Probablemente todos recordamos títulos como ‘Pan, amor y fantasia’ (1953), con Vittorio de Sica y Gina Lollobrigida, y su secuela ‘Pan, amor y celos’ (1954), o ‘El camarada Don Camilo’ (1965). Pero es posible que no conociésemos el nombre de su director.

Se trataba de Luigi Comencini, considerado, junto a Dino Risi, Mario Monicelli y Ettore Scola, como uno de los padres de la llamada comedia a la italiana. Este movimiento cinematográfico tuvo un importante auge internacional durante los años ‘50 y ’60 y se considera que comenzó, precisamente, con ese ‘Pan amor y fantasía’, que además ganó el Oso de Plata en el Festival de Berlín.

Este género, si se puede llamar así, fue contemporáneo del Neorrealismo pero se prolongó mucho más allá en el tiempo, ya que ofrecía una visión más optimista o, cuando menos, evasora de la posguerra.

Luigi Comencini falleció hoy en Roma a los 90 años de edad, “después de una larga enfermedad soportada con valentía y discreción”, según informó su familia. El funeral se celebrará mañana en Roma.

Comencini nació en Saló, en la provincia de Brescia (norte de Italia), el 8 de junio de 1916. Su familia se traslado en 1925 a Francia, donde vivió hasta 1933, cuando decidió regresar a su país para estudiar Arquitectura en el Liceo Politécnico de Milán. Allí coincidió con el también director Alberto Lattuada y comenzó a interesarse cada vez más por el cine hasta conseguir un diploma como director en 1939. Por entonces, colaboraba también como crítico cinematográfico en las revistas ‘Corriente’ y ‘Tiempo Ilustrato’ y, tras la Segunda Guerra Mundial, entró a trabajar como redactor del periódico ‘Avanti’.

Antes de la II Guerra Mundial, había realizado un documental, ‘La novelletta’ (1937). Su debut en la dirección se produjo en el año 1946 con el cortometraje ‘Niños en la ciudad’. No en vano, se le recuerda como el “director de los niños”, importantes protagonistas de muchas de sus películas, por ejemplo, ‘Prohibido Robar’ (1948), ‘Incomprendido’ (1967) o ‘Vuélvete Eugenio’ (1980). “No es que me gusten los niños de una manera especial pero me interesan, son adultos sin leyes, sin moral, sin autocontrol y sin condicionamientos sociales psicológicos”, había dicho Comencini.

Tuvo su primer éxito con ‘El emperador de Capri’ (‘L’imperatore di Capri’), protagonizada Totò. Tras las ya mencionadas ‘Pan, amor y…’, su filmografía va aumentando con títulos como ‘La bella de Roma’ (1957), ‘Sucedió el lunes’ (1959) o ‘Todos a casa’ (1960), que satirizaba el comportamiento de los italianos tras el armisticio de 1943. Siguieron ‘A caballo de un tigre’ (1961), ‘El comisario’ (1962), ‘La chica de Bube’ (1963), ‘Las muñecas’ (1965), ‘Infancia, vocación y primeras experiencias de Giacomo Casanova, veneciano’ (1969).

Durante los años ’70, sus títulos fueron ‘Sembrando ilusiones’, con Bette Davis (1972); ‘La mujer del domingo’ (1976), ‘El gran atasco’ (1979)... En 1974, su película ‘Un verdadero crimen de amor’ representa a Italia en el Festival de Cannes. Hace historia en TV con la serie sobre la obra de Carlo Collodi ‘Las aventuras de Pinocho’ (1972), considerado en Italia un clásico de la pequeña pantalla.

En 1986 dirigió ‘Un chico de Calabria’, que fue presentada a concurso en el Festival de Cine de Venecia del 87. Precisamente, en esta edición del festival, Comencini recibió el ‘León de oro’, por su carrera como director.

En sus últimos años de carrera frecuentó más la pequeña pantalla y hasta se atrevió a filmar una ópera, ‘La Boheme’ (1987), protagonizada por Barbara Hendricks y Josep Carreras.

Decidió retirarse tras filmar en 1991 una nueva versión del clásico del cine español ‘Marcelino pan y vino’, que dirigiera Ladislao Vajda en 1955. Coproducida por Francia, Italia y España, contó con la participación de Fernando Fernán Gómez y Alfredo Landa en sendos papeles de frailes.

