Antes que nada he de decir que habitualmente no comprendo a David Lynch y que tampoco me llega su cine a otro nivel en el que se superen las barreras de la comprensión. A quien piense como yo sobre Lynch directamente le recomiendo que no vea ‘Inland Empire’ —son más de tres horas—, así que por este camino tendría muy poco sentido hacer una crítica. Por lo tanto, voy a hablar de su último experimento poniéndome en el lugar de quienes encuentran valores a sus crípticos films.

El titular de la crítica no es un insulto, sino lo que el propio Lynch ha dicho sobre sí mismo, como nos contó Carlanga en este post. El cineasta rodó sin tener una idea previa y con la libertad que le ofrecían las pequeñas cámaras digitales. Durante más de dos años, y apoyándose en la sólida labor de Laura Dern, Lynch rodó la historia de “una mujer en apuros”. En suma, Lynch utiliza las nuevas tecnologías para realizar un proceso de “escritura automática” que rara vez hemos visto en el cine.

Esta opción de la “escritura automática”, sin embargo, se ha realizado en otras disciplinas artísticas muchas veces con excelentes resultados. Desde muchas cumbres de la literatura surrealista hasta cómics recientes como ‘Like A Velvet Glove Cast In Iron’ del reputado Daniel Clowes, grandes creadores nos han demostrado que hay muchas formas de narrar que no pasan por el clasicismo.

En el caso de ‘Inland Empire’, creo que David Lynch fracasa en su intento porque la libertad con la que ha rodado más de una escena MUY intrigante y seductora ha quedado traicionada en el proceso de montaje. Voy a intentar explicar por qué.

La película arranca con cierto interés, contándonos la historia de una actriz de Hollywood que vuelve a actuar en una película de prestigio. Alrededor de ese rodaje se va creando un aura de misterio, de maldiciones, de leyendas polacas, de celos que bordean en el homicidio y, de repente, sucede lo inesperado (no voy a entrar en spoilers). Hasta ahí, todo bien. Pero, en vez de saber administrar la tensión de ese giro inesperado, David Lynch se lanza a una orgía de escenas desconectadas, a abrir nuevas subtramas, a multiplicar por mil la presencia de personajes absurdos… Y ya nada consigue crear el mismo efecto que la sorpresa inicial: mediante la pura saturación del sinsentido se consigue que nada sea novedoso. Pero los problemas continúan.

Como dije al principio, el problema fundamental de ‘Inland Empire’ es de montaje. Si el sinsentido en el que se mete Lynch a mitad de película es tan grande como desestructurado, el montaje va a traicionar mucho la idea inicial de “escritura automática” de Lynch. A partir de la hora y media de esta desmesurada película lo que se va a hacer es repetir las tramas/escenas una y otra vez, sin ninguna progresión (la “confesión” que le hace Laura Dern a un polanskiano señor de gafas es especialmente insoportable) en un intento de buscarle un “sentido” a la película a puro golpe de asociación de imágenes. Todo es tan artificial como tedioso. Y estos problemas se hacen cada vez más graves conforme ‘Inland Empire’ llega al final de sus tres desmesuradas horas: se intenta retomar todo lo expuesto, se hacen flashbacks de la intrigante y afortunada escena inicial donde una vieja polaca explica a Laura Dern “el origen del mal”. Se intenta dar una especie de coherencia y sentido a lo que jamás lo tuvo durante el rodaje. Y todo huele a falso. Y lo más ridículo aún: Lynch intenta, a golpe de música, crear un clímax emotivo con personajes que prácticamente no habíamos visto a lo largo de tres horas. Claro, no lo consigue: estamos en las antípodas del famoso “Dick Laurent is dead” de ‘Carretera Perdida’.

