Hay muchas razones, y son todas más o menos sencillas de adivinar, por las cuales ‘Sueños de un seductor’ (Play it Again, Sam, 1972) debe estar en este especial de Woody Allen que mi compañero Juan Luis Caviaro y yo estamos haciendo. Porque, pese a estar dirigida por Herbert Ross, esa película se ha ganado un lugar de oro en su filmografía, siendo tan personal como las otras películas que Allen terminaría dirigiendo.

Basada en una obra de éxito de Broadway, la película se titula evocando a ‘Casablanca’ (id, 1942) pero de manera equívoca. La confusión se ha alargado durante los años y es que ‘Tócala otra vez Sam’ (el título original) no se oye nunca en la película, ni se leyó jamás en el guión de la popular cinta.

Además, cuenta la película con dos miembros habituales del casting de Allen como son Diane Keaton y Tony Roberts, tal vez dos de los nombres que mejor sitúan al aficionado allenita en un momento concreto de su filmografía, los años setenta, y en un tipo de película que ni siquiera Allen repetiría, pues es director de ir trabajando conforme sus musas. ¿Pero cual es el tema que se esconde tras este argumento, en el fondo un esbozo de otras películas posteriores del Allen director/guionista?

El tema del que trata la película, y para ello el argumento es excusa, es el cine como motor de la nostalgia y de la confusión. Al ver películas, sentimos una nostalgia insólita, al vez incomparable: la de añorar las películas por cuanto las vimos y por cuanto de nosotros proyectamos en ellas, mientras las veíamos y mientras las digeríamos.

El personaje central de Allen en esta película sufre de este mal. Él se sueña un arquetipo bogartiano porque las películas, a modo de un libro de instrucciones, le han dicho como vivir o más bien, le han mostrado, en un giro bovarista de los acontecimientos, como podría vivir. A partir de sus sueños, comienzan sus frustraciones.

Cargadísima de gags, y de una saludable melancolía, esta película tan bien escrita cuenta con un estupendo plantel de actores y con una factura técnica más que solvente. No solamente como curiosidad u obra primigenia tiene interés, sino también, y con justicia, como obra personal que define los temas, el estilo, la escritura y la altura de un cineasta que todavía tendría que demostrar con mayor hondura su variedad de registros. A mi compañero Abuín también le agradó como explica en su crítica.

En relación a las mujeres, el psiquiatra de la cárcel me preguntó si había estado con alguna, y dije que no. Me preguntó si el sexo me parecía sucio, y contesté que solo si se hace bien.

Virgil (Woody Allen)

Hoy, con 77 años y unas 50 películas a sus espaldas, Woody Allen es uno de los profesionales del cine más influyentes y respetados del planeta. Es un caso raro de autor, tanto por lo prolífico de su obra como por partir siempre de sus propios guiones (en solitario o en colaboración), además de contar, por lo general, con excelentes y famosos actores que aceptan trabajar con él por el salario mínimo. No realiza encargos de Hollywood, no rueda secuelas o productos descaradamente comerciales. Busca al público, lo ha hecho siempre, desde que empezó a ganar dinero escribiendo chistes, pero no renuncia a contar sus historias y hacerlo a su manera. Y lleva casi cinco décadas trabajando con éxito. Sus películas son rentables, él se preocupa de que lo sean, y eso le permite seguir con su rutina y conservar el control creativo, algo fundamental para el cineasta neoyorquino.

No obstante, para llegar ahí tuvo que aprender algunas lecciones. Ya hemos hablado de la decepción que se llevó con sus primeros pasos en el negocio. Le proporcionaron (aún más) dinero y fama pero quedó muy descontento por cómo emplearon su talento cómico y decidió que la próxima vez sería diferente; ante todo, se aseguraría de que nadie destrozaba sus ocurrencias. Llegó a un acuerdo con una nueva y modesta productora, Palomar Pictures, para filmar ‘Toma el dinero y corre’ (‘Take the Money and Run’, 1969), un libreto que había escrito junto a Mickey Rose, su amigo de la infancia. En un primer momento, aconsejado por sus representantes (Jack Rollins y Charles H. Joffe), Allen buscó a alguien con experiencia para que dirigiera la película (su favorito era Jerry Lewis) pero finalmente los productores se arriesgaron con él, preocupados por un presupuesto de apenas un millón de dólares. La jugada les salió redonda porque Allen volvió a triunfar en taquilla. Y fue el trampolín que el joven humorista (33 años) necesitaba para empezar su carrera como director.