Entre otros míticos actores y además de los ya mencionados Totò, Vittorio de Sica y Gina Lollobrigida, Comencini dirigió a Virna Lisi, Gian Maria Volontè, Alberto Sordi, Claudia Cardinale, Silvana Mangano, Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman…

Nino Manfredi le definió como “un director serio, pero no seco; divertido, pero no cómico; una persona que sabía hacer que los actores se ajustaran a sus papeles con una maestría inigualable”. Aquí se pueden escuchar esas palabras de boca de Manfredi.

Fuente (entre muchas otras): El País

Nos informaba Teresa hace más de un año de que John Malkovich estaba interpretando al pintor romántico Gustav Klimt. El director encargado de llevar a la gran pantalla la vida del artista de principios de siglo pasado, en el film ‘Klimt’, es Raúl o Raoul Ruiz, cineasta chileno que reside en Francia y que recientemente ha comenzado la preproducción de ‘Love and Virtue’, en la que repiten Malkovich y Burrows y de la que también os informamos recientemente.

El trailer de ‘Klimt’, que se estrenará el 26 de enero, se puede ver aquí y ésta es la página oficial.

La película nos transporta a principios de s. XX, en concreto al año 1918 cuando el pintor Gustav Klimt (John Malkovich) yace en su lecho de muerte. A partir de ahí, le acompañaremos a través de sus visiones febriles hasta el pabellón austriaco de la Exposición Internacional, celebrada el año 1900 en París. Allí recibirá la medalla de oro por su obra y presenciaremos su eterna, pero platónica relación con Emilie Flöge (Verónica Ferres), así como sus encuentros con el mago del cine Méliès, con el Secretario de Estado, una opresiva figura paterna que persigue al artista como una inquietante sombra durante toda la película, y con la misteriosa bailarina francesa Lea de Castro (Saffron Burrows), con la que el pintor mantiene una apasionada relación.

“A partir de este primer encuentro, diversos episodios se suceden en torno al tema central de la relación con Lea, que en realidad podrían ser dos o tres mujeres distintas. Se trata de una aventura sentimental caracterizada por citas frustradas y un deseo ardiente”, manifiesta el propio Raoul Ruiz.

La obra de Gustav Klimt revela una expresividad, pasión y sensualidad fascinantes, y, como su propia vida, están consagrados a las mujeres. El pintor tuvo romances con casi todas sus modelos y musas, relaciones de las cuales nacieron 30 hijos aproximadamente. En sus cuadros y dibujos, Klimt creó una imagen de la feminidad completamente nueva, un canon de belleza incomprensible para la época basado en el erotismo, la sensualidad, la palidez y una delgadez extrema que ha llegado con total vigencia a nuestros días. Sin duda, Gustav Klimt era un artista adelantado a su tiempo, lo que le reportó un importante reconocimiento en París, pero el rechazo y la censura en su ciudad natal, Viena. El director Raoul Ruiz no se reprime al reflejar el enfrentamiento de Klimt con las autoridades austríacas y la alta sociedad vienesa, que desembocó en un dramático incidente: el robo por parte del artista de sus propios cuadros que le había incautado el Estado y que finalmente se verá obligado a comprar para evitar el encarcelamiento.

Raúl Ruiz se sirve de hechos, citas y conversaciones del entorno cercano a Klimt para dotar de autenticidad a la acción. La amistad íntima que unió a Klimt con el pintor Egon Schiele compone la voz narrativa de la película. Además, en la película se hace constante alusión a figuras artísticas de la talla de Wedekind, Altenberg o Bahr, personalidades que junto a Klimt labraron el tejido cultural de la Viena del cambio de siglo. Tanto la obra de Gustav Klimt, como la propia película de Ruiz, son una magistral lección de historia, una extraordinaria evocación visual y musical de la agitación que vivió Viena con la llegada del siglo XX, el declive del Imperio de los Habsburgo y la Belle Époque como sugerente telón de fondo, con su repertorio de mentes brillantes, intrigas y tensión sexual. Según el propio Ruiz, “esta película es, en muchos sentidos, un vals. Da vueltas y más vueltas, se acelera, marea y llena de júbilo. Al fin y al cabo, incluso el vals vienés era chocante en aquel entonces”.

