Los hermanos Coen tienen ya a los dos primeros protagonistas de su próxima película, titulada ‘Inside Llewyn Davis’. Los elegidos son Carey Mulligan y Oscar Isaac, dos actores muy solicitados últimamente que volverán a verse las caras después de compartir escenas en una de las mejores películas de este año, ‘Drive’ (por cierto, estreno retrasado al 28 de diciembre).

Como ya comentamos a finales de agosto, ‘Inside Llewyn Davis’ está escrita por Joel y Ethan Coen y la historia tiene lugar en el Nueva York de los años 60. El personaje principal, a quien encarnará Isaac, es un cantautor de música folk basado en Dave van Ronk; no hay información sobre el papel que va a interpretar Mulligan, solo se sabe que es relevante en la historia. Y nada más por ahora, se espera que el rodaje pueda comenzar en febrero del año que viene, así que aún hay tiempo para más incorporaciones y el anuncio de una adecuada sinopsis. A ver si hay suerte y podemos verla antes de 2013.

PD: A la actriz la veremos también en ‘Shame’ (junto a Fassbender) y en la nueva versión de ‘El gran Gatsby’ (con DiCaprio).

Vía | ComingSoon

Ya se ha anunciado el título oficial y el argumento del nuevo proyecto que tienen entre manos Joel y Ethan Coen, después de lograr el mayor éxito comercial de su carrera con la excelente ‘Valor de ley’ (‘True Grit’, 2010). Por el momento, lo que se sabe de su próximo trabajo es que se titula ‘Inside Llewyn Davis’, que estará ambientado en el Nueva York de los años 60 y que la historia girará en torno a un cantautor de música folk tratando de salir adelante. Scott Rudin y Robert Graff, que colaboraron con los Coen en ‘No es país para viejos’ (‘No Country for Old Men’) y ‘Valor de ley’, han confirmado que producirán la película junto a los peculiares cineastas.

Y ya está, no hay mucha más información sobre esta ‘Inside Llewyn Davis’, excepto que en teoría se trata de un guion original escrito por los Coen, si bien se comenta que en realidad la historia estará inspirada en ‘The Mayor of MacDougall Street’, las memorias póstumas de Dave Van Ronk. Ya veremos, en cualquier caso, sea el libreto totalmente original o no, estoy seguro que los hermanos imprimirán su estilo y su humor a la historia, y eso siempre me interesa. Lo que espero ahora es que nos den alguna alegría con el reparto y que no tarden mucho en comenzar a rodar, aunque parece que no gritarán “¡acción!” al menos hasta comienzos del año que viene. A ver si los tenemos otra vez en los cines para finales de 2012.

PD: Van Ronk, ‘The Outcast’:

Vía | Lashorasperdidas

Por fin se ha estrenado ‘Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos’ (‘San qiang pai an jing qi’, 2009) que, como sabéis, es el remake de Zhang Yimou de la primera película de los hermanos Coen, ‘Sangre fácil’ (‘Blood Simple’, 1984). Esta versión del siglo XXI está protagonizada por Honglei Sun, Xiao Shen-Yang y Ni Yan, entre otros, y cuenta una historia de celos y venganzas, de odios y malos tratos, un triángulo amoroso de dimensiones trágicas.

La belleza de ‘Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos’ es incontestable. Las imágenes nos regalan un vestuario de inacabable colorido con tonos sublimes, combinados para dar los más llamativos resultados. La contrastada fotografía de Xiaoding Zhao resalta tanto esta paleta imposible como la de la asombrosa localización donde está rodada la película: las montañas de tonos rojizos, diseñada como una alfombra, que podrían ser el escenario de un Western de pesadilla. Bellos son también los encuadres que efectúa Yimou: abiertos, amplios y compuestos como si de pinturas se tratase. El tratamiento del sonido resulta igualmente notable.

Personalmente, considero una pena que la maestría fílmica de Zhang Yimou esté al servicio de una pantomima de enredos, teatral y vodevilesca, de humor bufo y de personajes guiñolescos.

Me parece que, más que plantear un tono humorístico puro, propio de la comedia; lo que hace el libreto de ‘Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos’ es no tomarse en serio el contenido y sobre todo, a sus personajes. No son cosas que vayan de la mano, ya que existen comedias que se toman muy en serio a sus personajes y los retratan con profundidad y gran acierto, llegando incluso a analizar todas las cuestiones que marcan sus existencias.

En esta ocasión, lo que propone Yimou es lo contrario: se crea un distanciamiento con respecto a los protagonistas, no sé si intencionado o consecuencia de que la atención del director está en otros aspectos. No veo intenciones de realizar un retrato certero y respetuoso, sino de caricaturizarlos para ponerlos al servicio de otros propósitos, quizás. Sus actuaciones son gesticulantes y patosas, exageradas incluso para el teatro, y sus caracterizaciones son insultantes, se les dibuja como seres mentalmente incapaces —a excepción, únicamente, del guardia—.

