‘Hasta que llegó su hora’

Una de las obras maestras de Sergio Leone, lírica como pocas, culmina con uno de los duelos más esperados de la historia del cine. Una venganza largamente retrasada, un clímax único. Un uso del flashback ejemplar. Charles Bronson en el papel de su vida. Henry Fonda como inolvidable villano, y Ennio Morricone poniendo la piel de gallina. Cada vez que la veo no puedo evitar emocionarme y pensar en el lejano oeste y en el nacimiento de una nación, que avanzó a marchas forzadas, perdiéndose sus antiguos héroes en el polvo del olvido. Y también pienso en Claudia Cardinale.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Hasta que llegó su hora’, Sergio Leone y la fábula (I)

‘Duelo al sol’

Una pasión tan destructiva que sólo podía acabar de la única forma posible. Gregory Peck, en un papel poco común en su carrera, y Jennifer Jones, en una de sus pocas interpretaciones salvables, dan vida a una de las parejas más problemáticas de toda la historia del género. ‘Duelo al sol’ (‘Duel in the Sun’, King Vidor, 1946) está llena de momentos inolvidables, pero su final es justamente legendario. Se hizo intentando realizar en el western un nuevo ‘Lo que el viento se llevó’, y les salió una obra maestra redonda. Y es que Vidor es mucho Vidor.

‘El hombre que mató a Liberty Valance’

Probablemente la mejor película del gran John Ford, y no me atrevo a asegurarlo, ya que la cantidad de obras maestras que ese hombre hizo es impresionante. La leyenda siempre es más bonita que la realidad, y en lugar de poneros el enfrentamiento inicial, os pongo el flashabck que se produce más tarde, y en el que se revela la verdad sobre el duelo que acabó con uno de los bandidos más temidos del oeste, personificado con maestría por Lee Marvin en uno de sus primeros y más recordados papeles. John Wayne y James Stewart inmensos. La película lo tiene absolutamente todo.

‘Duelo de titanes’

El duelo en el OK Corral es sin duda uno de los más famosos en el séptimo arte. Podría haber puesto el de John Ford, el de Lawrence Kasdan o incluso el de George Pan Cosmatos, pero he elegido el de John Sturges porque es el más largo de todos, y la planificación y el montaje son soberbios. Un western puro y duro, en la mejor tradición del género, y con dos gigantes como Burt Lancaster y Kirk Douglas mano a mano. Podéis ver a un jovencísimo Dennis Hopper por ahí.

‘Sin perdón’

La desmitificación definitiva sobre el género culmina con un claustrofóbico tiroteo soberbiamente fotografiado por Jack N. Green. William Munny, un asesino de mujeres y niños, decidió matar a todos los compinches de Littel Bill, asesinando antes al dueño de una pocilga decorada con el amigo muerto de Munny. Una cita en el infierno. La tumba de su esposa, ninguna señal, y el olvido.

Crítica en Blogdecine:

• Clint Eastwood: ‘Sin perdón’

‘Duelo en la alta sierra’

El hombre que cambió para siempre la perspectiva del western se dio a conocer con esta película, en la que unos maduros Joel McCrea y Randolph Scott representaban los viejos tiempos. El final es simplemente antológico, un duelo maravillosamente coreografiado y un plano final contundente y muy triste.

Crítica en Blogdecine:

• Sam Peckinpah: ‘Duelo en la lata sierra’

‘El último pistolero’

Don Siegel tuvo la oportunidad de filmar la despedida cinemtográfica de John Wayne, quien ya enfermo de cáncer tomaba láudano para soportar los terribles dolores. Un reparto lleno de viejas glorias para un film triste y melacólico, con un final sublime. También puede verse a un joven Ron Howard años antes de meterse a director y torturarnos con sus películas. A citar la famosa anécdota en la que John Wayne se negó a que su personaje disparase a otro por la espalda, a lo que Siegel contestó que Clint Eastwood lo hubiera hecho. Por cierto que Eastwood visitó el set de rodaje varias veces. ¿Os imagináis lo que hubiera sido un western protagonizado por esos dos? Yo no puedo, porque lloro.

‘El vengador sin piedad’

Una de las maravillas ocultas del infravalorado Henry King. Gregory Peck da vida a un hombre sediento de venganza, la cual le obsesionará hasta límites insospechados. En el vídeo vemos cómo se enfrenta a uno de los hombres de la banda que persigue sin gastar una sola bala. Al igual que en la magnífica ‘El pistolero’ (‘The Gunfighter’, 1950) King subraya las connotaciones psicológicas del relato con unas conclusiones morales terribles.

‘Raíces profundas’

‘Shane’ es uno de los mejores westerns jamás filmados, y el duelo final una lección de planificación y tensión. En un espacio tan cerrado como el de una taberna, George Stevens logra un milagro. Alan Ladd en el papel de su vida y el mítico Jack Palance como el mítico villano. La secuencia final del niño llamando a su amigo es justamente legendaria. Años más tarde Clint Eastwood le rindió un sentido homenaje en la también imprescindible ‘El jinete pálido’ (‘Pale Rider’, 1985).

‘La muerte tenía un precio’

Sergio Leone tenía que hacer doblete en esta selección con la película que es la culpable de que me apasione el cine. La dilatación del tiempo tan típica de su director en una escena mítica. El detalle del reloj, grandioso por su importancia narrativa en la historia. Un duelo en igualdad de condiciones, y Morricone marcando una vez más el carácter de los personajes. Una venganza, una recompensa, Eastwood, Lee Van Cleef y Gian Maria Volonté. Inolvidable.

Crítica en Blogdecine:

• Clint Eastwood: ‘La muerte tenía un precio’

Con bastante retraso, algo a lo que ya debéis estar acostumbrados aquí, os traigo una nueva encuesta en Blogdecine, la 15ª ya. Aunque sé perfectamente que algunos estáis pidiendo desde hace tiempo cuestionarios centrados en los géneros de terror y de comedia (el próximo estará dedicado a uno de los dos, lo prometo), creo que el tema que he elegido para esta semana os va a interesar a todos: la música de cine. ¿Qué película tiene la mejor banda sonora? ¿Quién es vuestro compositor favorito? ¿Cuál es la mejor canción incluida en una película? Estoy deseando saber vuestra opinión. ¿Qué sería del cine sin música?, preguntó un locutor de Onda Cero a Alberto Abuín el verano pasado, y mi estimado compañero respondió enseguida: “Sería mudo”. O una obra de Michael Haneke, podría haber añadido. Pero es cierto que cuesta imaginar el cine sin música, a mí me resulta raro estar viendo una película en silencio, oyendo todo tipo de ruidos que me despistan de lo que sucede en la pantalla, pero desde luego lo prefiero a estar escuchando una de esas cansinas partituras que lo subrayan todo.

