Mi conocimiento sobre Carlos Aguilar se remonta en el tiempo casi tres décadas, cuando se publicaba la primera edición del libro por el que muy probablemente le conoció casi todo el mundo, la famosa ‘Guía del Vídeo Cine’, llamada actualmente ‘Guía del Cine’. Actualizada cada cierto tiempo, es el diccionario de películas más amplio que mis ojos han llegado a ver, un excepcional libro de consulta que estoy seguro ha servido de gran ayuda a muchos cinéfilos. En dicho libro ya puede apreciarse el estilo de Aguilar, que tira hacia la síntesis bien entendida, y sobre todo su contundencia a la hora de expresar sus opiniones, lo cual le ha conllevado cierta fama de polémico en el sector. Entre sus obras dedicadas al séptimo arte podemos encontrar, entre otros, libros sobre Sergio Leone —la edición del 2009, muy diferente a la del 99, y cuya lectura la considero obligada para todo amante del cine—, Clint Eastwood, y el muy reciente dedicado a la figura de Jesús Franco. También ha escrito libros de ficción, en los que el cine tiene una importante presencia, como por ejemplo ‘Nueve colores sangra la luna’.

Español de nacimiento, italiano de corazón, Carlos Aguilar sigue fiel a sí mismo desde que empezó, algo que no pueden decir muchos. Ha sido un verdadero placer realizar la entrevista que Carlos ha concedido a Blogdecine, ya no sólo por lo que su libro más famoso ha significado para mí, sino por mantener con él una de esas conversaciones en las que se disfruta y de las que siempre se quiere más. Una extensión de nuestras charlas por medio de ese invento tan cuestionado hoy día: Internet. En su facebook y su página web podréis encontrar más información sobre Carlos Aguilar y su obra. Aquí os dejo esta suculenta entrevista que no dejará indiferente a nadie.

• Te gusta más que te llamen escritor que crítico, pero lo eres. ¿Se hace o se nace?

Bueno, prefiero que me llamen “escritor” porque es un término que engloba el de “crítico” y también el de las otras facetas de la escritura que he cultivado (novelista, ensayista); entonces, es más completo y está más justificado. En cuanto a la segunda parte de la pregunta, el crítico primero Nace y después se Hace. Como el músico, o el pintor. Es decir, requiere unas condicionas innatas, sin las cuales no hay nada que hacer, y después aprender el oficio, en el sentido profesional del concepto.

• ¿Consideras que la escritura sobre cine o crítica cinematográfica en España posee un buen nivel?

Nuestro nivel al respecto no es mejor ni peor del que puedan tener en Francia o Italia, por elegir países europeos cercanos. Tanto ellos como nosotros tenemos de todo, de lo mejor a lo peor. Así que de complejo de inferioridad, nada.

En la presentación del libro sobre Jesús Franco, con Jack Taylor y Raúl García

• ¿Cómo ves la nueva ola de escritores que han surgido gracias a ese invento tan odiado y amado por muchos llamado Internet?

Predomina lo malo, en el sentido de que abunda la falta de rigor e incluso la chulería, el “esto es así porque lo digo yo en mi blog”. Pero también ha surgido gente válida, que está aportando textos interesantes, e incluso rellenando huecos.

• Compaginas tus libros de ficción con ensayos cinematográficos sobre todo de directores (Leone, Eastwood), ¿con qué te encuentras más cómodo y por qué?

Ambas facetas tienen sus satisfacciones, pero me resulta más excitante la de novelista. Crear una historia, desarrollarla guardando un ritmo y plasmando una atmósfera, inventar personajes y relacionarlos, atinar con los diálogos… me aporta una actividad intelectual creativa más estimulante que cualquier análisis cinematográfico.

• La famosa Guía del Cine ha ayudado a generaciones enteras de cinéfilos siendo un imprescindible libro de consulta. ¿Cómo surgió la brillante idea de hacer un libro que recopilase el mayor número de películas posibles?

Bueno, era el momento. Había aparecido ya algún diccionario de películas en inglés (TV Movies, Halliwell’s Film Guide) y aún nada en Alemania, Francia, Italia… Sí en España, un recopilatorio editado por la Guía del Ocio, pero era espantoso. Por añadidura, el caos del sector videográfico español reclamaba una obra de este tipo, clarificadora y con sentido crítico, y así se planteó, dando prioridad a las películas editadas en tal formato. Superado el boom del video, desapareció la palabra del libro y mejoré el planteamiento. Pero ya en la primera edición, me empeñé, para personalizarlo más allá de mi criterio, en incluir todo el cine español, pues tal recopilación entonces no existía en obra alguna, ni oficial ni comercial. Y me lancé a la tarea, cuando apenas había fuentes de documentación a las que recurrir, no digamos ya Internet. Las primeras ediciones están escritas con una máquina de escribir que ni siquiera era eléctrica, una olivetti roja que nunca olvidaré. Así que ya puedes imaginar la odisea que representó escribir este libro, no sólo intelectual sino material! Al comienzo de cada jornada, me levantaba con unas agujetas tremendas por culpa de la anterior.