Siempre se ha querido comparar a Woody Allen como el personaje torpe y neurótico que suele interpretar en la gran pantalla —y fuera de ella—, a pesar de que él se ha hartado de repetir que no se parecen en nada. Pero como le ocurre a casi todo el que se sienta a escribir, inevitablemente recurre a elementos de su propia vida. Sin ir más lejos, ‘Toma el dinero y corre’ comienza dando detalles del personaje central y aclara que nació el 1 de diciembre de 1935, fecha que comparte con el creador. La descripción que hace de sus padres encaja con los modelos auténticos y detalles como el nombre de la pareja del protagonista, la afición de éste por la música o la intervención del psicoanalista enlazan con el verdadero Allen. A partir de ahí, pura ficción, y un solo objetivo: hacer reír. Otros aspectos de la película, como la trama, los personajes o la iluminación, quedan en segundo plano.

El debut como director y protagonista de Woody Allen gira en torno a Virgil Starkwell, un inepto delincuente. En principio, la película abarcaba toda la vida del criminal, desde su infancia en un barrio conflictivo hasta su inevitable y trágico final a manos de la policía, pero el desenlace —en el que Virgil era acribillado a balazos (siguiendo el ejemplo de Clyde Barrow)— fue sustituido en la sala de montaje por otro menos dramático. Fue solo una de las muchas decisiones que tomó Ralph Rosenblum, montador al que recurrió el inexperto director para tratar de dar sentido a un extenso metraje en el que había trabajado infructuosamente durante meses, y que cada vez que lo veía le parecía peor. Allen concede a Rosenblum el mérito de haber salvado su ópera prima —y quizá, podríamos añadir, su futuro como realizador—.

Sin duda, lo más llamativo de ‘Toma el dinero y corre’ es la apuesta narrativa por el falso documental en clave humorística, lo que se conoce como “mockumentary”, siendo este film uno de las grandes referencias dentro del subgénero. Allen se sirve del tono serio y realista que caracteriza al documental para reforzar el absurdo de las situaciones en las que mete al protagonista, que fracasa con todo lo que se propone. El relato en off (por parte de Jackson Beck, conocido por su labor en la radio) y las entrevistas a diferentes personajes relacionados con Virgil —una de las actrices es Louise Lasser, esposa de Allen en ese momento— son los recursos más efectivos que usa el cineasta para provocar la risa del espectador mientras sigue el desarrollo de las desventuras de un ladrón en el que se reconocen influencias de Chaplin y los hermanos Marx —hay un guiño directo a Groucho en el antifaz que usan los padres de Virgil—.

Sin embargo, voluntaria o involuntariamente —en el estupendo documental de Robert B. Weide estrenado recientemente en España (imprescindible para el seguidor del cineasta), Lasser revela que antes del primer día de rodaje, Allen estaba leyendo un libro titulado “Cómo dirigir”—, hay tramos que están planteados de forma convencional, sin la broma de fingir un documental. Casi siempre son escenas íntimas, donde encontramos los primeros rastros de los conflictivos relatos románticos que el autor escribirá y dirigirá más adelante. Buscando entretener al espectador, pero reflejando su punto de vista sobre las relaciones amorosas —a menudo marcadas por la decepción y condenadas al fracaso—, Allen aprovecha la historia de amor entre Virgil y Louise (Janet Margolin) para explotar sus cómicas facetas de conquistador y pareja sentimental, quedándose casi en el tintero su máscara paterna.

