Como todos y cada uno de los títulos dirigidos por Quentin Tarantino, ‘Malditos bastardos’ genera una dicotomía. Una división entre los que les acaba pareciendo una broma, una película con momentos divertidos y poco más, en los que su director se gusta y disfruta dilatando escenas con diálogos ingeniosos, y los que confirman que Tarantino es el director más cinéfilo, apasionado y autorreferencial del cine actual, pero también un soberano talento para trazar puentes entre géneros, temas, influencias y fuentes de inspiración.

Esta mezcla tan personal que Tarantino logra con ‘Malditos bastardos’ entre el spaguetti western y el cine bélico, aderezado de sus personales referencias y reciclando capítulos de su memoria y gusto cinéfilo, hace que sea una película también difícil de catalogar. Como lo es el resto de su cine. ¿Acaso es “tarantiniana”? Pues lo es y mucho. Tanto que junto con ‘Jackie Brown’ resulta su trabajo más maduro y que nuevamente sorprende a nuevos espectadores por su capacidad para crear escenas magistralmente diseñadas y que funcionan como pequeñas películas dentro del metraje definitivo de ‘Malditos bastardos’.

Como suele acostumbrarnos, Tarantino mezcla con gran habilidad (y por mucho que se repudie de su talento, no se le puede negar su personalidad como cineasta y su valía) el divertimento, repleto de guiños (especialmente a su fuente de inspiración, la película casi homónima de Enzo G. Castellari), de añadir a su película elementos de que pertenecen a otra, pero que sabe encajar con gran gusto, y el ejercicio formal que destila un extraordinario gusto y enorme pasión por el cine. Eso es lo que realmente refleja en ‘Malditos bastardos’.

El cine como catarsis para la Historia

Gracias a una merecida libertad creativa, Tarantino hace su película más cinéfila, en la que nuevamente incluye elementos referenciales, pero además en la que el cine tiene un papel extra. Es la catarsis ficticia para redimir la Historia y con ello reinventarla a su antojo. Un verdadero homenaje encubierto en una película menos bélica de lo que se nos anunciaba en un principio y mucho más pasional de lo que cabría esperar.

Nuevamente incluye su narración a través de capítulos, que funcionan como episodios aislados y en los que Tarantino despliega su gran habilidad para el diálogo, para el dibujo de sus personajes, en esta ocasión con unos secundarios brillantes. Tanto que se diría no hay un protagonista claro. Ni siquiera unas pautas de género a las que ceñirse. Tarantino juega con distintos temas, propios del cine bélico, pero se los apropia y los filtra con su particular visión para ofrecer lo que realmente le gusta. Vestir con elementos de segunda mano un conjunto que no es sino una claro homenaje al cine, aunque ahora apele a un capítulo de la Historia no sin falta de humor y socarronería (no hay más que ver las interpretaciones de dos personajes presentados tan paródicamente como Hitler y Goebbels).

Y es que en ‘Malditos bastardos’ asistimos a una doble venganza que confluye en una sublime y dilatada escena apoteósica y concluyente que reúne los principales valores del arte cinematográfico de Tarantino: espectáculo, exceso, diálogos perfectos y ejercicio visual.

Los personajes: la clave

Conocemos el buen hacer (con frecuencia, salvo alguna excepción) del director a la hora de caracterizar sus personajes, de dotarles de personalidad y, sobre todo, de una verborrea que los hace únicos. En ‘Malditos bastardos’, como indicaba, no hay un protagonista claro. Tarantino despliega su buen hacer en la creación de personajes y nos regala algunas de sus más inspiradas líneas de guión. Para ello, en sus modélicos capítulos (para muchos escenas estiradas, para otros la magistral realización de un guión sólido), nos regala momentazos absolutamente disfrutables en cada segundo. Baste esa primera escena, una introducción ejemplar del coronel Hans Landa. El “cazajudíos” enfrentado en un careo prodigioso, donde despliega su enorme inteligencia y agudeza, además de una gran locuacidad (por cierto, pocas películas tienen más justificado verse en su versión original, ya que en toda ella se yuxtapone el alemán, el francés, el inglés y hasta el italiano con disfrutable gusto).

Y es que el caso de Christoph Waltz dando vida a su despiadado personaje es uno de esos momentos que pocas veces se prodigan en el cine y que quedan, por su enorme valor, para el recuerdo. Waltz, un actor austríaco, se antoja un encarnación perfecta del personaje diseñado por Tarantino. Asombroso despliegue interpretativo, tan sublime que por sí solo justifica el valor (y obligado revisionado) del film.

Pero no podemos olvidarnos del resto de elenco. Un casting notable. Pocos actores como Brad Pitt para encarnar al despechado e histriónico teniente Aldo Raine (aunque precisamente es el que menos brilla de todos, por ser el menos cuidado de todos los personajes de la función), acompañado del oso judío (un correcto Eli Roth), el crítico espía (un muy creíble Michael Fassbender), el soldado heróico metido a actor venerado (el mejor Daniel Brühl), la bella y elegante agente doble (una actriz de época con un absoluto dominio de la pose como Diane Kruger) o la judía vengativa Soshana (la menos conocida Mélanie Laurent).

Por último, cabe destacar lo bien que nuevamente vuelven a encajar los anacronismos musicales que el director impone en ‘Malditos bastardos’. Una de sus mejores bandas sonoras, en la que recurre a sus particulares gustos musicales, con piezas para muchos impensables para insertar en un film de estas características y que, sin embargo, consigue un resultado meritorio y disfrutable (para muestra un botón: el inicio de la venganza a ritmo del tema ‘Putting Out the Fire’, de David Bowie, que pertenece al film ‘El beso de la pantera’ de Schrader).

Cerramos con ‘Malditos bastardos’ el especial dedidado a Quentin Tarantino, un genio tan incomprendido como adorado, una estrella del rock que vive el cine con tanta pasión que el espectador verdadero amante del cine no puede sino disfrutar.