Al no poder observar a estos personajes como seres reales, sino como meras marionetas cuyo comportamiento es absurdo e irreal, no puedo interesarme por sus devenires ni sentir el deseo de que sus propósitos les salgan bien, en lo cual radica que todo lo que llega a continuación me produzca indiferencia.

La tragedia pseudo-shakesperiana que subyace bajo este tratamiento ligero no me conmueve ni me atrapa por causa de la mencionada falta de empatía. Así, ya que no soy capaz de ver el desenlace desde la emoción necesaria, la observación fría y externa me lleva a pensar que todo es descabellado y excesivo, casi gratuito. Lo que podría entenderse como una tragicomedia a mí se me presenta como una sarta de despropósitos sin fin. Y es que solo con el sutil matiz que nos lleve a no «entrar» en una ficción concreta, puede parecer que hemos visto una película distinta a la que vio alguien que sí se metió en la historia. Lo que puede apreciarse como sublime, si se ha penetrado en la historia, resultará ridículo si no se ha entrado.

Conclusión

Si bien admiro las películas «serias» de los hermanos Coen, no suelo ser capaz de verle el sentido a su humor o, más que humor, ese acercamiento desenfadado. No es que no me hagan reír, sino que, en ocasiones, el tono me provoca un distanciamiento con respecto a sus personajes y sucesos que me impide «entrar» en la historia. Por ello, es fácil entender que ante este remake sufra la misma incapacidad.

Yimou es un director al que idolatro, del que considero que varios de sus films son obras maestras. Sin embargo, la presente cinta en mi opinión forma parte de sus experimentos fallidos, como lo hace ‘Keep Cool’ (‘You hua hao hao shuo’, 1997). Supongo que en ambas ocasiones el realizador se ha divertido y ha logrado demostrarse algo a sí mismo o probárselo a los demás, por lo que me parece espléndido que se permita este tipo de devaneos, siempre que no por ello deje de rodar sus maravillosos clásicos.

‘Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos’ no deja por ello de ser una película que merece la pena ir a ver, simplemente para disfrutar de su belleza visual. Si, además, se consigue penetrar en su historia, el disfrute será inmenso.

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Mi puntuación:

Desde que, la semana pasada, se estrenó ‘Valor de ley (True grit)’, de Ethan y Joel Coen, tengo esta crítica escrita y siempre encuentro que alguno de mis compañeros ha publicado la suya y debo retrasar la mía para no saturar con el mismo tema.

Esta nueva adaptación de la novela de Charles Portis, en la que ya se basó en 1969 Henry Hathaway, comienza con una escena excepcional en un solo plano muy abierto, tanto que es difícil «leer» lo que en él se ve al menos en los primeros segundos, pero que va desvelando su contenido con lentitud. La voz en off de la protagonista nos introduce de forma concisa y bella en la historia hasta que, por fin, distinguimos el cadáver del padre de esta mujer, años atrás, cuando ella tenía catorce años.

Con ese mismo buen gusto está rodada toda la película. Los hermanos Coen realizan un espléndido trabajo al que no le caben reproches en ningún aspecto que se refiera a la realización. De la labor del resto del equipo técnico nada malo puede decirse. La fotografía acompaña de maravilla a los encuadres y la puesta en escena de los hermanos. Del equipo artístico tampoco diría nada en contra, pues todos los personajes están interpretados a la perfección.

Disminuye mi emoción ante la película un detalle que no se puede achacar como defecto, ya que responde a una elección deliberada, pero que a mí personalmente me provoca la pérdida del interés. Se trata del tono ligero o superficial con el que se cuenta la historia. No me refiero al hecho de que haya humor, pues eso podría estar muy bien, pero sí al estilo de humor concreto, tirando a pueril, que presenta el film en determinadas ocasiones, llegando a aportar una sutil —porque no todo el mundo lo ha percibido así— aproximación informal hacia el asunto.

El conflicto podría ser de envergadura. Sin embargo, rápidamente se abandona como tal: la venganza del padre pasa a ser un McGuffin y la relación entre los protagonistas cobra el lugar de asunto principal. No supondría un problema dejar de fondo esta cuestión y centrarse en la personal, pues la épica no es el único componente posible con el que conmover y, muchas veces, esa antiépica de los antihéroes es superior. Pero, para dejar de lado la venganza y quedarse con lo humano, sería necesario hallar una mayor profundidad en el trato de las interacciones entre los personajes.

Sin ello, nos quedamos con una concatenación de situaciones más o menos impactantes, jocosas o arriesgadas que funcionan de forma demasiado aislada. La manera tan episódica en la que van apareciendo los demás personajes responde a esa sucesión de anécdotas con poco nexo que, si bien será intencionada, personalmente la encuentro torpe. Esto se produce especialmente con el hombre encarnado por Josh Brolin. La confusión con respecto a él puede deberse a que le dé vida un actor tan famoso, que esperaríamos una intervención más duradera y significativa. Pero incluso aunque se tratase de un desconocido, su participación parece inconclusa y absurda.

