‘Robin Hood’

La enésima revisión del mítico arquero de Sherwood de la mano de Ridley Scott con Russell Crowe fue un buen éxito de taquilla. Lástima que la película no llegara a cotas más altas de las esperadas. Aún así seguro un entretenimiento que a muchos les apetecerá volver a ver en el cómodo sofá de casa ante la pequeña pantalla. Eso sí, la historia mítica de Robin Hood viene con la versión del director. No sabemos si esto es bueno o malo, pero vende. Así, para los curiosos trae 16 minutos extras no vistos en cines. Un extra interesante. El lanzamiento está disponible a partir del día 14 de octubre y para los que quieran compararla con ‘Gladiator’, pueden hacerse con el pack de ambos títulos por 22,35 euros. Buena jugada comercial.

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‘Cómo entrenar a tu dragón’

Una de las cintas de animación que causaron buena sensación en salas. Deamworks consiguió una bonita historia de aventuras con la que disfrutar en familia. Vickingos, dragones, valor, aventura,… una cinta entretenida y que ahora viene en un lanzamiento interesante en Blu-ray acompañado de un DVD de regalo por 29,95 euros. Por supuesto repleto de contenido extra como audiocomentarios, entrevista, escenas eliminadas, tráilers, la tecnología del dragón y exclusivo en Blu-ray: ‘El rincón de los animadores’ y ‘Juego de Trivial’. No está mal, así nos gustan los lanzamientos, que al menos justifiquen su alto precio.

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‘Sólo ellos’

Protagonizada estelarmente por Clive Owen este melodrama no es otra cosa que un mero escaparate de lucimiento para el actor (como bien señala Alberto en su crítica). Si bien intentará llegar hasta el corazón del espectador con una trama que nos cuenta la historia de un periodista que tras la muerte de su segunda esposa debe hacerse cargo de su hijo, y además el hijo adolescente de su anterior matrimonio se les une en una complicada convivencia. La edición en DVD viene con escaso contenido extra y menos aún en la edición en Blu-ray.

‘Que se mueran los feos’

Esta comedia española cuenta con un reparto estelar encabezado por Javier Cámara y Carmen Machi y es una apuesta por vestir de comedia uno de esos dramas cotidianos que no son difíciles de encontrar (Beatriz lo explica en su crítica). Recordemos que cuenta la historia de Eliseo, feo, cojo y soltero que encuentra la mujer de su vida, también fea, con un sólo pecho y separada que no conoce el amor. Vino acompañada de una pegadiza canción con el mismo título y no obtuvo malos resultados en taquilla. El lanzamiento trae como extra el cómo se hizo y el videoclip de la mencionada canción.

‘El exorcista’ (Montaje del director)

Es una excusa como cualquier otra para relanzar (nuevamente) este clásico del cine de terror y ahora apela a esas imágenes que no se pudieron ver en su momento. Poco podemos aportar nuevo a este título imprescindible para los amantes del género, que seguro acogerán con agrado este lanzamiento en Blu-ray que trae, además del montaje del director, un nuevo documental en tres partes sobre la producción del film y comentarios del propio William Friedkin. Excelente y apetecible sin duda, lo mejor de la semana. Aunque seguro muchos ya disponen de la versión completa, la prohibida…

‘Espartaco’ (Edición 50 aniversario)

Otra buena excusa para poner en las estanterías un clásico incontestable y muy popular. El film de Kubrick ha tenido varias versiones pero aprovechando las cinco décadas de su estreno, llega en alta definición, sin cortes y totalmente restaurada. Sin estuches metálicos, maletines, ni extras, tan sólo con una imagen con la cara lavada y que seguro vuelve a enganchar a adictos al coleccionismo. Imprescindible.