‘Toma el dinero y corre’ busca la carcajada y la encuentra. Hay momentos absolutamente desternillantes que contribuyeron a la consideración de su responsable como uno de los mejores cómicos de la historia del séptimo arte. Pero el film no deja de ser una tosca sucesión de sketches, gags, referencias paródicas —como el jefe del campo de prisioneros, sacado de ‘La leyenda del indomable’ (‘Cool Hand Luke’, Stuart Rosenberg, 1967)— y chistes, muchos de ellos improvisados, que no casan demasiado bien entre sí, afectando al ritmo, dejando al descubierto las limitaciones de un realizador novato. Solo dura 80 minutos pero cuesta contener los bostezos. Creo que la mejor manera de verla es por trozos, disfrutando del ingenio cómico y parando antes de cansarse. Como dije, este debut tuvo un excelente paso por los cines y descubrió a un nuevo autor, que enseguida se pondría a trabajar en su segundo largometraje. Sobre ‘Bananas’ (W. Allen, 1971) nos hablará mi compañero Pablo, a quien he solicitado ayuda para que este especial no se nos haga eterno.

Con bastante retraso (pido disculpas por ello) retomo el especial dedicado a la carrera de Woody Allen. Lamentablemente, volvemos a él con una película mediocre que por algunas declaraciones que he leído, al actor, escritor y director estadounidense le encantaría borrar de su filmografía. A mí me habría gustado no tener que volver a verla, pero considero necesario comentarla aquí porque, al igual que los dos títulos anteriores —‘¿Qué tal, pussycat?’ (‘What´s New, Pussycat’, Clive Donner, 1965), ‘Lily la tigresa’ (‘What´s Up, Tiger Lily?’, 1966’)—, fueron experiencias importantes para Allen, especialmente porque le llevaron a dar el salto a la dirección.

Ese primer trabajo tras las cámaras que fue ‘Toma el dinero y corre’ (‘Take the Money and Run’, 1969) no se habría producido si el neoyorquino no hubiera quedado frustrado al descubrir las miserias del negocio del cine. Convertido en una célebre figura cómica, apareciendo regularmente en televisión, tuvo la oportunidad de demostrar su talento en la gran pantalla. Le pagaron muy bien y aumentó su fama, pero para un apasionado del séptimo arte como él, esos primeros trabajos le dejaron un sabor sumamente amargo. Tras ver cómo destrozaban su guion para ‘¿Qué tal, pussycat?’ y perder el control creativo de la broma ‘Lily la tigresa’, Woody Allen aceptó intervenir por motivos puramente económicos en una peculiar producción plagada de estrellas, la primera película basada en la novela ‘Casino Royale’ de Ian Fleming, el mismo material del que partió Martin Campbell para renovar la saga 007 con Daniel Craig.

Es curiosa la historia de este proyecto. En 1955, el productor Gregory Ratoff aprovechó que Fleming necesitaba dinero y pagó apenas seis mil dólares los derechos del libro —publicado en 1953, es la primera aventura literaria de James Bond— con la idea de iniciar una serie cinematográfica, pero nadie vio el potencial del proyecto. En 1961, la viuda de Ratoff vendió los derechos por 75.000$ al también productor Charles K. Feldman, quien quiso sumarse al éxito cosechado por la primera película sobre el personaje, ‘Agente 007 contra el doctor No’ (‘Dr. No’, Terence Young, 1962). Tras fracasar un acuerdo con los productores de la saga 007 y el fichaje de Sean Connery, Feldman rechazó una oferta de medio millón de dólares por la adaptación del libro y optó por seguir adelante… a su manera.