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Como venimos viendo a lo largo del especial dedicado a Quentin Tarantino, su obsesión por la cultura pop, por el cine de los setenta y por la plasmación de su universo referencial son los algunos de los principales motivos que le empujan a darle forma a cada trabajo. Con su querido amigo y también cinéfilo acérrimo Robert Rodríguez, Tarantino ideó un film doble, que sería un homenaje al cine de serie B que se exhibía en sesiones contínuas en los setenta, las conocidas como Grindhouse. Un cine de escaso presupuesto, plagado de errores que simplemente alimentaban la sed de cine del espectador en busca de evasión cinematográfica sin mayores pretensiones.

Ambos se juntaron, además de otros amigos comunes (Eli Roth, Rob Zombie), para crear un film doble que sirviera de homenaje. Cada uno se ocuparía de un género distinto y lo vestirían de sabor añejo, le añadirían tráilers falsos y se convertiría en un producto de culto. Sin embargo, el resultado desastroso en la taquilla usamericana obligó a separar ambos largometrajes para el mercado internacional, como forma de rentabilizar la producción. A lo que hay que unir que ninguno de los dos films (ni ‘Death Proof’ ni ‘Planet Terror’) cosechó tampoco un resultado artístico notable.

‘Death Proof’ es el film de Grindhouse que dirigía Tarantino y en la que quiso homenajear, por partida doble, al su adorado cine setentero uniendo el típico slasher con chicas sexys en peligro de muerte violenta y el cine de acción, el cine de persecuciones de coches. Esta conjunción da como resultado un film con un guión que se disecciona en dos mitades, con momentos muy tarantinianos, con buenos diálogos, con un actor recuperado dando lección de carisma y presencia (un estimable Kurt Rusell), con escenas brillantes pero con una narración con altibajos y un resultado irregular. Con ‘Death Proof’ Tarantino baja un peldaño en su notable filmografía. Todo director comete errores y aquí Tarantino, por diversas causas, no logra que su empeño, su talento y su estilo logren brillar como de costumbre.

A ‘Death Proof’ le falla el ritmo

Más allá de esa división en el guión en dos mitades complementarias, que puede interpretarse erróneamente como si no tuvieran tanto en común como realmente tienen, lo cierto es que hasta la aparición de Stuntman Mike y Pam, el personaje que encarna Rose McGowan, la introducción de la historia resulta bastante tosca, estirada y por momentos aburrida. Aquí Tarantino nos presenta a las chicas típicas del slasher, en diálogos de su sello particular, antes de mascarse la tragedia sangrienta. Lo que sucede es que Tarantino queda prendado por sus actrices, por extraer el máximo partido a sus diálogos, que para ser sincero son los más flojos de toda su filmografía, amén de que las actrices, por muy apropiadas que puedan ser, resultan intérpretes mediocres que resultan demasiado planas en esta primera parte. También Tarantino se atasca en la narración, le falta el brío y la agilidad que siempre ha mostrado.

Esa introducción dilatada, con la historia de Butterfly como excusa, es buen ejemplo del Tarantino menos engrasado. Por suerte la trama gana enteros cuando Kurt Russell entra en escena y sus diálogos, sus miradas y su sola presencia le otorgan mayor interés al film. Sin embargo, Tarantino tarda en dotarle del protagonismo que merece y eso se resiente. Con todo, los momentos junto a McGowan son los más ingeniosos y donde los diálogos empiezan a tomar fuerza y sorprenden.

Evidentemente, más allá del homenaje al slasher que se queda demasiado diluido, a pesar de la primera escena sangrienta del film y en la que conocemos las verdaderas intenciones del protagonista Stuntman Mike, Tarantino comienza a desplegar sus verdaderas intenciones para conseguir emular los films (como ‘Vanishing Point’) que, además se mencionan directamente, de persecuciones automovilísticas (incluso utilizando los coches clásicos como el famoso Dodge Charger que Steve McQueen condujera en ‘Bullit’). Si en ‘Kill Bill’ quería probarse como director de acción, ahora quería darle una vuelta de tuerca más y quería rodar al más puro estilo de los setenta, con coches rugiendo, ausencia de soundtrack y CGI para darle protagonismo a la adrenalina, los coches y donde los especialistas del cine de acción entran en juego.

Zoë Bell encarna el triunfo femenino sobre el macho en su terreno

Cuando asistimos a la segunda mitad, a la verdadera trama que desarrolla la historia, conocemos a Zoë Bell, una doble, especialista de acción con la que trabajó en ‘Kill Bill’ y que se interpreta a sí misma. Una nueva versión de las chicas guerreras que, tras ser acosadas nuevamente por el obseso Stuntman Mike, se toman cumplida venganza. Bell encarna el triunfo femenino sobre el macho y lo hace en su terreno. Con una persecución, verdadera escena cuidada y mimada al extremo por Tarantino y con la que pretendía situarse en la historia del cine por su destreza (y cierto que consigue una escena muy lograda), en el momento álgido y más brillante del largometraje, pero que resulta demasiado aislado en un conjunto falto de brillantez.

La irregularidad con la que Tarantino narra ‘Death Proof’ lastra incluso lo mejor de la película. Ese doble juego de gato y ratón, de perseguidor/perseguidas que de repente gira y nos ofrece la inversión para resolver la trama resulta tan tosco como torpe. De repente, tras la dilatada y pausada presentación de sus chicas (como en él es habitual) y sufrir el ataque (emocionante eso sí) de Mike, asistimos a un cambio radical, en las que el subidón de adrenalina de ellas es el único motivo que justifica su cambio de postura, dejando de lado su papel de víctimas. Por no hablar del duro de Mike, que de repente se vuelve una niñita cuando recibe el primer palo. Aquí Quentin patina, pasa por alto su habitual mimo y especial cuidado de los detalles. Un cineasta que ha demostrado un excelente dominio en la escritura (y filmación) de giros argumentales nos entrega su peor cara.