Quizá lo que más evidencie el fracaso de Lynch sean los planos de las tres personas con máscaras de conejo en un cuarto de estar. Lo primero: se trata de un manido recurso muy de “escuela de cine”, Lynch es mucho más interesante a nivel de imagen que todo eso. Lo segundo: estos planos provienen de una serie de cortometrajes titulada ‘Rabbits’ que, posteriormente, Lynch incorporó, porque sí, al montaje de ‘Inland Empire’ con recursos tan tontos como que Laura Dern llame a un sitio y cojan el teléfono los conejos o que Laura Dern entre en una habitación vacía que era el decorado en el que estaban éstos. En fin, lo que ya comenté: un pésimo montaje intentado dar coherencia y unidad lo que no la tiene y, al final, consiguiendo una obra farragosa y caótica que es posible que ni siquiera guste a los admiradores de ‘Carretera perdida’.

Quiero hacer una mención al vídeo digital. En el mundo en que vivimos, cada vez más personas tienen una cámara mini DV o un móvil que graba vídeos. La cantidad de imágenes se ha multiplicado y, con ella, los contenidos, lo que se considera novedoso o extraño. Y muchas de esas cosas se han rodado en mini DV. Lynch ha tenido la sabiduría y la valentía de entenderlo y ha rodado en un formato DV que no pretende pasar por cine. Antes bien, las imágenes están reventadas, estalladas, sin tener miedo a cierto feísmo, y sólo los muy puristas podrán decir que lo que Lynch ah hecho no tiene ningún interés visual. Si tan sólo se hubiese preocupado por saber estructurar su historia, probablemente estuviésemos ante una intrigante película que apasionase a sus defensores y radicalizase aún más a sus detractores. Tal y como han quedado las tres horas de ‘Inland Empire’ sólo aquellos que juzguen que Lynch nunca puede equivocarse o que el riesgo artístico ya es un valor en sí mismo —independientemente del resultado— podrán disfrutar esta película. El resto, harán bien en huir o contentarse con un trailer: se entiende igual de poco y el efecto visual y dramático es el mismo.

Sobre ‘Inland Empire’ en Blogdecine

Gabriel Noone (Robin Williams) es locutor de radio de un exitoso programa nocturno que siempre ha sabido explotar las desgracias ajenas para lograr audiencia. En los últimos tiempos, su tema central era la enfermedad mortal de su novio. Cuando éste conoce la noticia de que su fallecimiento no es inminente, deja a Gabriel, aunque ambos continúan siendo amigos. Y Gabriel centra su atención en otro ser desamparado: está en trámites para publicar el libro de un niño que relata los estremecedores maltratos y abusos que ha sufrido a lo largo de su infancia. Sin embargo, cuando escucha por teléfono la voz de este pequeño y la de su madre, se da cuenta de que son sorprendentemente parecidas y comienza a preguntarse si el niño realmente existe.

Trailer en español de ‘Voces en la noche’.

Venimos viendo en las películas de misterio tramas como ésta tan a menudo que comienzan a cansar y a no producir en absoluto la sorpresa que buscan darnos con el giro final. Sobre los filmes que reflejan el desorden de múltiples personalidades (TID, trastorno de identidad disociativo), ya hablé extensamente. Comentaba entonces que estas películas suelen dar pie siempre al mismo “twist” final: “Era yo” o “era él”, “era ella”, etc… Hay tantas de ese estilo que ya se podrían considerar un subgénero dentro de los psychothrillers. Otro minigénero sería el de “Mi hijo es ficticio”, sobre el que se ríe todo lo que quiere el final alternativo, sólo publicado en DVD, de ‘Scary Movie 3’.

Pues ‘Voces en la noche’ tiene el mérito de unir los dos subgéneros en un solo film. Y no creáis que os estoy desvelando parte del argumento que no debáis saber. Al contrario: desde el primer punto de inflexión, el personaje de Williams sospecha que el niño no existe y que es la madre —“era ella”— la que imita su voz.