En lugar de trasladar a la gran pantalla de un modo convencional la trama de ‘Casino Royale’, y como alternativa a la franquicia oficial, Feldman decidió partir del texto de Fleming para producir una parodia de James Bond y las historias de espías, una comedia absurda y chispeante llena de bellezas y celebridades, en la línea de otra de sus producciones, ‘¿Qué tal, pussycat?’. Para ello contrató a seis directores —John Huston, Val Guest, Kenneth Hughes, Joseph McGrath, Robert Parrish y Richard Talmadge (quien no aparece en los créditos)—, una larga lista de guionistas, la mayoría sin acreditar —cabe destacar a Billy Wilder y Ben Hecht— y un impresionante reparto encabezado por David Niven, Peter Sellers, Orson Welles, Deborah Kerr, Ursula Andress, Jacqueline Bisset, Charles Boyer, William Holden, Jean-Paul Belmondo y Woody Allen, entre muchos otros.

Hay muy poco de la novela en la película. Apenas los personajes y la partida de cartas. Pero ése no es el problema de ‘Casino Royale’, al contrario, lo que se quería hacer era una idea estupenda, una deconstrucción humorística del agente secreto. El film arranca con los jefes de los departamentos de espionaje más importantes del mundo visitando a Sir James Bond —interpretado por Niven, la primera opción de Fleming para el personaje—, que vive retirado en una escondida mansión en Escocia, para pedirle que acepte una nueva misión. Bond se ve obligado a aceptar cuando descubre que una misteriosa organización criminal, compuesta solo por mujeres hermosas, está liquidando a todos los agentes secretos, encontrándose él también en el punto de mira.

Por desgracia, solo la premisa tiene interés. La película es un aburrido desastre, un puzle de secuencias encajadas a la fuerza donde queda patente que no había orden alguno y se daba por válida la improvisación más ocurrente. Los segmentos van por libre, no hay nada que contar, los diálogos carecen de ingenio, las situaciones se alargan hasta perder la gracia y ninguna de las estrellas del reparto se muestra inspirada, quedando en pantalla la peor versión de muchos de ellos; destaca en especial las lamentables aportaciones de Kerr y Welles, lo desaprovechado que está Sellers y la plana interpretación de Niven. Woody Allen se las apaña para intervenir en las escenas más divertidas de ‘Casino Royale’ —dentro del ruinoso conjunto— con su papel de Jimmy Bond, el sobrino del héroe. Aparte de diseñar uno de los planes más hilarantes de la historia del cine, su breve participación apenas arranca un par de sonrisas.

La producción de ‘Casino Royale’ fue un caos. El presupuesto inicial de seis millones de dólares se disparó hasta los doce —Allen recuerda que pasó semanas en un lujoso hotel sin que le llamaran para nada— y el rodaje se tuvo que prolongar varios meses más de lo previsto, entre otras razones por el problemático comportamiento de Sellers, quien fue despedido antes de que se rodaran todas sus escenas —de ahí el brusco desenlace de su personaje—. Aun así, ‘Casino Royale’ fue un éxito comercial, terminando el año como el tercer título más taquillero en EE.UU., a muy poca distancia de una entrega oficial de 007 que casualmente se estrenó también en 1967, ‘Sólo se vive dos veces (‘You Only Live Twice’, Lewis Gilbert). Una prueba más de que la recaudación no tiene nada que ver con la calidad. La única manera en la que recomiendo ver este film es con alguna copa de más y en compañía de amigos de risa fácil, de lo contrario puede ser un suplicio.

Seguimos con el especial dedicado a la extensa y estimulante carrera de Woody Allen con otro título que él desearía borrar de su filmografía. Aunque quedó muy decepcionado con la experiencia de ‘¿Qué tal, pussycat?’ (‘What´s New, Pussycat?’, 1965), el éxito comercial del film le proporcionó (un sustancioso cheque y) una nueva oportunidad para demostrar su talento en las salas de cine. ‘Lily la tigresa’ (‘What’s Up, Tiger Lily?’, 1966), también conocida como ‘Woody Allen: El número uno’, figura incorrectamente en algunos sitios como su debut en la dirección.