• Cada cierto tiempo lo vas actualizando, ¿qué sueles tener primero en cuenta, nuevos títulos o repasar aquellas películas que casi no recuerdas?

De todo. Repasar películas que ya están, incluir producciones nuevas… pero también antiguas, de todas las épocas, países y modalidades, con ánimo de ampliar la obra adelante y atrás, cronológicamente hablando.

• Siempre faltarán títulos en el libro, pero ¿aspiras a la utópica realidad de que el libro esté completo?

Nunca he aspirado a realidades utópicas. Simplemente, procuro que el libro sea lo mejor posible en la medida de mis posibilidades. Pero perfecto, o impecable, jamás podrá serlo, porque la naturaleza de la obra lo impide.

Carlos Aguilar, Anita Haas y John Phillip Law

• ¿A quiénes consideras tus maestros en la crítica de cine?

A nadie en particular. Pero de jovencito me gustaban mucho críticos como César Santos Fontenla, José Luis Guarner, Juan Tébar, Juan Cobos, Jaime Picas y Miguel Marías.

• Te caracterizas por poseer una capacidad de síntesis realmente envidiable. ¿Rehuyes del análisis sesudo de una película o crees que no es necesario profundizar tanto en algo que a la mayoría de la gente no le interesa?

Ni lo uno ni lo otro. Simplemente suscribo lo de “lo bueno, si breve, dos veces bueno”, por un lado, y, por otro, con los años me he ido volviendo progresivamente sintético, respecto a evolución estilística. Por añadidura, pienso que un texto no es necesariamente más profundo por ser más largo.

• ¿Es la crítica de cine necesaria?

Siempre lo ha sido, y siempre lo será. Contribuye a apreciar, o despreciar, más y mejor la película, enriqueciendo o relativizando el criterio del lector.

• ¿Qué crees que un crítico debe aportar, y en tu caso particular, cuáles son los puntos que más te interesan a la hora de escribir sobre una película?

Pienso que lo ideal es compaginar la información objetiva con la valoración subjetiva. Lo primero, para que el lector sepa cómo, cuándo y por qué se ha hecho la película, conozca el contexto en que surge y sepa quienes son los profesionales que la han hecho posible. Lo segundo, para suscitar un cierto debate con el lector, debate que si se hace bien puede ser apasionante para éste, si ha visto la película, o emplazarle de cierta manera, si no la ha visto.

• ¿Lees blogs de cine, y en general qué opinión te merecen?

Sí que los leo, a menudo. En cuanto a opinión, reitero mi respuesta a la pregunta tercera.

• Tienes fama de polémico y el público a veces reacciona en contra, ¿te has acostumbrado ya a ello o simplemente no tienen razón?

Me he acostumbrado a ello. Figúrate, ya tengo a la espalda casi treinta años de ser polémico, si no me hubiera habituado me habría vuelto esquizofrénico o paranoico.

• La pregunta que siempre le hacemos a todos, tus pasiones cinéfilas y también tus fobias. Mójate.

Bueno, pasiones cinéfilas guardo muchas y de toda clase. De los clásicos mudos al cine italiano de los años 60, fíjate si podría decirte… Pero siento una devoción especial por Orson Welles, John Ford, Max Ophuls, el Buñuel mexicano y el Bergman en blanco y negro. Estas pasiones decaen con el cine que se hace desde mediados de los años 80, considero que a partir de entonces el Séptimo Arte comienza a desnaturalizarse y degradarse, progresiva e irreversiblemente. Respecto a fobias, también hay tantas… si quieres nombres, entre los fallecidos digamos Stanley Kubrick, Tony Richardson y Arthur Penn. Entre los que están en activo, Lars von Trier, Wong Kar Wai y González Iñarritu. Pero son los primeros que me han venido a la cabeza.

* Muchas veces has expresado tu descontento con el cine actual, pero tu rechazo llega hasta límites insospechados. ¿A qué se debe ese descontento? ¿Hay algún director o directores al que le eches la culpa en concreto? ¿Qué crees que se ha perdido realmente? y ¿de verdad no hay esperanza?

Sucede que considero que el Cine comenzó a decaer y degenerar desde mediados de los años 80, al perder sus propiedades, su especificidad, en todos los órdenes. Echar la culpa en concreto, no es fácil… pero a buen seguro en el cine comercial todo comenzó cuando “las películas comenzaron a parecer su propio trailer”, como genialmente resumió Wenders. En cuanto al de autor, por mantener la dicotomía tradicional, capto que comenzó a amanerarse, por un lado, y quedarse sin ideas, argumentales y formales, por otro.

• Entre los realizadores en activo, ¿quién consideras que es un genio o se acerca a dicha concepción?

Aki Kaurismaki. Es el único que jamás me ha decepcionado. Si me hubieras formulado la pregunta hace unos años, habría añadido a Jim Jarmusch. Pero el cine de éste ha caído en picado desde que trabaja con Bill Murray, que es una de mis fobias. Curioso, es un poco como Scorsese desde que se juntó con DiCaprio.

• Cine español, ¿opinas como Tomás Fernández Valentí, que dice es una pérdida de tiempo?