Quizás su único motivo es que verdaderamente sólo le importaba justificar la escena final, esa larga persecución bien rodada (y mejor montada con un extraordinario trabajo de Sally Menke) que nos deja como único bocado sabroso de todo el film. Y sin embargo, tampoco Tarantino es capaz de rubricarlo como en él es habitual. Finaliza de forma tan abrupta que casi su homenaje a Grindhouse se convierte en verdadero Grindhouse, de calidad Z.

La intención de Tarantino de reinventar el género y con ello dar una nueva muestra de su capacidad de sorprender no llegó a tan altas cotas como hasta ahora había logrado. Quizás pesa también una preocupación sobrada por dotar de uniformidad visual al conjunto, de jugar con los fallos “añadidos”, algo que se puede apreciar cuando en esta ocasión incluso realiza las labores de director de fotografía.

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Tarantino plantea este segundo volumen dispuesto a ofrecer el antídoto perfecto contra el veneno inoculado en el espectador con la novia y sus encuentros sanguinolentos. Su particular recorrido vengativo ahora queda explicado. Para ello Tarantino prescinde más del homenaje asiático para dejarse embaucar por el espíritu del auténtico spaguetti western para ofrecer la explicación de todo, para darnos a conocer la auténtica motivación de la protagonista para trazar a katana su único objetivo: matar a Bill.

Y si había un personaje misterioso del que no sabemos nada ese es Bill. Y para presentarlo adecuadamente Tarantino nos regala una de sus especialidades: la entrada en escena del villano. Bueno, aunque villanos en realidad son todos los que pueblan el díptico de Kill Bill, porque en esencia es un retrato del lado perverso, un análisis de los pensamientos, sentimientos e inquietudes de un asesino. Pero a lo que iba, conocemos, por fin, a Bill. Un asombroso David Carradine, a quien el director le otorga su particular homenaje dándole un personaje tan malvado como hipnótico.

En el flashback con sabor a añejo (por aquello del tono sepia de la escena), intuimos una parte esencial de la relación entre Bill y la novia. Es sólo el comienzo del conflicto. Luego comprobamos como ella continua con su cometido esencial en la vida, saciar su sed de redención. Conocemos nuevos personajes, y más a algunos de los que poco conocíamos (la sanguinaria y bellísima Elle Driver, una Daryl Hannah sorprendente).

Menos acción, más drama

Tarantino le da solución de continuidad al salvajismo del primer volumen, pero ahora se preocupa más de justificar cada gota de sangre. Ahora podemos entender los motivos, aunque ése es precisamente el suspense sobre el que se construye ‘Kill Bill vol. 2’. Conocer porqué Bill debe morir y la novia matarlo. Porqué se quiere vengar. Aquí Tarantino no tiene prisa, se adorna con escenas llenas de buenos diálogos, de acción (las menos, pero no menos intensas, buena prueba de ello es el enfrentamiento con Elle Driver), pero sobre todo dándole a la novia la posibilidad de expresar la fuerza que le mueve.

Tarantino logra momentos asombrosos: el encuentro de Bill y Budd, el entierro claustrofóbico, el capítulo oriental (y el más claro y evidente de todo el conjunto, imitando el estilo del cine de los Shaw Brothers) el apoteosis final, un duelo verbal que ilumina las zonas que aún quedaban oscuras. Pero también es cierto que enreda (digámoslo así) en momentos que aportan bien poco a la trama y que parece más un ejercicio de autocomplacencia. Véase la visita de Budd al club donde trabaja (clara admiración de Tarantino por este actor) o la de la novia al que le debe dirigir en última instancia a Bill, en un gran momento fílmico, pero de escasa aportación a la narración.

Los personajes: comprendiendo el mal

Con todo, Tarantino logra impregnar su estilo en cada personaje, en cada encuentro y en cada escena. Y también es fácil apreciar a la madurez como autor que se percibe. Gran dominio de la puesta en escena y sacando el máximo partido a sus ingeniosos y hábiles diálogos. Pero sobre todo, logra exponer el alma de los personajes. Algo complejo de conseguir. Aquí tenemos a la galería de villanos, despiadados, letales, como protagonistas y conocemos un poco qué motivaciones les arrastran. En el fondo, Quentin nos muestra su particular visión sobre la vida y la muerte (como bien queda patente en el encuentro con la hija y en el diálogo con Bill próximo al duelo final).

A través del viaje vengativo, en su segunda etapa, de la novia, vamos descubriendo sus emociones, su sentimiento. Todo ello ambientando en el salvaje oeste, en el desierto fronterizo, donde la temible culminación de venganza debe tener lugar.

Uma Thurman se postulaba en el primer volumen como una actriz polivalente, mostraba el enorme esfuerzo requerido para las escenas de lucha. Ahora, en el segundo volumen, nos vuelve a deleitar con ellas (los enfrentamientos y su adiestramiento con Pai-Mei, personaje recuperado nuevamente a modo de homenaje), pero también sabe dotar a la novia, a Beatrix Kiddo, de alma, de sentimientos (más allá de la ira) y de un sorprendente lado maternal.

De nuevo Tarantino sale airoso al mezclar tantos ingredientes pero de nuevo cocinados bajo su receta. El estilo Tarantino se convierte en un clásico y viendo en su conjunto ‘Kill Bill’ a nadie le cabe duda de que sabe narrar y filmar con un talento asombroso. Esta segunda parte que ahora nos ocupa es un buen ejemplo de todo ello, un gran ejercicio de estilo, con un resultado notable (aunque quizás no a la altura de ‘Pulp Fiction), especialmente si logramos fundir ambas entregas y valorar el díptico como una sola pieza cinematográfica.