El propio aparece brevemente en la película para explicar al público cuál ha sido sido su labor (cuenta que en Hollywood querían hacer la película de espías definitiva, y como es lógico le llamaron a él para conseguirla…); todo se resume en haberse encargado del doblaje de una película japonesa que imitaba a su manera el estilo de las aventuras de James Bond, para lograr una comedia con diálogos en inglés totalmente inventados, sin relación con el guion original. De hecho, en los créditos iniciales, no aparece el clásico “directed by” o “written by” sino “aided & abetted by Woody Allen”, es decir, que fue cómplice de una inusual fechoría que solo tiene algún valor para incondicionales del cineasta.

Tras esta “brillante” idea se encuentra el productor Henry G. Saperstein, de American International Pictures, que había comprado los derechos para distribuir ‘Kokusai himitsu keisatsu: Kagi no kagi’ (1965) en Estados Unidos pero no sabía cómo venderla para sacar el máximo provecho. Así que se le ocurrió contratar a Allen —que, recordemos, en ese momento era un famoso cómico— para que transformara la película, que luego sería envuelta como si se tratara de algo similar a la taquillera ‘¿Qué tal, pussycat?’. Allen aceptó el reto y se reunió con un grupo de amigos —entre ellos su segunda mujer, la actriz Louise Lasser— para crear nuevos diálogos y convertir una disparatada trama de espías, asesinos a sueldo, jefes con rebuscados planes malignos y bellezas fáciles de seducir en una parodia de este tipo de historias todavía más delirante.

El protagonista, ahora llamado Phil Moskowitz, es un “bufón lascivo” que “siempre piensa en el sexo” y que trabaja como agente secreto para una organización que vela por la seguridad internacional. Phil se ve envuelto en una complicada trama cuando intenta llevar a la cama a una de las dos hijas del soberano de Raspur, “un país irreal que suena auténtico” (aclara que podrán fundarlo en cuanto haya un hueco en el mapa). Este señor explica a Phil que necesita su ayuda para recuperar la receta de la mejor ensalada de huevos duros del mundo (en la versión original es el típico microchip) porque quien la tenga dominará el cielo y la tierra, según una vieja leyenda. El protagonista, con la ayuda de las encantadoras hermanas, intenta llegar hasta el malvado jefe yakuza Shepherd Wong pero una peligroso clan rival que también quiere la valiosa receta se cruza en su camino, creándose una forzada colaboración.

Suena divertido pero hay varios problemas. En primer lugar, el montaje final no fue aprobado por Woody Allen, que intentó impedir el estreno. Él entregó un trabajo y luego la productora lo alteró como quiso, añadiendo escenas de acción de otra película —con los mismos protagonistas: ‘Kokusai himitsu keisatsu: Kayaku no taru’ (1964)— y extractos de un aburrido videoclip de un grupo de moda, The Lovin’ Spoonful, simulando que tocaban en los clubes que aparecen en ‘Lily la tigresa’; todo por asegurar un buen dinero en taquilla (cosa que lograron). A estas desafortunadas decisiones hay que sumar el mediocre material original y las obvias dificultades de alterar los diálogos para meter un chiste tras otro, lo que acaba resultando cansino.

Aun así, Allen no deja pasar la oportunidad de lucir su gran talento para el humor absurdo y consigue crear algunos momentos desternillantes (“No me diga lo que tengo que hacer o haré que mi bigote se coma su barba”). Son pocos, aislados, pero puede ser suficiente en las circunstancias adecuadas (con alguna cerveza de más y en compañía de amigos con risa contagiosa es la mejor opción) o si uno es un gran admirador del neoyorquino; de lo contrario los 80 minutos pueden hacerse eternos. Y si os ha picado la curiosidad y queréis verla, que sea con el doblaje en inglés, en España sintieron la necesidad de hacerse los graciosos y volvieron a cambiar gran parte de los diálogos, con un resultado muy inferior (podéis comprobarlo en este vídeo).

Woody Allen es uno de los cineastas más conocidos, imitados, respetados y admirados del planeta. También uno de los más activos, estrenando una película por año, algo digno de elogio teniendo en cuenta su edad (nació el 1 de diciembre de 1935) y que escribe sus propios guiones. Debutó como director en 1969, y lo hizo para evitar que se repitiera la mala experiencia de su primer trabajo en el cine, como guionista y actor en ‘¿Qué tal, pussycat?’ (‘What´s New, Pussycat’, Clive Donner, 1965).