Gustav Klimt nació en Baumgarten, cerca de Viena, el año 1862 y falleció a la edad de 56 años. Klimt no tardó en desarrollar su interés artístico, gracias a la pronta influencia de su padre, grabador de oro y plata. En 1897, Klimt fundó la Secesión de Viena, grupo de pintores que se rebelaron contra el arte académico en favor de un estilo decorativo similar al Art Nouveau. Poco después pintó tres murales alegóricos para el techo del auditorio de la Universidad de Viena, que fueron objeto de airadas críticas: el simbolismo erótico y el pesimismo de estas tres obras originaron tal escándalo que los murales fueron rechazados. Sus posteriores obras, el Friso de Beethoven y los murales del Palacio Stoclet se caracterizan por un trazo preciso y lineal, y por el uso decorativo de figuras planas de diversos colores y de láminas doradas. Algunas de las obras más celebradas de Klimt son El beso y los retratos que hizo de damas de la alta sociedad vienesa, como el de Fritza Riedler y el de Adele Bloch-Bauer, que ejercieron una gran influencia en el movimiento Art Nouveau. Precisamente este último retrato batió todos los récords al alcanzar durante mucho tiempo la suma más alta jamás pagada por una pintura (más de 107 millones de euros según informó The New York Times).

Pero, tal y como aclara el director, “esta película no es una biografía lineal de la vida y la época de Gustav Klimt. Es más bien una fantasía o, si lo prefieren, una fantasmagoría, como si fuera uno más de sus cuadros, donde se funden figuras materiales e imaginarias que revolotean en torno a un punto central: el pintor Klimt. Mi intención es servirme de las características estilísticas únicas de la obra de Klimt, la preponderancia de la belleza, el exceso de color, la distorsión espacial y los ángulos complejos, para dotar de vida e iluminar una de las épocas más ricas, contradictorias y extravagantes de la historia moderna”.

El cineasta chileno Raúl Ruiz goza de reconocimiento internacional desde principios de la década de 1980, ya que se le ha considerado uno de los directores más innovadores de los últimos años, habiendo aportado mayores dosis experimentación artística que cualquier otro cineasta desde Jean-Luc Godard. Este prolífico creador (con un currículo de más de 50 películas realizadas en veinte años) inició su carrera escribiendo obras de teatro de vanguardia, y a continuación hizo sus pinitos en la dirección cinematográfica en 1968, con el estreno de su película ‘Tres tristes tigres’ (1968). Ruiz, junto con Miguel Littin y Aldo Francia, se situó así en la cresta de la ola del cine chileno. Siendo un activista de izquierdas que apoyó el gobierno de Salvador Allende, Ruiz se vio obligado a huir de su país tras el golpe fascista de 1973. Exiliado en París desde entonces, en Europa le llegaría su primer gran éxito con ‘La hipótesis del cuadro robado’ (1978), una intrincada adaptación de la novela de Pierre Klossowski.

Ricardo Aronovich, uno de los directores de fotografía de mayor reconocimiento internacional, es el que ha retratado las imágenes de este film. Aronovich inició su carrera hace casi 40 años, junto al brasileño Ruy Guerra y, desde entonces, ha colaborado con directores de la talla de Alain Resnais, Ettore Scola, Constantin Costa Gavras, Patrice Leconte o Andrzej Zulawski, entre otros.

Vía: EUROCINE

Gente di Roma se estrenó el 25 de noviembre, pero hasta hace unos pocos días no he podido ir a visitarla.

No, no, no quería decir verla, quería decir visitarla, porque Gente di Roma es como uno de esos viajes, medio improvisados, en los que en la búsqueda de una ciudad, en un momento de despiste, acabas encontrándote con sus habitantes, con su esencia, con una historia cotidiana, y de repente dejas de sentirte un extraño, perdido en un parque de atracciones. Y es entonces cuando comienza el auténtico viaje.

La Roma que nos muestra Ettore Scola, es la Roma que normalmente permanece invisible para el turista. El director prescinde de los monumentos, los tópicos, los homenajes, sustituyéndolos por personas, miradas, palabras, pequeños fragmentos de la vida de sus habitantes, en ocasiones triviales, pero en otras, como la del abuelo resentido que avergüenza a su hijo en un restaurante, cargadas de emotividad y de sentido.

Incluye también algunos diálogos realmente brillantes, como el mantenido en un autobús sobre la reacción de los romanos ante la inmigración. El mismo autobús que recorre Roma, y que sirve como conexión, de unos puntos de la ciudad con otros, de unos personajes, a otras historias.

Un planteamiento equilibrado, donde los aspectos positivos, se entremezclan con los negativos, sin determinar una sentencia. Una película que simplemente muestra, sin juzgar, dejando al espectador sacar sus propias conclusiones.

Una forma diferente de conocer Roma, desde dentro, como una especie de infiltrado invisible, accediendo a sus secretos, y a sus auténticos órganos vitales.