Quizá el problema no esté en que no haya unas revelaciones finales propias de un film de intriga, sino en que nos la hayan presentado como un thriller en lugar de hacer un documental sobre el tipo de locura que padece el personaje de Collette. Está muy bien que nos hagan una película para contar algo que ocurrió en la vida real y al final dejarlo en eso. Y está muy bien que se basen en un suceso como éste para desarrollar toda una historia de misterio. Pero esta película se queda a medio camino de ambas cosas y no termina de convencer porque no cumple las expectativas que ha creado.

A pesar de esto, es interesante ver su atmósfera y los papeles están muy bien representados.

La carrera de Robin Williams se podría decir que se divide en películas insoportables en las que exagera todo lo que puede sus gestos tratando (infructuosamente si se trata de mí) de hacer reír, como por ejemplo ‘Noche en el museo’, ‘¡Vaya vacaciones!’.. y algunos thrillers que no están nada mal, como ‘Insomnio‘ o ‘Retratos de una obsesión‘. Otros de sus films son ‘Delitos menores‘, ‘La memoria de los muertos‘, ‘El hombre bicentenario‘, ‘Más allá de los sueños‘, ‘El indomable Will Hunting‘, ‘Desmontando a Harry‘, ‘Smoochy‘.

El papel más célebre de Toni Collette es el de ‘La boda de Muriel’. También ha aparecido en ‘Pequeña Miss Sunshine‘, ‘En sus zapatos‘, ‘El último golpe (‘The last shot’), ‘Connie and Carla‘, ‘Japanese story‘, ‘Las horas‘, ‘Un niño grande‘, ‘Al límite de la verdad‘, ‘Shaft. The return‘, ‘El sexto sentido’.

A los demás actores los hemos visto primordialmente en series. Bobby Cannavale, que hace de ex-novio del protagonista, aparecía en ‘Will y Grace’, interpretando el papel de una de las parejas de Will. La amiga de Gabriel, Sandra Oh, es un personaje de ‘Anatomía de Grey’ y el padre del personaje de Williams, John Cullum aparecía en otra de hospitales: hacía de padre del dr. Green en ‘Urgencias’, y aún era más conocido por Holling, de ‘Doctor en Alaska’ (‘Northern Exposure’).

‘Uno por ciento, esquizofrenia’ es un documental —presentado en el Festival de Cine 100% europeo de Sevilla 2006 y aún por estrenar— que tiene la intención, según el director vasco Julio Medem, que en este caso ha ejercido de productor y montador, de “buscarles un sitio digno” a los 52 millones de personas que sufren este problema en todo el mundo. En el documental, de boca del psiquiatra José Guimón, se incide en la idea que trataba aquella entrada sobre la falsedad y el peligro de “esa idea romántica de la esquizofrenia”. La directora, Ione Hernández, ha rodado entrevistas a enfermos, psiquiatras, familiares y psicólogos en las que detallan cómo es la enfermedad.

Isabel Díaz Valcárcel, psicóloga y hermana de un esquizofrénico que estuvo ingresado 13 años, buscó ayuda en Julio Medem, que se hizo “médico para ser psiquiatra, aunque no lo soy, por suerte; porque cuando descubrí la esquizofrenia, me di cuenta de que nunca sería capaz de ayudar a estas personas… y mira, ni siquiera he sido capaz de dirigir esta película, una película que, aviso, remueve muchas cosas, y eso es fundamental”. Medem considera que ésta es “la enfermedad más peligrosa”. “¿Por qué [Díaz Valcárcel] me escribió a mí? Quizás porque entendió que mi cine estaba cerca de la psiquiatría”, recuerda el cineasta que ya se acercó al tema de la esquizofrenia en dos de sus películas de ficción, ‘Vacas’ y ‘Tierra’. “Sintió que yo podía ayudarla. Me habló de una terapia con caballos, pero yo sólo le pude ofrecer un documental.”