En Blogdecine: Stanley Kubrick: ‘Espartaco’

‘Las brujas de Eastwick’

Este film de George Miller logró a finales de los ochenta enorme repercusión. Quizá buena parte de la culpa la tenga su extraordinario reparto: Nicholson rodeado de Cher, Susan Sarandon y Michelle Pfeiffer. En su momento una película interesante aunque vista hoy pierde algo de fuerza. Pero si quieres comprobarlo por tí mismo, esta edición en Blu-ray puede ser una buena oportunidad. Por 16,95 euros.

‘Camelot’ (Edición especial coleccionista)

Otro título interesante que viene en una edición especial por parte de Versus Entertainment. Esta adaptación del famoso musical fue dirigida en 1967 por Joshua Logan y protagonizada por Richard Harris, Vanessa Redgrave y Franco Nero. Una película notable en la forma, con varios Oscar y destacaría su estupenda banda sonora. Esta edición trae dos discos con más de 37 minutos de extras. Entre ellos un cortometraje, un documental sobre el estreno en Times Square y un interesante libreto exclusivo. Su precio es de 18,95 euros.

‘Temblores’

Hacía bastante tiempo que no había recordado este film sin muchas pretensiones y que explota con sencillez la típica historia de monstruo terrorífico. Data de 1990, dirigida por Ron Underwood y cuenta en el reparto con Kevin Bacon (por aquel entonces una joven estrella de relumbrón), además de Fred Warn, Finn Carter y Michael Gross. La historia cuenta como en Nevada se producen unos temblores muy extraños y los protagonistas descubrirán que se producen además extrañas desapariciones debidas a unas gigantescas criaturas subterráneas que causarán el pánico. Contó con varias secuelas, aunque esta original que ahora se lanza viene acompañada de extras: cómo se hizo, tomas falsas y filmografías.

Vía | ZonaDVD

Empiezo a sentirme como uno de los protagonistas de esa obra maestra titulada ‘A dos metros bajo tierra’ (‘Six Feet Under’). Esta semana ya hemos comunicado tres fallecimientos de personalidades del cine: Gloria Stuart, Sally Menke y Arthur Penn. Hoy le toca el turno a Tony Curtis, que ha muerto a la edad de 85 años, según confirmación de su propia hija, la actriz Jamie Lee Curtis, fruto del matrimonio, el primero de seis que tuvo, del actor con Janet Leigh.

Nacido en Nueva York y criado en el Bronx, a mediados de los años 40 decide meterse a clases de interpretación, haciendo sus primera apariciones en películas tan importantes, y maravillosas, como ‘El abrazo de la muerte’ (‘Criss Cross’, Robert Siodmak, 1949) o ‘Winchester 73’ (id, Anthony Mann, 1950). Al lado de Burt Lancaster filma dos películas tan distintas como ‘Trapecio’ (‘Trapeze’, Carol Reed, 1956) y ‘Chantaje en Broadway’ (‘Sweet Smell of Sucess’, Alexander Mackendrick, 1957). Al año siguiente lo nominan al Oscar —sería la única nominación de toda su carrera— por su papel en la interesante ‘Fugitivos’ (‘The Defiant Ones’, Stanley Karmer, 1958), y también coincide con Kirk Douglas en una de las mejores películas de aventuras que se han filmado jamás, ‘Los vikingos’ (‘The Vikings’, Richard Fleischer).

1959 y 1960 son dos años muy importantes para Curtis, pues filma dos películas inolvidables y de gran repercusión popular, probablemente aquellas por la que es más recordado: ‘Con faldas y a lo loco’ (‘Some Like It Hot’, Billy Wilder) y ‘Espartaco’ (‘Spartacus’, Stanley Kubrick).

Recomiendo se le vea en ‘El estrangulador de Boston’ (‘The Boston Strangler’, Richard Fleischer, 1968), no por la película en sí, que me parece correctita, sino porque Curtis está inmenso.

Hasta siempre Tony.