Nunca ha sido fácil confeccionar estas encuestas, pero la que os traigo hoy es, junto a la dedicada a las frases de cine, la que más tiempo me ha llevado. Os daréis cuenta de inmediato, cuando empecéis a mirar las preguntas; ha sido complicado preparar una lista de posibles respuestas, esas sugerencias que siempre os hago tras revisar todo tipo de listas en Internet (os animo a echar un vistazo, un día que estéis de buen humor), dejando fuera tantos títulos y tantos nombres importantes. Duele. Como siempre os aclaro (aunque muchos no hagan ni caso), no tenéis que marcar las respuestas que os propongo, para eso está la opción “otro”, donde podéis escribir lo que queráis (con el único límite lógico de atenerse a la pregunta formulada); tampoco tenéis que contestar a las cuatro cuestiones, solo las que os apetezca. Oh, y los musicales no están incluidos, los dejo para otra encuesta. Nada más, os animo a echar un vistazo al cuestionario y abrir un debate sobre la música en el cine:

PD: He buscado “best soundtracks ever” en youtube, y me ha salido esto:

La noticia no ha sido totalmente confirmada, pero ya sabemos que cuando el río suena es porque agua lleva ¿no? Después de ‘Malditos bastardos’ (‘Inglourious Basterds’, 2009), para un servidor una de las dos única buenas películas que ha dirigido Quentin Tarantino, este tío tan inteligente y listo parece que ya tiene pensada cuál será su próximo film: un spaghetti western titulado ‘L’angelo, il bruto e il saggio’. Todo esto según el actor Franco Nero, que sería uno de los actores que intervendrían en el film. Evidentemente dicho título hace referencia a uno de los westerns más famosos de todos los tiempos, una de las obras cumbre de Sergio Leone, ‘El bueno el feo y el malo’ (‘Il buono, il brutto, il cattivo’, 1966), al que Tarantino lleva plagiando, perdón, homenajeando desde el inicio de su carrera.

Pero hay más, damas y caballeros, todo rumores con algo de fundamento y que se irán confirmando o negando en sucesivas semanas. Además de Nero, suenan actores como Keith Carradine, Treat Williams y Christoph Waltz —ganador de un merecido Oscar por su interpretación en la última película de Tarantino—, como también se pretende que la banda sonora esté compuesta por Ennio Morricone, con el que Tarantino lleva intentando colaborar desde ‘Pulp Fiction, (id, 1994). Parece ser que el rodaje tendrá lugar en el presente 2011, en localizaciones españolas e italianas.

Eso es todo de momento y no me parece poco.

Vía | Las horas perdidas

Paralelamente al ciclo Western, que será tratado con asiduidad en estas páginas, empezamos hoy un repaso a casi la mitad de la obra de unos de los cineastas más originales e influyentes que ha tenido el séptimo arte en toda su existencia, y eso que hablamos de alguien que sólo dirigió siete películas. Sergio Leone es su nombre, e imagino que no necesita presentación para muchos de vosotros. ‘Hasta que llegó su hora’ (‘C’era una volta il West’, 1968) supone una de las cotas más altas alcanzadas en su cine, la primera entrega de una trilogía, no intencionada en principio, que habla sobre la historia de los Estados Unidos. Tres películas, conformadas por las posteriores ‘Agáchate, maldito’ (‘Giù la testa’, 1971) y ‘Erase una vez en América’ (‘Once Upon a Time in America’), y que tardaría la friolera de 16 años en ver completada en contraposición a la previa Trilogía del dólar, que le llevaría tres años de su vida, reportándole fama, dinero y prestigio.

Resulta cuanto menos curioso la evolución de Leone, teniendo en cuenta el éxito de sus tres spaghetti westerns con Clint Eastwood. De ‘Por un puñado de dólares’ (‘Per a pugni di dollari’, 1964), por la que cobró mal y tarde, a la opulencia del presente film, en el que tuvo libertad absoluta. Sin embargo, hay que señalar que Leone no quería hacer un western, pues consideraba que ya lo había dicho todo sobre el género —prácticamente lo había reinventado—; su proyecto más querido era realizar la adaptación de una novela titulada ‘The Hoods’, que años más tarde se convertiría en el mítico film protagonizado por Robert De Niro. La Paramount le prometió a Leone financiar la filmación del ansiado film a cambio de que aquél rodase otro western. Por supuesto, y ya con dinero americano, la presencia de Clint Eastwood era otra de las condiciones.

Así pues, el personaje apodado Harmónica fue en principio ofrecido a Eastwood, debido al éxito que sus tres colaboraciones con Loene tuvieron en los USA, cuando fueron estrenadas en bloque en 1967. Lamentablemente la relación entre el actor y el director no estaba precisamente en su etapa más fructífera. Ambos se habían enfadado varias veces, y se atribuían cada uno el mérito de la Trilogía del dólar. A Eastwood no le gustó nada el personaje de Harmónica y lo rechazó tajantemente, saboreaba las mieles del éxito y no necesitaba a Leone, quien se sintió muy molesto por la negativa del actor. Con todo el director de ‘La muerte tenía un precio’ (‘Per qualche dollaro in più’, 1965) insistió una vez más, y le ofreció a Eastwood un cameo compartido con Eli Wallach y Lee Van Cleef. Se trataba de abrir la película con tres personajes que recordarían a los de ‘El bueno, el feo y el malo’ (‘Il buono, il brutto, il cattivo’, 1966) para ser abatidos por el personaje principal. Una especie de guiño, que además resultaría muy coherente con el discurso de Leone en esta película.

Una vez más, en un acto que denota un total egocentrismo, Eastwood rechazó la oferta indignado. No se le ocurriría jamás aparecer en una película y ser abatido al inicio de la misma por otro personaje. Wallach y Van Cleef estaban encantados con la idea, a modo de homenaje al anterior y exitoso film de Leone, pero ante la negativa de Eastwood, el director italiano tuvo que echar mano de otros tres actores, también ligados al western: Jack Elam, Woody Strode y Al Mulock. Este último se suicidó —el único inconveniente del rodaje, además de los problemas con el alcohol de Jason Robards— en el rodaje de la famosa secuencia que abre el film, toda una declaración de intenciones por parte del director. Más de diez minutos en los que Leone suspende el tiempo, uno de los personajes pone música al instante —tres pistoleros que han ido a esperar a la estación de tren a un hombre para matarlo, se enfrentan al mismo en un duelo injusto—, y queda claro que lo que vemos es una exageración intencionada. La fábula hace acto de presencia en el western como nunca, y el carácter operístico de la película —algo de lo que siempre renegó Leone— queda claro en su desarrollo.

Érase una vez en el Oeste

Es indudable que el título original del film es mucho mejor que el que recibió en nuestro país, en el que, por impactar al espectador con los títulos, tenemos perlas como la presente. En cualquier caso es lo de menos, ‘Hasta que llegó su hora’ resume a lo grande todo lo que Sergio Leone sentía por el western de un modo distinto a lo que hizo en su Trilogía del dólar. Hombre de cine como pocos —recordemos que ya desde niño siempre vivió en ambiente cinematográfico debido a la labor de su padre, director de cine—, a muchos les sorprendió el enorme conocimiento que un italiano tenía de un género propiamente estadounidense. A través de ese conocimiento, Leone hace una declaración de amor absoluta hacia un tipo de cine del que estaba enamorado —con John Ford a la cabeza—, y lo más importante es que que consigue hacernos partícipes de esa emoción. ‘Hasta que llegó su hora’ es un film visceral en todo su esplendor, y el gran acierto es Leone al respecto fue sortear lo fácilmente emotivo y adentrarse en un profundo y arrebatador lirismo.