Me consta que para mucha gente, Allen es uno de esos “autores” (léase con tono despectivo) que cuentan con el apoyo casi incondicional de la crítica y un público intelectual, que de vez en cuando hace algo que también gusta al resto de los mortales; casi por azar, añadirían algunos. Sin embargo, este (desproporcionado) retrato no comenzó a dibujarse hasta el estreno de ‘Interiores’ (‘Interiors’, W. Allen, 1978), con el que el neoyorquino se esforzó por acercarse al estilo de su cineasta favorito, Ingmar Bergman. Era su séptimo largometraje como realizador y trató de hacer algo diferente, distanciándose de la legión de seguidores que fue acumulando durante su etapa cómica.

Allan Stewart Konigsberg comenzó a ganar dinero ya en su etapa de instituto, enviando chistes a diferentes periódicos de Nueva York con el alias de Woody Allen. Trabajó para una agencia de publicidad escribiendo frases ocurrentes que se ponían en boca de celebridades, fue guionista y cómico invitado en diferentes programas de televisión, grabó discos con sus mejores chistes y realizó giras por diferentes capitales de EE.UU. con sus espectáculos de “stand-up comedy” (o monologuista). Era una estrella cuando le ofrecieron entrar en el mundo del cine. ‘¿Qué tal, pussycat?’ iba a suponer una estimulante colaboración entre Allen y Warren Beatty, autor de la idea original —y del título, que era su frase para ligar—, pero los productores se apoderaron del proyecto y lo condujeron en la dirección que se les antojó.

Beatty abandonó el barco cuando Allen se vio obligado a reescribir el guion para incluir las sugerencias y exigencias de los señores que ponían la pasta, quedando el papel de sufrido Don Juan en manos de Peter O’Toole, al que se sumó el genial Peter Sellers y un plantel de hermosas actrices encabezado por Romy Schneider, Paula Prentiss, Ursula Andress y Capucine, que por aquel entonces era la novia de uno de los productores. Echando la vista atrás, Allen solo tiene buenas palabras para sus compañeros de reparto, el director y la ciudad de París, donde filmaron —ahí se plantó la semilla para ‘Midnight in Paris’ (2011)—, pero acabó harto de que modificaran y destrozaran su guion para hacer la película más accesible y comercial, llegando a ser la única vez en toda su carrera que insultó a alguien durante un rodaje (al productor Charles K. Feldman).

Sobre ‘¿Qué tal, pussycat?’, Allen ha declarado que si se hubieran ceñido a su guion, “sería el doble de divertida y habría recaudado la mitad“. Efectivamente, fue un éxito de taquilla, lo que le ayudó a seguir trabajando en el negocio y optar a nuevas oportunidades, a pesar de que para él había sido una experiencia desagradable (no olvidemos que idolatra el cine europeo, más artístico que el industrial de Hollywood). Estoy convencido de que la película habría sido más ingeniosa conservando el texto de Allen (hay situaciones y diálogos hilarantes donde se nota claramente su firma) y comprendo su rechazo personal hacia el film, pero el resultado final no es ni mucho menos un trabajo despreciable. Y es que solo por las tronchantes escenas donde interviene Sellers (la del poema bajo el balcón es de carcajada) ya merece la pena ver ‘¿Qué tal, pussycat?’.

La trama no tiene complicación, O’Toole da vida a una versión cómica y elegante de un adicto al sexo, que desea reprimir sus impulsos para poder casarse con la mujer que supuestamente ama. Para ello acude a la consulta del Dr. Fassbender, interpretado por Sellers; el problema es que el psicoanalista es un absoluto perturbado y solo agrava los problemas del protagonista, que a su pesar va acumulando conquistas mientras aparenta formalidad y compromiso hacia su pareja. En cuanto a Allen, se limita con el personaje de Victor a componer el nervioso, cobarde y torpe tipo desafortunado con las mujeres que esperaban de él. La única labor de las actrices es resultar atractivas y mostrar deseo ante las miradas seductoras de O´Toole, así que cumplen. Cabe destacar un divertido cameo de Richard Burton pero si uno pestañea se lo pierde.