Vía | El país

Como hoy es mi cumpleaños, y me apetece darme un capricho, y como el mundo es cada vez más gris y más tedioso, y la emoción de la aventura es más necesaria que nunca, me he decidido a recopilar cincuenta obras maestras del cine de aventuras, que son cincuenta razones para no tirar la toalla y aguantar unos años más, y levantarse cada mañana al amanecer. El mundo merece la pena, sobre todo con estas maravillas dentro. Menos mal que existen.

La aventura lo engloba todo, o casi: el cine de acción (mutación del concepto de aventura), gran parte del melodrama, mucho cine histórico, casi todo el cine bélico, el western, el policiaco. El cine de aventuras sobre todo en su acepción más abierta: los grandes parajes, los grandes héroes o anti-héroes (los grandes personajes, en suma), el dinamismo eléctrico de los cineastas, los argumentos generosos y más grandes que la vida. El cine de aventuras comprendido como catarsis, como liberación, como alegría pura, como droga, como éxtasis.

Películas norteamericanas (lógico), rusas, japonesas, francesas y australianas. Para evitar hacer el post interminable, lo divido en dos partes, la primera de las cuales (ésta) se centra en un cine más antiguo (hasta los años setenta), y la segunda en otro más moderno, hasta la actualidad. Dentro de unas horas publicaré la segunda mitad de este post, ¿no dan ganas de volver a verlas todas? ¿Y además seguidas?

‘El hombre que pudo reinar’

Sin lugar a dudas, al menos para quien esto firma, la obra maestra de John Huston, mil veces imitada, jamás igualada. Un milagro, con los portentosos Sean Connery y Michael Caine, una historia de amistad como pocas veces se ha visto en una pantalla de cine, una aventura sin fin.

‘Centauros del desierto’

¿Qué es lo que hace a un hombre vagar? ¿Qué es lo que hace a un hombre viajar? ¿Qué hace que un hombre abandone cama y comida y de la espalda al hogar? cabalga, cabalga, cabalga… Excepcional obra maestra de John Ford, y por ello una de las películas de aventuras más grandes de la historia. La búsqueda eterna del hogar para los que no tienen corazón.

‘El Dorado’

El Howard Hawks más vitalista y enérgico que jamás existió, y eso que Hawks siempre era vitalista y enérgico. El viejo mito del grupo de hombres fortificado, esperando a los malos, se eleva aquí, gracias al humor y el talento supremo de Hawks, a obra de arte incomparable, en la que la vida misma se cuela por los resquicios del género. ¿No la has visto? Mal hecho. No puedes morirte sin hacerlo.

‘Hatari!’

Hawks, básicamente, hacía obras maestras de aventuras año si, año también, y es muy difícil quedarse con algunas de ellas sobre otras. Cuatro años antes de ‘El Dorado’ se iba a Tanzania y cumplía uno de los sueños de su vida: contar la relación entre hombres (el tema más importante de su vida) cazadores de animales para venderlos vivos. En realidad, todas las historias que cuentan las amistades entre hombres deberían fijarse en la obra de Hawks.

‘Los siete samuráis’

Kurosawa es, posiblemente, el impulsor de la obra de Coppola, Lucas, Yimou y varios gigantes más. Es decir, otro gigante. Y su obra magna de aventuras es una de sus películas más melancólicas y violentas, la extraordinaria aventura de unos campesinos que contratan a varios samurais porque no saben luchar para defenderse. Obra maestra.

‘Dersu Uzala’

Cuando Kurosawa hizo ‘Dersu Uzala’ su fama no era, ni mucho menos, la de los años cincuenta o sesenta, pero su prestigio era enorme. Él lo refrendó con esta obra de arte, auténtico canto a la naturaleza y a la libertad, un clamor contra la vida en ciudad, un poema de aventuras. Y otra historia de amistad entrañable entre dos hombres.

‘Robin de los bosques’

Hace algunos meses hablé de ella en Blogdecine. Nada que añadir. Pero sí, es la felicidad hecha cine.