Miremos a donde miremos en la película existe una referencia de lo más sentida y sincera. La breve aparición de Woody Strode rememora al John Ford más otoñal, y el hecho de convertir al buenazo de Henry Fonda —también actor Fordiano— en un asesino implacable es uno de los mayores aciertos de casting que mis ojos han visto nunca. Al respecto cabe señalar la anécdota en la que Fonda, no muy convencido de aceptar el papel, se le presentó a Leone con lentillas oscuras y un gran mostacho. El director le ordenó deshacerse de ello, pues quería que el público reconociese al gran Henry Fonda en la piel de un asesino. Su aparición en escena representa un shock para todo aficionado. Tras asesinar a tres miembros de una familia, varios pistoleros con amplias gabardinas parece surgir como por arte de magia. Leone se acerca por detrás de ellos con un sugerente travelling que da la vuelta cuando llega a Fonda y nos descubre su rostro. Acto seguido mata a un niño ante el estupor de la audiencia. Leone no sólo indaga en nuestros recuerdos del western, sino que los sacude violentamente.

Charles Bronson, recogiendo el testigo dejado por Eastwood, también es una referencia dentro del género. Su pétreo rostro es el más indicado para dar vida a Harmónica, ese pistolero sin nombre y de oscuro pasado que representa la venganza pura y dura —a través de un flashback, marca de la casa, sabremos qué relación tiene con Frank (Fonda), al que en sus encuentros sólo le recuerda los nombres de hombres a los que aquél mató—. Un genial Jason Robards —para el que suscribe, realiza la mejor interpretación del film, o al menos la más sentida— da vida a Cheyenne, ese peculiar bandido que se resiste al progreso, y se alía con Harmónica para enfrentarse al dueño del ferrocarril, que utiliza métodos violentos —Frank— para el avance del mismo. Y en medio de este triángulo mortal, Jill, una prostituta de Nueva Orleans que quiere abrirse camino en su nuevo hogar. Una sensacional Claudia Cardinale interpreta dicho personaje —por primera vez en el cine de Leone, una mujer tiene protagonismo—, invención de Bernardo Bertolucci, que es autor de la historia al lado de Leone y Dario Argento, aunque el guión está firmado por el director y Sergio Donati.

A través de esos cuatro personajes Leone narra un cuento enmarcado en un período muy concreto de la historia de los Estados Unidos. Salvo Jill, los otros tres pertenecen a un mundo que ya expira, el de los pistoleros, que ven su forma de vida invadida por el progreso y la política. Frank intenta adaptarse a ello viendo que en el futuro cambiará las pistolas por un despacho desde el que tendrá un mayor poder, por lo que en cierto modo traiciona ese pasado evocador. Harmónica, Cheyenne y Frank ya no pertenecen a este nuevo mundo, al que Jill es la única que se agarra con todas sus fuerzas. Su historia de amor a tres bandas es una continua lucha entre deseo y razón. Estoicamente, con esa fuerza femenina tan característica, vive el amor mudo de Harmónica, el platónico de Cheyenne y el físico de Frank. La escena de amor entre ella y el último encierra todo lo que es ella —Frank lo ha descubierto, y el espectador se entera del pasado de Jill—, y todo lo que un hombre como él podría ser al lado de una mujer así. La influencia femenina en las acciones de los tres hombres es clara y contundente, mientras que al revés sólo es un episodio más, tal y como demuestra ese emocionante final en el que Jill, como olvidando los recientes hechos, da de beber a los cansados trabajadores que ayudan al avance del país.

Con claros ecos de Peckinpah, Leone dice adiós a la época dorada del western, dando no sólo paso a una nueva etapa crepuscular, y que el director de ‘Grupo salvaje’ (‘The Wild Bunch’, 1969) se encargó de asentar, sino también a un lugar intermedio, suspendido en el tiempo y que le pertenece por derecho propio, gracias a su tono de fábula. Sirva como ejemplo la impresionante secuencia que da comienzo con la llegada de Jill a la estación, su posterior paso a la ciudad que crece, y antes de llagar a su destino, atraviesa Monument Valley, escenario de varios de los westerns más conocidos de John Ford. La puesta en escena de Leone es de tal precisión que logra un instante de emoción única, que hurga en el pasado, sobre todo cinéfilo. Pasado, presente y futuro en la marcha de un carruaje al son de la no menos impresionante banda sonora compuesta por Ennio Morricone, quien se superó a sí mismo creando para cada personaje una melodía perfectamente reconocible, vistiendo psicológicamente a cada uno de ellos, sobre todo en el caso de Harmónica. Confieso que mi favorito es el destinado a Jill, una bella melodía que alcanza su esplendor en la voz de Edda Dell’Orso.

El western parecería incompleto sin ‘Hasta que llegó su hora’. Épica, lírica, violenta, bella como pocas, reúne a lo grande todos los elementos del cine de Sergio Leone —miradas eternas, tiempos muertos, elipsis que fluyen armoniosamente, violencia, y sobre todo el paso del tiempo y la muerte—, que visten su peculiar universo. La película fue un éxito en Europa, no así en los Estados Unidos, donde se estrenó recortada. En cualquier caso su influencia en el cine posterior fue de tal calibre que justifica prácticamente la existencia de varios cineastas cuyos nombres me niego a citar. El más grande western jamás rodado, sensación que queda tras sus visionado, es una de esas películas que quieren volver a verse justo después de verlas. ¿Qué tipo de películas dejan ese poso? Las obras maestras.

A continuación, diez casos en los que precisamente eso me pasa a mí. Como siempre, sin orden y sin sentar cátedra. Disfrutad.

‘El último Boy Scout’

Una de las mejores películas de Tony Scott, normalmente perdido entre filtros y un montaje caótico. Bruce Willis realiza una de sus memorables interpretaciones, una especie de variante de su John McClane, que en esta secuencia hace gala de su peculiar forma de ver las cosas. Un puñetazo mortal es uno de los momentos álgidos de una película que logró en su momento dos récords: tener el guión más caro de la historia del cine, y ser la película con más palabrotas que hay. Cuidado si decidís comprar la película en DVD, esta escena no viene incluida en muchos de los montajes —censura por violencia—, tenéis que elegir aquella que en su portada pone “montaje íntegro”.

‘Alta fidelidad’

Ian (Tim Robbins) entra en la tienda de discos de Roy (John Cusack) para advertirle que deje de acosar a su ex-novia. Antes de la cruda realidad, Roy se imagina tres situaciones a cada cual más delirante, sobre todo la tercera, que en un servidor en concreto, provoca una de las risas más incontrolables que tengo. Se puede ver una y otra vez, que sigue resultando muy efectiva, como el resto del film, probablemente lo mejor que ha filmado nunca Stephen Frears. Y menuda recopilación de canciones.

‘Alien’

Sin duda, el parto más original e impactante de toda la historia del Cine. El punto de inflexión de una historia que habla acerca del miedo a lo desconocido, en este caso siete tripulantes de una nave espacial que deberán enfrentarse al bicho que han visto nacer, aunque un poco más cambiado. De cuando Ridley Scott estaba inspirado y nos ofrecía obras maestras. Más de 30 años han pasado y la escena sigue impresionando como el primer día.