Medem continúa explicando cómo se gestó el documental: “Pensé enseguida en Ione. Era la persona ideal para dirigirla. Ella fue la que se encargó de las entrevistas con las víctimas del terrorismo en ‘La pelota vasca’, las más dolorosas, las que yo no pude hacer porque me encontraba en pleno proceso de duelo por la muerte de mi hermano y el que se rompía era yo. Ione hizo un trabajo sensacional y por eso pensé en ella para dirigir este documental sobre la esquizofrenia”. Añade que ha “estado muy cerca de ella, en los montajes sucesivos, en el proceso del lenguaje cinematográfico, en la elección del músico, pero ha sido ella la que ha dirigido todo”.

Por su parte, la realizadora cuenta que “desde el primer momento queríamos que el documental se desarrollara a través de las entrevistas, como en ‘La pelota vasca’. Queríamos sobriedad. Las entrevistas son directas, honestas y auténticas. Con este lenguaje tan poderoso ¿para qué añadir más?”.

Todo empezó con una larga fase de encuentros preparatorios, tal y como explica la directora: “Primero les conocía y estaba con ellos a nivel de tú a tú, y luego les decía directamente lo que pretendía hacer, sin demasiados rodeos, porque los esquizofrénicos se caracterizan por tener muchísima intuición y, pese a todo, tienen como una conexión muy fuerte con lo real. Así que hablaba con ellos. Es gente que necesita atención, porque está desatendida por la sociedad, así que cuando les das atención, ellos lo perciben y te la devuelven”.

Aunque ella se haya encargado de la grabación, si el montaje lo ha hecho Medem quizá le corresponde más a él la autoría, ya que, en un documental, si bien se parte de un guión previo -”la escritura definitiva de un documental se hace en el montaje” —aclara el propio director y productor—, “fue el material rodado el que dictó por dónde tirar”.

Frente a la cámara, Montse Fernández, Xabi Comín, Andrés Conejero, Antonio María Paz y Efrén Corrales y otra persona que no ha querido desvelar su nombre, realizan confesiones escalofriantes, sinceras, sin dramatismos, sin victimismos. ‘Uno por ciento, esquizofrenia’ se asoma a la enfermedad a través de distintos capítulos: Miedo, Drogas, Agresividad, Ingreso, Suicidio, Arte y locura, Esperanza, entre otros.

El psiquiatra Celso Arango, una vez visto el documental, ha confesado sorprendido que a él, un profesional de años, nunca los pacientes le han contado las cosas de manera tan natural y valiente. Sobre esa sinceridad, Medem dijo: “Esa franqueza a la hora de contarlo a mí me parece una lección brutal de vida; porque son seres humanos con un problema gordísimo y nos lo están contando y, con eso, de alguna forma nos están dando su tesoro, porque nos están revelando su intimidad y su lucha… a nosotros, que en general estamos llenos de prejuicios y de miedos hacia ese tema”.

José Guimón asegura que “la esquizofrenia es la enfermedad clave porque reúne todas las psicopatologías psiquiátricas, es el prototipo de lo que se llama loco”, asegura . Se tocan muchos temas, la genética, la familia, el ambiente, las drogas, algunos de ellos polémicos.

El psiquiatra Jeffrey Lieberman, investigador estadounidense y uno de los principales valedores de la detección precoz de la esquizofrenia, asegura que “las personas con esquizofrenia tienen algunas anormalidades en su estructura cerebral”. “Una vez que la enfermedad aparece existe la posibilidad de que el paciente pierda masa gris cerebral, y hemos descubierto que si tratamos enfermos desde el principio podemos prevenir que eso vaya a ocurrir en el cerebro”, añade este catedrático de la Universidad de Carolina del Norte.

“Los padres tienen que aprender a querer a otro hijo que es un extraño”, dice Silvestra Moreno, presidenta de la Asociación de Familiares de Enfermos Mentales de Cataluña. “Mi hijo me aporta ternura y solidaridad. No me siento quemada, me da gusto verle”, añade Begoñe Ariño, madre de una persona esquizofrénica. “Son grandes luchadores”, dice otro. Como el paciente que enseña su rostro pero no quiere decir su nombre y deja una frase escrita: “La recuperación es posible. Creo que todo fue una pesadilla”.