‘El halcón y la flecha’

El alucinante Jacques Tourneur de ‘Yo anduve con un zombi’ o ‘Retorno al pasado’ se lanzaba al cine de aventuras más juvenil, y el resultado sólo puede calificarse de antológico. Ni siquiera Michael Curtiz lo habría hecho mejor. Más dinamismo, más risas, más alegría y más aventura es sencillamente imposible.

‘Murieron con las botas puestas’

Cuando hablamos de aventuras hablamos de belleza, de épica y de dignidad. Ninguna película en la historia tiene tanto de eso como la obra maestra de Raoul Walsh, con unos espectaculares Errol Flynn y Olivia de Havilland y un guión magistral, que demuestra hasta qué punto la aventura nunca fue incompatible con el intimismo ni la complejidad. Insuperable.

‘Yojimbo’

Creo que las escuelas de cine deberían estudiar de qué forma Kurosawa empleaba la cámara de un modo tan eléctrico para, con sencillez arrolladora, alcanzar tanta fuerza narrativa. Kurosawa comprendía muy bien las posibilidades de la aventura, y por eso es uno de sus máximos exponentes.

‘Los tres mosqueteros’

Quizá falte la gran adaptación (cinematográfica) sobre la otra gran obra de Dumas, ‘El conde de Montecristo’, pero en cuanto a la otra, ya dejó el listón muy alto George Sidney, que filmó de una manera totalmente moderna, hasta el punto que parece que se hizo ayer, o mañana. Una gozada inolvidable.

‘Fort Apache’

La historia de Custer, que ya hemos nombrado en el filme de Walsh, desde la óptica deconstructiva de Ford, que alcanza su mejor obra hasta la fecha con esta tragedia casi shakesperiana, con algunas secuencias de aventuras (el humo levantándose y moviéndose del campo de batalla) que no han sido superadas a día de hoy)

‘They Were Expendable’

Más Ford, es inevitable. A fin de cuentas, los directores más grandes de la historia son los mejores directores de cine de aventuras. Y Ford no es una excepción. Película bélica, pero también película anti-bélica. Dejando al margen su tono patriótico, un excepcional estudio de caracteres, y una aventura con un ritmo insuperable.

‘Por un puñado de dólares’

Adaptación muy libre de otra película de esta lista, ‘Yojimbo’, Leone toca su techo con esta historia de un pistolero cínico y de sacrificio sin límites, interpretado por un sublime Clint Eastwood. Alberto Abuín ya nos dejó una estupenda crítica de esta cinta frenética e inolvidable.

‘Pat Garret & Billy the Kid’

Para mí, la más bella, emocionante y trágica película dirigida por Peckinpah, sobre quién Alberto, una vez más, está escribiendo un especial hace ya muchos meses. Nunca este director fue tan lírico como en su visión de la muerte del mítico pistolero Billy “el niño”.

‘La evasión’

No hay otra película como ‘La evasión’, dirigida por Jacques Becker justo antes de morir, y que es una obra maestra insuperable. Su realismo, su rigor, su vigorosa veracidad, deben hacer sonrojarse a la mayoría de directores de aventuras actuales. De nuevo, Alberto escribió para Blogdecine una estupenda crítica.

‘Espartaco’

Sin ningún género de dudas, la más importante y bella película dirigida por Kubrick en toda su vida. Nunca se hizo película más roja, conmovdeora y valiente en torno a la libertad como concepto supremo, y nunca la aventura fue tan dolorosa y tan humana. Alberto Abuín, otra vez, acaba de publicar una crítica sobre ella.

‘Con la muerte en los talones’

La película más aventurera, divertida, luminosa, irresistiblemente trivial de Hitchcock, una gozada de inventiva visual y argumental, en la que un hombre común, una vez más, se mete en una aventura más grande que la vida. ¿Hay alguien que no la haya visto?

‘Lawrence de Arabia’

David Lean rubricó su particular ‘Odisea’ con su película sobre el oficial más complejo que jamás sirvió en el ejército británico. Para Spielberg, que algo sabe de esto, es una película sublime, que nunca más podrá hacerse, y que es resultado de la ambición, el ego y el talento sin parangón de un hombre de cine grandioso.