‘Amor a quemarropa’

Mi película favorita de Tony Scott, basada en una historia del irregular Tarantino, que posee una de las escenas más bellas de su cine, el asesinato de Clifford (Dennis Hopper) a manos de Vincenzo (Christopher Walken) después de que el primero le explique la verdadera historia de los sicilianos. ‘Sous le dôme épais où le blanc jasmin’ de la ópera ‘Lakmé’ suena de fondo, los dos actores brillan en todo su esplendor y Scott alcanza el mismo nivel que su hermano.

‘Un pez llamado Wanda’

La escena en la que Otto —merecido Oscar para Kevin Kline por su interpretación más recordada— confunde a Archie —un como siempre divertido John Cleese— con un ladrón en su casa, es de las más delirantes de una película que muy probablemente sea la última gran comedia que se ha realizado. Charles Crichton, en una operación que recuerda a sus films para la Ealing, se reúne con dos de los Monty Python y nos sirven un cóctel desternillante lleno de inolvidables momentos cómicos. El señalado es mi favorito.

‘Érase una vez en América’

- ¿Qué has hecho todos estos años?

- Acostarme pronto

La música de Ennio Morricone empieza a sonar y los recuerdos se agolpan, uno tras otro, hasta encontrar el agujero en la pared que llevará a Noodles —impresionante Robert De Niro— a ver lo mejor de una época que nunca ha abandonado. Lo cierto es que es pillar esta película en televisión y uno se la traga entera a pesar de sus tres horas y media. El mejor trabajo del gran Sergio Leone, lleno de múltiples lecturas, pero ya hablaremos de ella en la sección críticas a la carta.

‘Blade Runner’

- Yo he visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto rayos C brillar en la oscuridad tras las puertas de Tannhauser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir.

¿Es necesario decir más?

‘Heat’

La escena más recordada de una de las tres obras maestras de Michael Mann es sin duda el atraco al banco y posterior tiroteo. Acción y violencia sin tapujos y un ritmo endiablado —de los de verdad— meten al espectador de lleno en una secuencia prodigiosa, donde la utilización del sonido es esencial. Robert De Niro y Al Pacino en dos de su mejores papeles.

‘Un mundo perfecto’

Todo el tramo final de esta película, una de las más perfectas jamás filmadas por Clint Eastwood, es un puñetazo directo al corazón. Con ecos de ‘La jungla de asfalto’ (‘The Asphalt Jungle’, John Huston, 1950), Eastwood monta una set piece de profundo calado emocional, difícil de soportar por todo lo que representa. Sin duda, la mejor interpretación de Kevin Costner.

‘Psicosis’

Que una televisión proyecte cine clásico en blanco y negro ya sería suficiente para quedarse pegado al televisor a causa del shock sufrido, pero en esta lista no podía faltar una muestra del maravilloso blanco y negro con su estupenda gama de grises. La escena de la ducha de ‘Psicosis’ (‘Psycho’, Alfred Hitchcock, 1960) es una de las más recordadas de la historia del cine, y aún a día de hoy no ha sido superada. Diseñada junto al gran Saul Bass, es un prodigio de montaje y utilización de la música. Sin duda, uno de los asesinatos más estremecedores que se han filmado.

Su turno, damas y caballeros.

Tras el enorme éxito de ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’, 1992), Clint Eastwood empezó con el principal rumor que aún a día de hoy sigue manteniéndose: que nunca más se volvería a poner a ambos lados de la cámara. No habría que esperar ni un año para comprobar cómo el actor/director rompía su promesa, si bien la primera de las dos películas que ocuparon su tiempo en 1993 sorprendía por el hecho de ser la segunda película protagonizada por el actor no producida por la compañía Malpaso desde que Eastwood la fundase en los años 60. La primera había sido la simpática ‘Los violentos de Kelly’ (‘Kelly´s Heores, Brian G. Hutton, 1970). Fue la Castle Rock en asociación con Columbia, la que puso en bandeja al actor una historia que se adaptaba completamente a su faceta de intérprete.

Con todo Clint Eastwood se llevó a parte de su equipo para funciones de producción, caso de David Valdes, o para coordinación en las escenas de especialistas, caso de Buddy Van Horn. También tuvo la libertad de elegir al director, oferta que recayó en el director alemán afincado en Hollywood, Wolfgang Petersen. El éxito internacional que habían tenido ‘El submarino’ (‘Das Boot’, 1981) —indudablemente la mejor película de Petersen— y ‘La historia interminable’ (‘Die unendliche Geschichte’, 1984) permitieron al realizador entrar en suelo estadounidense con una película hoy de culto, ‘Enemigo mío’ (‘Enemy Mine’, 1985). A Eastwood le gustó concretamente la labor del director en ‘La noche de los cristales rotos’ (‘Shattered’, 1991), una de las razones por las que le ofreció dirigir ‘En la línea de fuego’ (‘In the Line of Fire’).

Jeff Maguire, que había sido uno de los autores de la historia de una de las peores películas de John Huston —‘Evasión o victoria’ (‘Victory’, 1981)—, estuvo dando vueltas por los despachos de Hollywood intentando que alguien lo filmase. Antes de que la película acabase en las manos de Eastwood, el papel principal —el agente Frank Horrigan— le fue ofrecido a actores de la talla de Robert Redford y Sean Connery, perfectos por la edades que tenían, y eso que Eastwood pensó que era demasiado mayor para dar vida a Horrigan. El personaje que interpretó John Malkovich fue ofrecido antes a Robert De Niro —estaba ocupado con el rodaje de su primera película como director, ‘Una historia del Bronx’ (‘A Bronx Tale’, 1993)—, Jack Nicholson y Robert Duvall. Mientras que el realizado por René Russo intentó tener antes los rostros de Glenn Close y Sharon Stone que lo rechazó porque alguien de su categoría no podía aparecer al lado de Clint Eastwood, una estrella demasiado mayor para ella.

A pesar de que muchas veces es divertido imaginarse lo que una película pudo ser con otros actores, e incluso con otro director, creo que muchos estaremos de acuerdo en afirmar que el trío protagonista es absolutamente perfecto, consiguiendo una compenetración casi única. Lo cierto es que Clint Eastwood demuestra estar como pez en el agua con un personaje que en cierto modo parece una estela de Harry Callahan —el esquema narrativo del film no difiere en demasía de los de la saga del mítico Inspector—, un agente del servicio secreto con un pasado tormentoso, que pide ser asignado a la escolta del residente de los Estados Unidos para protegerle de un psicópata que está dispuesto a matarlo. No obstante, aquí hay una humanización del personaje —hasta le vemos llorar—, obsesionado por no haber podido salvar a Kennedy, recuerdo que le atormenta, encontrando su apoyo en Lily, una compañera de trabajo.