El elemento más atrayente y original de ‘Valor de ley’ se halla en el comportamiento de la niña, que podría no esperarse en la época siquiera en mujeres adultas. Se hace gozoso escucharla desde los primeros minutos, durante su trato con el comerciante y hasta su negociación con el alguacil. Por desgracia, este efecto de sorpresa se agota fácilmente, ya que no puede llevarse más allá y tampoco se busca darle un contrapunto o una evolución. El resto de los personajes se debaten entre tópicos o caricaturescos. Este último epíteto iría que ni pintado, especialmente, al de LaBeouf, del que, tal como está presentado en esta versión, se podría haber prescindido.

La joven intérprete Hailee Steinfeld está magnífica, Jeff Bridges realiza una gran labor y tampoco lo hacen mal Matt Damon o Josh Brolin, pese a contar con papeles poco sólidos. Pero estas grandes interpretaciones, si bien se disfrutan como actuaciones en sí, no penetran en el relato para enriquecerlo en su profundidad.

En conclusión, diría que se trata de una cinta de aventuras muy bien interpretada, rodada con sabiduría, pero a la que no puedo considerar grandiosa debido a que su tono hizo imposible que compartiese ni la épica de la historia ni la emoción de la relación entre los protagonistas.

Mi puntuación:

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Voy a hablar claro. Para el que suscribe ‘La guerra de los mundos’ (‘War of the Worlds’, Steven Spielberg, 2005) es superior a ‘La guerra de los mundos’ (‘War of the Worlds’, Byron Haskin, 1953), ambas basadas en la famosa novela de H.G.Wells. Si retrocedo en el tiempo pienso que ‘Deseos humanos’ (‘Human Desire’, Fritz Lang, 1954) es preferible a ‘La bestia humana’ (‘La bête humaine’, Jean Renoir, 1938), ambas basada en la famosa novela de Émile Zola; y también prefiero, por poco, ‘La cosa’ (‘The Thing’, John Carpenter, 1982) a ‘El enigma de otro mundo’ (‘The Thing from Another World’, Christian I. Niby, 1951), ambas basadas en el relato de John W. Campbell Jr. A los primeros toda la vida se le han llamado remakes, palabra que significa rehacer, ya sea una nueva versión de un guión previo o una nueva adaptación. Para hablar sobre la superioridad de esos remakes jamás se ha necesitado hacer hincapié en que eran nuevas adaptaciones de una novela.

En el 2004, dos hermanos deciden hacer una película titulada ‘Ladykillers’ (‘The Ladykillers’, Joel Coen, Ethan Coen) que curiosamente es un remake de un clásico de la comedia británica, ‘El quinteto de la muerte’ (‘The Ladykillers’, Alexander Mackendrick, 1955). Los Coen llevaron palos hasta de sus admiradores más fervientes —personalmente, el film no me parece tan malo a pesar de su convencionalismo—, y ha debido ser tal el trauma que ahora los realizadores se han asegurado de extender bien el eufemismo conocido como “nueva adaptación de la novela”, cuando pienso que han caído en el mismo error que el film protagonizado por Tom Hanks —impresionante en su heredado papel como lo está Jeff Bridges en el suyo—, logrando su film más comercial y cayendo en concesiones innecesarias. Por supuesto, todo muy bien disfrazado.

No voy a negarle a los Coen el valor de realizar un western en pleno 2010 y conseguir con ello importantes nominaciones a los Oscars, pero no es de recibo defender su trabajo basándose en que su película está alejado del tipo de cine comercial que se hace hoy en día, entregados a las nuevas tecnologías con las que se pretende deslumbrar al cada vez menos impresionable espectador. Y no me lo parece porque los Coen jamás se han dejado llevar por la corriente, su filmografía está llena de trabajos arriesgados, algunos de los cuales se han convertido en éxitos y otros en films de culto. Nadie debería sorprenderse de ver un film como ‘Valor de ley’ (‘True Grit’) compartiendo cartel con memeces del calibre de ‘TRON: Legacy’ (id, Joseph Kosinski, 2010). Son los Coen, y de momento ellos no han sucumbido a las filigranas visuales de colores.

Lo que ya me parece muy poco creíble son las declaraciones de los dos hermanos al respecto del film original, alegando que mientras hacían la película no les interesó ni lo más mínimo el revisar el film de Henry Hathaway, entre otras cosas porque su fama superó a la de la novela y permanece como uno de los films míticos del cine estadounidense. Lo quieran o no esa popularidad seguro que ha ayudado en algo al inesperado —dicen los hermanos sorprendidos, mientras yo me chupo el dedo— éxito que está teniendo ‘Valor de ley’ (‘True Grit’), un western maravillosamente fotografiado, con excelentes interpretaciones, algunas ideas buenas, pero tan falto de vida y emoción, que personalmente, aún encontrándome dentro del maravilloso universo del western, me he sentido profundamente decepcionado. Así que no voy a soltar la típica coletilla que se suelta desde el estreno de ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’, Clint Eastwood, 1992) a cada nuevo western que nos llega.