‘El puente sobre el río Kwai’

De nuevo Lean, claro, y de nuevo la Segunda Guerra Mundial, para el puente más famoso del cine, en una aventura extraordinaria que reúne a un reparto coral (genial Guinness, trágico Holden), para una aventura que aúna lo trágico y lo aventurero con grandiosa facilidad.

‘El tiempo en sus manos’

Un poco de Sci-fi, y un poco de Wells, no vienen mal, sobre todo en películas míticas como esta, que habla de los viajes en el tiempo como hasta entonces no se había hecho, y que adapta la novela del gran escritor con maestría absoluta y con un diseño de producción que aún hoy asombra. Un asombro.

‘Hombre’

Uno de los westerns menos recordados de la historia, y uno de los mejores, con un Paul Newman sensacional. Un viaje sin esperanza y una tensión y una acción que no recuerdo haber visto muchas veces en una pantalla. No hay muchas películas como ‘Hombre’. Una obra magistral.

¡Yo soy Espartaco!

Tras ‘Senderos de gloria’ (‘Paths of Glory’, 1957), cuyo estreno estuvo prohibido en muchos países durante años, Stanley Kubrick no tenía demasiadas oportunidades para dirigir otra película. Fue precisamente el protagonista principal de esta última, Kirk Douglas, quien pensó en el director neoyorquino para hacerse cargo de una monumental superproducción —citando al gran Goyo, para los de la LOGSE, un blockbuster— en la línea de las que solían hacer en aquella época dentro del cine histórico. Films como ‘Quo Vadis’ (id, Mervin LeRoy, 1951), ‘La caída del Imperio Romano’ (The Fall of the Roman Empire’, Anthony Mann, 1964), ‘Rey de reyes’ (‘King of Kings’, Nicholas Ray, 1961), ’55 días en Pekín’ (‘55 Days at Peking’, Nicholas Ray, 1963) o la multipremiada ‘Ben-Hur’ (id, William Wyler, 1959) están en la memoria de cualquier cinéfilo.

‘Espartaco’ (‘Spartacus’, Stanley Kubrick, 1960) es, junto al film de Wyler, la mejor de todo este grupo de películas. Un emocionante, entretenidísimo y extenso largometraje sobre la vida del esclavo tracio que fue uno de los líderes de la más importante rebelión contra la Antigua república romana. 190 minutos extraordinarios de puro cine en la película menos personal de Kubrick y curiosamente la más defendida de su filmografía, aquella que pone de acuerdo a admiradores y detractores de Kubrick. ¿No es una gran ironía?

Lo cierto es que Kubrick no estuvo en el proyecto desde el principio. La primera semana de rodaje era Anthony Mann el que sentaba en la silla del director, pero tenía continuas diferencias creativas con el productor del film, Kirk Douglas, quien quería un film menos clásico de lo que Mann pretendía. Lo gracioso del asunto es que Anthony Mann fue un especialista con mucho éxito en este tipo de superproducciones —aunque realmente debe ser recordado por sus maravillosos westerns con James Stewart—, pero esta vez chocó de frente contra un productor que tenía las cosas muy claras sobre lo que quería hacer con la película y que le despidió para sustituirle por Stanley Kubrick. La secuencia inicial en las canteras es la única que llegó a filmar Mann.

Pero el director de ‘Senderos de gloria’ no las tenía todas consigo. Douglas quería a un director al que pudiese controlar y eligió a Kubrick por lo bien que había dirigido el mencionado film bélico y por lo bien que se llevaron durante aquel rodaje. Sin embargo esa buena relación se vio truncada durante la filmación de ‘Espartaco’. El director, por primera y única vez en su carrera, no tenía poder sobre el guión el cual consideraba bastante malo y absurdo, afirmación que no deja de sorprender por venir de quien viene pues estamos ante uno de esos minuciosos trabajos de Dalton Trumbo, en el que no faltan fuertes y sutiles referencias políticas. De hecho, podríamos decir que ‘Espartaco’ es probablemente la más grande película política de la historia del cine. Su historia y mensaje son tan antiguos como lo es el hombre. El eterno enfrentamiento entre el pueblo sometido y las injusticias de la poderosa tiranía.

