Son necesarias porque contribuyen al desmoronamiento del protagonista y a que reaccione cómo lo hace.

A Chiwetel Ejiofor tampoco lo vamos a descubrir ahora, aunque su carrera hasta el momento no era tan fiable como la de Mamet (que sin ser brillante, sí que te asegura cierta calidad en los guiones, como mínimo). Ejiofor es uno de esos actores que empiezan a ser “usados” como secundarios en bastantes títulos, haciendo que su rostro comience a ser popular, pero cuyo nombre resulta tan poco conveniente para la memorización que finalmente se le reconoce como “el de tal película”. Hasta ahora, yo mencionaba ‘Melinda y Melinda’ o ‘Hijos de los Hombres’. A partir de ahora, cuando le nombre y tenga que poner un título para que mi interlocutor lo pueda identificar, mencionaré ‘Cinturón Rojo’.

Ejiofor no sólo demuestra que es un excelente actor, también que es capaz de comprometerse con el personaje todo lo que sea necesario para lograr una excelente interpretación. Aquí tiene la dificultad de encarnar a un maestro de la lucha, por lo que debe imitar los movimientos de un experto en artes marciales, lo más cercano a la perfección (para un público no experto en la materia, claro, seguro que alguien que domine la cuestión le encuentra fallitos, sutiles pero identificables, a sus movimientos). En este doble sentido, ya digo, Ejiofor está inmejorable. Su intensidad, sus miradas, sus reacciones, su presencia, es una de las razones para ver esta película, su interpretación es digna de levantarse y aplaudir con fuerzas. Personalmente, que me gusta quedarme con detalles, creo que su mejor momento en el film es cuando, tras el dramático suceso que afecta a un amigo suyo, se encuentra solo en su gimnasio, frente a un saco, y lo golpea un par de veces, con fuerza, pero una fuerza muerta, resultado de que la mente está en otra parte. Ya vendrá el momento de la fuerza viva… Por cierto, todo esto me recordó muchísimo a las (buenas) películas sobre samurais, en calma todo el tiempo justo hasta que ya no hay otra salida, salvo la de empuñar la espada.

Pero ‘Redbelt’ tiene problemas, serios, que la bajan del nivel al que, por momentos, parece llegar. ¿Qué le falta a esta película para ser grande, para ser magistral? Bajo mi punto de vista, lo peor, lo más mejorable, es el comienzo y el final. De hecho, cuando empecé a ver la película, me encontré con ese desagradable situación en la que sólo te ves a ti sentado, no consigues entrar en la historia de la pantalla; creo que la culpa la tiene una secuencia de combate demasiado estirada, con un personaje secundario que si bien es interesante y tiene importancia en la trama, no es lo crucial y no engancha, no te atrapa. Por otro lado, se acumulan demasiados diálogos repetitivos entre el protagonista y su mujer, sobre los problemas económicos de ambos. Con unas frases y un par de vistazos (sin frases) a cosas concretas, creo que habría sido más que suficiente. Afortunadamente, la película mejora tras ese inicio irregular, como puede suponerse por el resto de este artículo.

En cuanto al final, ha sido lo más criticado de la película y con razón. No sólo porque termina de forma brusca, dejándote con la miel en los labios, estampando una pantalla en negro en plena cara, como un puñetazo, no sólo porque suceden una serie de cosas que no tienen demasiada lógica, que no son verosímiles a primera vista (ahora digo porqué), sino, al menos en mi caso, sobre todo por una mala utilización, mala planificación, del momento cumbre del tercer y último acto. Realmente, más aún por saber que Mamet estaba detrás, me llegó a molestar lo mal que está rodado el último combate del protagonista. No tiene sentido alguno. El montaje de la secuencia es horrible, alternando todo el tiempo breves escenas del mismo con los rostros de todos los personajes que están en la escena, con una cara que perfectamente puede producirse tras decir “intenta dividir mentalmente 567814 entre 467” (exacto, el truco de Joey en ‘Friends’). La que, en mi opinión, debería haber sido la mejor pelea de la película, en una secuencia para deleitarse con los movimientos de los luchadores, acaba convertida en una insoportable sucesión rápida de planos que no casan entre sí, que destruyen la magia.

Sobre los sucesos del final, cuya verosimilitud ha provocado bastantes críticas negativas (no sigas leyendo este párrafo si no viste la película, no revelo nada pero es mejor que pases al último párrafo), a mi parecer todo forma parte del espectáculo dispuesto ante la mirada del espectador, es decir, Mamet no intenta que ocurran cosas creíbles, sólo que todos los elementos coincidan como un rompecabezas y, al igual que el protagonista descubre los hilos de su “verdad”, nosotros, como espectadores de cine, como asistentes a la lucha “televisada”, también descubramos otros hilos. Es decir, hay un montaje para el protagonista y para los espectadores ficticios, y otro para nosotros, los reales, un montaje hacia dentro de la ficción y otro hacia fuera. Pero nunca se pretende que todo parezca real, al contrario, la teatralidad es la nota dominante, tanto de esos combates, como de la parte final de la película. Y Mamet quiere que seamos conscientes de ello, no nos quiere engañar. Es como lo veo, sin que pretenda con esto hacer cambiar la idea que otros espectadores tengan sobre esa parte en cuestión, ni muchísimo menos.

No creo que a final de año vaya a repasar la lista de estrenos y ‘Cinturón Rojo’ esté entre los diez mejores (quizá soy muy optimista), pero ahora mismo, con la cartelera como está, y con lo que apetece ir al cine, a pasar el rato viendo una película que merezca realmente la pena, que valga la entrada y el tiempo, que refresque tanto como el aire acondicionado de la sala, no puedo sino recomendarla muy seriamente. Si ya viste ‘Wall-e’ y ‘El Caballero Oscuro’, dale una oportunidad a lo último de David Mamet, no es fácil encontrar en la cartelera películas como ésta, tan cuidada, tan bien escrita e interpretada, con una historia tan conmovedora. Una buena película, en definitiva, poco corriente de encontrar en los cines actuales.

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‘Cinturón rojo’, David Mamet, el cine negro y el honor

David Mamet es un prestigiosos guionista, que además de odiar a los críticos con todo su corazón, nos ha dejado un buen puñado de historias muy bien escritas, y dependiendo de quien las dirija, muy bien narradas en imágenes. Mamet siempre me ha parecido mejor escritor que director, aunque en el campo de la dirección se pueda disfrutar de películas bastante majas como ‘El último golpe’ o ‘Spartan’, pero han sido otros los que han sabido sacar de los escritos de Mamet lo mejor que hay en ellos. De Palma en ‘Los intocables’, una de sus mejores películas, Foley en ‘Glengarry Glen Ross’, film que gana con los años, o su trabajo acreditado con seudónimo para ‘Ronin’, demostración palpable de la buena forma de John Frankenheimer, sobre todo por encontrarse a gusto con un buen libreto, y hasta podríamos hablar de Ridley Scott y su personalísima ‘Hannibal’, film injustamente despreciado.

‘Cinturón rojo’ nos habla de un entrenador (Mike Terry) de Jiu-Jitsu que siempre ha rechazado participar en campeonatos a pesar de su excepcional forma de luchar. Ha preferido entrenar a policías y soldados en el arte de la defensa, y siempre ha permanecido alejado de la fama o el reconocimiento. Pero un par de situaciones imprevisibles (un accidental disparo, y el tener que defender a una estrella de cine de una paliza) hacen que Mike se tope de narices con el mundo del cine, el cual le llevará a lo que siempre ha rehuido.

Enseguida Mamet hace acto de presencia, y con esto me refiero a que todo su mundo es fácilmente reconocible cuando vemos una de sus películas. Esto es, personajes ambiguos enfrentados a otros que tienen un sentido del honor bastante marcado, puesta en escena seca, y sobre todo, unos acontecimientos en los que nada es lo que parece, en la más pura tradición de cine negro. Al mismo tiempo sus defectos como realizador se hacen notar, y el principal de todos es que Mamet es un director carente de toda fuerza, de personalidad si se quiere expresar así. Sus excelentes libretos parecen perder algo de la energía latente en ellos cuando es el propio Mamet quien los adapta a la pantalla. ‘Cinturón rojo’ no es ninguna excepción, y en algún momento incluso lo escrito parece forzado. Esta vez, todo lo referente a la parte de thriller se torna poca cosa, y casi una excusa para que Mamet termine hablando del honor perdido de antaño, de la corrupción, y del reconocimiento justo, todo ello en la superficie sin ahondar ni lo más mínimo, tal vez porque la película ya lleva más de hora y media y hay que acabarla.

Por supuesto, ‘Cinturón rojo’ tiene buenos elementos: una excelente descripción de personajes, algo de lo que Mamet siempre puede presumir, y unas excelentes interpretaciones de un elenco adecuado y casi perfecto, algo por lo que el dramaturgo también puede llevar la cabeza bien alta, pues dirigiendo actores es de los mejores. Y casi siempre ocurre en sus películas que el casting elegido ya puede estar formado por buenos, magníficos o malos actores, todos se entregan al cien por cien. Chiwetel Ejiofor, como protagonista central, pardillo en muchas cosas y un maestro en otras, Alice Braga, Emily Mortimer, la típica mujer del universo Mamet, Max Martini, y los casi esporádicos Joe Mantegna y Tim Allen, nos ofrecen unas composiciones de altura, y en el caso del último es un placer comprobar como un actor de la talla de Allen puede estar bien (si lo miramos desde otro punto de vista, podemos preguntarnos porqué ha esperado tanto tiempo a dar algo bueno).

‘Cinturón rojo’ es una película correcta, ni de lo mejor ni de lo peor de su director. Es una pena que su parte final esté demasiado deslavazada e incluso quiera decir demasiadas cosas, pero al menos existe cierta solidez en su discurso y la amargura que baña todo el film termine sentándole mejor de lo esperado.

¿Se supone que lo ahí visto es un chiste? Pues a servidor no le ha hecho ni la más mínima gracia. Este teaser de ‘The Pink Panther 2’, o lo que es lo mismo, ‘La pantera rosa 2’, no avanza nada, lo cual en este caso es mejor, del argumento de la temible continuación de una película que comparada con el original cae en el más absoluto de los ridículos, pero que tuvo una inesperada respuesta comercial, que ha sido muy probablemente lo que haya provocado la locura de una segunda parte.

Cambio de director, lo cual no supone apenas nada, teniendo en cuenta que Harald Zwart toma las riendas dejadas por Shawn Levy. Evidentemente Steve Martin repite en la piel de Clouseau, y una vez más el recuerdo de Peter Sellers será más vivo que nunca. Le acompañan Alfred Molina, John Cleese, Jean Reno, Emily Mortimer, Andy Garcia y Ayshwara Rai. ‘La pantera rosa 2’ se estrena entre nosotros el 27 de Febrero del 2009.

Vía | Worstpreviews