En absoluto. Disiento, con todos mis respetos para Tomás, gran amigo y gran crítico. El cine español ahora está muy mal, ciertamente, pero ahora están muy mal todas las cinematografías. Pero si te fijas en el grueso de su producción, adviertes que se compone de genialidades, medianías, mimetismos, experimentos, estupideces, subproductos, películas mejores, películas peores… resumiendo, nada que no se aprecie fácilmente en el resto de las cinematografías europeas, cuya historia y evolución, o involución, ha sido, históricamente hablando, bastante menos traumática.

• Vamos con tu admirado Kubrick, ¿no hay una sola que salves de la quema? y ¿qué consideras que hacía mal en sus películas?

Considero que Kubrick es la pomposidad y la vanidad artísticas hechas cine. Por sistema se sitúa por encima de lo que cuenta, cree que cada película suya es LA PELÍCULA, más allá de las modas, los géneros y las épocas. No soporto esa actitud, esa petulancia.

• ¿Qué consideras esencial para que una película sea buena? Pon algún ejemplo.

Pues algo tan somero como la identificación entre propósito y resultado. Cuanto más se aproximen ambos, mejor me parece la película.

• ¿Dónde crees que reside la grandeza de los directores de serie B como Mario Bava, John Carpenter, Terence Fisher o Tourneur?

Resumiendo mucho, en el enorme talento con el cual creaban un mundo artístico propio y reconocible dentro de una serie de convenciones, industriales y artísticas, dentro de las cuales debían amoldarse.

• ¿Hacía Sergio Leone cine de autor, o dicha etiqueta sólo está reservada a aquellos que no hacen cine de género?

Está reservada la etiqueta, efectivamente, dentro de los parámetros convencionales de la Crítica. Mas Leone demostró que dentro del cine de género puede existir una purísima perspectiva de autor, sin que ambas se entorpezcan.

• ¿Crees que Quentin Tarantino aporta algo al cine o sólo es un refrito de videoclub?

Tarantino es inteligente y astuto, sabe rodar y tiene mano para trabajar con los actores. Le pierden la autocomplacencia y el hecho de sentirse obligado a ser reconocible y reconocido, o sea a realizar películas expresamente para la satisfacción de sus fans.

• ¿Crees que Billy Wilder no le llegaba a la suela de los zapatos a Ernst Lubitsch? ¿Y Mitchell Leisen, eran tan malo como Wilder decía?

No, discrepo. El caso de Wilder y Lubitsch me parece el típico ejemplo del alumno que supera al maestro, como Chandler y Hammett en la literatura negra. Y a Leisen no le considero un director malo; no es genial y tiene mucho bodrio, pero también películas tan memorables como ‘Medianoche’ (‘Midnight’, 1939).

• Diez películas que considerarías deben pasar de generación en generación.

Sin repetir directores: ‘Nosferatu, el vampiro’ (‘Nosferatu, eine Symphonie des Grauens’, F.W. Murnau, 1922), ‘Metrópolis’ (‘Metropolis’, Fritz Lang, 1927), ‘Ciudadano Kane’ (‘Citizen Kane’, Orson Welles, 1941) , ‘Pasión de los fuertes’ (‘My Darling Clementine’, John Ford, 1946), ‘Viridiana’ (Luis Buñuel, 1961), ‘El manantial de la doncella’ (‘Jungfrukällan’, Ingmar Bergman, 1960), ‘Toby Dammit’ (el episodio de Federico Fellini de ‘Historias extraordinarias’, 1968), ‘Psicosis’ (‘Psycho’, Alfred Hitchcock, 1960), ‘La cabeza contra la pared’ (‘La tête contre les murs’, Georges Franju, 1959) y ‘El bueno, el feo y el malo’ (‘Il Buono, il brutto, il cattivo’, Sergio Leone, 1966).

• Muchísimas gracias por tu tiempo, Carlos.

De nada, hombre, ha sido un placer.

‘Origen’

Dirección: Christopher Nolan

Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Ellen Page, Michael Caine, Ken Watanabe, Cillian Murphy, Tom Berenger, Joseph Gordon-Levitt, Tom Hardy

Para muchos, la película del año, para otros una tomadura de pelo pretenciosa. Para todos, un film del que hablar durante horas, y eso que darle vueltas a la posibilidad del sueño que muchos sostienen me ha parecido uno de los temas cinematográficos más absurdos de los últimos años. Un servidor se la va a comprar el mismo día de salida, esto es, el 9 de diciembre porque creo que es una de las pocas películas actuales que se lo merecen. En DVD sale una edición sencilla y en Blu-Ray, un maletín con muchos extras, operación que recuerda a la de la edición de cierta película de Ridley Scott y que colapsó durante dos días enteros los puestos de venta más concurridos.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Origen’, y los sueños cine son
• ‘Origen’, brillante arquitectura sin alma
• ‘Origen’, arrolladora fantasía

• ‘Origen’, hipnótico juego laberíntico

Opinión de Hitler sobre el final de ‘Origen’:

‘Airbender: El último guerrero’