Petersen parece inspirarse en la propia filmografía de Eastwood como director, concretamente en el trabajo de fotografía de Bruce Surtees o Jack N. Green, expertos en tenebrismo, y por momentos, curiosamente lo más íntimos, filma a Eastwood rodeado de penumbra. Eso en cuanto a lo formal. Tematicamente ‘En la línea de fuego’ está en cierto modo emparentada con ‘Harry el sucio’ (‘Dirty Harry’, Don Siegel, 1971), pues Horrigan mantiene un juego de gato y ratón con el villano de la función, Mitch Leary, que al igual que Scorpio en el citado film, marea a las fuerzas del orden hasta límites inimaginables. Por otro lado, Horrigan tiene ciertos puntos en común con el William Munny de ‘Sin perdón’. Ambos son personajes crepusculares, cuyo tiempo parece haber pasado, aunque en ‘En la línea de fuego’ está un poco más suavizado dicho apunte. Horrigan es un personaje físicamente cansado, incluso pilla una gripe tras una tormenta, al igual que Munny.

Pero la película es mucho más que una especie de repaso por la iconografía de Clint Eastwood como actor. Petersen filma un thriller ejemplar que se basa sobre todo en el enfrentamiento entre Horrigan y Leary, casi dos caras de la misma moneda. Mientras el primero sigue sirviendo a su país, aunque no simpatice con el actual presidente al que tiene que proteger, Leary es un producto de la CIA entrenado para matar, que esta vez ha cambiado de objetivo. Si uno fracasa el otro gana, y viceversa. Si Leary mata al presidente, Horrigan habrá fracasado por segunda vez y su vida será un infierno, pero si Leary fracasa, no sólo se salvará la vida del presidente, sino que Horrigan disfrutará de una segunda oportunidad. ‘En la línea de fuego’ no es sólo un thriller sobre proteger al presidente, es la lucha a muerte de dos personajes que no encajan en el sistema, un enfrentamiento servido con un increíble sentido el ritmo y la emoción. Varias secuencias así lo atestiguan.

En la excelente persecución de los tejados, Horrigan queda colgando de una de las cornisas siendo cogido por Leary estableciéndose una curiosa situación. Horrigan apunta con su arma a Leary, consiente de que si le dispara firma también su sentencia de muerte. En ese instante en el que el tiempo parece dilatarse hasta límites enfermizos, Leary se mete el cañón de la pistola de Horrigan en la boca, creando así una mayor tensión. La idea fue del propio John Malkovich, que la improvisó en el rodaje, quedando Petersen maravillado con ella, y el público también. La misma tensión volverá a apoderase del relato en el tramo final del film, cuando Horrigan descubre el plan de Leary, y en el último momento salva la vida al presidente. Anne V. Coates, veterana montadora ganadora de un Oscar por ‘Lawrence de Arabia’ (Lawrence of Arabia, David Lean, 1962), realiza uno de sus mejores trabajos, lleno de precisión. Se puede ver la película las veces que sean, que el efecto no disminuye lo más mínimo.

John Malkovich tuvo una merecida nominación al Oscar por su composición de Mitch Leary, al lado del montaje y el guión. El actor está espléndido en su rol, poniéndose varios disfraces y teniendo un control absoluto, pues Leary es uno de esos personajes caramelo que fácilmente podrían haber caído en el histrionismo. Sin embargo, Malkovich logra una milagrosa contención en muchas de sus escenas, y en las que su personaje explota —una de las conversaciones por teléfono y el clímax final—, Malkovich no cae en ningún tipo de artificio actoral por así decirlo. La química con Eastwood es sobresaliente, lo cual refuerza su antagonismo. La tercera en discordia es René Russo, que en contra de lo esperado, también consigue una buena química con su pareja, logrando que su historia de amor sea muy creíble. No se puede decir lo mismo de Dylan McDermott, de lejos lo peor de la película, mero comparsa de Eastwood, puesto en la narración única y exclusivamente para llegar a la escena de la persecución en los tejados.

‘En la línea de fuego’ es, de lejos, el mejor trabajo estadounidense de Wolfgang Petersen, director que casi siempre se ha dejado llevar por los excesos, tal y como lo demuestran el alucine de ‘Air Force One’ (id, 1997) o la ñoñería de ‘La tormenta perfecta’ (‘The Perfect Storm’, 2000), repletas de personajes estúpidos —si hay algo que odio en una película es que un personaje haga idioteces sin sentido— y bandas sonoras machaconas. Hablando de música, decir que el film de Petersen contiene una bello score, no demasiado protagonista —algo que no es capaz de entender James Horner—, de Ennio Morricone, en lo que parece otro ejercicio de homenaje a Clint Eastwood, rememorando así sus inicios al lado de Sergio Leone. Gran éxito de público y crítica, demostró que Eastwood estaba en plena forma y aún seguía siendo un reclamo taquillero, lo cual le ayudaría a embarcarse inmediatamente después en el rodaje de una de las mejores películas de la década de los 90. Pero de eso hablaremos en otro post, después de hacer un buen salto en el tiempo en este especial.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’
• ‘La muerte tenía un precio’
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• ‘El desafío de las águilas’
• ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’
• ‘Dos mulas y una mujer’
• ‘Los violentos de Kelly’
• ‘El seductor’
• El debut en la dirección
• ‘Harry el sucio’
• ‘Joe Kidd’
• La influencia de ‘Incidente en Ox-Bow’
• El primer western como director
• ‘Primavera en otoño’
• ‘Harry el fuerte’
• ‘Un botín de 500.000 dólares’
• ‘Licencia para matar’
• ‘El fuera de la ley’
• ‘Harry el ejecutor’
• ‘Ruta suicida’
• ‘Duro de pelar’
• ‘Fuga de Alcatraz’
• ‘Bronco Billy’
• ‘La gran pelea’
• ‘Firefox’
• Red Stovall, el hombre de los garitos
• ‘Impacto súbito’
• ‘En la cuerda floja’ (‘Tightrope’)
• ‘Ciudad muy caliente’
• ‘El jinete pálido’
• La llamada de Spielberg y la dedicatoria de Godard
• ‘El sargento de hierro’
• ‘Bird’
• ‘La lista negra’

• ‘El cadillac rosa’

• ‘Cazador blanco, corazón negro’

• ‘El principiante’

• ‘Sin perdón’

En Francia soy un autor, en Alemania soy un director de cine, en Inglaterra soy un director de películas de terror y en Estados Unidos soy una puta mierda

Así se expresaba el propio John Carpenter hace ya unos cuantos años cuando se le preguntaba por la mala recepción crítica de sus películas en su país de origen, los Estados Unidos de América. Resulta curioso que con el paso del tiempo, que la mayoría de las veces suele poner las cosas en su sitio, Carpenter sea todavía rechazado por la mayoría de los cinéfilos e incluso críticos que no ven nada de especial en un director que ha sabido moverse con agilidad dentro de los cánones del cine comercial pero sin sucumbir a las típicas concesiones de este tipo de cine. En la sección Críticas a la carta estamos de enhorabuena, vosotros habéis demandado un texto sobre este genial director al que el éxito no le acompaña desde hace décadas y sobre la que muchos consideran su mejor película: ‘La cosa’ (‘The Thing’, 1982).

La película es la primera entrega de la llamada Trilogía del Apocalipsis, seguida en la magnífica ‘El príncipe de las tinieblas’ (‘Prince of Darkness’, 1987) —una de las películas más infravaloradas de su autor— y la interesante ‘En la boca del miedo’ (‘In the Mouth of Madness’, 1995. También se trata de una nueva adaptación del relato de John W. Campbell Jr. que ya había conocido una traslación al cine de la mano de Howard Hawks y Christian I. Niby en ‘El enigma de otro mundo’ (‘The Thing From Another World’, 1951) de la que ya os hablé en su momento, una película que había impresionado mucho a Carpenter —en ‘Halloween’ es el film proyectado en televisión en un momento dado—, pero que distaba mucho de ser una adaptación fiel de un relato con enormes posibilidades.