Vía : El País, El Mundo

El film cuenta como Gorka, un joven camarero del bar del instituto, quiere impresionar a la chica que le gusta, una hija de papá rico que en principio no se fijaría en un camarero (cuando los de esta profesión son los que más ligan en este mundo). Para ello se le ocurre la brillantísima idea de contratar a un tipo para que la asuste un poco, y nuestro protagonista aparezca en el momento oportuno para defenderla, y así ella se quede prendada de su héroe. Pero la cosa se tuerce y el asunto termina convirtiéndose en un secuestro con petición de rescate incluída y estancia en una vieja casa en medio del bosque y en la que habita un curioso personaje.

Uno de los mayores poblemas del film es el ridículo personaje que interpreta Óscar Jaenada, un macarra chulo que se las da de listo. Yo no sé si la intención del director era resultar gracioso en determinados momentos. Me gustaría pensar que sí, pero es que prácticamente todas las frases de este personaje están fuera de lugar y termina desconcertando. Y si había una intención de hacer comedia con respecto a este personaje, pues no hay ni un sólo gag que funcione. Todo en él es ridículo y de la risa se pasa a la vergüenza ajena. Además Jaenada está totalmente exagerado en su interpretación, y aunque los macarras hablen de la forma en la que él habla, no resulta creíble y es como un pegote que no casa con el resto del film pero que nos acompaña durante un buen rato. Y una película de estas carcterísticas debe tener ante todo credibilidad.

Respecto a Eloy Azorín decir que es un soso de mucho cuidado, y Bea Segura es muy mona pero nada más. Además ambos protagonizan unos momentos oníricos, que son de lejos lo peor de una película ya de por sí horrible. La labor de Jesús Ponce se limita a filmar a cuatro personajes, y alguno más que sale por ahí, y a intentar crear un clima de terror o de angustia que no existe. El personaje de esquizofrénico es simplemente un figurante que no da miedo ni da nada, y sobre el que el film no pofundiza ni lo más mínimo, y ahí podrían haber desarrollado una buena trama, cosa que no ocurre porque el film no sabe dónde centrarse.

Un bodrio en toda regla, y que haciendo caso de lo que decía al principio, puede hacerte pasar un buena rato si te lo tomas a coña. Si no, será un verdadero suplicio. En cualquiera de los dos casos, la oportunidad de un segundo visionado es algo que a nadie se le pasará por la cabeza.

En Blogdecine | Crítica de ‘Skizo’ por Beatriz

El trailer se puede ver aquí y en este otro vínculo se puede acceder a más información e incluso a un juego llamado ‘El duelo’. El estreno será el día 8 de septiembre.

Con lo que gran parte de la audiencia podría tener problemas es con la interpretación de los actores, en concreto con Óscar Jaenada (‘Camarón ‘, ‘XXL‘), que tiene un papel más complicado. Para aceptar su forma de hablar hay que hacer una especie de “acto de fe” y creer que los macarrillas hablan así. La verdad es que yo no conozco a muchos y no sé si su tono es realista, así que prefiero pensar que lo es para poder ver la película sin que me rechinen los oídos constantemente. De todas maneras, haciendo papeles muy diferentes, como el de ‘El juego de la verdad’, me ha parecido aún más forzado y peor actuado. Así que bastante es con que aquí esté tolerable.

Bea Segura y Eloy Azorín (‘Todo sobre mi madre’ , ‘Besos para todos’, ‘Guerreros’…) están bien en sus papeles, aunque a él le pasa lo que a Leonardo DiCaprio en ‘Titanic’: que no te crees que el pijo no sea él. Segura (‘Haz conmigo lo que quieras’, ‘Lola vende cá’, ‘La dama de Porto Pim’) tiene la responsabilidad de llevar el papel con más evolución psicológica. La que parecía una víctima inocente es una princesita manipuladora que también esconde un objetivo. No lo hace especialmente bien, pero al menos es creíble. Patxi Santamaría es de lo más correcto de la cinta y Asier Oruesagasti está muy bien caracterizado.