Dirección: M. Night Shyamalan

Intérpretes: Noah Ringer, Dev Patel, Jackson Rathbone, Nicola Peltz, Shaun Toub, Aasif Mandvi, Cliff Curtis, Jessica Andres, Seychelle Gabriel, Keong Sim

En el caso del film de Shyamalan —para un servidor mucho mejor director que Nolan, sin desmerecer a éste, no me sean mal pensados— la balanza se inclinó hacia los que odian y desprecian el film, en realidad mucho mejor de lo que algunos creen. Su edición en DVD no repara grandes sorpresas en los extras. Escenas eliminadas, tomas falsas y poco más. Tranquilos, aunque la película me gusta, no la compraré. Es buena pero no lo suficiente como para ocupar un lugar en mis ya poco espaciosas estanterías.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Airbender: El último guerrero’, Shyamalan, otro gran incomprendido

• ‘Airbender: El último guerrero’, lo peor de Shyamalan

Colección 5º aniversaio Filmoteca Fnac

La verdadera joya de la semana que yo me compraría si no fuera porque la mayoría de los títulos aquí recopilados ya los tengo. La colección es para quitarse el sombrero. Apuntemos:

• ‘Una mujer bajo la influencia’ (‘A Woman Under the Influencie’, John Cassavettes, 1974)
• ‘La evasión’ (‘Le Trou’, Jacques Becker, 1960)
• ‘Bajo el peso de la ley’ (‘Down by Law’, Jim Jarmusch, 1986)
• ‘El dinero’ (‘L´argent’, Robert Bresson, 1983)
• ‘Epidemic’ (id, Lars Von Trier, 1987)
• ‘Black Jack’ (id, Ken Loach, 1979)
• ‘Domicilio desconocido’ (‘Suchwiin bulmyeong’, Kim Ki-duk, 2001)
• ‘Flirt’ (id, Hal Hartley, 1995)
• ‘Sangre sabia’ (‘Wise Blood’, John Huston, 1979)
• ‘Los bajos fondos’ (‘Les bas-fonds’, Jean Renoir, 1936)
• ‘La flauta mágica’ (‘Trollflöjten’, Ingmar Bergman (no acreditado), 1975)
• ‘Ascensor para el cadalso’ (‘Ascenseur pour l‘échafaud’, Louis Malle, 1958)
• ‘La Strada’ (id, Federico Fellini, 1954)
• ‘Fraude’ (‘Vérités et mensonges’ Orson Welles, 1973)
• ‘Close Up’ (‘Nema-ye Nazdik’, Abbas Kiarostami, 1990)
• ‘La ley del más fuerte’ (‘Faustrecht der Freiheit’, Rainer Werner Fassbinder, 1975)
• ‘Underground’ (id, Emir Kusturica, 1995)
• ‘The Insect Woman’ (‘Nippon konchuki’, Shôhei Imamura, 1963)
• ‘En el curso del tiempo’ (‘Im Lauf der Zeit’, Wim WEnders, 1976)

• ‘La linterna roja’ (‘Da hong deng long gao gao gua’, Zhang Yimou, 1991)

La edición viene acompañada de un libro con textos de personalidades pertenecientes al cine español y a otras ramas de la cultura española.

Pensándolo bien, esta semana hay cosas mucho más interesantes que cuando se editan un mayor número de películas. A veces, menos es más.

Vía | Zona DVD

Por algún motivo que no acierto a explicarme, ya que se trata de una cinematografía con una tradición magistral y del país con el que probablemente más idiosincrasias compartamos, se estrenan en nuestro país escasos títulos de cine italiano. Afortunadamente, para paliar la inexplicable carencia que se produce en las carteleras, durante una semana, los habitantes de Madrid tendrán la posibilidad de ver el cine de nuestros vecinos que se han estado perdiendo.

Desde mañana, 25 de noviembre, y hasta el 2 de diciembre, tendrá lugar la tercera edición del Festival de cine italiano de Madrid, en la que encontraremos títulos firmados por directores como Gabriele Salvatores, Giuliano Ricci, Andrea De Sica, Mario Martone, Ascanio Celestini o Massimo Coppola, entre otros.

Se dedicará un homenaje Pier Paolo Pasolini, quien fue asesinado en misteriosas circunstancias hace treinta y cinco años, que contará con la proyección de un vídeo sobre él y la exposición fotográfica ‘Imágenes Corsarias. Retratos de Pier Paolo Pasolini‘. Y no será la única exposición fotográfica que se englobe en este festival italiano, pues en el CaixaForum puede verse la titulada ‘Federico Fellini. El circo de las ilusiones’.

Durante la inauguración, se hará entrega del Premio a toda una Carrera a Mario Martone. Su último film, ‘Noi credevamo’ , basado en la novela de Anna Banti y centrado en la unificación de Italia, de la que se cumplen 150 años en 2011; se proyectará el día 26 a las 19:30, por primera vez fuera de Italia, y con la presencia del propio Martone.