Es curioso que siendo más fiel a la novela de Charles Potis, este remake sea más corto de duración que el film de 1969. Los Coen han efectuado un ejercicio de síntesis, yendo directamente al grano en unos puntos y descuidando otros tantos. Hay brevedad en su inicio, quizá demasiada, aunque la escena de apertura en la que Roger Deakins demuestra que le deben dar un Oscar de una vez, resulta sobrecogedora. La voz en off de Mattie Ross —espléndida Hailee Steinfeld— nos narra el asesinato de su padre por el cobarde Tom Chaney (Josh Brolin) mientras la imagen se va aclarando, para dar lugar al periplo de Mattie buscando venganza. Una odisea llena de peligros, en la que no faltarán alegorías sobre la familia, la pérdida de inocencia y las consecuencias de la violencia en el mundo adolescente. Pero las excelencias de su inicio se ven difuminadas al dar comienzo el núcleo de la historia, el viaje en busca de Chaney, permaneciendo únicamente la labor de Deakins y los actores como únicos elementos sobresalientes.

Y aunque los hermanos de Minnesota atinan en ideas de puesta en escena realmente interesantes —el acercamiento de Mattie al marshall Cogburn en el juicio del inicio, o el excelente tiroteo en la oscuridad bien avanzado el relato—, no son capaces de hacer interesante una historia mucho mejor contada en la película protagonizada por John Wayne. No me interesa lo que les pase a los personajes, no siento simpatía, ni antipatía, por ninguno de ellos, y todos me resultan muy mecánicos. Por supuesto que Jeff Bridges está muy bien, pero es su caracterización y buen hacer lo que llama la atención, no el personaje en sí, el cual debería despertar algún tipo de emoción más allá de las precisa composición de Bridges, en la que cada gesto, palabra, balbuceo y mirada están en su justo lugar. A estas alturas sobraría decir que Bridges es un actor extraordinario, y que Rooster Cogburn es un papel caramelo hecho a su medida, como lo era en el caso de John Wayne.

Bajones de ritmo, elipsis abruptas, y salidas y entradas aleatorias del personaje de Matt Damon, más una falta apabullante de emoción —por mucho que la música de Carter Burwell invite a ello— y humor —el poco que hay es demasiado facilón y ya se encontraba en el film original mucho mejor matizado— visten una película insuficiente, a ratos distraída, a ratos invitando al sopor, y que extrañamente cambia de tono en su tercio final, antes del epílogo, tirando hacia el cuento de hadas con sabe Dios qué intención. Por el camino quedan ajustados homenajes al western —el de ‘Centauros del desierto’ (‘The Searchers’, John Ford, 1956) es tan descafeinado que apenas se saborea con gusto—, poca tensión en un relato que debería tenerla, y una labor técnica de primera como irresistible envoltorio de un film sin garra. Para colmo, en el innecesario epílogo, los Coen caen en el subrayado más desconsiderado, rindiendo homenaje a los tiempos pasados mostrando el destino de Cogburn y Mattie, figuras desencajadas pertenecientes a otra época ya muerta, mientras la música intenta arrancarnos una lágrima. Qué bonito, qué precioso.

A Hathaway le llegó con un plano congelado.

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Vuelven los hermanos Coen, y lo que es mejor, vuelve el western. Ya ha aparecido el primer y fantástico tráiler de ‘Valor de ley’ (‘True Grit’), la nueva película de los estadounidenses tras ‘Quemar después de leer’ (‘Burn After Reading’) y ‘Un tipo serio’ (‘A Serious Man’). Basada en la novela de Charles Portis, ‘True Grit’ gira en torno a una adolescente que pide a un viejo marshal que le ayude a encontrar al asesino de su padre, en un viaje que los llevará a través de los peligrosos territorios indios.

Como es habitual, Joel y Ethan Coen han podido contar con un estupendo reparto para su nuevo trabajo, que está protagonizado por Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper y la jovencísima Hailee Steinfeld (quien superó un casting al que se presentaron unas 15.000 chicas). El próximo 25 de diciembre estará en los cines, al menos en los de Estados Unidos.

Actualización: Ya ha salido otra versión del tráiler, dura más de dos minutos. Lo tenéis a continuación:

PD: La novela de Portis ya fue llevada al cine por Henry Hathaway en 1969; podéis encontrarla con el título ‘Valor de ley’.

Los hermanos Coen ya tienen a los protagonistas de su próxima película, ‘True Grit’. Tras pasar de estrellas y rostros conocidos por el gran público en su anterior (y en mi opinión, notable) trabajo, ‘Un tipo serio’, Ethan y Joel Coen volverán a contar con actores de renombre. Nada más y nada menos que Matt Damon, Josh Brolin y Jeff Bridges (nominado al Oscar este año por ‘Corazón rebelde’), quienes interpretarán a tres de los cuatro personajes principales. El otro papel queda en manos de la desconocida y jovencísima Hailee Steinfeld, la última en subir a bordo.