Hay un par de momentos en la película que sí que pueden estar cerca de la falta de calidad que se espera de ella de antemano. El primero se compone de unos sueños que tienen Iván y Susana mientras están encerrados en la casa. Y el segundo es el final, tan repentino como absurdo. Me pareció escuchar que se habían rodado otros finales, o al menos, que había otras alternativas presentadas en guión. Estaría bien saber si era así.

La película, ya desde su título, trata el tema de la esquizofrenia, sobre la que hablé en otra entrada largo y tendido. A pesar de que se hace lo que criticaba la autora del libro ‘Imágenes de la locura’: presentar a los enfermos como personas peligrosas y ultraviolentas, parece que el guión ha sido llevado a cabo tras una documentación sobre el trastorno.

Jesús Ponce, sevillano de 1971, cuenta con una larga experiencia profesional como realizador de TV, montador, director de spots publicitarios y cortometrajista. En una línea totalmente distinta, su anterior película, ‘15 días contigo’, era un magnífico retrato del lumpen con mucha emotividad y con un realismo pocas veces logrado en el cine. La fotografía era de Daniel Sosa, que forma parte del equipo de esta película, y que hizo la dirección de fotografía en el cortometraje ‘Mudo mundo’.

FICHA TÉCNICA:

Dirección: Jesús Ponce
Maquillaje: Eva Alfonso
Vestuario: Cristina Rodriguez
Sonido directo:: Pablo Bueno
Montaje: Fernando Franco
Dirección de Arte: Peio Villalba
Música: Aitor Amezaga
Dirección de fotografía: Javier Aguirre
Guión: David Sarasketa y Javier Etxaniz
Directora de producción: Eva Bretón
Productor ejecutivo: Fernando Garcillán
Productor: Juanjo Landa

FICHA ARTÍSTICA:

ELOY AZORÍN (Gorka)
ÓSCAR JAENADA (El Iván)
BEA SEGURA (Susana)
PATXI SANTAMARÍA (Luis)
ASIER ORUESAGASTI (Ander)

Un artículo del blog Ciencia vs. Ficción comenta el libro de Beatriz Vera Poseck, ‘Imágenes de la locura’, en el que la autora explica los diferentes tipos de enfermedades mentales y cómo las ha mostrado el cine a lo largo de su historia. Como al autor del blog, me resultan muy interesantes en concreto dos síndromes que se asemejan mucho en cuanto a sus síntomas, pero que no son ni mucho menos iguales: la esquizofrenia y el trastorno de identidad disociativo, es decir, las múltiples personalidades. Algunas películas reflejan uno y otras, el otro. Existen films que los confunden o que no se “mojan” lo suficiente como para que sepamos si están tratando uno u otro.

A continuación trataré de establecer las diferencias y de dar ejemplos de películas para cada caso. Advierto, sin embargo que, ya que estas enfermedades dan pie a muchos giros de guión, éste va a ser un artículo tuneado, es decir, plagado de spoilers (y pido perdón por el pésimo chiste). En general son películas muy difundidas que casi seguro que ya conocéis, pero por si acaso, yo lo aviso. Al final de casi todos estos films, descubriremos el giro de guión que ya se ha hecho constante en las cintas que tratan ambos trastornos: era él. Giro que ya es muy difícil que nos sorprenda al haberse utilizado tantas veces y que aparece analizado en este artículo.

La persona enferma de esquizofrenia puede sufrir alucinaciones de muchos tipos. En un caso extremo, estas visiones le llevan a ver a otras personas que no existen, a hablar con ellas y creer que están ahí. Quien sufre este problema lo que hace es “proyectar” otra u otras personalidades hacia fuera. En palabras de la autora del libro, se produce un “desdoblamiento externo”. Según tengo entendido, estas otras personalidades (que ya las ve como si existieran) son reflejo de sus anhelos frustrados, de su ira o de cualquier otro sentimiento reprimido. Como no es capaz de comportarse de determinada manera, crea a otro ser que sí lo hace. ‘Imágenes de la locura’ hace hincapié en que habitualmente los esquizofrénicos no son violentos y que tampoco se trata de psicópatas, como nos ha hecho creer el cine.