De ‘Noi credevamo’ («creíamos») se habló, no precisamente de forma halagüeña, durante el Festival de Venecia de este año. Se decía que se sospechaba que estuviese en el Festival sólo por ser de la nacionalidad de la casa, aunque eso se contrapondría con que el director describe a Italia como un país «obtuso, soberbio y asesino». Pero eso no parece ser lo malo del film, sino su duración: pocos soportaron los 204 minutos. En Italia, sin embargo, la versión reducida, pero tampoco muy corta, de 170 minutos, ha sido un éxito de público, ya que se estrenó el día 12 de noviembre con 30 copias y este número ya ha tenido que duplicarse.

Otro film presentado en Venecia podrá verse igualmente durante este festival. Se trata de ‘La pecora nera’ («La oveja negra»), de Ascanio Celestini (a este film corresponde la imagen del inicio).

Se completa la sección oficial de largometrajes con ‘20 Sigarette’, de Aureliano Amadei; ‘Gorbaciof’, de Stefano Incerti; ‘Hai Paura del buio’ , de Massimo Coppola; ‘Into Paradiso’, de Paola Randi; ‘Malavoglia’, de Pasquale Scimeca; ‘La passione’, de Carlo Mazzacurati; ‘La prima cosa bella’, de Paolo Virzì, y ‘Pietro’, de Daniele Gaglianone.

El festival se completa con la Sección de Documentales y con la de Cortometrajes a concurso y con actividades paralelas, entre las que se cuenta el homenaje al cine de animación con la proyección de ‘Allegro non troppo’, de Bruno Bozzetto. Además de eso, durante el Festival será posible encontrar a sus protagonistas todas las mañanas a las 12 horas en el Instituto Italiano de Cultura de Madrid, tomando un café.

Las proyecciones tendrán lugar desde el 26 de noviembre hasta el 2 de diciembre, en versión original subtitulada, en los Cines Verdi de Madrid. El ingreso será libre hasta completar el aforo. Los horarios pueden consultarse aquí.

También en Blogdecine | Primera edición del Festival de cine italiano de Madrid (2008).

Vía | Página web oficial del Festival de cine italiano de Madrid.

Federico Fellini y Rob Marshall, dos directores tan diferentes entre sí como el agua de la tierra. ‘8 1/2’ o como se tituló en nuestro país ‘Fellini Ocho y medio’ —título que me negaré a utilizar— es la visión personal del propio mundo del director, alabada en un principio por una inmensa mayoría de cineastas que se sintieron identificados, y hoy día por casi la totalidad de la crítica mundial. ‘Nine’ es la adaptación de un musical de Broadway que se inspira en el famoso film italiano, por lo que el trabajo de Marshall puede verse como un remake del mismo. Todo parecía indicar que nos encontraríamos ante otra maravilla como ‘Chicago’, y que al igual que ésta se vería recompensada por varias nominaciones a los Oscars; al final ha tenido que conformarse con cuatro, entre ellas la labor de nuestra Penélope Cruz.

‘Nine’ se parece a ‘8 1/2’ tanto, que el que no haya disfrutado del film de Fellini, el de Marshall le parecerá directamente insoportable. Da igual que las escenas oníricas del film original se hayan convertido en números musicales más o menos espectaculares, y así de paso todo está más masticado para el gran público. ‘Nine’ es un calco de ’8 1/2’ casi punto por punto, un intento de hacer más universales las sensaciones de Fellini, perdiendo precisamente el toque personal que dicha historia tiene, ésta pertenece por derecho propio al director de ‘Amarcord’, el querer meterse en su mundo —su mente— ha sido un error que han pagado caro: críticas negativas y fracaso en taquilla.

Y los sueños, sueños son

Nunca he sido admirador del cine de Federico Fellini, lo cierto es que me ha dado más malos momentos que buenos. Aunque me gustan películas como ‘Las noches de Cabiria’ (‘Le notte di Cabiria’, 1957) o ‘Amarcord’ (1973), otras como ‘Il Casanova di Federico Fellini’ (1976) o la que nos ocupa, ‘8 1/2’, me resultan difíciles de soportar. La película interpretada por Marcello Mastrioanni narra, si su argumento puede ser descrito, las obsesiones de un famoso director de cine en crisis creativa, que pasa unos días recluido en un balneario esperando dar comienzo a su nueva película. Durante ese reposo seremos testigos muy lejanos de sus sueños, y de la influencia de éstos en la vida personal y artística del director.

En ‘8 1/2’ se dan la mano realidad y sueño, mezclando secuencias de carácter onírico con otras que representan lo real. Fellini tuvo problemas con esto, pues la productora le exigió en un principio el hacer más diferenciables ambos mundos mediante un virado a otro tono —hablamos de una película filmada en blanco y negro— de las partes oníricas. Finalmente Fellini se salió con la suya, y lo cierto es que pueden diferenciarse a la perfección ambas partes a pesar de que según avanza la acción la línea que las separa se hace cada vez más fina. Para mí el problema no está en el montaje que a muchos les puede resultar caótico, no se trata de eso. El problema es que lo que narran las distintas secuencias no me interesa lo más mínimo, Fellini nos espeta sus sueños, muchos de ellos alegorías sobre su infancia, sin ofrecer una interpretación de los mismos dejando a nuestra mente el poder, o querer, interpretarlos como si fuéramos psicoanalistas.