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• Quentin Tarantino: ‘Kill Bill: vol. 1’, acción y sangre a golpe de katana

Años después, y tras realizar ‘Jackie Brown’, llegó el momento de darle forma a la idea embrionaria de una novia en busca de venganza. Y aquí Tarantino se explayaría. Intentaría lograr, ahora que podía, la máxima libertad creativa para hacer un film de acción, de artes marciales y de imponer su estilo. Acción y sangre a golpe de katana era el plato que le apetecía ofrecer y consiguió una película tremendamente entretenida, aunque dejando atrás algunos de sus principales baluartes de su estilo, para volver a reinventarse, o más bien sacar el lado más bestia tras años de “infectarse” de exploitation films.

En esencia, este es su verdadero homenaje, a un tipo de cine con el creció y que ahora prentedía dar forma con mayor libertad. Pero tampoco escapaba a la tentación de aprovechar e introducir elementos del cine de artes marciales, como prueba de fuego para un director rodando acción pura (que según ha manifestado es lo más complicado de dirigir bien). Ese era su objetivo. Creía que eso era lo que le faltaba por hacer. Y rodar acción no era fácil, pero había visto demasiado cine, demasiados duelos de spaguetti western, de katanas samuráis cercenando brazos y decapitando enemigos,… pero también del valor del honor y el respeto oriental, del sabor de la venganza sangrienta, todo regado con litros de sangre.

Uma Thurman, la novia vengativa perfecta

No podía realizar la película hasta no tener a Uma Thurman preparada y disponible, así que por eso se demoró algún tiempo en rodar ‘Kill Bill vol. 1’ a pesar de tenerlo todo pensado y preparado. Y fue un acierto. Llegó a afirmar que no podría haber realizado la película con otra actriz y, a tenor del resultado, sin duda fue lo más acertado.

Tarantino había dibujado excelentes personajes, era su fuerte, al igual que soberbios diálogos. Aquí lo vuelve a repetir, aunque quizás se explaye en su protagonista y nos deje a los secundarios demasiado desplazados, algo no demasiado habitual en su cine hasta el momento. Pero con la novia, consigue un personaje de su estilo. Aunque en esta ocasión deja paso a la sangre, la acción y el virtuosismo visual en vez de a los largos diálogos.

Thurman tiene un papel difícil, muy complejo: saltar, manejar la katana, hablar japonés, ponerle el sentido trágico y de ira para contagiar al espectador y justificar su odisea vengativa… Pero su esfuerzo y entrega deja un resultado notable.

Salvaje y violenta

Parece como si Tarantino necesitase de explayarse con un film violento. Aflorar su lado más salvaje y sangriento, pero también más divertido. En ‘Kill Bill vol. 1’ juega con múltiples referencias, como suele hacer en su cine, mezclando el anime, el spaguetti western o sus debilidades asiáticas para vestir esa violencia inusitada que despliega en el film. Y el capítulo de animación es buena muestra de ello. Soberbio trabajo para definir a un personaje de vital importancia en esta cinta.

Lo cierto es que tras ese despliegue visual y esos cuerpos mutilados manando sangre, se oculta el verdadero interés de Tarantino: explayarse con lo que guardaba dentro, emerger su lado más rebelde. Para ello nos hace acompañar al protagonista a través de su viaje vengativo, aunque vuelve a jugar con saltos temporales, en esta ocasión menos trascendentes pero nada forzados, a modo de capítulos escritos a fuego en el alma y la mente de la novia.

Y a pesar de que Tarantino sabía que le lloverían las críticas (como hasta ahora le había pasado) por el tratamiento de la violencia, tenía la necesidad de demostrar que puede tratarse con un buen gusto (estético). Con una descarada e inspirada lección de cine de género y del poder de la imagen sobre el diálogo.

Tarantino se muestra exquisito al cuidar con un detalle extremo cada escena, al que dota de su habitual catálogo de guiños cinéfilos y de claros homenajes. No en vano la presencia de uno de sus ídolos de siempre, Sonny Chiba, lo evidencia. Dándole un papel (Hattori Hanzo) que no es sino la proyección en el presente de un personaje de la popular serie televisiva de ninjas y samuráis de los ochenta ‘Shadow Warriors’, que tanto disfrutó un joven Tarantino.

Pero el director de ‘Kill Bill vol. 1’ tiene muy claro que su película quiere darle el brillo (a la par que el homenaje) a un cine de serie B que bien merece el respeto. Y en esta historia de justicia y redención la violencia es esencial, por eso está tan bien cuidada su presentación, aunque se pliegue a las convenciones del género. Sin miedo y con libertad creativa, Tarantino nos presenta cada escena de acción de un modo muy personal, siempre con su estilo: descarga la tensión previa al sanguinario enfrentamiento con miradas desafiantes y con diálogos teñidos de humor, para luego dejar que la katana siga su curso, sin que nada se lo impida.

En conclusión, y a pesar de dividir esta historia en un díptico, Tarantino demuestra su dominio y talento para el espectáculo visual. Ofrece un relato muy simple en lo argumental, pero lo viste de ópera, con minuciosidad, con respeto, lleno de homenajes (casi fetichistas), lo acompaña (de nuevo) con una música magnífica (escuchar playlist en Spotify) y logra realizar la película que deseaba hacer. Muy por encima de sus expectativas, necesitaba extraer de su interior esta película. Y muchos lo agradecemos.

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Todo eso fue lo que logró tras su enorme éxito. Pero también conseguía enamorar a la mayor parte de la crítica especializada, había conseguido todo un hito con ‘Pulp Fiction’ y el futuro era algo que se mirarían más ojos y con mayor intensidad. También sus detractores, que de todo tiene que haber a pesar de su sobrada demostración de talento, estaban al quite para asestarle un golpe al menor tropezón. Sin embargo, Quentin se dedicaría a crecer como figura y tardaría, pero llegó con un nuevo título en 1997. ‘Jackie Brown’ sería la menos tarantiana de sus películas (inclusive hasta el día de hoy), era una reinvención, una forma de reivindicar que su cine era algo más que sangre, violencia y fama desmedida.