Un ejemplo que me parece que es canónico de cine que representa la esquizofrenia es ‘El club de la lucha’ (‘Fight Club’, 1999), de David Fincher, basado en la novela de Chuck Palahniuk. Hablaré más adelante con detenimiento de esta película y explicaré por qué la pongo de ejemplo de esquizofrenia, mientras Vera Poseck la sitúa en el trastorno de identidad disociativo. Otros títulos que comenta la autora en su libro como representaciones de la esquizofrenia son: ‘Spider’ (2002), de David Cronenberg; ‘Una mente maravillosa’ (‘A Beautiful Mind’, 2001), de Ron Howard, o ‘El resplandor’ (‘The Shinning’, 1980), de Stanley Kubrick; entre muchos otros.

Trastorno de identidad disociativo (TID)

La persona que sufre trastorno de identidad disociativo, en lugar de ver a otros que no existen, lo que hace es “alternar” sus personalidades. Como dice Vera Poseck, “en el TID, el desdoblamiento es interno”. Unas identidades pueden tener o no tener consciencia de las demás. Y es muy frecuente que entre ellas entren en conflicto. Es una enfermedad que no ha sido catalogada oficialmente hasta hace muy poco tiempo y que muchos achacan a los tratamientos hipnóticos de los propios psiquiatras en pacientes muy fáciles de sugestionar. A pesar de eso, el cambio es tal que cada personalidad puede tener diferentes capacidades físicas o incluso pueden no compartir achaques como el asma o las alergias. Se suele dar más en mujeres y casi todos los casos se han documentado en EE. UU.

Dos psicólogos publicaron en 1957 un libro que narraba el caso de Chris Costner Sizemore, que desarrolló hasta cuatro personalidades. Fue tal el éxito del libro, que ese mismo año se rodó ‘Las tres caras de Eva’ (‘The Three Faces of Eve’, 1957) de Nunnally Johnson. ‘Sybil’ fue un libro en 1973 y una película en 1976, que también trataban el caso real de una joven con dieciséis personalidades y de su psicóloga. Otro caso paradigmático es el de ‘El Dr. Jeckyll y Mr. Hyde’, que al parecer representaba la preocupación del propio Stevenson por sentir dos personalidades convivir en su interior.

Un buen ejemplo de TID en el audiovisual sería el capítulo 11 de la 1ª temporada de ‘A golpe de bisturí’ (‘Nip/Tuck’), titulado ‘Montana/Sassy/Justice’, como los distintos nombres de las personalidades de la paciente. En la actualidad, el cine ha tratado este trastorno para mostrarnos psicópatas y asesinos, cosa poco frecuente en estos enfermos. ‘El escondite’ (‘Hide and Seek’, 2005), de John Polson; ‘The Crowded Room’ (2006), de Joel Schumacher; ‘Session 9’ (2001), de Brad Anderson, y varios films de Brian de Palma, además de los ya mencionados, son algunos de los títulos que analiza Vera Poseck en su libro. La autora también menciona ‘Psicosis’, aunque la engloba dentro de la esquizofrenia. Más abajo comentaré detenidamente la película de Hitchcock.

Diferencias en la representación cinematográfica

En cine se podría decir que la esquizofrenia y el trastorno de identidad disociativo se distinguen en si la persona que sufre la enfermedad es interpretada por el mismo/a actor o actriz o por diferentes actores y actrices. Lo normal es que, si se trata de síndrome de múltiple personalidad, siempre sea el mismo/a actor o actriz — ayudándose a veces de disfraces y maquillaje— y en el caso de esquizofrenia sean distintos. La película ‘Identidad’ (‘Identity’, 2003), de James Mangold, sería una excepción, pues presenta la gran trampa de guión de que lo que vemos está ocurriendo dentro del cerebro del protagonista y por eso se trata de numerosos actores.