Tal vez todo se deba a la influencia que sobre Fellini tuvieron las teorías del sueño dictadas por Carl Gustav Jung, influencia que el director siempre reconoció y jamás disimuló. Muchos lo agradecerán, pero personalmente creo que a Fellini se le fue la cabeza haciendo experimentos que no llegan a ningún lado —si experimentas, al menos que sea para algo—, y lo que es peor, aburriendo al personal. Al menos nos queda la divertida composición que Marcello Mastrioanni —muy por encima del resto del reparto— hace con su Guido Anselmi, y la pericia técnica de Fellini a la hora de mover la cámara, aunque sólo sea para filmar los recuerdos y sueños que pertenecen únicamente a una sola persona. Un galimatías para el olvido, con sus ataques a la crítica y la tontería de utilizar como título el número correspondiente a la película en su filmografía.

Canciones que invitan al sueño

Siempre me he asombrado como en el cine norteamericano estropean una y otra vez las cosas que ya están hechas. No me malinterpreten, me encanta el cine americano, la historia está ahí para ver la cantidad de obras maestras que ha dejado —la mayoría de ellas hechas por realizadores europeos—, pero resulta hasta sorprendente como en su afán de quedarse con todas las buenas ideas surgidas de otras cinematografías, éstas quedan reducidas en sus manos a la mínima expresión por decirlo suavemente. ‘Nine’ es un claro ejemplo de ello, y la demostración palpable de que a veces no hay nada como la comparación para apreciar determinadas cosas, y en este caso el trabajo de Rob Marshall convierte al de Fellini en una obra maestra.

Con ‘Nine’ Marshall ha bajado el listón de forma alarmante, tanto que se ha convertido en el director perfecto para una cuarta entrega de los aburridos y cansinos piratas del caribe. A juicio de quien esto firma, ‘Chicago’ es el último gran musical salido de Hollywood, con canciones grandiosas e interpretaciones de primer orden —hasta Richard Gere interpreta, que ya es bastante—, después nos sorprendió su frialdad en la correcta ‘Memorias de una geisha’ (‘Memoirs of a Geisha’, 2005), por lo que muchos celebramos su vuelta al musical con un proyecto que prometía mucho. Al hecho de estar basado en el musical a su vez inspirado en uno de los más famosos films de Fellini, había que sumar el espectacular reparto, sobre todo femenino, que tiene la película. Daniel Day-Lewis, sustituyendo al inicialmente previsto Javier Bardem —cuyo olfato esta vez no le ha fallado—, coge el testigo de Mastrioanni y a pesar de toda su empeño su personaje se queda en tópico sin profundidad, a lo que prácticamente no llegan los demás personajes, interpretados con más o menos pasión por un elenco de actrices totalmente desaprovechadas. Penélope Cruz está bien, aunque Marion Cotillard se la come, a Nicole Kidman ni la notamos, Kate Hudson —la María Esteve americana— interpreta el mejor número musical —‘Cinema Italiano‘—, Judi Dench pasa por ahí, Fergie sube la temperatura de la platea, y ver a Sophia Loren prestarse a semejante despropósito me llena de una profunda tristeza.

A Marshall el material le queda grande y narra con más torpeza que nunca, los números musicales carecen de pasión —aunque los actores se desviven por darles algo de esencia—, y están todos metidos con calzador rompiendo el ritmo cada dos por tres. El desacierto de convertir las escenas oníricas en secuencias musicales, que dicho sea de paso todas las películas musicales tienen algo de onírico, algo de irreal, limita las posibilidades de la historia, esta vez más universal que en el caso de Fellini, pero también mucho más trivial. ‘Nine’ no es un experimento como ‘8 1/2’, pero en su falta de riesgo reside precisamente el peor de sus males, en eso y en torturar al espectador con una ensalada de canciones literalmente inaguantables.

El próximo 24 de enero dará comienzo la primera edición de Retroback, el primer festival internacional de cine clásico en España. Tendrá lugar en la ciudad de Granada y se desarrollará hasta el día 1 de febrero. Durante esos nueve días se proyectarán 62 películas, entre los que destacan títulos como ‘Desayuno con diamantes’, ‘La dolce vita’, ‘El sueño eterno’ o ‘Manhattan’.

El festival se inaugurará con una gala en la que actuará Monica Mancini, que ofrecerá su primer concierto en España, y se hará entrega de un premio honorífico al cineasta granadino Eugenio Martín por el conjunto de su obra. En cuanto a la gala de clausura, se rendirá un tributo a Audrey Hepburn, con la participación de sus dos hijos, Sean Hepburn y Luca Dotti. Asimismo, la Orquesta Ciudad de Granada rendirá homenaje al gran compositor Henry Mancini.