1960 fue un año muy importante para Dalton Trumbo. Perseguido durante la famosa caza de brujas del senador McCarthy —y que le llevó a protagonizar una de las anécdotas más famosas de la historia de los Oscars cuando lo ganó por ‘The Brave One’ (id, Irving Rapper, 1956) bajo el seudónimo de Robert Rich y “nadie” se levantó a recogerlo, recibiéndolo casi 20 años después, en 1975, poco antes de su muerte— por fin pudo poner su nombre en los créditos no sólo de una película sino de dos, la presente y la magnífica ‘Éxodo’ (‘Exodus’, Otto Preminger, 1960). En el film de Kubrick puso toda la carne en el asador aunque el guión no fuera del agrado del director; no se cortó ni lo más mínimo e hizo una dura crítica al poder establecido, a la tiranía y reflejó la incomodidad general del país en el personaje central, Espartaco, un hombre sencillo y valiente que descubrió que un sólo individuo puede marcar la diferencia.

La rebelión de Draba

De todo el cúmulo de maravillosa secuencias que contiene ‘Espartaco’ hay una que me parece esencial, única y que tiene lugar en el que probablemente sea el mejor tramo del film, aquel que transcurre en la escuela de gladiadores en la que Espartaco es entrenado como máquina de matar mientras se enamora de una bella esclava de nombre Varinia (Jean Simmons). Para entretener la visita del importante Marco Craso, al que da vida un impresionante Laurence Olivier, el encargado de la escuela, Batiatus —inmenso Peter Ustinov que ganaría un Oscar por su labor— accede a que cuatro gladiadores se enfrenten a muerte en la arena. El primer combate tiene lugar fuera de campo mientras Kubrick coloca la cámara dentro del habitáculo en el que esperan los otros dos gladiadores, Espartaco y Draba, para enfrentarse. La tensión aumenta pues ambos saben que uno de los dos no volverá con vida. El primer combate termina y los dos gladiadores salen a la arena, luchan encarnizadamente y cuando Draba tiene la vida de Espartaco en sus manos, sucede algo emocionante. Vamos paso por paso.

Espartaco ha sido vencido por un adversario —un compañero— claramente superior. El combate es a muerte por el capricho de los que tienen el poder y observan sólo por mera diversión. Al fin y al cabo una de las ventajas del poder, de la posesión de grandes riquezas es que también se dispone de la vida de otras personas. Exactamente igual que en la vida real.

Draba, interpretado por un entregado Woody Strode que venía de protagonizar una de las obras maestras de John Ford, la muy personal ‘El sargento negro’ (‘Sergeant Rutledge’), mira hacia arriba esperando una respuesta. Él sabe lo que tiene que hacer pero aún así mira.

La respuesta no se hace esperar. La mujer de Craso lo indica claramente, Espartaco debe morir. Atención a la expresión de Craso que prácticamente se sorprende de la decisión de su mujer. Más tarde comprobaremos que Craso es mucho peor que su esposa, un tirano en toda regla, sin remordimientos ni límites para su maldades.

Espartaco cierra los ojos esperando que el frío metal del tridente le atraviese el cuello. Sabe que su hora ha llegado.

Pero Draba duda. Algo en su fuero interno le dice que aquello no debería ser así.

Draba se rebela contra el poder lanzando su tridente. Acto seguido decide ir a por Craso en lo que prácticamente es un suicidio. La vida de Draba es sesgada por la lanza de un guardia y por la estocada final de un cobarde Craso que le acuchilla cuando el esclavo está herido. Hay que anotar que Draba casi lo consigue. Casi.

