No leer si no se ha visto la película.

‘Dos mulas y una mujer’ (el título que recibió en nuestro país ‘Two Mules for Sister Sara’) es la segunda colaboración de Clint Eastwood y Don Siegel, y sin duda alguna, la peor de todas. En un principio se trataba de un proyecto hecho a la medida de Eastwood y Elizabeth Taylor, y que había surgido durante el rodaje de ‘El desafío de las águilas’. Una producción Malpaso, a la que se asoció Universal para la distribución del film, llegando a firmar un contrato con el actor para tres películas más, que se filmaría en México, y sería un intento de reunir en una sola película el western clásico americano y el spaghetti western, muy de moda por aquellos años (estamos en 1969), relacionando la película con los films que Eastwood hizo a las órdenes de Sergio Leone en España.

Elizabeth Taylor empezó a dar problemas, queriendo filmar en nuestro país para estar más cerca de su amado Richard Burton, y la más que famosa inestabilidad emocional de la que hacía gala llevó al traste el proyecto, siendo sustituida a última hora por Shirley MacLaine, teniendo que escribir casi por entero el personaje femenino. La protagonista de películas como ‘El apartamento’ o ‘La calumnia’ no era tan famosa como Taylor, pero su registro interpretativo era muy superior, con lo que todos salieron ganando con el cambio.

El argumento de ‘Dos mulas y una mujer’ narra la historia de una mujer que es salvada de ser violada por el héroe (más bien habría que decir antihéroe, algo que siempre le encanto interpretar a Eastwood a lo largo y ancho de su carrera) del film: Hogan, un pistolero, experto en explosivos que llega en el momento adecuado. Tras descubrir que es una monja, Hogan se ve en la necesidad moral de ayudarla. Sara, simpatizante de los juaristas en la lucha contra la invasión francesa de México, se las ingeniará para que Hogan la ayude en su lucha, a pesar de que a éste sólo le mueven intereses económicos.

‘Dos mulas y una mujer’ es una película fallida en muchos aspectos. Para empezar su mezcla del western clásico y europeo, no termina de funcionar, quedando un híbrido de lo más chirriante. El guión parte de una historia de Budd Boetticher, ese genio olvidado por muchos y al que Eastwood profesa gran admiración, y de cuya escritura se encargó Albert Maltz, guionista, entre otras, de maravillas como ‘Destino Tokyo’ o ‘Clandestino y caballero’, y que repetiría en la siguiente colaboración del tándem Easwtood /Siegel, ‘El seductor’, aunque ahí firmaría con seudónimo. La historia no es demasiado inspirada, teniendo una descripción plana de personajes, y también de situaciones (salvo casos aislados) en las cuales no termina de cuajar cierto sentido del humor, insertado por las intenciones paródicas del film.

Clint Eastwood vuelve a quedar en un segundo plano con respecto a su compañera de reparto, una atractiva Shirley MacLaine que se convierte en la reina absoluta de la función sobre todo porque su personaje es mucho más rico que el de Eastwood. Entre ambos, y a pesar de que la química no es todo lo perfecta que cabría esperar, se intuye una tensión sexual latente, que estará presente a lo largo de todo el relato, y que tendrá su explosión final cuando Hogan descubre que Sara en realidad es una prostituta, y que le ha estado engañando todo el tiempo (memorable la frase de diálogo ante la réplica de Hogan de que están en un burdel: “No es un burdel, es la mejor casa de putas de todo el pueblo”). Al respecto, cabe citar la que es probablemente la secuencia más famosa de toda la película, aquella en la que Sara le saca una flecha india a Hogan del hombro, mientras éste se emborracha para no sentir nada.

Al igual que en los films de Leone, sobre los que la película de Siegel planea todo el rato, la inmoralidad de sus personajes es una de las constantes de la historia. Pero resulta curioso comprobar que en ‘Dos mulas y una mujer’ el personaje amoral es el de ella y no el de él. Eastwood da vida a un desinteresado vive la vida, que sólo busca ganar dinero para gastárselo en juego y bebida; usa explosivos en vez de un revólver, y cuando ha de utilizar éste, la mayor parte de las veces dispara por la espalda. Y hasta aquí hemos llegado; su supuesta inmoralidad se queda reducida a nada cuando se trata de respetar una sotana, dejando todo de lado por ayudar a una monja. Sin embargo, Sara, que en principio creemos una monja, se vale de su condición religiosa para aprovecharse de las situaciones, y al final, se riza el rizo, descubriéndonos a una prostituta que no duda en hacerse pasar por monja para su propio provecho y el de la causa. MacLaine utiliza muy bien su físico, logrando ser sensual en el momento adecuado, aún llevando ropas de monja. Eastwood se muestra mucho más divertido que en ocasiones anteriores, riéndose de sí mismo, aunque su personaje parezca una copia sin entidad alguna, de sus trabajos con Leone (hasta en la parte final del film lleva un poncho), añadiendo únicamente un tono paródico, que vuelvo a señalar, hace demasiado daño a un film que debió ser mucho más desmelenado y no depender tanto de la influencia europea.

Para más subrayados, Ennio Morricone compone la banda sonora, hermana bastarda de los films de Leone, y en la que también va impreso cierto tono de broma acorde con la historia, como si las notas nos narrasen, a modo de sinfonía burlona, los vericuetos por los que atraviesan los protagonistas. Pero Don Siegel se muestra incapaz esta vez de sacar algo de provecho del material que tiene entre las manos, mostrando una gran inseguridad y torpeza en la narración (esos zooms de acercamiento sin ningún sentido dramático), por no hablar de la ausencia total de estilo en un film que en apariencia es un western, pero cuyo engranaje entra de lleno en la comedia, con la consabida guerra de sexos incluida (las razones por las que Hogan no tiene una mujer a su lado provocarían el enfado de cualquier feminista de tres al cuarto). Las escenas de acción no son nada del otro mundo (algo muy raro en Siegel), y en la parte final se nota la falta de un malvado con más presencia, alguien que realmente haga peligrar el por otro lado demasiado fácil, plan de nuestros héroes.