Como sabéis, ‘True Grit’ es el título de un western dirigido por Henry Hathaway que le dio un Oscar a John Wayne, y en un principio se dijo que los Coen iban a realizar un remake, pero luego se ha confirmado que no será así. Su película será una nueva versión no de la película de Hathaway sino de la novela escrita por Charles Portis, cuya historia transformarán los cineastas, que por supuesto firman el guión. La trama se narrará por tanto desde el punto de vista de una joven que busca al asesino de su padre, y no desde la perspectiva del sheriff a la que ésta solicita ayuda (Wayne en el film de 1969). Brolin se encargará de dar vida al villano, Bridges será el sheriff y Damon otro servidor de la ley que se une a éste y a la muchacha vengativa, para ajustar cuentas por otro crimen.

El rodaje comenzará el mes que viene en Nuevo México, y la fecha del estreno está fijada para el próximo 25 de diciembre. Sería un buen regalo de navidad ver lo nuevo de los Coen.

PD: Steinfeld superó unas pruebas de casting a las que se presentaron más de 15.000 adolescentes.

Vía | Variety

De entre la enorme variedad de personajes que pululan por las películas, aquellos que suelen llamar más la atención, que enseguida se ganan las simpatías del espectador, son los solitarios. Personajes a los que las circunstancias hacen estar al margen de la sociedad, o simplemente de sus seres más queridos, viviendo en su propio mundo interno. Hay mucho atractivo en ese tipo de personajes, una cualidad que hace que nos acerquemos más a ellos pues la soledad marca tanto nuestro nacimiento como nuestra muerte, y hay dos géneros donde brillan con más intensidad, el western y el policíaco. No hay en la actualidad tantos personajes solitarios por lo que sentir fascinación como antes, ni siquiera son tratados con la misma fuerza que los maestros de antaño, pero actualmente hay dos films en cartelera que presentan a un par de tipos cuya mayor particularidad es que están solos ante el mundo: ‘Teniente corrupto’ (‘The Bad Lieutenant: Port of Call – New Orleans’, Werner Herzog, 2009) y ‘Un tipo serio’ (‘A Serious Man’, Joel y Ethan Coen, 2009).

En una, el solitario es un descontrolado teniente de la policía se ve superado por su dura cotidianidad, en la que tiene que lidiar con personajes de la más baja calaña,y también codearse con ellos. En la otra, el protagonista es un buen hombre, tanto que piensa que todo le va bien, hasta que sin saber por qué, su mundo se viene abajo quedándole sólo sus propias creencias como consuelo. Una es un drama policial, la otra una comedia. No son, ni serán, éxitos grandes de taquilla, pero de momento representan lo mejor de la oferta cinematográfica del presente año.

Un remake bien entendido

El a ratos excesivo Werner Herzog se ha atrevido con el remake de una de las películas de culto de principios de los noventa: ‘Bad Lieautenant’ de Abel Ferrara, para mí un film pretencioso donde los haya, eso sí, con una impresionante composición del gran Harvey Keitel. Las protestas por el nuevo remake no se hicieron esperar, incluidas las del propio Ferrara, quien llegó a insultar a a algunos de los responsables de la nueva versión. Herzog, que parece un tipo listo, se defendió explicando que él no había visto el film de Ferrara y que lo suyo en realidad no era un remake, sino algo muy distinto.

Así es, ‘Teniente corrupto’ se aparta considerablemente del film del 92 tanto en intenciones como resultados. Herzog habla de la locura desde una óptica menos provocadora, pero mayor en intensidad, viste a su protagonista con continuas amenazas y desgracias personales y al mismo tiempo dota al film de una extraña y conseguida atmósfera donde lo casi mágico tiene cabida, logrando embellecer un personaje odioso. Que Nicolas Cage se haya adueñado del personaje no deja de tener su gracia en esta inteligente broma de Herzog, pues aunque no resiste la comparación con Keitel —digamos además que los personajes son totalmente distintos—, logra conectar con el público gracias a su entregada composición, en la que evidentemente no le falta tiempo para gesticular como nunca, estando por primera vez en coherencia con lo que interpreta. Su histriónica interpretación se convierte en estrella absoluta de un film que avanza con ritmo firme gracias al inspirado trabajo de su director.

Un paseo por la locura ambientado en un decadente ambiente en la ciudad de New Orleans, producto del paso del huracán Katrina, que Herzog adorna con sugerentes secuencias oníricas en las que se atreve a hacer bailar a un alma break dance, entre otras locuras. Momentos casi mágicos, en los que cobra fuerza la excelente banda sonora obra del genial Mark Isham, que crea para la ocasión melodías jazzísticas con sabor a puro cine negro. Encima se atreve con un falso final feliz, que de irónica forma conecta con el principio, y aunque algunos elementos de su trama estén cogidos por los pelos, al final Herzog ha logrado divertirnos con su intensa y negra burla hacia el film de Ferrara, al que le da algunas lecciones de cine.