‘Psicosis’: un caso polémico

Se ha debatido mucho sobre si películas como ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960), de Alfred Hitchcock, confunden o no estos dos trastornos. Siguiendo la regla de uno o varios actores, ‘Psicosis’ debería tratar el TID. Ya que nunca vemos a Norman Bates y a su madre al mismo tiempo, se podría entender que el personaje de Anthony Perkins sufre disociación de identidad, con distintas personalidades internas que son capaces de hablar entre sí, contestarse y replicarse, porque cambian de una a otra muy rápidamente. Las personalidades múltiples pueden entrar en conflicto porque cada una quiere una cosa y, como comparten el cuerpo, o bien unas tienen que hacer lo que otra quiera, o bien llegar a un acuerdo. Ya que entran en conflicto es posible que discutan como se escucha en ‘Psicosis’.

Lo que hace que la película resulte confusa es que Norman habla a Marion (Janet Leigh) de su madre como si ésta existiera. Esto sólo se daría en los casos de esquizofrenia, en los que el enfermo pierde la conexión con la realidad y ve como reales sus alucinaciones. En el TID la conexión con la realidad no se pierde. La única explicación posible a este hecho sería que Norman, conscientemente, quisiera dar una justificación a las voces que sabe que Marion ha oído, pues sabe que padece la enfermedad. Para adaptar esta película tanto a una enfermedad como a la otra, hay que forzar mucho las suposiciones, como las que yo he dado de que las personalidades cambian ipso facto y lo de que Norman sea consciente y finja que su madre vive. El hecho de que el film sea anterior al establecimiento de la definición oficial de la enfermedad puede influir bastante en su ambigüedad.

‘El club de la lucha’: yo, pero más guapo, más fuerte y más atrevido

En ‘El club de la lucha’ (‘Fight Club’, 1999), de David Fincher, Jack (Edward Norton) ha proyectado en Taylor Durden (Brad Pitt) las características que él desearía tener o que tiene, pero que esconde. Taylor es más fuerte, más guapo y más atrevido que Jack. Entonces, Taylor no sólo actúa en su lugar, sino que también martiriza física y psicológicamente a Norton por no comportarse al 100% como le gustaría. La violencia de la cinta es la catarsis del yuppie adocenado que interpreta Norton, actor que representa a un personaje con trastorno de identidad disociativo en ‘Las dos caras de la verdad’ (‘Primal Fear’, 1996), de Gregory Hoblit.

No podemos decir con claridad si las películas son correctas o incorrectas a la hora de tratar estos temas debido a que ello depende de cómo interpretemos cada uno las imágenes y sonidos que aparecen en ellas. Por ejemplo, en ‘El club de la lucha’, Beatriz Vera Poseck entiende que Brad Pitt está mostrado como un cuerpo aparte a modo de licencia narrativa o de estrategia de Fincher y, por tanto, estamos ante un caso de TID. Pero me parece menos rebuscado ver al personaje de Pitt como una alucinación externa de Edward Norton y, entonces, claramente nos encontraríamos ante la esquizofrenia, como afirman otros entendidos. Así se cumpliría también la regla de: varios actores, esquizofrenia. Lo que dice Vera Poseck es que se trata de identidad disociada porque a veces Norton tiene que sufrir las consecuencias de lo que ha hecho Pitt mientras Jack se había transformado en Taylor Durden, sin embargo, ella misma explica que en este síndrome “las distintas personalidades se presentan por lo general como si se controlaran secuencialmente, apareciendo una detrás de la otra” y en ‘El club de la lucha’ es frecuente verlos a los dos, no solo juntos, sino incluso enfrentados.

Capítulo II | Enfermedades mentales en el cine (II): distintos tipos de amnesia.