El argumento no varía demasiado del film de 1951 al menos en lo que es su esqueleto: a una base científica del Polo —el Norte en el film del 51, el Sur en la de Carpenter— llega una forma de vida alienígena que pone en jaque a los residentes del lugar. En el relato de Campbell el alien no tiene una forma específica, es en realidad “una cosa”. Es evidente que en el film de Hawks por razones presupuestarias y que los efectos visuales estaban lejos de la perfección de hoy día, el extraterrestre tiene forma humanoide, es un enemigo con forma concreta y por lo tanto fácil de exterminar. Carpenter se centró con inusitada pericia precisamente en ese aspecto tan importante en la historia: la no forma del alien.

Y digo inusitada pericia porque lo que este hombre logró con el uso de los efectos visuales y de maquillaje —uno de los grandes trabajos de Rob Bottin— es algo que muy pocos han sabido hacer, quizá Spielberg y a ratos Cameron: la perfecta inserción de la técnica en la historia narrada de forma que ésta no queda supeditada a dicha técnica, y al mismo tiempo sea ésta la única herramienta posible para narrar con convicción lo que se quiere contar. Dicho de otro modo, la forma es el fondo, y ‘La cosa’ es probablemente el ejemplo más claro en el cine moderno. Al fin y al cabo de eso se trata ser director de cine, saber poner en escena, saber narrar. Y Carpenter es, pese a quien le pese, unos de los mejores narradores que ha dado el cine americano en los últimos 35 años.

Pero no hablamos únicamente de unos deslumbrantes efectos visuales, que son más mérito de Bottin evidentemente, hablamos de cómo Carpenter retrata el mismísimo horror a través de una historia en apariencia sencilla, de brillante suspense gracias a un ejemplar uso de las elipsis. Tras la súbita aparición del perro perseguido por los noruegos que quieren matarlo —primera irrupción en la rutinaria vida de los habitante de la base—, éste es filmado deambulando por la base en inquietante tranquilidad. Vemos al perro llegar a la habitación de uno de los hombres de la base, se para, Carpenter cambia a otra cosa pero ya nos ha metido el miedo en el cuerpo. Ennio Morricone le ayuda con una banda sonora muy acorde con las que compone habitualmente el propio director, que dicho sea de paso ofreció componer la música a Jerry Goldsmith que rechazó la oferta.

Ese instante del perro nos prepara para la materialización posterior de nuestros temores en la set piece de las jaulas donde duermen los demás perros —segunda y traumática interrupción en la rutina de la base y auténtico punto de inflexión de la historia—, en la que el impacto es tal que Carpenter ha logrado la inmersión total del sorprendido y aterrorizado espectador. A partir de ahí es el horror, nunca sabremos quién es quién en realidad, mientras uno a uno van cayendo todos los personajes, y Carpenter utiliza los efectos para representar el terror en su esencia. ¿Quién no se queda completamente paralizado y fascinado con el instante de la primera fotografía? Ese pecho convertido en una gran boca que sesga los brazos del doctor, el fuego, la cabeza-araña… qué delirio. Es increíble que casi 30 años después el trabajo de Rob Bottin —excelente por atrevido e imaginativo— supere con creces trabajos posteriores.

A pesar de encontrarnos ante un film lleno de efectos visuales y claramente enmarcado en los límites del cine comercial, Carpenter es lo suficientemente inteligente como para sacarse la absurda etiqueta de lo comercial y no caer en ninguna concesión. Fue criticado por sus compañeros por la extrema dureza de sus imágenes, yo prefiero verlo como un llegar hasta las últimas consecuencias en la propuesta, que para deleite de los más exigentes concluye con un final totalmente ambiguo. MacReady —excelente y carismático, como siempre, Kurt Russell en una de sus colaboraciones con su amigo Carpenter— y Childs —Keith David— solos, vigilándose el uno al otro mientras su lenta y fría muerte salvará o condenará a la humanidad para siempre.

Magistral película que además se ha convertido en la primera que ponemos por las nubes en ésta vuestra sección, Críticas a la carta. En los comentarios además de hablar de las excelencias de Carpenter, sobre el que volveremos en su momento, tenéis espacio para dejar vuestra peticiones. Sed originales, por Dios.

Algunos lo consideran como el compositor más innovador de la música de cine. Y puede que no les falte razón. Aunque él, un trabajador incansable, reniega del talento. Piensa que el esfuerzo, el trabajo, el tesón y la entrega es la que te convierte en un grande. Tampoco le falta razón en ello, pero hay que reconocerle que a su descomunal filmografía, se le puede sumar una gran popularidad, múltiples premios (eso sí, el Oscar honorífico) y más de 40 millones de discos vendidos, 26 discos de oro, cinco de platino, un Grammy… Lo que avala que Ennio Morricone sea, sin duda, uno de los más grandes de la historia.

Por tanto, se presta como pocos a repasar sus piezas musicales, aunque es cierto que hay que ser todo un especialista en la materia y disponer de mucho tiempo para estudiar y analizar las más de 400 bandas sonoras que ha compuesto.

Versatilidad, originalidad y profusión

Su figura y su brillantez es desde hace varias décadas un referente, pero no lo es por casualidad. Y aunque reconoce que empezó a componer música para cine por dinero, lo cierto es que acabó convirtiéndose en todo un especialista, capaz de renovarse constantemente y es debido a su enorme capacidad de trabajo (sus biografías hablan que sigue levantándose cada día a las cinco de la mañana y a las ocho ya está escribiendo partituras).

Durante el tiempo que lleva en este campo, no ha renunciado, a pesar de tener tentadoras ofertas de Hollywood, a componer para el cine italiano y lo ha hecho para grandes nombre de su cinematografía. Aunque, si bien es cierto, que alcanzó gran popularidad con el spaghetti western primero y con grandes producciones hollywoodienses después.

Su unión a Sergio Leone dio como lugar una fructífera carrera, logrando que el spaguetti western suene a sus notas, y que todos tengamos asociadas estas películas a su geniales composiciones.