Una comedia muy personal

Tras haber sido el centro de atención con las exitosas, a nivel de premios y de taquilla, ‘No es país para viejos’ (‘No Country for Old Men’, 2007) y ‘Quemar después de leer’ (‘Burn After Reading’, 2008), films llenos de actores conocidos, los extraños hermanos Coen han decidido hacer algo más modesto, sin pensar tanto en la taquilla. ‘Un tipo serio’ (‘A Serious Man’) podría considerarse como una película menor dentro de la filmografía de los Coen, un pequeño cuento que curiosamente al que suscribe la ha parecido de lo mejor de los ilustres hermanos, de los que reconozco no ser ningún admirador. No soporto ni ‘Fargo’ ni’ Barton Fink’, y películas como ‘El gran Lebowski’ —cuyo mejor chiste está literalmente copiado de una película de Mel Brooks— me aburren soberanamente. Yo me lo paso mejor con cintas como ‘Arizona baby’ o ‘El gran salto’ (‘The Hudsucker Proxy’), e incluso ‘El hombre que nunca estuvo allí’ o ‘Ladykillers’ me parecen mucho más interesantes que sus títulos más alabados.

Sin embargo, y a partir de la oscarizada cinta con Javier Bardem, los hermanos Coen no hacen más que alegrarme mis sesiones cinéfilas. ‘Un tipo serio’ narra la historia de un pobre hombre que cree tenerlo todo, pero al que las circunstancias superan de modo inevitable. Su mujer, que le ha sido infiel con uno de sus amigos, le pide el divorcio, sus alumnos no le hacen ni caso cuando explica en clase, incluso cuando suspende a un chico oriental recibe un soborno de éste para que lo apruebe, algo que va en contra de sus férreas creencias. Para colmo es el único que aguanta la extraña locura de su hermano, que le meterá en más de un problema. Todo el tono del film está marcado por su excelente y divertido prólogo, que funciona perfectamente como un corto separado del resto del film. La contenida comicidad y el absurdo más desternillante bañan toda la película, que no avanza precisamente con el mejor de los ritmos, pero es su tono lo que la hace buena.

Esta vez, los Coen han echado mano de actores poco conocidos por el gran público, realizando todos un gran trabajo, aunque sobresale por derecho propio un inspirado Michael Stuhlbarg, quien se adueña de la función y nos hace partícipes de sus miserias. Su rostro a veces desencajado, es el perfecto retrato de la inestabilidad que todos podemos sentir de vez en cuando, por muy cómodas que aparenten nuestras vidas. La mala suerte de este personaje es retratada con un fino sentido del humor por los Coen, en el que el actor encaja como un guante. El conciso retrato de los Coen de la sociedad americana de finales de los 60, a través de la historia de estos judíos verdaderamente raros, está lleno de detalles ingeniosos por parte de unos autores que tienen más mala leche de la que parece. Las alusiones a una canción de Jefferson Airplane son buena muestra de ello.

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Un año después de la gamberra ‘Quemar después de leer’ (‘Burn After Reading’, 2008), los hermanos Joel y Ethan Coen dan un llamativo giro hacia dentro con ‘Un tipo serio’ (‘A Serious Man’), abandonando las (escasas) pretensiones comerciales y las grandes estrellas, para contar, con sencillez y sequedad, una pequeña historia que dice más de sus autores que muchos de sus últimos famosos trabajos. Quizá habría que remontarse hasta 1991, cuando los Coen presentaron la negrísima ‘Barton Fink’, para encontrar otro relato que defina de forma tan certera sus inquietudes vitales y artísticas.

‘Un tipo serio’ (llamadme quisquilloso, pero debería ser ‘Un hombre serio’) está protagonizada por el prácticamente desconocido Michael Stuhlbarg, al parecer un actor curtido en Broadway, que aquí realiza un trabajo formidable, siendo imposible imaginarse la película sin él (está nominado al Globo de Oro como mejor actor de comedia o musical, y debería ganarlo). Stuhlbarg, que dice más con la mirada que con los diálogos, es el centro sobre el que gira el nuevo y personal trabajo de los Coen, un film de irregular trazado, pero que nunca pierde el tono, con un principio y un final extraordinarios.

La película abre con un oscuro y tronchante prólogo que sucede en otro tiempo y otro escenario, diferentes a los de la acción principal, situada en la década de los sesenta en Estados Unidos (si bien la esencia es la misma). Este relato, en torno a un viejo acusado de ser un dybbuk, al que se le puede dar (y se le han dado) varias interpretaciones, no es más que un cuento folclórico judío inventado para la ocasión por los hermanos cineastas para, al igual que ha hecho Woody Allen en otras ocasiones, burlarse de la supuesta sabiduría que encierran las historias protagonizadas y/o contadas por su antepasados. Este segmento, prácticamente un cortometraje que funciona separado del resto del film, prepara el terreno para lo que vendrá a continuación.