Los ciclos que se han preparado en esta primera edición de Retroback están dedicados a Audrey Hepburn (podrán verse películas como ‘Vacaciones en Roma’ o ‘Dos en la carretera’), Federico Fellini (‘Ocho y medio’, ‘La strada’), Eugenio Martín (‘Pánico en el Transiberiano’ o ‘El precio de un hombre’, al parecer, una de las favoritas de Quentin Tarantino), el cine fantástico italiano (‘La máscara del demonio’ o ‘Suspiria’), Georges Franjú (‘Ojos sin rostro’ o ‘La cabeza contra la pared’), Jean-Pierre Melville (‘El confidente’ o ‘Círculo rojo’), a recuperar clásicos inmortales como ‘El gabinete del doctor Caligari’, ‘Ninotchka’ o ‘¿Qué fue de Baby Jane?’ y echar un vistazo al pasado del cine español con títulos como ‘Goyescas’ o ‘Fulano y Mengano’. Eso y mucho más, en Granada desde el 24 de enero al 1 de febrero.

Destacar también tres exposiciones que estarán, paralelamente, a disposición del público: una de vestidos, complementos y objetos personajes de la mítica Hepburn, otra sobre carteles de cine fantástico italiano y otra sobre la historia del cine en Granada.

Quizá la idea de un festival como éste os resulte extraña o sin sentido, pero, personalmente, todo lo que sea recuperar clásicos y verlos en pantalla grande, en versión original, me parece una estupenda noticia. Espero que os resulte interesante y que podáis pasaros por la preciosa ciudad andaluza. Por mi parte, no dejaré pasar la oportunidad y os informaré sobre las películas que vaya viendo.

Para más información, como la programación, los horarios y la venta de entradas, podéis entrar en el sitio oficial del festival: Retroback.

Ya que, por algún absurdo motivo, es difícil que lleguen a España películas del país vecino en estrenos en salas convencionales, esta oportunidad que nos ofrece el Círculo de Bellas Artes puede venir bien para repasar lo que se ha cocido durante los últimos años al otro lado del Mediterráneo.

Para abrir boca, hasta el 30 de noviembre, el Círculo propone una retrospectiva rápida a la filmografía de Federico Fellini en la que se podrán ver los films ‘Los inútiles’ (I Vitelloni, 1953), ‘La dolce vita’ (1959), ‘Ocho y medio’ (‘Otto e mezzo’, 1963), ‘Satyricon’ (1969), ‘Roma’ (1972) y ‘Amarcord’ (1973).

Entre los autores cuyas obras se proyectarán durante el Festival de Cine Italiano se encuentra el escritor Alessandro Baricco, autor de la célebre novela ‘Seda’; Marco Bellocchio, director de ‘Buenos días, noche’ (‘Buongiorno, notte’); Uberto Pasolini, productor de ‘The Full Monty’…

Durante el certamen se proyectarán también algunos cortometrajes de producción reciente.

El ciclo se clausurará con la entrega de premios de los cortometrajes finalistas y con la proyección de ‘Gomorra’, filmada por Matteo Garrone y ganadora del Gran Premio del Jurado en la última edición de Cannes.

Los largometrajes que se podrán ver en el Círculo son:

• ‘Lezione 21’, de Alessandro Baricco, Italia/Gran Bretaña, 2008, 91’, VOSE
• ‘Mar nero’, de Federico Bondi, Italia / Rumanía / Francia, 2008, 95’, VOSE
• ‘Il papá di giovanna’, de Pupi Avati, Italia, 2008, 104’, VOSE
• ‘Il resto della notte’, de Francesco Munzi, Italia, 2008, 101’, VOSE
• ‘Machan’, de Uberto Pasolini, Italia, 2008, 110’, VOSE
• ‘Un altro pianeta’, de Stefano Tummolini, Italia, 2008, 81’, VOSE
• ‘Gomorra’, de Matteo Garrone, Italia, 2008, 137’, VOSE
• ‘Il passato é una terra straniera’, de Daniele Vicari, Italia,2008, 122’, VOSE
• ‘I galantuomini’, de Edoardo Winspeare, Italia, 2008, 100’, VOSE
• ‘Un’ora sola ti vorrei’, de Alina Marazzi, Italia, 2002, 55’, VOSE
• ‘Bellissime’, de Giovanna Gagliardo, Italia, 2004, 125’, VOSE
• ‘In un altro paese’, de Marco Turco, Italia, 2005, 92’, VOSE
• ‘Il fantasma di corleone’, de Marco Amenta, Italia, 2006, 85’, VOSE
• ‘Il mondo adosso’, de Costanza Quatriglio, Italia, 2006, 90’, VOSE
• ‘Volevo solo vivere’, de Mimmo Calopresti, Italia, 2006, 72’, VOSE
• ‘Sorelle’, de Marco Bellocchio, Italia, 2006, 70’, VOSE

• ‘Il passagio della linea’, de Pietro Marcello, Italia, 2007, 60’, VOSE

Fuente | Círculo de Bellas Artes.

Borat

Una película que a nadie pasó desapercibida, ni dejó lugar para los términos medios, o se ama o se detesta.

Yo me incluyo entre los defensores de este film protagonizado por Sacha Baron Cohen, que cuenta en su edición en DVD con un buen número de escenas eliminadas como contenido extra, para los que nos quedamos con ganas de más

Arthur y los Mínimoys

Edición especial de dos discos, separando los contenidos extra (making of, imágenes de rodaje, trailer etc) para este film animado de Luc Besson que al parecer va a tener múltiples continuaciones.