Tarantino y la hollywoodización

Como comentamos, Tarantino se dejó llevar por esa desmesurada fama lograda. Tocó la gloria y no iba a renunciar al sabor del triunfo tan pronto. Así, decidió darse un margen para disfrutar, de vender su imagen y trabajar en proyectos que le reportaran más fama, pero sobre todo más pasta. Era el momento en el que la hollywoodización pudo con él, se gustaba, le aclamaban y el dinero, a lo que hasta entonces había renunciado (relativamente) en pos del triunfo y demostrar su valía, parecía que era su objetivo. Pero sólo relativamente. En el fondo quería ganar dinero, muchos dólares, pero haciendo las cosas que haría sin que hubiese billetes de por medio. Meterse en proyectos estimulantes, con los que disfrutar sin una responsabilidad mayor como sería la de su siguiente trabajo en la dirección.

Había dejado el listón demasiado alto y eso pesa para cualquiera. Así llegaron ‘Four Rooms’, su amistad con Robert Rodríguez, ‘El mariachi’, ‘Abierto hasta el amanecer’, algunos papeles divertidos y también ‘Marea roja’. Un guión ya terminado que cayó en sus manos para reescribirlo, para darle su toque “tarantiniano”, que a la postre fue un enorme éxito. No sólo mejoró el libreto, sino que al estampar su sello, la película cosechó cifras sobresalientes. Eso de reescribir le gustó, pero también le sedujo dirigir un capítulo de la famosa serie ‘Urgencias’ y convertirse en una verdadera estrella del rock. Discursos, clases maestras, entrevistas…

Pero un cineasta con su curriculum, su fama y su proyección no podía dormirse en los laureles. Su siguiente trabajo supuso un cambio radical. En muchos sentidos. Se lanzó a una adaptación, personal y libre, de una obra de Elmore Leonard. Una novela negra que le serviría, de nuevo, para homenajear a un subgénero denostado: el blaxpoitation de los setenta. Una buena excusa para recuperar, de nuevo, a viejas estrellas olvidadas: Pam Grier, Robert Foster. Y añadir su sello en diálogos milimétricos, brillantes, una trama aparentemente sencilla, pero para nada simple y añadir una banda sonora (escuchar playlist en Spotify) que reivindicara la música negra de los setenta.

‘Jackie Brown’: ¿obra maestra o decepción?

En estos términos se movieron los múltiples comentarios tras el estreno de ‘Jackie Brown’. Para unos una enorme decepción. Una película larga, de narración pausada, de diálogos interminables, de personajes maduros, aparentemente blanda y, sobre todo, diametralmente opuesta a la violenta, vibrante y adrenalítica ‘Pulp Fiction’. Otros, en cambio, supieron apreciar su capacidad para reinvención, para demostrar que era un autor, un cineasta dotado de gran sentido creativo, capaz de despojarse de atributos y sumergirse en una película más cercana al clasicismo que a la modernidad que para muchos encabezaba en el cine norteamericano.

Lo cierto, es que el estreno de ‘Jackie Brown’ me dejó algo frío. En una segunda ocasión todo reposó con gran fuerza. Una película que no se me hizo para nada larga y que de nuevo demostraba la enorme capacidad de Tarantino para el domino de los diálogos, de las escenas sin acción, pero con una gran tensión entre los protagonistas, entre sus palabras, sus miradas y sus actitudes. El papel de Samuel L. Jackson es una buena muestra, perfectamente definido en su extensa presentación. Deja claro que Tarantino quería sacar el máximo partido de unos personajes muy humanos, a lo que muestra con enorme profundidad y que cargan con el principal peso de esta historia negra. Eso sí, con unos actores brillantes, desde un lacónico Robert De Niro o un sosegado y sorprendente Robert Foster. Sin olvidarnos de el resurgir de Pam Grier a la que le otorga algunas de las mejores escenas y que encarna a la perfección esa heroína madura, castigada que ya nada tiene que perder y que quiere cambiar su rumbo.

La historia: clasicismo en clave de Elmore Leonard

La metamorfosis de Tarantino con ‘Jackie Brown’, como señalaba, comienza con la elección de una obra ya escrita, una novela de escritor de best sellers Elmore Leonard. Un material con sustancia ideal para sumergirse en una historia de amor, teñida de tintes políciacos, de género negro, con intriga bien dosificada y un desarrollo in crescendo que culmina con un extraordinario final. Tarantino nos cuenta con paciencia, con milimétrica precisión a sus personajes y a una historia en aparencia sencilla, pero que acaba atando cabos, en un juego de intercambios (todo lo desarrollado en el centro comercial es un extraordinario ejemplo de narración y de dominio de los tiempos y la acción), que nos evidencia la complejidad de una trama de la que sobresale la victoria moral de dos personajes maduros, llamados a reivindicarse.

La trama, cuando ya conocemos a los personajes e intuimos sus pretensiones, se llena de humor negro, pero sobre todo de enorme sutileza. Todo contado con mesura, sin sobresaltos, sin violencia, sin un montaje eléctrico. Pero no por ello carente de tensión, de intensidad y de profundidad.

Sin duda un extraordinario homenaje al cine de los setenta, gracias a la portentosa banda sonora, insertada con su peculiar estilo (los personajes escuchan en algún momento algunos de los temas y los hacen partícipes dentro de las escenas), y que volvía a demostrar que Quentin Tarantino aún tenía mucho que decir y que ofrecer. Una película que merece un visionado repetido y del que se extraen nuevas formas de disfrutar por su riqueza y por excelentes momentos.

En Blogdecine, especial Quentin Tarantino:

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Como ya adelantamos, su periplo para dar a luz ‘Reservoir Dogs’ no fue breve. Algo que repetiría con esta nueva película que lo encumbraría en el olimpo de los más grandes. Y no son palabras grandilocuentes de un entusiasta tarantinista, sino un resumen de los muchos elogios que recibió Tarantino tras triunfar en 1994 con ‘Pulp Fiction’.