Al tenso desenlace del relato en yiddish le sigue el atronador inicio de la historia de Larry Gopnik y su hijo Danny, al ritmo del tema ‘Somebody to Love’, de los Jefferson Airplane, que no está ahí sólo porque suena bien. Estamos ahora en el año 1967, en una tranquila ciudad del Medio Oeste norteamericano, donde los hermanos Coen crecieron; nos hablan de un mundo que conocen perfectamente. Los realizadores han afirmado que llevaban mucho tiempo con la idea de esta película en la cabeza, pero no ha sido hasta el año pasado cuando por fin decidieron filmarla. Posiblemente porque necesitaban un proyecto más íntimo, más suyo y libre, después de la premiada adaptación de Cormac McCarthy, ‘No es país para viejos’ (‘No Country For Old Men’, 2007), y la ya citada comedia loca con Brad Pitt y George Clooney. El resultado es al menos tan sólido como el del film que se llevó cuatro Oscars.

La primera vez que vemos a Larry (repito, fantástico Stuhlbarg), está en la consulta del médico, durante un “chequeo” corriente. Todo parece ir muy bien. Pero ya desde este momento, comprendemos que Larry no está cómodo. Bueno, es normal que no lo esté en una fría consulta (especialmente cuando el médico sale de la habitación para la prueba de rayos X, algo tan lógico como, en el fondo, inquietante), pero luego le veremos en su trabajo, como profesor de física, y está igualmente desubicado; de hecho, llega a admitir que ni siquiera entiende del todo lo que está explicando (el principio de incertidumbre de Heisenberg, por supuesto). En su casa pasa lo mismo, es como un extraño.

Poco a poco, la vida de Larry se va cayendo en pedazos, pero no de pronto, como parece indicar una visión superficial del film, sino por las claras señales de fractura que caracterizaban su universo, en absoluto ese pacífico y feliz jardín en el que las cosas pueden ser controladas, o arregladas, tal como él quiere creer. Al igual que en la devastadora ‘Revolutionary Road’, el mundo feliz norteamericano es una cortina que cubre las miserias de unos ciudadanos borregos, incapaces de ver y decidir por sí mismos.

En realidad, lo que le ocurre es que Larry tiene miedo. Es un ser temeroso de todo cuanto le rodea, tanto que no tiene iniciativa, se limita a actuar mecánicamente, dejando que su divinidad decida por él. La religión (en este caso la judía, que es la que mejor conocen los Coen) le ha inoculado el miedo en el cuerpo, y le ha enseñado que cuando tiene un problema debe recurrir a quienes mejor conocen las sagradas escrituras. De ahí que este hombre serio, recto, fiel a lo que le han enseñado, busque la ayuda de los rabinos (a cuál más divertido), en un vano intento por comprender por qué su vida se viene abajo.

Por supuesto, los Coen no tienen piedad de este pelele y lo someten a todo tipo de castigos. Aquí es donde la narración se resiente un poco, porque se hace repetitiva, sin que vaya a ninguna parte, subrayando aun más la desesperación de Larry (y supongo que también la del espectador que, como él, está buscando una explicación lógica a todo).

En esta constante búsqueda de un sentido a la existencia, los Coen hacen intervenir al azar para despejar el tablero en el que está jugando el protagonista, y darle un respiro. El complicado, asfixiante, devenir de los hechos toma un rumbo sorprendente cuando desaparece cierto obstáculo doméstico y Danny cumple con su bar mitzvah. En ese momento, Larry se permite sonreír felizmente por primera vez en toda la película, junto a su esposa. No es casual que ocurra ahí, entre los acogedores muros de su religión, donde encuentra el orden establecido al que se aferra. Fuera nada tiene sentido, es el caos, el reino de la incertidumbre. Creyéndose seguro de nuevo, Larry realiza la primera decisión de toda la película, y el resultado es tan inesperado como inevitable (el protagonista cree que ha obrado mal, y eso siempre tiene consecuencias).

Los caminos de padre e hijo (genial también la resolución del problema de los 20 dólares) volverán a unirse cuando comprendan, quizá demasiado tarde, que también hay un mensaje oculto en la letra de la canción de los Jefferson Airplane.

El (absurdo) remake de ‘Teniente corrupto’ es uno de los estrenos de la semana. Aquí os dejo con unas declaraciones de su protagonista, el inigualable Nicolas Cage:

A mí me encantan todos los animales, especialmente los peces, los pájaros, los reptiles y los insectos. Mi dieta se basa en la dignidad que tienen los animales cuando practican sexo. Los pájaros y los peces tienen una forma de copular muy digna. Los cerdos no, así que no como cerdo.