Espartaco entiende entonces que un sólo hombre puede marcar la diferencia, y que para ello se tiene que estar dispuesto incluso a dar la vida. El líder de la rebelión romana vive desde la decisión de Draba un tiempo prestado y lo va a aprovechar. Es por eso que realmente dicha rebelión no es en realidad la de Espartaco, sino la de Draba. Primer punto de inflexión en la vida de Espartaco. El segundo ocurre cuando el amor de su vida es llevado de su lado, y Espartaco se rebela contra sus guardianes ayudado por sus compañeros gladiadores. La fuga de la escuela es todo un prodigio de montaje y ritmo. Atención a la cámara de Kubrick, colocada en los adecuados ángulos que infieren grandeza y emoción a otro momento culmen —y muy esperado por el espectador— del relato.

Un Kubrick controlado pero grande

‘Espartaco’ es como decíamos la película menos personal de Kubrick, pero un film poco personal no es necesariamente malo y éste es la prueba de ello. Douglas controló en todo momento al genio —Caviaro lo llama Dios, Massanet sobrevalorado, yo lo llamo genio que es lo que era y siempre será— no dejándole tomar parte en la historia y logrande que acatase las decisiones del actor. Kubrick salió airoso de todo y demostró ser capaz de manejar una superproducción de gran presupuesto. Para dirigir a actores de la talla de Charles Laughton contó con la inestimable ayuda de Peter Ustinov quien reescribió todas los diálogos de Laughton, quien interrumpía cada dos por tres el rodaje tachando de absurda la historia —curioso, lo mismo que pensaba Kubrick—; aún con todo podemos comprobar que Laughton está soberbio como Graco teniendo en su haber algunas de las frases más ingeniosas de la historia como todo lo referente a las divinidades. Su suicido fuera de campo, vencido por la ascensión de la tiranía, es uno de los momentos más bellos del film.

Como bellas son las escenas que Kubrick mete cuando se trata de retratar al pueblo que huye buscando la libertad. Además de demostrar un gran manejo del formato scope y de las masas, Kubrick apuesta por lo íntimo cuando enfoca a ancianos y niños, o la emotiva escena de una pareja enterrando a su bebé muerto el cual no ha resistido la dureza del viaje. No hay maniqueo en una película que rehuye el panfleto político aún lanzando dardos envenenados al poder, y sobre todo el mensaje religioso. La libertad o el destino nada tienen que ver con la creencia en un dios absurdo. El hombre es el que decide, el que actúa y el que debe asumir las consecuencias.

En el momento de su estreno se eliminó una escena absolutamente vital. La famosa secuencia del baño donde Craso le habla a Antonino (Tony Curtis) sobre caracoles y ostras de claras connotaciones homosexuales. Y digo vital porque es precisamente esa charla la que convence a Antonino para abandonar a Craso y unirse a la causa de Espartaco por quien sentirá una gran admiración —no necesito nombrar el final de ambos personajes—. En 1991, cuando se decidió restaurar la película, se descubrió que la mencionada secuencia carecía de sonido. Tony Curtis volvió a doblar a su personaje, pero Olivier había fallecido por lo que se recurrió a Anthony Hopkins para doblar a Craso.

‘Espartaco’ es una película que puede verse las veces que sean, seguirá emocionando tal y como lo hizo en su momento, y su fuerza sigue viva 50 años después de su estreno, muy por encima de films posteriores que juegan a ser lo mismo. En un film reciente basada en cierta obra de Alan Moore podemos ver un intento de transmitir el mismo mensaje, de la misma forma que en el ‘Braveheart’ de Mel Gibson podemos apreciar como la batalla final del film de Kubrick influyó de forma poderosa en el trabajo de Gibson. Sus influencias llegan hasta el cine de James Cameron, quien ni corto ni perezoso hizo un calco de cierto momento del film en su laureada ‘Titanic’.

Y es que ¿a quién no le gusta ‘Espartaco’? ¿Quién no desearía ser Espartaco? Magistral de principio a fin. Su éxito permitiría a Kubrick abarcar proyectos más personales y convertirse en el autor que todos conocemos.

Especial Stanley Kubrick en Blogdecine:

• Una pretenciosa ópera prima
• ‘El beso del asesino’
• ‘Atraco perfecto’

• ‘Senderos de gloria’

• Dante (Eusebio Poncela) en ‘Martin (Hache)’, de Adolfo Aristaráin (1997)

Yo es que es ver esta secuencia y que se me pongan los pelos como escarpias. Cuántas veces habré deseado que pase esto mismo en alguna representación teatral, donde veo a los actores deseando desembarazarse del corsé de las paredes del teatro y lanzarse a hablar y a interactuar con el público. Momentos como este enardecen mi espíritu. Y claro está, tenemos la interpretación magnífica de un Eusebio Poncela en vena. Inolvidable.

• Joker (Heath Ledger) en ‘The Dark Knight’, de Christopher Nolan (2008)

La magnífica película de Nolan tiene en su haber buenas escenas de acción, excelentes interpretaciones, un diseño de producción realmente único, y algunas ideas brutales. La más sorprendente de todas, la decisión del Joker de quemar todo el dinero (creo que trescientos millones de dólares) que le ha pagado la mafia con tal de librarse de Batman. Un momento que es la definición de la anarquía.

¿Cómo vencer a un hombre al que le da lo mismo el dinero? Si no se le puede comprar, no se le puede combatir. Es casi indestructible. De todos los actos de la destrucción de las normas sociales, este es a mi entender el más importante que hace en toda la película.

• Rose (Kate Winslet) en ‘Titanic’, de James Cameron (1997)

Donde otros ven una ñoña historia de amor, yo veo una trágica y lírica relación. Pero veo más cosas, veo un relato feminista como muy pocos nos ha regalado el cine. Es increíble todo lo que tiene que sufrir Rose, y ya convencida de que no quiere la vida que le han (pre)fabricado, se vuelve hacia su ex-prometido, y le espeta: “prefiero ser su puta que tu esposa”. Y con esa mirada de desprecio que le suelta, y para librarse de él le escupe en un ojo.

¿Quién con una (seria) conciencia social no puede sentirse enardecido viendo como una muchacha escupe a su ricachón prometido, asegurándole que prefiere ser la puta de otro a su esposa? Yo, personalmente, no puedo dejar de ver ese momento una y otra vez.

• Alexander (Erland Josephson) en ‘Sacrificio’, de Andrei Tarkovski (1986)

En la excepcional obra maestra de Andrei Tarkovski (el séptimo y último de sus largometrajes) Alexander tiene que purgar su interior, purificarlo de alguna manera, y la única manera de lograrlo, para él, es librarse de sus fantasmas y de todo aquello que le ata a una vida terrenal, por mucho que sufra su familia. ¿Egoísta o mártir? Vean la película. El plano es conmocionador. Y además viene a asentar la idea de Tarkovski de que si nos libramos de lo material nuestro espíritu se verá más libre. ¿Hay algo más anárquico que eso?

• Todos los esclavos en ‘Espartaco’, de Stanley Kubrick (1960)

Algunos dicen que es el momento más rojo del cine norteamericano (teniendo en cuenta, además, quién la escribió), pero lo cierto es que es un momento realmente lleno de espíritu anarquico. Todos somos Espartaco en la lucha contra el poder, ninguno más importante que otro, viene a decir esta hermosa secuencia. Ah, ese Kirk Douglas llorando, pues sabe que todos morirán por defenderle. Inconmensurable.

Me parece el momento más importante de todo el cine del endiosado y sobrevalorado Kubrick. El más emocionante y el más auténtico.

Seguro que los lectores tienen escenas que les rebelan contra el mundo que les ha tocado vivir. No os cortéis, si tenéis alguna.