Realizada con escasa imaginación, con una puesta en escena enfocada por completo a lucir a los actores, la película cumple su propósito como ligero y simple entretenimiento al alcance de cualquiera, con Sellers y Allen encargados de hacer reír mientras O´Toole y sus “pussycats” se ocupan de que suba la temperatura. Hay que tomársela como lo que es y verla con el ánimo adecuado, porque si esperas que te alegre un mal día o que te mantenga pendiente de la pantalla de principio a fin, te has equivocado de título. Para terminar, a continuación os dejo con un extracto de la descacharrante conversación que mantienen el Dr. Fassbender y Victor en una escena en la que el primero intenta poner en marcha un extravagante suicidio y el segundo (que celebraba un triste 29º cumpleaños, justo el día que los cumplía realmente Allen) lo interrumpe para contarle su gran problema sentimental…

- Estoy enamorado de una chica y ella no me ama, ama o otro tipo. Y yo estoy en medio.

- Ya veo. Sí, sí…

- ¿Qué cree que debería hacer?

- Bueno, ¿porque no se compra un coche deportivo?

- ¿Un coche deportivo?

- Si, un pequeño y bonito biplaza. Francés, alemán, italiano. Y va por ahí “BROOOM”. Usted sabe, a ellas les encanta. Signo de virilidad masculina. Tal vez necesite dos, quizá.

- No sé conducir.

- Bueno, atropella a unas cuantas personas. Lo principal es que consiga la chica. Eso es lo único que importa.

- ¿Sabe?, para ser doctor, suena terriblemente poco ético.

- ¿Poco ético? ¿Qué demonios me importa la ética? Mi padre, el más querido ginecólogo de Viena, mientras se lo llevaban por exposición indecente en la Sala de Opera Estatal, dijo, y cito: “Por favor no me lleven, no lo volveré a hacer.”

- Brillante cita.

- Era un brillante pervertido.

- Oiga, es mi cumpleaños.

- Eso ya me lo dijo.

- ¿Podemos volver a él?

- ¿Qué pasa con mi funeral?

- Hagamos su funeral primero, luego mi cumpleaños.

Aprovechando el reciente estreno en nuestro país de la estupenda ‘A Roma con amor’ (‘To Rome With Love’, 2012), me decido a iniciar en Blogdecine un especial sobre la carrera de uno de mis cineastas favoritos, Woody Allen.

Ya confesé en esta página mi admiración hacia el neoyorquino hace cuatro años, cuando os dejé una lista con las que considero que son sus cinco mejores películas a día de hoy, aunque posiblemente cambie algún título cuando acabe de repasar su filmografía… El objetivo es volver a ver y comentar aquí con vosotros todos los largometrajes dirigidos por Allen —ahora mismo son cuarenta y cinco, incluyendo ‘Historias de Nueva York’ (‘New York Stories’, 1989)— y también aquellos en los que solo ha participado como actor —siete, dejando fuera ‘Antz’ (1998) y otros trabajos donde únicamente presta su voz o sus interpretaciones no aparecen acreditadas—.

Ya sabéis, algún día estaremos como él.

Espero que os interesa la retrospectiva incluso si no compartís mi entusiasmo por la obra de este creador infatigable —a sus 76 años, tiene ya listo otro film y coprotagonizará lo nuevo de John Turturro— que comenzó ganándose la vida como guionista y cómico, antes de probar suerte con la puesta en escena y, en pocos años, convertirse en uno de los directores más respetados e influyentes de las últimas décadas.

En mi cuenta de Twitter dejaba una pista sobre el director al que iba a dedicar este nuevo especial. Aunque Woody Allen ha hablado sobre la muerte en incontables ocasiones, concretamente me refería a esto: