Existen numerosos directores de fotografía de grandísimo talento en la actualidad. Tanto en Europa, como en América o Asia y África. Curtidos y hasta ancianos, pero también muy jóvenes. En el fascinante y compulsivo mundo de la fotografía cinematográfica hay muchísimos nombres que están por eclosionar, y grandes maestros que pueden que no hayan dicho su última palabra. Aunque el título de este artículo lo desmienta, es muy difícil quedarse con uno y elegirlo como el más grande. Admiro hasta la extenuación a grandes tipos (todos ellos vivos, que de eso estamos hablando) de la vieja escuela como Robert Richardson, Roger Deakins o Michael Ballhaus. Otros más modernos y más versátiles de la brillantez de Darius Khondji o Janusz Kaminsky. Verdaderos genios innovadores como Christopher Doyle o Gordon Willis. Poetas de la imagen como Eduardo Serra o Robert Elswit. Gente joven que viene pegando fuerte, como Matthew Libatique o Rodrigo Prieto. Pero creo que Emmanuel Lubezki es el operador que más ha logrado a menos edad y que con mayor tesón ha presionado los límites de su destreza para ir mucho más allá.

Le apodan ‘El Chivo’ y nació en México de una familia judía en 1964. Menos de veinte años más tarde ya hacía cortos como director de fotografía y sabía que lo suyo era el cine para el resto de su vida. No ha cumplido cincuenta años (en el cine eso es ser todavía un chaval) y ya representa para muchos futuros operadores (y para algunos consagrados que observan con detenimiento y pasmo cada uno de sus nuevos trabajos) un maestro inigualable, capaz de aunar un conocimiento de la técnica cada día mayor (explorando con nuevas cámaras, metamorfoseando su estilo y sus gustos, llevando a cabo hazañas visuales que otros muy dotados sólo pueden soñar) con una perspicacia quizás única a la hora de entender y afrontar cada uno de los nuevos proyectos a los que se enfrenta, y a los que dota de una elegancia y una profundidad lumínica que muchas veces se pasa por alto a la hora de ver la película (pues rara vez resulta exhibicionista o autocomplaciente, por no decir nunca) pero que siempre está ahí en pequeños detalles que sólo un avezado cinéfilo puede identificar: elecciones del punto de vista, de la fluidez del uso de la cámara, de los reflejos más dispares en cualquier superficie imaginable. Trallazos de genio que enriquecen muchísimo la experiencia visual de sus películas.

También es verdad que Lubezki ha tenido la suerte de trabajar (y de repetir) al lado de dos de los directores con más sentido visual de la historia del cine: el mexicano Alfonso Cuarón y el norteamericano Terrence Malick. Con su amigo Cuarón ya va a filmar la sexta película, y con Malick probablemente la cuarta. Con ellos ha dado lo mejor de sí mismo, que es bastante más de lo que puedo explicar aquí. Pero no solamente con ellos. Desde su triunfal iluminación de la entrañable ‘Como agua para chocolate’ (Alfonso Arau, 1992), con tan solo 28 años, ha sabido responder a la exigencia de una industria feroz. Hizo la fotografía de ‘Bocados de realidad’ (‘Reality Bites’, Ben Stiller, 1994) y en 1995 se mudó definitivamente a Estados Unidos. Volvió al seno de Cuarón con la imagen de ‘La princesita’ (‘A Little Princess’, 1995) y ‘Grandes esperanzas’ (‘Great Expectations’, 1998, creciendo muchísimo como cineasta, y coronó esa década de sueños con la fotografía soberbia de ‘Sleepy Hollow’ (íd, Tim Burton, 1999), en la que reducía a cenizas el tan vitoreado “estilo Burton” y hacía de él algo que otros no pudieron: una obra de artesanía en la que cada plano general, cada detalle de luz, aportaba algo a la narración. La atmósfera de esa película es algo mágico sin querer serlo, sobrenatural sin delirios visuales. Una gozada para los sentidos. Casi puede sentirse la niebla.

Sin scope, con soluciones cinematográfica que nos retrotraen al cine primigenio (y buena culpa tiene de ello la obra de arte de Coppola ‘Bram Stoker’s Dracula’) Lubezki conquistaba una de sus obras mayores. Pero aún habría de superarse, que es lo más impresionante de todo. Y lo haría dos años después con una joya que, en mi opinión, no ha sido valorada como se merece: la vitalista, luminosa y melancólica ‘Y tu mamá también’ (Alfonso Cuarón, 2001), con la que revolucionaba el uso expresivo de la cámara a la hora de acercarse a la realidad viva. Sin el menor énfasis fotográfico, otorgaba todo el protagonismo a la capacidad visual de Cuarón de convertir el cine en testigo primordial de la vida moderna. Y aunque su estilo era lo más parecido al despojamiento absoluto, a lo acerado y casi descarnado como forma de narración, conseguía planos hermosísimos como el muchacho afligido por los celos infantiles en la piscina cubierta de las hojas de otoño, o grandes angulares en los que la carretera devenía arteria emocional de las oscuridades y los anhelos en la fugacidad de la vida. Y aún habría de superarse.

Tras siete años de nuevo retiro voluntario, el genio de Terrence Malick llamó a un nuevo fotógrafo de gran talento (ya había exprimido la visión y el enorme ingenio de Néstor Almendros y John Toll, casi nada) y el elegido fue Cuarón, para ese acercamiento lírico, inimaginable, a la figura de Pocahontas en ‘El nuevo mundo’ (‘The New World’, 2005). Tres normas se marcaron ambos: todos los planos serían susceptibles de resultar subjetivos, todos los planos serían con la cámara en la mano, y toda luz sería de origen natural. Lubezki se metió en el desafío con todo lo que tenía y salió victorioso, más allá del agotamiento creativo absoluto y los muchos problemas de producción: dirigió planos de segunda unidad, se inventó sedas especiales para que reflectaran más la luz, logró iluminar imágenes con nada más que un hilo de luz solar… Dolores de cabeza que se saldaron con una gran hazaña estética, una obra de arte que convierte al cine en una experiencia desoladora, íntima, misteriosa y definitiva.

Aupado, por méritos propios, entre los operadores más interesantes del panorama norteamericano, ninguno se acercó a una creación tan dionisíaca como aquella y ninguno pudo llevar a la pantalla tanto buen gusto. Y al año siguiente, en el proyecto más ambicioso y complejo de Cuarón, maravilló al mundo entero con un trabajo que sólo se puede calificar de colosal. Tanto en la técnica de cámara e iluminación como en los aspectos meramente artísticos de la misma, convirtiendo a Londres en un sumidero de desesperación pero sin caer en el morbo fácil y en el impacto audiovisual zafio. La imagen de ‘Hijos de los hombres’ (‘Children of Men’, 2006) devolvía a la sci-fi al lugar preferente que nunca debe abandonar: el del documento-ficción, la metáfora de un mundo que se derrumba pero en el que todavía hay cabida para la belleza, y el dinamismo de una luz vibrante y psicológica, capturada con una imaginación que hace añicos las convenciones de género, y que se adentra en la ruina humana con lirismo y dignidad. En las futuras generaciones, va a ser imposible que un director y un operador no tengan en cuenta a este trabajo como referencia inexcusable, aunque sólo sea para hacer lo opuesto.

Pero tampoco quiero dejar de comentar otro gran trabajo como es ‘Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket’ (‘Lemony Snicket’s A Series of Unfortunate Events’, Brad Silberling, 2004) que llevaba más allá el estilo abracadabrante de Tim Burton para convertirlo en algo mucho más profundo y psicológico, basado en nieblas, saturaciones, y un contenido tono teatral que le otorgaba ese aire tan misterioso y arcaico, casi de libro de ilustraciones cruel. Otras aportaciones, como la de ‘Quemar después de leer’ (‘Burn After Reading’, hermanos Coen, 2008) o ‘Ali’ (íd, Michael Mann, 2001) son mucho más prosaicas, pero siempre poseen el distintivo de la extrema artesanía y profesionalidad de un operador que ya es una leyenda y que, da la impresión, puede seguir sorprendiendo y maravillando a los que nos fijamos muchísimo en la fotografía como complemento del sonido. Por primera vez, Malick ha repetido con un director de fotografía (parece que seguirá repitiendo con él en varios proyectos) y le ha llamado para el complejo rodaje y postproducción de una de las películas más esperadas del año, ‘The Tree of Life’, que se estrena en pocos días. Por los numerosos comentarios que se están vertiendo en torno a ella (y los muchos que quedan por venir) parece que la imagen vuelve a ser algo digno de mención.

Pronto la comentaremos, cuando asistamos al estreno, y esperemos que no tarde mucho más en llegar la primera experiencia en 3D de Cuarón y Lubezki, la muy anticipada y retrasada ‘Gravity’, que invita al optimismo de un nuevo gran sci-fi, sumado a la incertidumbre, siempre lógica, de un proyecto en tres dimensiones. El protagonismo del cada vez más sugerente George Clooney y de Sandra Bullock, así como el supuesto minimalismo de una historia tan enigmática, prometen mucho. Ya veremos. no creo que deje indiferente a nadie el futuro profesional de un artista como Lubezki

“Debemos empezar otra vez. Un nuevo comienzo. Aquí, las bendiciones de la tierra están al alcance de todos. Hay una buena tierra para todos sin un precio que no sea el propio esfuerzo”

- John Smith

Lo habíamos dejado en el mismo momento en el que John Smith, quizá motivado por la curiosidad por este nuevo mundo (uno de los varios nuevos mundos de este relato), acepta viajar río arriba para ejercer de emisario ante el rey de los nativos, que es como le llaman ellos. Desde que parte hacia allí, con un puñado de hombres y los prisioneros indígenas, se inicia su voz en off, una voz interior que casi siempre va a erigirse en reflexión atormentada de sus pulsiones internas e ideas más íntimas. Esta voz de Smith, que a la sazón es el único soldado profesional del grupo, le revela como un soñador, casi como un poeta que ansiara adaptarse a los dictados de su corazón. Smith, interpretado con poderosa convicción por ese fenomenal actor que siempre ha sido Colin Farrell, parece un hombre ensimismado, perdido en su laberinto interior, y las imágenes de la barcaza en la que viajan parecen expresiones abstractas de su estado de ánimo.

Parece como un sueño su viaje, y sus afirmaciones acerca de una nueva vida, muy distinta de la que conoce, parecen hallar respuesta en el campamento de los nativos. Para Malick, la América del siglo XVII era un paraíso de infinitas posibilidades, y en el tono elegíaco de la voz de Farrell se deduce también la ironía que supone en lo que se ha convertido ahora esa tierra. Pero lo que queda claro es que Smith es muy diferente a los hombres blancos que le rodean, tiene más nobleza que ellos, es más valiente y más hábil que ellos, y su mundo interior es mucho más rico. No puedo imaginar a un actor mejor que Farrell para dar vida a un personaje tan misterioso y fascinante como este. Por cierto que en la barcaza vemos a Ben Chaplin, que tuvo un papel importante en ‘La delgada línea roja’, y que aquí no goza de ni una sola línea de diálogo.

Hay algo de descripción pura y enamorada del entorno natural en esta película (así como en ‘La delgada línea roja’, mucho más que en ‘Días del cielo’ o ‘Malas tierras’) . Malick es un naturalista en el sentido estricto de la palabra, un profundo conocedor de los bosques y de la tierra, y muy pocas veces hemos presenciado un drama en el que la naturaleza esté más fundida con la representación del hombre. Y no necesita el director para mostrarlo ningún artificio de puesta en escena, sólo constatar la superioridad de los nativos frente a las técnicas de combate de Smith. Sin embargo, el occidental parece ser capaz de comprender cómo relacionarse con ellos.

El campamento de los indígenas

Para dar vida y aproximarse lo más fielmente al estilo de vida de los algonquin, el equipo de la película trabajó durísimo, no sólo contratando actores de origen nativo, si no investigando a fondo esta cultura antiquísima de una forma que nunca se había visto en una producción norteamericana. De hecho, muchos de los actores que interpretan a guerreros importantes, se enfrentaron a conflictos ideológicos con su propia tribu por las decisiones de caracterización. También se dio el caso de que muchos jefes de tribu ayudaron con consejos y material para una mejor reconstrucción de su gente en aquella época. Se respetaron, así mismo, los procesos de elaboración en vestuario y construcciones de los indígenas. La sensación de realismo, de investigación, es asombrosa.

La audiencia con los jefes del clan, en el interior del recinto principal, de una oscuridad y una iluminación muy difíciles de lograr sólo con luz natural, es una secuencia extraña e hipnótica. Vemos por cierto a Wes Studi, que ha hecho de nativo americano en docenas de películas. El punto de vista es absolutamente el de John Smith, y en ese sentido hay que advertir que la secuencia está fragmentada, pues tanto el jefe Powhatan como sus asesores tienen dos planos muy diferentes, el segundo de los cuales casi parece una alucinación provocada por el miedo de Smith, pero que seguramente pertenecía a otro momento de la secuencia. Malick es muy dado a esto. Los indígenas deciden matarlo. Le inmovilizan y vemos, con un plano subjetivo, como un gran guerrero se abalanza sobre Smith para acabar con él. Pero hay un corte brusco a negro y cesa todo sonido.

Lo que sigue sólo puede describirse como un renacer cinematográfico en toda regla. Es como sigue: Smith parece haber muerto ya y, trémulo, observa a lo alto; a continuación vemos lo que está mirando, que es alto tragaluz por donde se cuelan los rayos del sol. Parece prepararse para su ascensión, pero la joven indígena interpretada por Q’orianka Kilcher lo impide en el último segundo, y suplica a su jefe, que además es su padre, que le perdone la vida. Las mujeres proceden por tanto a limpiar espiritualmente a Smith, y este tiene las visión interior, estremecedora y bellísima, de unas velas que se arrían. Que cada cual, como sucede con este cineasta, complete esa imagen con sus propias sensaciones.

Aquí tenemos un ejemplo perfecto de cómo una buena intención basada en el amor, la de Pocahontas, condena a un pueblo entero por permitirles quedarse en sus asentamientos y progresar en su colonización. Nunca un gesto de buena voluntad fue tan trágico, pues permitió la destrucción de una cultura. La muchacha es la encargada de aprender el idioma occidental y de dar a concer el idioma propio. Regresa ahora la música escuchada en su primer encuentro, ese movimiento del concierto para piano número 23 de Mozart, y se percibe en los ojos de ambos la fascinación y admiración que siente por el otro. El tono es tan abiertamente lírico, que cuando Smith dice: “todos los hijos del jefe eran hermosos, pero ella lo era tanto que el sol, aunque la viera a menudo, se sorprendía cuando ella se mostraba en su presencia”, no hay una exageración o una impostura, si no una desacomplejada visión del sentimiento romántico.

Muchos acusaron a Malick de ñoño o cursi, pero para él era importante crear una relación absolutamente dionisíaca en el sentido estricto de la palabra. Smith y Pocahontas parecen animales tímidos que encuentra por primera vez a un igual. Y no hay la menor cursilería porque su historia de amor es truncada por la miseria espiritual de él y la ceguera emocional de ella. Sentimos de todas formas su pasión mutua, así como sentimos el orgullo moribundo de un pueblo que va a enfrentarse a una civilización mucho más avanzada que la suya.

También se nos muestra la progresiva adaptación de Smith a la forma de vida indígena, como una respuesta a su deseo interior de un cambio. Pero tampoco le vemos fusionarse completamente con ellos, y finalmente su deseo interior no concuerda con su incapacidad exterior para cambiar verdaderamente. Sin embargo la pasión incontenible por ella, y la de ella por él, está mostrada con imágenes de forma inmejorable. Somos testigos de sus juegos, de cómo estos juegos implican cada vez mayor contacto físico, y cómo sin hablarse terminan abrazándose. Duele verlo porque sabemos que esto no va a llevar a nada bueno, si no que es el principio de mucho dolor.

Toda esta parte que estamos comentando posee una estructura músico-rítmica muy sutil pero evidente, de gran fuerza expresiva. Regresa Wagner y regresa la voz en off de ella, que tiene miedo de sus propios sentimientos y de lo que está comenzando. A Smith le dejan partir, y se despiden. Hay un plano asombroso en el que vemos a Pocahontas en primer término y al fondo, muy a lo lejos, la progresión de una tormenta feroz. Incluso, durante un segundo, vemos caer varios rayos (que contextualizan muy bien las pasiones internas de ambos personajes), en una imagen dificilísima de obtener, como muchos podrán imaginar. Todo vuelve al punto de partida y ahora Smith regresa a su campamento inglés. El contraste es brutal, pero está por ver si eso cambiará en algo al soldado.

He aquí una lista de los diez operadores que considero más en forma en el cine actual, muchos de los cuales seguro que serán del dominio público de todos:

• Emmanuel Lubezki

Este mexicano de 44 años (en el centro, en la foto, rodeado de Clive Owen y Alfonso Cuarón) es considerado uno de los maestros de la cinematografía actual. Y lo es por méritos propios. En su breve pero apasionante filmografía atesora maravillas como su exquisito trabajo, que se acerca a la perfección, de ‘Lemony Snicket’s A series of unfortunate events’, o la genialidad fotográfica de ‘Children of Men’. Pero también ha firmado joyas visuales como ‘Sleepy Hollow’, o poemas visuales como ‘The New World’.

• Christopher Doyle

Antes de ser fotógrafo, este operador sugerente, vital, imaginativo y bohemio, fue marinero, ovejero, e incluso médico en Tailandia. Hombre de mundo, hoy día es una leyenda viviente del cine. Capaz de trabajar con grandes cineastas como Zhang Yimou o Wong Kar-Wai y de ofrecer un sello personal. También hizo su aportación a la carrera de M. Night Shyamalan (‘Lady in the Water’). Uno de sus últimos trabajos ha sido la muy esperada, y que esperamos estrenen algún siglo de estos, ‘Paranoid Park’ de Gus Van Sant.

• Eduardo Serra

Por supuesto que saltó a la fama por su exquisito trabajo en ‘El marido de la peluquera’ (Leconte, 1990), de la que vemos una foto arriba (porque no encontramos una de Don Eduardo que fuera satisfactoria), pero este genial fotógrafo lleva ofreciendo su talento desde bastante antes de ese gran éxito. Es cierto que las películas a las que suele ofrecer su visión, no están a la altura de su destreza, pero cuando hace cosas como ‘La joven de la perla’ (Webber, 2003) volvemos a darnos cuenta de quién es. Ah, y ‘Unbreakable’ (Shyamalan, 2000)

• Darius Khondji

Todos le recordaremos siempre por su fotografía para ‘Se7en’, pero este oriundo de Irán de 54 años aún tiene muchas cosas que decir en el cine. Su estilo elaborado, barroco y a menudo oscuro, suele adaptarse muy bien a las historias que cuenta, por muy sorprendente que resulte. Ahora parece haberse asociado por un tiempo con Wong Kar-Wai, pues después de su gran trabajo para ‘My Blueberry Nights’ ha firmado para ‘The Lady from Shanghai’. Esperamos ansiosos, siempre, cualquier trabajo suyo.

• Janusz Kaminski

Algunos dirán que su trabajo, casi exclusivo, con Steven Spielberg, para el que ha rodado todas sus películas desde ‘La lista de Schindler’, le ayuda para estar en el candelero. Y puede que sea cierto, aunque nunca ha repetido nada como esa película o ‘Saving Private Ryan’, que son sus dos Oscars, muy merecidos. Spielberg ha encontrado a un compositor de luces con muchos registros, que se adapta a sus requerimientos con solvencia.

• Roger Deakins

Sobre todo ha trabajo con los hermanos Coen, para los que ha filmado nueve películas seguidas, salvo la última. Pero sería injusto quedarnos tan solo en eso, pues ha sido el operador jefe de maravillas como ‘The Shawshank Redemption’ (Darabont, 1994), o ‘The Village’ (Shyamalan, 2004). Este británico serio y espigado, es un cachondo, o eso dicen, que sabe llevarse bien con todo el mundo en el set.

• John Toll

Es uno de los pocos operadores de la historia en conseguir dos Oscars consecutivos, aunque fueron bien merecidos (‘Braveheart’ y ‘Legends of the Fall’), pero seguramente se lo merecía sobre todo por su extraordinario trabajo, premio especial técnico en Cannes, de ‘La delgada línea roja’, uno de los mejores trabajos fotográficos de la historia del cine. Últimamente, ha tenido películas menos impresionantes, pero ha demostrado su versatilidad, como en el excelente trabajo que hace en ‘Tropic Thunder’.

• Rodrigo Prieto

El segundo mexicano de esta lista no tiene nada que envidiar al primero. Y es de la misma quinta. Habitual de otro gran director mexicano, Alejandro González Iñárritu, ha fotografiado todas sus películas, incluso la última que se está filmando ahora. Pero además ha fotografiado dos películas para las que ha regalado una imagen sublime: ‘Alexander’ (Stone, 2004) y ‘Brokeback Mountain’ (Lee, 2005). En definitiva, un talentazo a tener en cuenta.

• Michael Ballhaus

Uno de esos veteranos que siempre está en el candelero. Es decir, que se mantiene arriba año tras año. Habiendo firmado varias películas de Coppola y Scorsese, entre ellas las geniales fotografías de ‘Bram Stoker’s Dracula’ o ‘Goodfellas’, que demuestran su genio a la hora de alternar ambientes.

• Robert Richardson

Actualmente se encuentra rodando ‘Inglourious Basterds’, de nuevo con Tarantino, aunque no quedó muy satisfecho durante el rodaje de ‘Kill Bill’ (luego, con el corte final, esto cambió), pero ya es una vaca sagrada del cin. Dos Oscars (‘J.F.K.’ y ‘The Aviator’) y una larga y fascinante carrera avalan al maestro de las luces altas y las sobreexposiciones. De su prolongada complicidad con Scorsese podemos destacar su maravilloso trabajo en ‘Casino’.

Seguro que me dejo fuera a unos cuantos. No he nombrado a viejos maestros que parecen en horas bajas o que trabajan en películas poco satisfactorias, como Gordon Willis o Vittorio Storaro, a pesar de que nadie niega su ingente aportación al cine. ¿Quisiérais poner algunos más y quitar otros?

En todo el mundo se estrenó una versión de 135 minutos que supo a muy poco, aunque su montaje era tan sobresaliente, que las lagunas quedaban asumidas, y los interludios eran asumidos por el espectador como un desarrollo natural del relato. Esa versión que vio todo el mundo es una de las películas más incomprendidas e infravaloradas en muchos años de cine. Una portentosa obra maestra que ramifica los logros de aquella insuperable ‘The Thin Red Line’, y de las líricas, soñadas, personalísimas ‘Days of Heaven’ y ‘Badlands’.

Existió otra versión, una de esas llamadas “fantasmas”, que muy poca gente pudo ver en su momento y que hoy día puede ser toda una hazaña encontrar, pues conoció un pase limitado, y que era el corte en teoría perfecto para que los académicos de Estados Unidos la vieran antes de las nominaciones a los Oscar, en las que por cierto, sólo tuvo presencia como finalista a la mejor dirección de fotografía (a cargo de uno de los mejores del mundo actualmente, el gran Emmanuel Lubezki...nota mental: hablar de directores de fotografía), y no es de extrañar, pues una vez más, un operador toca el techo de lo genial al lado de Terrence Malick.

Ahora, cerca de tres años después de su estreno, Malick presenta la que en teoría es la versión definitiva de 171 minutos, profundizando en su deseo de no dar jamás por terminadas sus películas, de considerarlas un ‘work in progress’, pero no en el sentido de, por ejemplo, ‘Blade Runner’, a la que da la sensación de que están buscando su verdadera forma, sino que para Malick sus criaturas son seres vivos que van creciendo, o más bien a las que él da la oportunidad de expresarse desde diferentes ángulos. Quizá nunca veamos las diferentes y seguramente inabarcables versiones de ‘The Thin Red Line’, pero en Estados Unidos ya pueden adquirir la que por ahora es la más larga y dicen la mejor de las versiones de ‘The New World’, tan enigmática, hermosa y sugerente como todas las suyas.

Pero viéndola, parece claro desde el principio que está muy adelantada a su tiempo, y que las pasiones desatadas en su contra eran por tanto perfectamente comprensibles. De hecho, es una de esas pocas películas extraordinarias a las que pueden poner a caldo sin que nos afecte demasiado a aquellos que sabemos valorarla en su justa medida, conscientes de que el tiempo sí sabrá ponerla en su justo lugar. Se merece Malick un especial en blogdecine que algún día quizá hagamos.

No dispondrán de extras los que compren este Dvd en EEUU, pero no parece que sea lo importante. Podrán, eso sí, disponer de un código para descargar una copia digital del film. La pena es que aunque lo compréis en Amazon, sólo es válida para los residentes en EEUU. De modo que está claro, ya tardamos en hacernos de esa nacionalidad. Porque que no les quepa duda a los lectores que a España tardará siglos en llegar…si es que llega alguna vez

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