Tarantino aislado en Amsterdam para escribir el guión

Tras su paso por Europa con ‘Reservoir Dogs’ y el éxito creciente de su debut, Quentin Tarantino se fue encontrando muy a gusto alejado del ambiente de Hollywood, al que, a pesar de todo, no pertenecía. Recordemos que era un joven que tan sólo había estrenado una cinta violenta y había logrado un buen éxito de taquilla y un puñado de críticas positivas pero todos estaban expectantes a su siguiente paso. Necesitaba demostrar que su carrera irrumpiría y no se quedaba en un amago de inspiración.

Para llevar a cabo su siguiente obra completamente personal y una vez ‘Asesinos natos’ estaba en manos de Oliver Stone y ‘Amor a quemarropa’ reportándole cierto prestigio como guionista, decidió establecerse una temporada en Europa. Gracias a un contrato de novecientos mil dólares con TriStar para escribir el guión de su nuevo trabajo, Tarantino se marchó a Amsterdam, donde se recluyó durante varias largas semanas con la finalidad de volcar todos sus esfuerzos en el guión de ‘Pulp Fiction’. Escribiendo en un mugriento apartamento con su vieja máquina de escribir, encontró su inspiración para desesperación de su manager, Cathryn Jaymes en Hollywood.

Al menos, supo justificar su pasotismo e individualismo con un guión que estaba llamado a convertirse una película transgresora, original (dentro del estilo referencial propio de Tarantino) y que marcaría un hito. Aunque si bien es cierto, que el primer borrador de su historia tenía 500 páginas y tras un primer vistazo de los ejecutivos de TriStar, el guión fue rechazado porque “no parecía una película de su estilo”. Curiosamente los distribuidores de ‘Reservoir Dogs’, los hermanos Weinstein, no dudaron que ‘Pulp Fiction’ sería un éxito. Y Miramax se hizo cargo de la producción definitiva.

‘Pulp Fiction’: La culminación de un estilo

Tarantino supo exprimir su peculiar universo cultural, sus experiencias y su enorme talento para el diálogo en un guión que quería romper con los moldes. Tanto en la narrativa, en la que mostraba una nueva forma de mostrar una historia violenta y de gángsters (pero con apenas cinco minutos de violencia explícita en todo el metraje), como a la hora de aglutinar referencias, dotarlas de su personal visión y mostrarlas de un modo del todo fascinante, brillante y con un dominio de la narración inesperado. Aunque mucho de ‘Pulp Fiction’ se apunta ya en ‘Reservoir Dogs’, aquí Tarantino prescinde de la atmósfera claustrofóbica para presentarnos una historia fragmentada, pero hilada con unos diálogos sobresalientes, que hacen avanzar la historia a un ritmo trepidante.

Gran dominador del tiempo, de la acción, de los diálogos, de la construcción de personajes, Tarantino extrae con suma inspiración un puñado de escenas inolvidables (el baile, el monólogo de Walken, la adrenalina inyectada…). Muchas de ellas quedan impregnadas en la memoria del espectador sin un afán moralizador, sin querer impregnar un mensaje en su cine. Tan sólo entretener, divertir y ofrecer un espectáculo de fuegos artificiales sublime a base de un guión sólido.

También podemos mencionar la enorme astucia que muestra en la creación de sus personajes. Nada originales, de los que ya hemos conocido en múltiples ocasiones, pero llevándolos un paso más allá, extrayendo el máximo de los estereotipos de gángster, de boxeador tramposo, o de la novia del jefe, una tentación en forma y fondo. Tarantino dota a sus personajes de alma, de personalidad y lo consigue no sólo dibujándolos con suficiente tino en el papel, sino también trasladando su esencia con un puñado de actores a los que sabe sacarles lo mejor de sí mismos.

Ni que decir tiene, que la recuperación de un John Travolta denostado y olvidado para el cine, es obra de Tarantino. De su apuesta personal y de darle un personaje inolvidable. Pero en general, la película posee un reparto coral muy inspirado, sobresaliente. Desde un Bruce Willis memorable a una fascinante Uma Thurman o un locuaz evangélico y despiadado Samuel L. Jackson.

‘Pulp Fiction’: Buceando en los bajos fondos

Como película violenta y criminales, Tarantino no renuncia a mostrar escenas repletas de sangre, de acción o de mostrar con gran detalle las drogas y su consumo. Consigue virtuosidad en su puesta en escena de forma provocativa, pero también midiendo con especial cuidado. Es más violento lo que sugiere que lo que muestra (como ya hiciera en la famosa cercenación de oreja en ‘Reservoir Dogs’), y eso que ahora intentaba homenajear a su añorada revista Black Mask, donde el asesinato, la sangre y los bajos fondos eran los ingredientes principales.

Tarantino se muestra tan extrovertido como provocador y violento, pero llenando todo el film de un humor negro que logra envolver el resultado matizándolo y mostrando una película no sólo digerible, sino especialmente entretenida. Nos arrastra en una historia de criminales, vestidos con elegancia y mostrados con una enorme normalidad y humanidad. Desde las citas bíblicas a las conversaciones sobre las diferentes denominaciones de una hamburguesa ya sea en Europa o en Estados Unidos. Temas aparentemente intranscendentes pero que definen a los personajes, los aproximan al espectador y lograr ganarse una empatía a base de humor negrísimo. Del mismo modo que se acoge los estereotipos de personajes rudos, de féminas atractivas para desenmascarlos, para mostrarlos sin prejuicios, incluso deconstruyendo el arquetipo made in Hollywood porque no pretende sino desprenderlos de su habitual comportamiento, para presentarlo más próximos, menos acartonados.