Pero Morricone es un animal polifacético en la música cinematográfica y ha compuesto para todo tipo de géneros, para el cine político, erótico, policíaco, religioso, romántico,... Por ello, se hace difícil hacer una selección con las diez mejores bandas sonoras firmadas por él. Pero, siguiendo el mismo criterio que llevé a cabo con Goldsmith y Williams, prevalece la apreciación personal y lo que me han hecho sentir algunas de sus composiciones. Vamos a ellas. Esta es mi selección, sin ningún orden preferente:

‘Los intocables de Elliot Ness’

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‘La Misión’

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‘Por un puñado de dólares’

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‘Cinema Paradiso’

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‘Érase una vez América’

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‘Días del cielo’

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‘Bugsy’

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‘Malena’

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‘Malditos Bastardos’

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‘El bueno, el feo y el malo’

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En Blogdecine:

• Las diez mejores bandas sonoras de John Williams

• Las diez mejores bandas sonoras de Jerry Goldsmith

‘Watchmen’

Fue uno de los títulos más esperados meses atrás. Una gran promoción acorde con las enormes expectativas, la convirtieron un título sonado. Aunque el resultado en taquilla no fue tan bombazo como podría suponerse. Y las opiniones fueron dispares. Me parece una cinta que se hace pesada en algunos momentos y que tiene todos los ingredientes para ser una grandísima película, sin embargo no terminó de convencerme, aunque contiene aspectos muy meritorios. También es cierto, que la adaptación no fue tarea fácil. Para los más fanáticos, o simplemente los que quieran darle otra oportunidad (entre los que me incluyo), ‘Watchmen’ sale editada con todo lujo, en varias versiones y también disponible en el espectacular Blu-Ray, donde seguro encontrará un hueco de superventas, por sus características visuales. Edición simple en DVD, en 2 discos DVD o Blu-Ray con contenido extra, que incluye el vídeo musical. Por supuesto, también en caja metálica, por cierto bastante atractiva en su diseño.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Watchmen’, ¿una adaptación demasiado fiel?
• ‘Watchmen’, crónica de un fracaso anunciado
• ‘Watchmen’, la visión de Zack Snyder

• ‘Watchmen’, la frialdad hecha espectáculo

‘Déjame entrar’

Una de las mejores películas en lo que llevamos de año y toda una sorpresa que nos llegó desde la gélida Suecia. Una aproximación al cine de vampiros tremendamente original, impactante y de una solidez narrativa desbordante. Pocos son los adjetivos que pueden hacer justicia a esta obra maestra, en la que un joven solitario se hace amigo de una misteriosa chica, cuya llegada coincide con unas muertes. Una historia de amistad que nos descubre una nueva perspectiva del vampiro. Es de las que bien merece coleccionar y visionar cada cierto tiempo, así que su lanzamiento en Blu-Ray y en DVD, edición coleccionista se hace indispensable. Como material extra se incluye un audiocomentario del director y del guionista (y autor de la obra literaria original), así como escenas eliminadas, un videochat exclusivo comentando las interioridades de la película, y un análisis de las claves a cargo de Carlos Boyero, Ángel Sala y J. Bayona. No está nada mal esta edición coleccionista, y parece que en Karma Films han querido cuidarla al máximo.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Déjame entrar’, poesía en clave vampírica
• ‘Déjame entrar’, nieve y sangre

• ‘Déjame entrar’, renovando el mito vampírico

‘The International: Dinero en la sombra’

Este thriller protagonizado por Clive Owen y Naomi Watts, y dirigido por el alemán Tom Tykwer resulta interesante en su planteamiento, aunque sin brillar en exceso. Dispone de una buena puesta en escena, aunque se pliega en exceso hacia el estilo más comercial, abandonando cualquier atisbo de originalidad. Plantea una historia intrigante, pero brilla con más fuerza cuando la acción domina la escena y las persecuciones levantan la emoción del film. Una superproducción que al menos entretiene y que tiene alguna escena sublime, como la batalla planteada en el museo Guggenheim de Nueva York, excelentemente rodada y quizás lo mejor de todo el film. Lástima que el papel de Naomi Watts esté tan desaprovechando, ya que Owen se hace con el peso de la cinta conforme avanza la trama, convirtiéndose en el protagonista absoluto de esta intriga bancaria. También se lanza en una edición especial con documentales, escenas eliminadas y audiocomentarios.

Críticas en Blogdecine:

• ‘The International’, los bancos tienen la culpa

• ‘The International: Dinero en la sombra’, paso atrás de Tom Tykwer

‘Monstruos contra alienígenas’

Apuesta de la DreamWorks con esta historia de alienígenas con claro estilo retro, de los años 50. Una comedia de acción para todos los públicos y que resulta entretenida aunque a ratos pierde algo de ritmo. Siimpáticos monstruos que ponen la nota de humor a esta historia en la que el gobierno necesita de la ayuda de un seres encarcelados para hacer frente a una invasión alienígena. La edición especial contiene lo habitual: escenas elminadas, comentarios y, especialmente, un cortometraje titulado ‘BOB se lo pasa bomba’, que viene en 3D y con las correspondientes gafas para disfrutarlo. Buen acierto, si quieren sacar el máximo partido a esta tecnología, que en el ámbito doméstico se convierte también en un interesante camino para el 3D.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Monstruos contra alienígenas’, 3D por fuera, convencional por dentro

• ‘Monstruos contra alienígenas’. El tamaño importa

‘Por un puñado de dólares’

Título imprescindible para los amantes del buen cine, de western en general y de Clint Eastwood en particular. Una obra de Sergio Leone que ahora cumple su 45º aniversario y se lanza una edición especial conmemorativa. Una revisión del clásico ‘Yojimbo’ llevado al lejano oeste, donde participó la imprescindible mano de Ennio Morricone en la banda sonora. Viene con dos discos y un CD con la música, un libreto de 36 páginas y postales con fotos de esta mítica película.

Crítica en Blogdecine:

• Clint Eastwood: ‘Por un puñado de dólares’

‘Easy Rider: Buscando mi destino’

Este mítico título, dirigido por Dennis Hopper con escaso presupuesto y un espíritu independiente, se convirtió pronto en una película que abanderó a toda una generación. Un clásico de los sesenta, en el que se muestran las actitudes, deseos y ambiciones de la juventud de la época. Peter Fonda y el propio Dennis Hopper cruzan el país de costa a costa, en busca de la América real y en su camino vivirán variedad de experiencias, muy propias de la época. Tardó en llegar a las salas españolas y ahora esta edición en flamante Blu-Ray está indicado para los más nostálgicos o los que quieran revivir el espíritu de una época (incluída una banda sonora de lo más rockandrollera). Más mítica que excelente en su resultado, al menos merece su visión alguna vez. En DVD saldrá dentro de algunas semanas.

La Trilogía Explosiva de Terence Hill y Bud Spencer

El dúo formado por estos dos actores dio lugar a un puñado de películas que tuvieron un notable éxito y los convirtieron en una pareja destacada de las comedias de mamporros. Si se me permite el término. Ahora se lanza un pack especial para coleccionistas que quieran recuperar tres títulos esenciales de este eurowestern tan peculiar. Los tres títulos son ‘Le llamaban Trinidad’, ‘Le seguían llamando Trinidad’ y ‘Mi nombre es Ninguno’. La edición es limitada y viene acompañada de un libro y la banda sonora original. Todo ello presentado adecuadamente en una caja y aun precio aproximado que rondará los 40 euros.

‘El sargento York’

Y para los amantes de los clásicos bélicos, este título protagonizado por Gary Cooper se lanza en una edición doméstica simple, sin contenidos extra. Esta película dirigida por Howard Hawks en 1941 nos cuenta la historia de Alvin York y cómo se convirtió en el héroe más aclamado de la Primera Guerra Mundial, a pesar de debatirse entre el pacifismo religioso y el patriotismo. Se trata de un sencillo granjero que capturó a un buen puñado de alemanes durante una batalla. Esta interpretación de Cooper le valió su primer Oscar como actor y el aplauso del público. La película tuvo un gran éxito, con once nominaciones al Oscar, quizás por ese tono heroico que destila. Lo cierto es que la película logra su propósito y es una gran película.