‘Dos mulas y una mujer’ termina con una escena realmente inspirada: Tras conseguir todos lo que querían, Hogan y Sara se acuestan para terminar así con tanta tensión sexual. Tras ello, Sara, con una ropa muy diferente a la de una monja, acompaña a Hogan en su camino; éste con cara de enfado le recrimina para que vaya más rápido. Una vez consumado el acto sexual, ya no queda nada en la relación por lo que interesarse. Al igual que con el dinero, Hogan demuestra moverse únicamente por instintos básicos. Cuenta la leyenda que el título del film hace referencia a dos mulas, una es sobre la que va montada MacLaine, y la otra es el personaje de Clint Eastwood, quien no se enteró hasta el final del rodaje del chiste.

El actor seguía cimentando su imagen de duro, y entraría de lleno en la década de los 70, una de las más ricas, artísticamente hablando, de su vida. ‘Los violentos de Kelly’ sería el primer título en esos años, pero hablaremos de ella en el próximo post del especial.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’
• ‘La muerte tenía un precio’
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• ‘El desafío de las águilas’

• ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’

La copia que circula por nuestro país de ‘El bueno, el feo y el malo’ no es la completa. Tal y como dijo Juan Luis Caviaro en su crítica de la misma, dura dos horas y media; sin embargo, existe un montaje de tres horas que puede conseguirse al otro lado del charco, y gracias al cual las pequeñas incongruencias que había en el anterior montaje quedan subsanadas (entre otras se alarga la penuria del personaje de Eastwood a través del desierto, o toda la parte de la guerra en la que juega un papel importante un puente). Aunque no se trata de escenas vitales para el film, resulta incomprensible, comparando ambas versiones, que en nuestro país (y en otros) se cortara la película (al parecer la censura de la época consideró algunas de las parte amputadas demasiado violentas).

Con esto quiero llamar la atención sobre la copia que Filmax editó en España, presumiendo de calidad. No sólo no está remasterizada, sino que cometen la tontería (porque no se puede llamar de otra forma) de incluir quince minutos (o sea, no llega a la media hora realmente cortada) aparte, para que el espectador pueda ver dichas secuencias. A todas luces lamentable. Desconozco, eso sí, si la reciente edición de la Fnac (que incluye las tres películas de la llamada Trilogía del dólar) es la completa. En todo caso, ni punto de comparación con lo editado en los USA, que trae tres discos de extras, llenos de entrevistas y documentales, que aquí han suprimido. De nuevo lamentable.

Justo después de terminar el rodaje de ‘La muerte tenía un precio’, Eastwood se embarcó en el rodaje de ‘Las brujas’ (el único trabajo del actor que no comentaremos en este especial, debido a la enorme dificultad para encontrar la película), en la que se puso a las órdenes de Vittorio De Sica para uno de los cinco segmentos que componen el film. Los otros cuatro están dirigidos por Mauro Bolognini, Pier Paolo Pasolini, Franco Rossi y Luchino Visconti (menuda mezcla). El actor quedó encantado de poder cambiar radicalmente de registro, dando vida a un personaje atípico en su carrera. Es una pena el difícil acceso a esta película.

De regreso a los Estados Unidos, terminó él solo la serie ‘Rawhide’, que a diecisiete episodios del final fue cancelada por poco éxito. Enseguida recibió otra llamada para venirse a España a rodar un nuevo proyecto de Sergio Leone. El western europeo estaba en su máximo apogeo, y esta vez Leone tuvo un mayor presupuesto para rodar su película. Fue la producción más cara del momento, y por ende, los ingresos de una estrella en alza como Eastwood, mayores. Todos los elementos de las dos anteriores películas se encuentran en ésta, elevados a la enésima potencia. Leone quiso hacer las cosas a lo grande.

Eastwood tuvo aún menos protagonismo que en ‘La muerte tenía un precio’. Codeándose de nuevo con Lee Van Cleef, que daría vida a un personaje en las antípodas de su Coronel Mortimer, tendría como nuevo compañero de fatigas a Eli Wallach, actor ya experimentado, pero que tuvo una oportunidad única de lucirse en el presente film. De hecho, Wallach se convierte en el auténtico rey de la función, dando vida al feo, un ser despreciable que hará cualquier cosa con tal de conseguir dinero. La trama de la película sigue al feo y al Rubio (una vez más Eastwood en un personaje sin nombre, sin identidad), compinches que engañan a las autoridades, al cobrar la recompensa por entregar al primero de ellos, buscado en todos lados por la justicia, para luego liberarlo justo antes de morir en la horca. Por otro lado, Van Cleef da vida a un asesino a sueldo que, realizando uno de sus trabajos, se entera de la existencia de 200.000 dólares enterrados en algún lugar, esperando a que alguien los encuentre. Dicho botín será el mcguffin de la historia.

Una historia en la que Leone quiso introducir su particular visión de la Guerra de Secesión, contexto en el que sitúa la acción central del film (la búsqueda del dinero mencionado). Esto hace que el director alargue en exceso su film, que si bien nunca deja de aburrir (hablamos de una de las películas más rabiosamente entretenidas que se han hecho), tienes partes que nada aportan a la historia (baste citar los ejemplos del hermano de Tuco o toda la parte del puente). No obstante, la duración del film no impide que los acontecimientos sucedan con una fluidez envidiable, producto del genio narrativo de Leone, quien con su puesta en escena, y un montaje de nuevo soberbio, convierte en puro espectáculo el retrato de tres personajes violentos por naturaleza, totalmente amorales, en un mundo en el que sólo siendo el más fuerte, y desalmado, se puede sobrevivir.

La violencia del relato (muy criticada en su día) queda bien expuesta desde la misma presentación de los personajes: El Tuco, no dejándose atrapar por algunos de sus perseguidores; el Rubio, liberando al anterior de la horca, con una inusitada frialdad; y Ojos de ángel, quien cumple el encargo para matar a un hombre, y luego cumple el encargo de éste último de asesinar a quien ordenó matarle a él. Tres personajes sin un atisbo de humanidad en sus venas, cuyo destino está marcado por la ambición de hacerse ricos a toda costa, aunque para ello tengan que pagar un alto precio. Leone les arropa con un extraño sentido del humor, y de nuevo la música de Ennio Morricone actúa de guionista, realizando el que muy probablemente sea el mejor score de la trilogía. Merece especial mención el tema central, y la canción que se utiliza para que no se oiga la paliza que le están dando a uno de los personajes. Al igual que en los dos films anteriores, los personajes son muy violentos, pero también sufren en sus propias carnes las consecuencias de dicha violencia.

El Rubio es, físicamente, una mezcla de los otros dos personajes. Mientras Van Cleef es todo elegancia, Wallach la suciedad en persona, Eastwood se queda a medias, con su larga gabardina (un elemento que se convertiría en señal de identidad en los posteriores westerns de Leone, inlfuyendo en el cine de Eastwood como director) y su barba de días. Esta vez el famoso poncho se reserva para la parte final del film, aquélla que transcurre en un cementerio y que sirve para añadir cierto matiz al personaje de Eastwood: el sentir compasión por un soldado que está muriendo y al que le da a fumar el que será su último cigarro, para después robarle el mencionado poncho. Esto hace que podamos especular sobre el orden cronológico de la trilogía, y teniendo en cuenta este detalle, más el hecho de que la acción transcurre en 1864, y ‘Por un puñado de dólares’ y ‘La muerte tenía un precio’ en 1873, sería lógico pensar que ‘El bueno, el feo y el malo’ es una precuela de las otras dos. Pero todo esto no es más que una mera especulación, partiendo de la base de que Eastwood interpretase el mismo personaje.

‘El bueno, el feo y el malo’ está por debajo de sus dos predecesoras (en sus pretensiones de gran espectáculo, cuenta cosas que no llegan a interesar, a un lado de la trama que une a los tres personajes centrales), pero aún así es una gran película. Curiosamente, es la más celebrada de las tres, y eso se debe a su rabiosa modernidad (con elementos narrativos tan de moda hoy en día gracias a gente como Quentin Tarantino o Guy Ritchie). La película fue un enorme éxito en Europa, y también en Estados Unidos, estrenándose en bloque junto con las otras dos. Leone siguió haciendo westerns, esta vez auspiciado por dinero norteamericano, logrando otro título mítico en su filmografía: ‘Hasta que llegó su hora’, llegando a ofrecer a Eastwood el papel del personaje que luego haría Charles Bronson. Aquél lo rechazó porque no quería encasillarse en el mismo tipo de películas. Curiosamente, su siguiente trabajo, ‘Cometieron dos errores’, pertenece al género western. Se trataba de la primera producción de la recién estrenada Malpaso (la productora del actor), y las riendas de la dirección le fueron ofrecidas a Leone, que rechazó, como tiempo después haría con ‘Dos mulas y una mujer’ (un film muy en la línea de los del director italiano).

Eastwood dejaba de trabajar con Leone, y comenzaba su andadura sólo. Poco a poco empezaría a dar pruebas de su sobrado talento, primero haciéndose un nombre como actor, produciendo films de sobrado interés, algunos arriesgados, y en los que se juntó siempre con gente con la que pudo seguir aprendiendo. Convertido en un icono gracias a los films de Leone, logró siempre controlar los aspectos artísticos de las películas producidas por él, alternando todo tipo de proyectos, en los que fue cambiando paulatinamente su imagen. De todos ellos iremos hablando en sucesivas entregas.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’

• ‘La muerte tenía un precio’

Antes de continuar la serie ‘Rawhide’ (‘Látigo’ en nuestro país), el futuro intérprete de ‘Harry el sucio’, pensó que venirse a España a rodar una película podría significar una buena oportunidad para seguir desarrollando sus aptitudes como actor. Cambiar de aires, sobre todo porque ya estaba un poco cansado de la CBS y la mencionada serie, podía venirle bastante bien. Así que, con alguna que otra duda, los consejos de su mujer por aquel entonces, y la condición de que podría cambiar los diálogos de su personaje, cruzó el charco dispuesto a probar nuevas experiencias.

‘Il magnifico straniero’ fue el título con el que se rodó la película, cambiándolo por el que todos conocemos justo antes de su estreno. Eastwood no sabía quien era Sergio Leone, quien había hecho algún que otro peplum (género, o subgénero, que empezaba a entrar en decadencia en Italia) y colaborado en algunas superproducciones (fue el director de la segunda unidad de ‘Quo Vadis’ y ‘Ben-Hur’), y éste apenas conocía nada de Eastwood. Simplemente le había parecido interesante al verlo en algún que otro episodio de ‘Rawhide’. Pensó que podría envejecer su aspecto, poniéndole barba de días y cierto aspecto desaliñado. No se equivocó.

Eastwood no hablaba italiano y Leone no hablaba inglés, pero al poco tiempo acabaron entendiéndose a la perfección, pues ambos compartían una enorme pasión por el cine. A Sergio Leone se le consideró el padre del spagetthi western, algo que a él siempre le molestó. Lo cierto es que este film, en contra de todo pronóstico, fue el que terminó de impulsar dicho subgénero, que hasta entonces contaba con algunas producciones, sobre todo de origen alemán (anotar la graciosa anécdota de que en Italia, los espectadores pensaron que Clint Eastwood era una actor alemán, ya que ‘Rawhide’ aún no había llegado al país de la bota).

Leone le dio la vuelta a lo que hasta entonces se conocía como western. El director italiano cambió por completo las reglas de un género genuinamente americano, y aunque esto fue visto en un principio como una falta de respeto, no hay más que fijarse un poco para comprobar el profundo amor y cariño que Leone sentía por las películas norteamericanas. El personaje central rompía todos los moldes del típico héroe. Su entrada en escena ya marca por dónde irán los tiros, nunca mejor dicho, en el film. Su llegada a un pueblo fronterizo, en el que parándose a beber un poco de agua en un pozo, es testigo de cierta injusticia (a nuestros ojos) en la que no interviene. ¿Estamos ante el héroe o por el contrario es uno de los villanos? Leone se reserva esa información para más adelante, y nos sorprende mostrándonos a alguien sin ningún tipo de moral o ética al ofrecer sus servicios de pistolero a los dos bandos que se disputan el poder en el pueblo.

‘Por un puñado de dólares’ es un remake en toda regla de ‘Yojimbo’, el famoso film de Akira Kurosawa protagonizada por Toshiro Mifune, aunque en un principio Leone intentó disculparse poniendo todo tipo de excusas. Kurosawa montó en cólera y denunció a los productores, logrando ganar el pleito (los derechos de distribución internacionales fueron exclusivamente suyos). Dejando a un lado polémicas de este tipo, se puede apreciar que ‘Yojimbo’ tenía una historia que podía ser trasladada perfectamente al western (no nos olvidemos de que Kurosawa además rendía con ese film un homenaje al género en cuestión, sobre todo por sus admiradas películas de John Ford, pasión que compartía con Leone), pasado por el filtro que el director italiano estaba a punto de convertir en estilo. La amoralidad del film japonés también está presente en ‘Por un puñado de dólares’, subrayando esto con un incremento de la violencia hasta límites insospechados para la época (atención a la paliza que recibe el personaje central cuando es pillado in fraganti en una de sus artimañas).

Leone, además de una puesta en escena reforzada por unos decorados de una sequedad brutal, en perfecta armonía con el uso del formato scope, contó con dos elementos que hoy día son ya inmortales. Por un lado la inolvidable música compuesta por Ennio Morricone, que va más allá de ser un mero acompañamiento musical. Sus melodías, pegadizas hasta decir basta, muestran y sugieren las motivaciones o sentimientos de los actores de una forma que nunca antes se había visto. El compositor italiano, que a día de hoy sólo tiene un Oscar honorífico, se convertiría en el máximo referente de las bandas sonoras en películas de este tipo (a la copia le salieron copias hasta debajo de las piedras), llegando a expandirse en otros géneros, como ya todos sabemos.

El segundo elemento es, cómo no, Clint Eastwood, cuya composición sigue resultando, aún a día de hoy, una de las mejores de su larga carrera como actor. Con una sorprendente ironía, un laconismo utilizado como expresividad, y cierto sentido del humor (la escena en la que pide al sepulturero tres ataúdes, y después de matar a cuatro hombres le dice que se equivocó, que quería decir cuatro, es impagable), el actor compone un personaje inolvidable. Leone siempre dijo que Eastwood tenía tres expresiones: con cigarro, con sombrero, y sin sombrero. Lo que nunca dijo, porque tal vez ya se daba por entendido, es que con esa enorme economía de medios, Eastwood era capaz de transmitir muchísimo, y de ser totalmente creíble. Por otro lado, el actor nacido en San Francisco se encontraba por primera vez dando vida a un tipo de personaje que no le abandonaría nunca, y que raya en cierto modo con lo fantástico. Su aire misterioso (aparece en medio de una humareda, impasible, peligroso), su origen desconocido, su parquedad en palabras, nos hacen pensar en alguien no humano, o de carácter fantasmal. Esto queda bien patente en una de las secuencias finales, cuando uno de los villanos dispara seguidas veces a Eastwood, y éste se levanta una y otra vez mientras susurra palabras, que semejan por el tono ser de ultratumba. Leone demuestra inteligencia al poner el punto de vista en el villano, de modo que el espectador no tiene más datos que él, y se sorprende (aterroriza) de lo que sucede. El actor Gian Maria Volontè es el perfecto contrapunto a la sobriedad de Eastwood.

Clint Eastwood se volvió a los USA convencido de que la película se olvidaría, hasta que el impresionante éxito que tuvo en Europa le pilló totalmente por sorpresa (incluso no sabía nada de lo del cambio del título). Leone quedó encantado de poder contar con él, después de la negativa de varios actores como Charles Bronson, quien dijo que el guión le parecía el peor que había leído en su vida, o Henry Fonda, que despidió a su agente pues éste ni siquiera le enseñó el guión que Leone le hizo llegar (¿es necesario que diga en qué impresionante película trabajaron los tres unos años después?).

El western empezó a despuntar en Europa, al contrario de lo que sucedía en su país de origen. El cine americano ya llevaba un tiempo trayendo algunas de sus producciones al viejo continente, aprovechando las subvenciones que el cine recibía por aquí (lo que son las cosas, eh?). Eastwood volvería a recibir una llamada para interpretar otra película que haría historia, ‘Per qualche dollare in più’, conocida aquí como ‘La muerte tenía un precio’, en la que Leone y Eastwood tocarían la perfección, cosa que aquí no sucede por un par de detalles no demasiados molestos (la rivalidad de los bandos en realidad era algo fácil de solucionar, y esa cámara subjetiva en el personaje de Volontè cuando cae abatido). Sea como fuere, se disfruta de principio a fin.

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• Clint Eastwood: los comienzos

‘La desconocida’ es la penúltima película dirigida por Giuseppe Tornatore (ya tiene una nueva en post producción, y otra en la que suena como director), y como es habitual por estos lares pues ha tardado la friolera de dos años en estrenarse, tardanza que como siempre lleva implícito el hecho de que su distribución es más bien lamentable, pues no ha llegado a todas las ciudades de España. Tornatore siempre ha sido muy mal tratado en nuestro país al respecto; sólo su film más famoso (y también el mejor), ‘Cinema Paradiso’, ha tenido una distribución decente, y todo gracias a su Oscar.

‘La desconocida’ es un título totalmente opuesto al mencionado, incluso se aparta poderosamente de propuestas de otra índole como ‘Pura formalidad’ (para el que suscribe, un experimento totalmente fallido que supone el peor trabajo de su autor). Un film desconcertante en su conjunto, fascinante por momentos, y que bebe de distintas fuentes, como el cine de Hitchcock, el giallo italiano, el cine-denuncia, el drama, y lo mezcla todo en una historia realmente cruda, no apta para todos los estómagos, aunque no exenta también de algunas trampas en su guión que lastran un poco los resultados.

Versa ‘La desconocida’ sobre Irenauna mujer ucraniana que llega a Italia huyendo de un turbulento pasado lleno de violencia. Obsesionada por conseguir trabajo de asistenta en una determinada casa, hará todo lo que esté en su mano por conseguir el mencionado trabajo. En dicha casa vive un matrimonio de orfebres, más su hija pequeña, con la cual Irena se encariña enseguida, sobre todo al conocer una peculiar enfermedad que padece. Los problemas empezarán cuando el pasado de Irena hace acto de presencia, y el terror que sufrió hace años se impondrá de nuevo en su vida.

La primera media hora de ‘La desconocida’ funciona como una cinta de suspense en el sentido más tradicional del término. La sombra de Hicthcock hace acto de presencia, no sólo en la forma de presentar la historia y a los personajes, sino en su planificación, enormemente sugerente, una puesta en escena en la que no falta una escalera redonda, de una importancia vital para el desarrollo de los acontecimientos, que evoca a uno de los títulos más famosos del maestro, ‘Vertigo’. Pero Tornatore va más allá en su propuesta de lo puramente formal, y su personaje femenino se asemeja all de James Stewart en más de un punto. Su búsqueda de fantasmas que le atormentan, la aparición de otros fantasmas que parecían sueños (servidos a modo de flashbacks que nos desvelan el sorprendente y nada divertido pasado de la protagonista), su dualidad como mujer, la que fue, la que es, la que siempre será. Un dibujo psicológico muy certero, y que nos acerca a una mujer fascinante en más de un punto, creando alrededor de ella una enigma, que poco a poco se va desvelando.

Y curiosamente, cuanto más vamos sabiendo de sus planes, cuanto más vamos viendo lo que pretende hacer la protagonista, el film va perdiendo algo de su fuerza inicial. Tornatore abusa de algunas trampas impropias de él, como el engañar al espectador con el supuesto destino que sufre uno de los personajes secundarios que forman parte del pasado de Irena, un pasado que en realidad es un infierno en la Tierra, un infierno del que ha logrado escapar y ahora le reclama de nuevo. Es esta parte una de las más confusas del film, en parte porque Tornatore mezcla intenciones de forma poco equilibrada, e incluso no le hace ascos a la denuncia que puede escapar de sus imágenes. El tráfico de mujeres para su explotación sexual (con sugerentes y terribles imágenes que aterrorizan más que los expuesto en films como ‘Hostel’), y el tráfico de recién nacidos, son las fieras y desalmadas propuestas con las que juega el director italiano a través de su cámara, que filma sin parangón a una actriz en verdadero estado de gracia: Kseniya Rappoport.

Rappoport, y su deslumbrante ejercicio de transformación, tanto física como emocional, llena por completo la pantalla. Sus miradas enfrascadas en el presente, y sobre todo en el futuro, el cual se les escapa de las manos, y su pensamiento, huyendo de un pasado que quiere exterminar por completo; sus gestos, sus palabras, todo. Tornatore mima este personaje, desatendiendo los demás, lo encuadra magnificándolo, y le viste con una música, del eterno Ennio Morricone, que pasa de ser Bernard Herrmann en su parte inicial, al alguien completamente distinto cuando el film termina. Y cuando esto sucede, además de pesar las trampas antes indicadas, Tornatore hace algo que hasta ese momento estaba evitando y que puede ser tomado como una concesión al espectador, que si bien no cae en la ñoñería en la que podría haber caído, si desentona de toda la dureza extrema que hasta ese instante llenaba nuestros ojos.

Aún con esto ‘La desconocida’ es un film disfrutable en buena medida, aunque este disfrute venga de los puñetazos directos al estómago o a la mandíbula que el director suelta casi sin parar. No hará historia ni está a la altura de las grandes obras de Tornatore, pero desde luego no merece el desprecio que ha tenido por parte de la distribución de este nuestro querido país. A estas alturas, seguro que su título ya le hace una inmerecida justicia.

Dicen que en este mundo hay dos clases de personas: los que disfrutan con un buen western y los que no saben de cine. Dentro del western, la figura de Sergio Leone es imprescindible, a pesar de que su obra se etiquete como “spaguetti-western”. Tanto como John Ford, Howard Hawks, Anthony Mann o Sam Peckinpah. Su trilogía del dólar, también conocida como la del hombre sin nombre, por el personaje que Clint Eastwood, y ‘Hasta que llegó su Hora’ son cuatro de los títulos más importantes del género por excelencia del séptimo arte, dormido cómodamente en los dorados laureles, a pesar de exitosos títulos como ‘Sin Perdón’ (4 Oscars, entre ellos mejor película y director), del propio Eastwood, o recientemente el remake de ‘El Tren de las 3:10’, de James Mangold, que fue número uno en la taquilla de EE.UU.

‘El Bueno, el Feo y el Malo’ (‘Il buono, il brutto, il cattivo’, 1966) es la tercera parte de la mencionada trilogía (no argumental), tras ‘Por un Puñado de Dólares’ (‘Per un pugno di dollari’, 1964) y ‘La Muerte Tenía un Precio’ (‘Per qualche dollaro in più’, 1965), pero en valoración generalmente se la coloca la primera. En Imdb está considerada como la sexta mejor película de todos los tiempos, lo que sólo quiere decir que es un título tremendamente popular. Y eso a pesar de su extensa duración (excesiva a todas luces, pero es Leone) y de que el western parece ya algo del pasado, un tesoro enterrado que no interesa a las gentes modernas. Quizá un par de buenos remakes más hagan cambiar de idea a los vagos productores de Hollywood; como el propio Leone demostró, no se requiere una gran inversión para obtener un espectacular resultado.

El rubio (o el bueno) y Tuco (o el feo) son dos timadores que se aprovechan de las recompensas que en diferentes pueblos dan por la entrega de Tuco; el primero entrega al segundo, cobra el dinero y luego, a la hora de la ejecución, lo libera. El rubio decide romper la “sociedad”, pero Tuco no está de acuerdo y casi va a matar a su ex-compañero cuando, casualmente descubren la existencia de un gran tesoro escondido en un cementerio. De nuevo juntos, pues cada uno oyó una parte del lugar donde el botín está enterrado, tendrán que evitar a Sentencia (o el malo), quien también descubrió la existencia del dinero y hará lo que sea para encontrarlo.

Las dos horas y media de duración hacen de ‘El Bueno, el Feo y el Malo’ una auténtica gozada, de principio a fin, para todo aficionado al western. Eso sí, elige un asiento realmente cómodo y prepara un buen surtido de comida y bebida, porque si no puede pasarte como al rubio en el desierto. La estructura del guión hace que la película puede verse como un “greatest hits” de las mejores situaciones que un western puede ofrecer. Casi parece que estemos ante una serie de breves episodios, que comienzan y terminan, aunque con una misión de fondo que los une y que será la que se resuelva al final del todo, cuando los destinos de los tres protagonistas se crucen y sólo uno pueda llevarse el botín. Como suele ocurrir en este género, la trama es sencilla, sólo es una excusa para desarrollar una serie de conflictos protagonizados por pistoleros en un paisaje desértico, reflejo de esas vidas que pueden acabar en cuestión de un segundo.

Pero una pistola y un sombrero no hacen a un pistolero. No al menos a uno que contribuya a crear un buen western. La interpretación, la presencia y el carisma de los actores son tan importantes como la forma en que están escritos y la visión del director, que debe saber aprovechar todos los recursos que el género ofrece, creados, desarrollados y perfeccionados a lo largo de décadas de obras maestras del cine. Sergio Leone entendió las reglas y las hizo suyas, revitalizando el western a partir de un estilo propio, absolutamente reconocible. A su éxito contribuyó, y de qué manera, Ennio Morricone, el genial compositor que por fin recibió un Oscar como homenaje a todo su trabajo. Es imposible separar las imágenes de la música de Morricone, todo está integrado a la perfección gracias a la destreza de un director como Leone; la secuencia del duelo final debería ser estudiada en todas las escuelas de cine, un prodigio de montaje. No es lo único, desde luego, para muestra el comienzo de la película, donde Leone no tiene que recurrir a los diálogos durante muchos minutos; y queda perfecto.

El bueno, el feo y el malo son Clint Eastwood, Eli Wallach y Lee Van Cleef. Unos carismáticos personajes que se ajustan a los cánones pero que pueden moverse con total libertad, según lo requiera el momento; sólo el malo se mantiene más pegado a su condición, pero el bueno y el feo sólo buscan su propio beneficio, sólo quieren sobrevivir a costa de los demás (parece que no tengan otra salida). Así, aunque ‘El Bueno, el Feo y el Malo’ es, globalmente, una triste visión de la vida de unos hombres destinados a morir por un (gran) puñado de dólares o una guerra absurda (la de secesión, en este caso), salpicada por abundantes escenas de acción, Sergio Leone no deja de lado ni la comedia ni el drama de telenovela. La secuencia de Tuco y su hermano son, integradas en el puzzle, de las que engrandecen la película, aunque no deje de ser un pegote que, separado del resto, podría pertenecer a cualquier melodrama de sobremesa.

De los tres protagonistas, hay que destacar especialmente a “el feo”, interpretado por Wallach, que realiza un trabajo memorable. Él pone todo el humor de la película y aunque su personaje sea despreciable, uno no quiere nunca su desgracia, especialmente al final, en esa escena tan angustiosa que se hace eterna (y está perfecta así, porque es así como Leone nos mantiene con los ojos como platos, pendientes de la pantalla). Eastwood repite el personaje de las dos películas anteriores, un tranquilo, casi inexpresivo, cazarrecompensas de extraordinaria habilidad con el revólver; es el particular héroe de Leone, un héroe que, igual que todos los demás, sólo busca su propio beneficio, y si para ello tiene que dejar un río de sangre, pues así será. Van Cleef vuelve con Leone, pero esta vez para aprovechar su físico, idóneo para encarnar a un villano, el más “malo” de la historia, presentado maravillosamente en los primeros minutos del film, asesinando a sangre fría y llevándose todo el dinero que le ponen por delante.

Rodada en Almería y Burgos, con un presupuesto de poco más de un millón de dólares, ‘El Bueno, el Feo y el Malo’ se ha convertido en uno de los títulos más emblemáticos de la Historia del cine. Se trata de la película más popular de Sergio Leone, y sin duda es una de las obras maestras del western. Superior, por ambición, a las dos anteriores de la trilogía del dólar; afortunadamente no hay que quedarse con ninguna, sino disfrutar con todas. Con el problema del caballo de Eastwood en la primera, con la música del reloj en la segunda y con “il triello” en la tercera, por mencionar sólo algunos de los momentos más memorables de las tres obras de Leone; levemente mejoradas, en mi opinión, por ‘Hasta que llegó su hora’.

En este recorrido por lo que son, en definitiva, mis compositores de BSO preferidos, he citado a Pascal Gaigne, Alexandre Desplat, Vangelis, Michael Nyman, Philip Glass y John Williams. Cito ahora el que me parece que ocupa el primer lugar del podio.

1. Ennio Morricone (1928). Conocido por ‘La Misión’ y ‘El Bueno, el Feo y el Malo’.

El grande, el maestro. Da igual los instrumentos que utilice. Este señor ha nacido para hacer bandas sonoras, y benditas las películas que cuenten con su música. ¿Quién no ha silbado alguna vez sus melodías para los westerns de Sergio Leone, tales como ‘Por un puñado de dólares’, ‘El Bueno, el Feo y el Malo’ o ‘La Muerte tenía un Precio’? En sus casi 50 años de trabajo, podemos contar en IMDB más de 400 partituras, y cada una de ellas diferente al resto.

Hay muchas bandas sonoras que han alzado a Morricone a lo más alto, pero baste mencionar el oboe de ‘La Misión’, para que todos tengamos que comprender su enorme hegemonía en este mundillo. Asimismo, es justo acordarse de ‘Días del Cielo’, ‘Érase una vez en América’, ‘Los Intocables’, ‘Frenético’, ‘Cinema Paradiso’ o ‘Malena’. Para mi gusto, su última obra maestra es la música para la miniserie ‘Karol’, sobre la vida de Juan Pablo II. Algunas pistas:

La Misión – Gabriel’s Oboe

El Bueno, el Feo y el Malo

Cinema Paradiso

Los Intocables

La Misión – On Earth as it is in Heaven

Tras esto, menciono ahora a algunos compositores que se han quedado fuera de la lista (porque evidentemente, la cosa iba de poner a siete y no a treinta), pero cuya obra valoro en mayor o menor medida.

· Yann Tiersen, al que no he incluido porque sus mejores discos no forman parte de su trabajo en bandas sonoras. Hablo de ‘Le Phare’ o ‘L’Absente’.
· Carter Burwell, grandísimo compositor, con ejemplos notables: ‘Fargo’, ‘Simone’, ‘Te Puede Pasar a Ti’, ‘Antes que el Diablo sepa que has Muerto’. Considero que le falta hacer su obra maestra.
· John Barry, porque confieso que no le he escuchado mucho, aparte de James Bond y ‘Memorias de África’.
· Danny Elfman, que creo que debería reinventarse un poco y dejar de lado esa atmósfera que tan famoso le ha hecho, pero de la que ya empezamos a hartarnos un poquito, la verdad. Grande, sin embargo, ‘Big Fish’, por citar un ejemplo reciente.
· James Newton Howard, que tiene un gran talento, pero que me da la misma impresión que Burwell, que lo mejor está por llegar. No obstante, ‘El Sexto Sentido’ y ‘El Bosque’ son obras maestras.
· Thomas Newman, porque llega un punto en que siempre hace lo mismo (piano, lentitud, minimalismo), y no creo que ‘Angels in America’ sea tan buena como todo el mundo dice. Cuando haga algo nuevo le valoraré mucho más. Escucho con regularidad ‘Phenomenon’, ‘Cadena de Favores’, ‘American Beauty’ ’ o ‘Camino a la Perdición’.
· Randy Newman, clásico entre los clásicos. Lamentándolo mucho, no le he escuchado lo suficiente para valorarle en la medida que seguramente se merece. Me sigo acordando de su preciosa melodía para ‘Despertares’.
· Antonio Pinto, compositor emergente que con los años será un referente. Seguro. Qué portento su composición para ‘El Señor de la Guerra’.
· Dario Marianelli, que creo que se ha quedado fuera de la lista por muy poco. Su revisión de Tchaikovski para ‘V de Vendetta’ me parece genial. Y las colaboraciones con las películas de Joe Wright, escandalosamente buenas.
· Gabriel Yared, que el pobre se llevó una gran injusticia al ver rechazada su mejor obra: ‘Troya’, en favor del mediocre James Horner. Muy envolvente su composición para ‘El Talento de Mr. Ripley’.
· Bruce Broughton. Su BSO para ‘El Secreto de la Pirámide’ me encanta, pero es lo único suyo que he escuchado.
· Alan Menken, que creo que hizo un gran favor a Disney con algunas de sus canciones y temas, pero a quien tendría que ver en otros géneros para valorarle mejor.
· Howard Shore, a quien vi en concierto, y aprecio mucho su trabajo, pero creo que le falta ese toque de genialidad que sí veo en otros. Destacables ‘El Aviador’, ‘El Silencio de los Corderos’ y la archifamosa trilogía de Tolkien.

ACTUALIZACIÓN: Craso error. He olvidado a Angelo Badalamenti, cuyas colaboraciones con David Lynch, en concreto ‘Twin Peaks’ o ‘Una Historia Verdadera’ son maravillosas. Destaco también ‘Secretary’ o ‘Arlington Road’.

Como ya dije, el hecho de que la lista se base en compositores vivos excluye, por más que me pese, a Michael Kamen, Basil Poledouris, Bernard Herrmann, Jerry Goldsmith, Elmer Bernstein, Henry Mancini y algunos otros.

Dicho esto, quiero aclarar, porque me lo veo venir en los comentarios, que esto es sólo una apreciación personal, una opinión particular basada en mis gustos y preferencias, a base de un criterio puramente individual. Hay tantas listas posibles diferentes como personas aficionadas a las bandas sonoras.

En Blogdecine:

• Los Mejores Compositores de BSO vivos (I)
• Los Mejores Compositores de BSO vivos (II)

‘Sin Destino’ es otra de esas películas que nos han llegado con bastante retraso. Yo ya me había hecho con el cd de la banda sonora, obra de Ennio Morricone, con el cual colabora Lisa Gerrard, hace año y medio aproximadamente, y creía que la película nunca vería la luz en nuestras pantallas, si acaso en dvd, como ocurre muchas veces con películas que por una u otra razón no llegan a estrenarse en nuestros cines.

Basada en la obra del Nobel de Literatura del 2002 Imre Kertész, y con guión de él mismo, el film tiene bastantes toques autobiográficos del propio escritor, de cuando pasó parte de su infancia en un campo de concentración alemán en plena Segunda Guerra Mundial. De cómo dentro de dicho campo tuvo que arreglárselas para sobrevivir, teniendo para ello la ayuda de algún que otro compañero. Un paso de la niñez a la madurez totalmente obligado y en unas condiciones poco propicias.

‘Sin Destino’ es la ópera prima de Lajos Koltai (de quien el mes que viene veremos su segunda película como director), hasta ahora director de fotografía de un sinfín de films, como por ejemplo ‘Malena’ o ‘La Leyenda del Pianista en el Océano’, por citar sólo dos de su extensa filmografía como fotógrafo. Es por ello, que a pesar de que Koltai no se encarga del trabajo de fotografía en la presenta película, es éste un aspecto muy cuidado de la misma. Obra de Gyula Pados, nos encontramos ante una película con un trabajo de fotografía simple y llanamente impresionante, no sólo de lo mejor realizado en los últimos años, sino en décadas. La película es un continuo deleite visual, en el que cada plano parece un cuadro de una perfección absoluta, una completa maravilla.

Lamentablemente la cosa se queda ahí, Koltai se preocupa demasiado por lo visual, y se estrella prácticamente en todas las demás facetas como realizador, ofreciéndonos un producto la mar de soso y lleno de torpezas. Para empezar la absoluta falta de pasión y fuerza que desprende el film, rehuyendo quizá los momentos lacrimógenos típicos de este tipo de films que hablan sobre el Holocausto judío, quedándose bastante corto. Porque a pesar de que el director hace bien rehuyendo esos momentos, hay ciertos instantes en los que una mayor emoción no le hubiera venido mal a la película. Y cito únicamente el instante en el que uno de los presos encuentra un trozo de carne en su caldo y se lo ofrece a uno de los niños hambrientos. Un momento emotivo, pero en el que Koltai se pasa de plano. Como ése hay varios instantes en la película, y prácticamente todos están desaprovechados.

Como desaprovechado está el aspectos más interesante para mí de la película, argumentalmente hablando. Ése en el que se sugiere que una parte de la población judía no quiso creer que existieran duchas de gas y crematorios en los campos de concentración, cerrando así los ojos antes una realidad terrible. Por una vez en una película de estas características, los “malos” no son los nazis, sino la ignorancia y el miedo de los propios judíos. Un apunte realmente interesante, pero que en el film está simplemente tocado de refilón, sin cargar demasiado las tintas en ello, como teniendo miedo de levantar ampollas.

Interpretativamente hablando la película se sostiene casi todo el rato en su actor principal, el joven Marcell Nagy, que un poco inexpresivamente aguanta todo el peso de un film largo en exceso, 140 minutos, ayudándole sorpresivamente el paso de la pubertad que el propio actor tuvo durante el rodaje. Un rodaje lleno de tropiezos y dificultades, en el que incluso se acabó el dinero antes de finalizar la película. Esperando nueva financiación, el actor creció 10 centímetros y su cambio físico benefició en cierto modo a la credibilidad del personaje, sobre todo al finalizar su estancia en el campo de concentración, en el que el actor tenía ese aspecto casi mayor que requería el rol. En un breve papel secundario, como soldado norteamericano, tenemos a Daniel Craig, cuya aparición es prácticamente anecdótica.

También tenemos la banda sonora del gran Ennio Morricone, no demasiado inspirado para la ocasión, aunque por supuesto totalmente reconocible en cada una de sus notas. Y es una pena que la música haya sido otro elemento desaprovechado más, ya que ésta hubiera hecho mucho por la película, en caso de que el maestro Morricone hubiera estado más entregado.

‘Sin Destino’ es un flojo film, cuya asombrosa belleza visual queda apagada por una total falta de garra y entrega al tema en cuestión, y con una realización un tanto cansina, en la que para colmo abusa extremadamente de fundidos en negro, hay uno cada pocos minutos, dando la sensación de que la película está compuesta de pequeños bloques sin un sentido de la continuidad, algo que por supuesto termina cansando. Su paso por nuestras carteleras está siendo de lo más discreto, cosa que no me extraña.

La sconosciuta, el último film de Giuseppe Tornatore que se estrenó en Italia el pasado mes de octubre (trailer en Blogdecine) y aquí “vaya usted a saber cuando”, ha arrasado en los David di Donatello con cinco premios: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz protagonista, Mejor Banda Sonora (Ennio Morricone) y Mejor Fotografía.

Por cierto, esto me recuerda que el film vencedor del año pasado, Il Caimano de Nanni Moretti, todavía no se ha estrenado en nuestras salas pero algunos afortunados que vivan en A Coruña podrán verlo el próximo lunes 18 de junio a las 20:30 horas, en un ciclo dedicado al director que realiza el CGAI.

En unos días me propongo hablar más extensamente de esta y otras películas de Moretti, pero mientras, a los que tengáis oportunidad de ir, adelantaros que me parece altamente recomendable.

Volviendo al tema de los David di Donatello, aquí os dejo con la lista completa, en la que también aparece ganadora en algunos apartados técnicos la película Nuevo Mundo, que se estrenó en nuestros cines ayer.

Mejor film:
La sconosciuta

Mejor director:
Giuseppe Tornatore

Mejor actor protagonista:
Elio Germano (Mio fratello è figlio unico)

Mejor actriz protagonista:
Kseniya Rappoport (La sconosciuta)

Mejor actor secundario:
Giorgio Colangeli (L’aria salata)

Mejor actriz secundaria: ex aequo Ambra Angiolini (Saturno contro) y Angela Finocchiaro (Mio fratello è figlio unico)

Mejor director novel:
Kim Rossi Stuart (Anche libero va bene)

Mejor guión:
Sandro Petraglia, Stefano Rulli, Daniele Luchetti (Mio fratello è figlio unico)

Mejor producción:
Donatella Botti per Bianca Film y Rai cinema (L’aria salata)

Mejor director de fotografía:
Fabio Zamarion (La sconosciuta)

Mejor banda sonora:
Ennio Morricone (La sconosciuta)

Mejor canción original:
“La paranza” y “Mi persi” di Daniele Silvestri (Notturno Bus)

Mejor dirección artística:
Carlos Conti (Nuevo Mundo)

Mejor vestuario:
Mariano Tufano (Nuevo Mundo)

Mejor montaje:
Mirco Garrone (Mio fratello è figlio unico)

Mejores efectos de sonido:
Bruno Pupparo (Mio fratello è figlio unico)

Mejores efectos especiales:
L’etude et la supervision des trucages (Nuevo Mundo)

Mejor film europeo:
La vida de los otros de Florian Henckel von Donnersmarck

Mejor film extranjero:
Babel de Alejandro González Iñárritu

Mejor documental:
“Il mio paese” de Daniele Vicari

Mejor cortometraje:
“Meridionali Senza Filtro” de Michela Bia

David giovani:
Cristiano Bortone (Rosso come il cielo)

Premio de la crítica:
Centochiodi di Ermanno Olmi.

Vía | Cineblog.it

Esta vez hubo poco tiempo para hablar, ya que la radio es así, y dedicamos el espacio a comentar muy brevemente qué dio de sí la ceremonia de los Oscars, conducida con total eficacia por Ellen DeGeneres (ojalá que repita), y por supuesto, los premios, que más o menos fueron los esperados, salvo ése que le entregaron a Gustavo Santaolalla, quien ganó por segunda vez un Oscar, delante de las narices de Ennio Morricone que sólo tiene uno, y es honorífico.

También me ha dado tiempo a quejarme de ‘El Buen Alemán’, un film con buenas intenciones, pero flojos resultados, y no por apuntar demasiado alto, sino por quedarse en la superficie. Una pena, porque no la salva ni un entregado Clooney, ni una camaleónica, a pesar de su frialdad, Cate Blanchett.

‘Sesión Numerada’ (2-3-07, audio, mp3, 7´2 MB)

Gracias a Robgordon por colgar esa divertida foto en su imprescindible blog, de donde yo la tomé prestada.