‘Pulp Fiction’ presenta su particular universo “hardboiled”, repleto de referencias cinéfilas, a la cultura pop, de recursos narrativos como la estructura circular (y episódica) o de una banda sonora (escuchar playlist en Spotify) impregnada de aire setentero, que consigue lograr un homenaje al cine de serie B, a la vez que aporta un cierto postmodernismo que tiene más de refrito que de originalidad, pero que en absoluto se le puede restar mérito (como por ejemplo la famosa escena del baile está claramente inspirada en ‘Banda aparte’ de Godard).

Es más un homenaje como Tarantino entiende el homenaje: mostrar sus gustos con enorme pasión y respeto. Además, en esta ocasión, lo consigue con inspiración, con diálogos magistrales, con personajes inolvidables y un estilo que marcará tendencias durante los siguientes años. Tarantino logra con ‘Pulp Fiction’ la culminación de su estilo.

En Blogdecine, especial Quentin Tarantino:

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• Quentin Tarantino: ...y llegó ‘Reservoir Dogs’

• ‘Reservoir Dogs’: el nacimiento de un estilo

Su madre, que siempre le recriminaba su dejadez en este sentido, no acudió en su ayuda con la fianza, como cabía esperar. Quiso darle su merecido. Quentin pasó unos días en la dura prisión del condado de Los Ángeles (1989) compartiendo espacio reducido y tenso con maleantes de todo pelaje. De ahí aprendió, principalmente, que aquella sería una excelente situación para extraer material para futuros guiones. Una experiencia vital con personajes y diálogos reales que supo absorber.

Fue el gérmen de su siguiente guión, ‘Asesinos natos’ (‘Natural Born Killers’), cuyos derechos fueron adquiridos (tras varios rechazos) y posteriormente filmado por Oliver Stone y del que Tarantino siempre quiso desvincularse (por notables diferencias con la historia final). Y también le sirvió para curtirse en esos personajes que tanto le atraen y que se mueven dentro de un mundo violento (posteriormente también le ayudó a darle forma a ‘Abierto hasta el amanecer’).

Posteriormente, comenzó a relacionarse (como un joven ávido de introducirse en el mundillo de Hollywood) con algunos productores, a entablar amistades y empezar a conocer de primera mano cómo funciona la maquinaria de Hollywood. En un verano de especial inspiración, motivado por sus ganas de lograr un guión con el que debutar en condiciones (como siempre había soñado), escribió ‘Reservoir Dogs’. De un tirón, en unas cuantas semanas, sin descanso, en su diminuto apartamento desordenado, en un barrio ruidoso. Pero abstraído de todo lo que le rodeaba, escribió compulsivamente a mano y llenando las páginas de anotaciones. Parió su historia, esa que quería contar, aportando su particular abanico de influencias, pero filtrando su conocimiento para dar lugar a un relato que debería suponer el comienzo de su éxito en la dirección.

Su entusiasmo a la hora de escribir ‘Reservoir Dogs’ estuvo muy influenciado por una frase, en especial, de ‘Atraco perfecto’ de Stanley Kubrick. Una intervención que Sterling Hayden bordó en su interpretación:

Te voy a dejar esa cara tan bonita que tienes convertida en picadillo de hamburguesas

Contenía la esencia de su historia. Una amenaza violenta, no exenta de humor que resumía lo Tarantino quería transmitir en el guión.

Algo que no fue tan fácil, teniendo en cuenta sus antedecentes y que un novato tan joven no sería capaz. Pero creía en él mismo, en su guión y le puso todo el entusiasmo que sólo Tarantino es capaz. Lawrence Bender, un productor con el que había entablado amistad, fue el primero en leerlo y quedó sorprendido gratamente. Hasta el punto que le pidió tiempo para buscar el dinero y hacer una producción en condiciones. Pero Tarantino, tras acumular fracasos, tenía mucha prisa en llevar a cabo la película y puso todo su empeño para acelerar el proceso y hacerse cargo él mismo de la dirección cuanto antes.

Mientras tanto, ‘Amor a quemarropa’ finalmente tomaba forma de importante producción (y Tony Scott se pondría al frente de la dirección). Le reportaría un dinero esencial para paliar la crisis de su debilitado bolsillo, aunque insuficiente para lo que podría haber logrado, por culpa de su desesperación.

Junto a Bender, se unió al proyecto Monte Hellman, un veterano director que se había curtido junto a Roger Corman y al que también le entusiasmó el guión. Posteriormente entró en el juego también el actor Harvey Keitel, a la sazón, pieza fundamental para que Tarantino viera finalmente su deseo convertido en realidad. Tras lograr el resto de actores del reparto, Tarantino firmó con Live Entertainment y consiguió un año como máximo para tener la película lista. Todo salió rodado, incluso desde Sundance estaban entusiasmados con el posible resultado tras leer el guión.

El rodaje fue rápido, ya que Tarantino tenía la película en su cabeza y no necesitaba emplear demasiado tiempo. Apenas un millón y medio de dólares pero suficientes para desarrollar su ingenio.

El resto es ya muy conocido. La película, incluso antes de terminar el montaje, ya había conseguido recorrer rumores por Hollywood y se esperaba mucho de ella. Y a su paso por varios festivales fue cosechando elogios y aplausos. Tarantino cumplió su sueño y dio rienda suelta a su dicharachera y mediática personalidad. Sundance, Cannes y hasta en Sitges (donde logró tres importantes premios en una edición donde el género fantástico no fue precisamente el estandarte). No era para menos. Una película brillante, redonda y que tiene esa esencia de transmitir algo especial.

Su particular visión del cine negro, encerraba el que sería un debut muy sonado. Tanto que ‘Reservoir Dogs’ fue el paso que elevó a Tarantino al estrellato absoluto y con el que estableció un nuevo estilo de cine (como comenté en la crítica de la película), que daría mucho que hablar durante toda la década de los noventa y la que aún nos ocupa.