Vía | Zona DVD

No leer si no se ha visto la película.

‘Dos mulas y una mujer’ (el título que recibió en nuestro país ‘Two Mules for Sister Sara’) es la segunda colaboración de Clint Eastwood y Don Siegel, y sin duda alguna, la peor de todas. En un principio se trataba de un proyecto hecho a la medida de Eastwood y Elizabeth Taylor, y que había surgido durante el rodaje de ‘El desafío de las águilas’. Una producción Malpaso, a la que se asoció Universal para la distribución del film, llegando a firmar un contrato con el actor para tres películas más, que se filmaría en México, y sería un intento de reunir en una sola película el western clásico americano y el spaghetti western, muy de moda por aquellos años (estamos en 1969), relacionando la película con los films que Eastwood hizo a las órdenes de Sergio Leone en España.

Elizabeth Taylor empezó a dar problemas, queriendo filmar en nuestro país para estar más cerca de su amado Richard Burton, y la más que famosa inestabilidad emocional de la que hacía gala llevó al traste el proyecto, siendo sustituida a última hora por Shirley MacLaine, teniendo que escribir casi por entero el personaje femenino. La protagonista de películas como ‘El apartamento’ o ‘La calumnia’ no era tan famosa como Taylor, pero su registro interpretativo era muy superior, con lo que todos salieron ganando con el cambio.

El argumento de ‘Dos mulas y una mujer’ narra la historia de una mujer que es salvada de ser violada por el héroe (más bien habría que decir antihéroe, algo que siempre le encanto interpretar a Eastwood a lo largo y ancho de su carrera) del film: Hogan, un pistolero, experto en explosivos que llega en el momento adecuado. Tras descubrir que es una monja, Hogan se ve en la necesidad moral de ayudarla. Sara, simpatizante de los juaristas en la lucha contra la invasión francesa de México, se las ingeniará para que Hogan la ayude en su lucha, a pesar de que a éste sólo le mueven intereses económicos.

‘Dos mulas y una mujer’ es una película fallida en muchos aspectos. Para empezar su mezcla del western clásico y europeo, no termina de funcionar, quedando un híbrido de lo más chirriante. El guión parte de una historia de Budd Boetticher, ese genio olvidado por muchos y al que Eastwood profesa gran admiración, y de cuya escritura se encargó Albert Maltz, guionista, entre otras, de maravillas como ‘Destino Tokyo’ o ‘Clandestino y caballero’, y que repetiría en la siguiente colaboración del tándem Easwtood /Siegel, ‘El seductor’, aunque ahí firmaría con seudónimo. La historia no es demasiado inspirada, teniendo una descripción plana de personajes, y también de situaciones (salvo casos aislados) en las cuales no termina de cuajar cierto sentido del humor, insertado por las intenciones paródicas del film.

Clint Eastwood vuelve a quedar en un segundo plano con respecto a su compañera de reparto, una atractiva Shirley MacLaine que se convierte en la reina absoluta de la función sobre todo porque su personaje es mucho más rico que el de Eastwood. Entre ambos, y a pesar de que la química no es todo lo perfecta que cabría esperar, se intuye una tensión sexual latente, que estará presente a lo largo de todo el relato, y que tendrá su explosión final cuando Hogan descubre que Sara en realidad es una prostituta, y que le ha estado engañando todo el tiempo (memorable la frase de diálogo ante la réplica de Hogan de que están en un burdel: “No es un burdel, es la mejor casa de putas de todo el pueblo”). Al respecto, cabe citar la que es probablemente la secuencia más famosa de toda la película, aquella en la que Sara le saca una flecha india a Hogan del hombro, mientras éste se emborracha para no sentir nada.

Al igual que en los films de Leone, sobre los que la película de Siegel planea todo el rato, la inmoralidad de sus personajes es una de las constantes de la historia. Pero resulta curioso comprobar que en ‘Dos mulas y una mujer’ el personaje amoral es el de ella y no el de él. Eastwood da vida a un desinteresado vive la vida, que sólo busca ganar dinero para gastárselo en juego y bebida; usa explosivos en vez de un revólver, y cuando ha de utilizar éste, la mayor parte de las veces dispara por la espalda. Y hasta aquí hemos llegado; su supuesta inmoralidad se queda reducida a nada cuando se trata de respetar una sotana, dejando todo de lado por ayudar a una monja. Sin embargo, Sara, que en principio creemos una monja, se vale de su condición religiosa para aprovecharse de las situaciones, y al final, se riza el rizo, descubriéndonos a una prostituta que no duda en hacerse pasar por monja para su propio provecho y el de la causa. MacLaine utiliza muy bien su físico, logrando ser sensual en el momento adecuado, aún llevando ropas de monja. Eastwood se muestra mucho más divertido que en ocasiones anteriores, riéndose de sí mismo, aunque su personaje parezca una copia sin entidad alguna, de sus trabajos con Leone (hasta en la parte final del film lleva un poncho), añadiendo únicamente un tono paródico, que vuelvo a señalar, hace demasiado daño a un film que debió ser mucho más desmelenado y no depender tanto de la influencia europea.

Para más subrayados, Ennio Morricone compone la banda sonora, hermana bastarda de los films de Leone, y en la que también va impreso cierto tono de broma acorde con la historia, como si las notas nos narrasen, a modo de sinfonía burlona, los vericuetos por los que atraviesan los protagonistas. Pero Don Siegel se muestra incapaz esta vez de sacar algo de provecho del material que tiene entre las manos, mostrando una gran inseguridad y torpeza en la narración (esos zooms de acercamiento sin ningún sentido dramático), por no hablar de la ausencia total de estilo en un film que en apariencia es un western, pero cuyo engranaje entra de lleno en la comedia, con la consabida guerra de sexos incluida (las razones por las que Hogan no tiene una mujer a su lado provocarían el enfado de cualquier feminista de tres al cuarto). Las escenas de acción no son nada del otro mundo (algo muy raro en Siegel), y en la parte final se nota la falta de un malvado con más presencia, alguien que realmente haga peligrar el por otro lado demasiado fácil, plan de nuestros héroes.

‘Dos mulas y una mujer’ termina con una escena realmente inspirada: Tras conseguir todos lo que querían, Hogan y Sara se acuestan para terminar así con tanta tensión sexual. Tras ello, Sara, con una ropa muy diferente a la de una monja, acompaña a Hogan en su camino; éste con cara de enfado le recrimina para que vaya más rápido. Una vez consumado el acto sexual, ya no queda nada en la relación por lo que interesarse. Al igual que con el dinero, Hogan demuestra moverse únicamente por instintos básicos. Cuenta la leyenda que el título del film hace referencia a dos mulas, una es sobre la que va montada MacLaine, y la otra es el personaje de Clint Eastwood, quien no se enteró hasta el final del rodaje del chiste.

El actor seguía cimentando su imagen de duro, y entraría de lleno en la década de los 70, una de las más ricas, artísticamente hablando, de su vida. ‘Los violentos de Kelly’ sería el primer título en esos años, pero hablaremos de ella en el próximo post del especial.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’
• ‘La muerte tenía un precio’
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• ‘El desafío de las águilas’

• ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’