Otro de los estrenos del pasado viernes es la comedia ‘¿Qué fue de los Morgan?’, con Hugh Grant. Cuando le preguntan al actor, sutilmente, si va a seguir haciendo siempre lo mismo, responde:

Hacer comedias es mucho más difícil y exigente que hacer dramas.

Ruben Fleischer, el director de ‘Bienvenidos a Zombieland’, también defiende la comedia, pero desde otro punto de vista:

La risa debe ser liberadora. Pasamos por momentos muy duros y debemos ayudar a la gente a superarlos. Esa es la misión básica del cine.

A Natalie Portman la vienen acosando desde que filmó ‘Leon: el profesional’, siendo una adolescente. Dice que no quiere rodar una escena de sexo para no aparecer en Internet, y tiene claro quién es su ídolo:

Miras a Meryl Streep, que es un fenómeno, monstruosamente hermosa y, en cierto modo, es muy extraño que nunca fuera un símbolo sexual. Pero siempre fue ella y ahora no importa que esté envejeciendo porque sólo queremos seguir viéndola como una persona interesante. Por el contrario ves actrices que comercializan sus cuerpos y que podrían ser buenas, pero con el tiempo lo pierden, porque ese tipo de cosas no duran.

La española Elena Anaya, sin embargo, no está nada de acuerdo con Portman. Sobre su último trabajo, ‘Habitación en Roma’, de Julio Médem, ha dicho esto:

Estar desnuda durante casi toda la película es complicado. Al final, quitarse las bragas es siempre quitarse las bragas, y una actriz no posa, se entrega a lo que hace y ya está. Al final, lo importante es cuidarte a ti misma, ser coherente contigo y con tu desnudo. A lo mejor a tu lado está una actriz más potente, pero tú eres así, con tus pelos y tu tamaño.

‘Capitalismo: Una historia de amor’ es otra de las novedades cinematográficas del pasado viernes. Su director, Michael Moore, nos habla de mezclar cine y política:

Los directores de cine que ponen el mensaje político primero por lo general terminan haciendo películas muy aburridas que no contribuyen a la causa. Yo quiero llegarle a la gente como director de cine. Si quisiera hacerlo como político, me presentaría en las elecciones.

Ya queda menos para que podamos ver en España lo nuevo de Clint Eastwood, ‘Invictus’. Aquí os dejo una de sus declaraciones sobre cómo plantearon la historia, verdadera, que protagonizó Nelson Mandela (Morgan Freeman):

El hecho de que fuera un poco mujeriego, bueno, damos una pequeña pincelada de eso, y mostramos un poco que tenía problemas con su familia, terreno en el que no tuvo mucho éxito, pero todo el tiempo nos atenemos a lo importante, que fue un gran presidente. Podía haber existido la tentación de elaborar un gran documento histórico que durase horas, muchas horas, pero ésta, ésta es una gran historia.

‘Un tipo serio’ es lo nuevo de los hermanos Coen, y también se estrenó este fin de semana. Sobre su ritmo de trabajo, Ethan Coen nos aclara lo siguiente:

Eso de que somos una máquina de trabajar es una falsa impresión. La realidad es que somos bastante vagos. Es cierto que en los últimos tres años hemos estrenado un filme para más o menos la misma fecha, pero la verdad es que previamente nos habíamos tomado dos años sin filmar en los que nos dedicamos a escribir guiones. Eso explica la velocidad con la que hemos estado trabajando últimamente.

Michael J. Bassett parece muy contento con su (lamentable) versión cinematográfica de ‘Solomon Kane’. Aquí nos desvela en quién se fijó:

He querido hacer lo mismo que Christopher Nolan con Batman, algo muy realista. Se podría decir que Solomon Kane es el primer caballero oscuro de la Historia.

Sharon Stone quiere volver a actuar y, dentro de lo posible, ser la de antes. En una reciente entrevista habló sobre errores y soluciones:

Cuando estaba casada con Phil [Bronstein], me obliga a hacer películas en la costa Oeste para que de este modo no viajara lejos de casa. Destruí mi carrera por mi matrimonio; por eso considero que casarme ha sido lo peor que he hecho en mi vida. Nunca debe perderse el respeto en una pareja, pero en aquellos años yo funcionaba por desesperación. [...] He descubierto que el verdadero amor es calma, paz, paciencia y amabilidad. También es cierto que una mujer necesita el sexo, porque que una cincuentona tenga deseos es algo maravilloso. Además, para que una pareja permanezca felizmente unida tienen que ser buenos amantes.

PD: Si ya habéis visto ‘Teniente corrupto’ (2010) y os preguntáis de dónde han salido tantas chorradas, como la escena de la iguana o el alma que baila breakdance, Werner Herzog os da la respuesta: “Todo eso me lo inventé sobre la marcha, ni siquiera estaba en el guión“.

Vía | Lavanguardia, Elperiódico, Telecinco, Larazón, Público, Elpaís, Elmundo