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• Quentin Tarantino: sus inicios

• ‘Reservoir Dogs: el nacimiento de un estilo

Y es que Quentin Tarantino se ha convertido, por méritos propios, en un director de culto. Alabado y admirado por muchos, aunque también criticado y odiado por otros. Se le pueden reprochar muchas cosas, pero no se le puede negar que desde que irrumpió con su ópera prima, ‘Reservoir Dogs’, se ha convertido en un realizador fundamental del cine norteamericano de los últimos años. Y su estilo ha marcado una tendencia en el cine contemporáneo, especialmente por sus ingredientes: multirreferencial, cinéfilo, mezcla de géneros y recuperando viejas estrellas en declive.

Todo lo que conforma su manera de dirigir películas, nace de su profunda cinefilia. Una afición que adquirió muy joven, viviendo junto a su madre soltera y alimentándose de cientos de películas, devorando títulos para alimentar la semilla de cinéfilo que fue creciendo. Influenciado por manifestaciones culturales de diversa índole, sin importar su procedencia o reputación, se fue forjando su particular sueño: triunfar en Hollywood.

La interpretación le llamaba la atención y siempre se esforzó en estudiar arte dramático, aprender para conocer todos los entresijos y también lograr, como consecuencia, una experiencia valiosa para plasmar historias y poder dirigirlas en un futuro. Tenía claro que se quería dedicar al cine, aunque no tuviera mucha idea de como conseguirlo y ni qué camino tomar. Su ingesta compulsiva de películas le fue forjando como un cinéfilo obsesivo, de gran memoria y de gusto tan dispar como abierto, capaz de disfrutar viendo películas clásicas, pero también títulos infames, de serie B o cintas que nunca llegaron a ser demasiado conocidas, pero de las que sabía extraer un aprendizaje.

Como es bien conocido, fue un asiduo cliente de Video Archives, un videoclub con una amplia oferta de películas en vídeo que hacía las delicias de un joven Quentin Tarantino deseoso de devorar títulos en grandes cantidades. Su apasionada afición y sus continuas visitas a Video Archives, hicieron que ese local se convirtiera en una especie de escuela cinematográfica improvisada, incluso un lugar donde pasar horas debatiendo sobre cualquier título que se terciara. Su gran memoria le valió pronto gran estima por otros clientes e incluso por los propietarios, ya que era capaz de recordar diálogos de cientos de películas. Hasta que un buen día, le ofrecieron un puesto de dependiente en Video Archives y vio cumplido un sueño. Así tendría acceso a más títulos y sería un recomendador a plena jornada. Allí vivió con intensidad su afición y le permitió establecer amistades que mantendría durante largo tiempo.

Un buen día, como es lógico, se lanza a realizar su primer proyecto. Con más ilusión y entusiasmo que medios, se pone a rodar una historia planteada por su amigo Craig Hamann (compañero de clase de interpretación) y finalmente escrita por el propio Tarantino. Esta primera obra, de título ‘My Best Friend’s Birthday’ supuso el primer encuentro serio con el proceso de creación de una película y como tal, sólo fue el descubrimiento de todas las dificultades existentes para llevar a cabo una película sin apenas presupuesto y tener que rodar con amigos, cuando disponían de tiempo. Contaba la historia de Mickey (interpretado por el propio Hamann), al que su novia lo deja sólo en el día de su cumpleaños y su amigo Clarence (Tarantino) le prepara una fiesta inolvidable. Todo, curiosamente, en clave de comedia.

Rodada en 16 mm y en blanco y negro, se prolongó durante tres años (1984-1987) y Tarantino cometió el error de no ir revelando los rollos conforma iba grabando, así que tras todo el periplo, se encontraba con una gran cantidad de celuloide sin saber el resultado. En el proceso de revelado fue donde, precisamente, se perdió gran parte del metraje (un tercio del total). Algo que lamentaría pero que a la postre le beneficiaría. Sabedor que no era una película meritoria (errores de continuidad, falta de ritmo,...), al menos le puso todo su entusiasmo y verborrea a la hora de exhibirla (y venderse como realizador) en algunos circuitos de Hollywood para encontrar algún productor interesado en un joven cineasta, de nombre desconocido. Hasta que la evidencia se mostró en forma de bofetón. Y todo esfuerzo fue en balde.

La película quedó olvidada y tan sólo tiene el mérito de suponer el germen del guión de ‘Amor a quemarropa’ (‘True Romance’), que sería su primer guión en condiciones y el primero que consiguió encontrar recompensa. Tras la desilusión de su primer trabajo, fue su agente Cathryn James la que le sugirió que se dedicase a la escritura, que era donde más brillaba su talento y se dejase de experimentos en la realización. Fue duro, pero lo captó y se puso manos a la obra. Su primer guión fue ‘The Open Road’, que posteriormente fue retitulado ‘Amor a quemarropa’. Extrajo lo mejor de ‘My Best Friend’s Birthday’ para llevar a cabo una historia muy influida por ‘Malas tierras’ de Terence Malick y por ‘Sangre fácil’ de los hermanos Coen. Para el primer borrador contó con la ayuda de su amigo y compañero en Video Archives, Roger Avary, con quien se complementaba a la perfección a la hora de dar forma a la historia.

A su agente le encantó el guión y se puso a moverlo entre las productoras, aunque las respuestas recibidas invitaban al pesimismo, tras varios rechazos. Demasiada violencia para los ejecutivos de Hollywood. Hasta que un mánager y productor británico, Stanley Margolis, apostó por él y compró sus derechos para producirla. Y cuando recibió a Tarantino, quedó prendado de su entusiasmo y su enorme confianza en sí mismo. Hasta tal punto, que le insistió en enseñarle ‘My Best Friend’s Birthday’, con la consecuencia de obtener un sabio consejo: que no la enseñara más si quería hacerse un hueco en Hollywood. Y así fue. Hasta el punto que cuando buscaba financiación para dirigir ‘Reservoir Dogs’ jamás nombró este título. Olvidarlo fue lo mejor. Aquí se puede ver el fragmento íntegro que ha quedado:

En Blogdecine:

• Tarantino y su corto ‘My Best Friend’s Birthday’