Para conocer más al respecto no os perdáis la crítica de mi compañera Beatriz: ‘Arthur y los Minimoys’: no especialmente original, pero bien hecha.

La Dolce Vita

Qué puedo añadir sobre esta maravillosa obra maestra de Fellini que no se haya dicho ya.

Inspiración de películas, anuncios, etc, y principal responsable de que la Fontana di Trevi no descanse del turismo ni de noche ni de día, nos llega ahora en edición especial remasterizada, con dos discos y un libreto. Como material extra incluye una entrevista con Federico Fellini.

Por cierto “La Dolce Vita” fue Palma de Oro en 1960 del Festival de Cannes que ahora nos ocupa.

La invasión de los ladrones de cuerpos

Aprovechando la promoción de un nuevo (e innecesario) remake del film, con Nicole Kidman Daniel Craig y Veronica Cartwright, sale por primera vez a la venta en DVD (como bien dijo mi compañero Red Stovall) una de las obras maestras del cine fantástico y de terror, en una sencilla edición.

Perdición

Otro clásico imprescindible, en esta ocasión del suspense, que aparece en edición especial con caja para coleccionistas y multitud de extras, incluido un documental que muestra una visión de la película en el ámbito del cine hecho en Hollywood en los años 40 y un libreto de 32 páginas con carteles y texto sobre el film.

Yo soy la Juani

Seguramente una de las películas que más se ha criticado sin llegar a verla. El descubrimiento de una fabulosa Verónica Echegui unido al habitual buen hacer de Bigas Luna, que en esta ocasión experimenta con formas nuevas, y suaviza mucho sus excesos, aunque por la promoción de la película puede parecer lo contrario.

Se puede adquirir únicamente en edición especial de dos discos con multitud de extras, o añadiéndole la banda sonora, una mezcla indescriptible que une a artistas como Mala Rodríguez, Hanna o Facto Delafé, que no está nada mal.

El manuscrito encontrado en Zaragoza

Para finalizar una película que siempre ha despertado mi curiosidad y que por fin tendré oportunidad de ver a partir del 25 de mayo, fecha en la que se lanza en edición especial de dos discos, incluyendo también un libreto con comentario del crítico de cine Antonio José Navarro.

Se trata del montaje del director, Wojciech J. Has, que había sido acortado en su estreno en Estados Unidos, y posteriormente restaurado en los 90 gracias a la financiación de Martin Scorsese y Francis Ford Coppola.

Vía | Zonadvd

En la entrevista, la actriz sueca comentaba que si Fellini viera el anuncio estaría celoso de que alguien entrara en SU fuente. Añade que “estaba bien hecho, pero que deberían haber obligado a la modelo a ponerse bajo el chorro. Yo me mojé todo el pelo y el vestido y todo. Y era enero”. Sobre esta modelo, Landi Swanepoel, dijo: “Es guapa, es dulce” y explotó: “Es demasiado flaca”. El entrevistador, Andrew Billen, le preguntó que por qué las modelos de hoy en día están tan delgadas. Y por qué los bustos están pasados de moda. Miss Suecia añadió que “tienen los culos bastante grandes, en su lugar”. El entrevistador insistió: “¿Qué diablos está pasando?” y Ekberg repuso que no lo sabía y que no podía adivinarlo. “Los protagonistas de hoy en día — salvo algunas excepciones — no son como los que había cuando yo estaba en Hollywood. Una actriz o un actor protagonista puede caminar por la calle y nadie le reconoce. Todavía hoy, si yo ando por la calle, la gente sabe muy, muy bien quién soy”.

Una cosa es cierta: viendo otras fotos de Swanepoel parece que estuviera buenísima, pero ante la comparación con Ekberg enflaquece, nunca mejor dicho.

En realidad, las modelos y algunas actrices de hoy en día están muy flacas en todos sus aspectos. No he notado yo lo de que tengan los culos grandes. En cambio, el pecho sí que está de moda aumentárselo. Claro que, si Andrew Billen se refería a que no lo tienen como el de Anita, entonces tiene razón. Hoy en día los actores y actrices famosos es cierto que no son personas tan despampanantes como las de aquella época. Pero esto se debe también a que se busca un mayor realismo en los filmes. Estoy de acuerdo en que no hay que promocionar el tipo de mujer en los huesos que representan las modelos y unas cuantas actrices, como Teri Hatcher, pero lo de Anita Ekberg tampoco era normal. Y ahora sí: ¿qué opináis vosotros? ¿Y vosotras, claro?

Tampoco hacen falta excusas para volver a disfrutar de una de las películas más aclamadas del director y ganadora de un Oscar en 1974. En ella tienen cabida, el amor, el deseo, la religión, la risa, la política, los sueños adolescentes y los descubrimientos, que pasarán a ser memoria.

Un magnífico retrato de la Italia más popular y pintoresca, durante la época fascista, compuesto por inolvidables personajes como Titta interpretado por Bruno Zanin o La Gradisca por Magali Noël.

Un film que siempre formará parte de nuestros recuerdos.