En uno de los capítulos que más me emocionaron (y me siguen emocionando…) de la a menudo genial y muchas veces infravalorada serie ‘House’ (‘House M.D.’, 2004-), su personaje central, que como todos sabemos da nombre a la serie, harto de que otros personajes hablen sobre la necesidad de morir con dignidad, responde con vehemencia que: “Eso no existe. Los cuerpos se deterioran; a veces a los noventa, a veces antes de nacer; pero siempre sucede sin un atisbo de dignidad. No importa si no puedes andar, ver o limpiarte el culo. Siempre es horrendo, siempre. No se muere con dignidad, se vive con ella”. Magnífica frase, que huele a verdad y a lucidez por todos sus poros, y que puede aplicarse sin duda a la décima realización del cineasta argentino Adolfo Aristarain, titulada ‘Lugares comunes’ (2002), y bajo cuyas imágenes, en apariencia serenas, bulle con efervescencia la búsqueda de libertad personal, de razones para seguir existiendo, aunque sea con desesperada clarividencia.

Estamos hablando, por tanto, de una hermosa historia, contada con desarmante, dolorosa, casi subversiva humanidad por Aristarain, en plenitud expresiva absoluta, incapaz, una vez más, de ofrecer la mínima concesión al espectador, hablándole (sin parar…en verborrea incontenible…) de tú a tú, como un ser inteligente, proponiéndole un cine de imágenes accesibles pero un fondo tenebroso que investiga la condición humana y nuestra capacidad, o la carencia de ella, para trascender nuestra propia realidad, nuestras ideas, nuestro interior más inaccesible. Todo eso es ‘Lugares comunes’, película que se ve y se disfruta increíblemente fluida, pero que deja en nuestros corazones un poso de amargura sutil y poderosísimo, en las antípodas de un cine vistoso y amable con el interlocutor/espectador, avasallado por cuestiones que afectan a la sociedad y a los seres que (mal)viven en ella, interrogándose sobre sus propias convicciones, empatizando con dos personajes extraordinarios que, en el otoño de sus vidas, miran al abismo.

Cine hecho de palabras

Con Aristarain suele pasar lo mismo cada vez que hace una película. Algunos le acusan de que su cine es más literario que visual, que otorga una excesiva primacía a la palabra, antes que construir sus creaciones desde un punto de vista más cinemático. Para mí es un debate estéril. Al que le parezca una forma inadecuada de hacer cine, sencillamente que no vea sus películas. Aristarain no va a cambiar, y menos a estas alturas de su carrera. Sin embargo, a mí sí me parecen muy cinematográficas sus películas, y que las palabras que se desparraman por sus imágenes son parte central de ellas, ya que la puesta en escena, de una sobriedad y una elegancia admirables, es para, por y de los actores, elemento dramático máximo para el director, pues los personajes se erigen en representaciones alegóricas de sus anhelos y preocupaciones, y habla por su boca, y sienten y experimentar lo que el autor de la película. Creación de catarsis, de purificación, de purga, de despedida, de aceptación.

Al profesor de literatura Fernando Robles le prejubilan anticipadamente por rojo, por pelma, por ser un grano en el culo que, sin embargo, ama y practica magníficamente la pedagogía. Casado con una vitalista (y española) trabajadora social, Robles tendrá que empezar de nuevo su vida, cuando la ancianidad empieza a asomar tras cada esquina. Se reencontrará con su hijo, se reafirmará en sus amigos, se lanzará a la aventura de no saber quién es uno mismo, de perderse para tener que encontrarse. Aristarain y su guionista Kathy Saavedra huye conscientemente de una idealización de Robles, al que no le preocupa cargar de defectos para que convivan con sus vigorosas virtudes. Mucho más luminoso es el personaje de la mujer, Liliana, auténtico descanso del guerrero, amansadora de fieras intelectuales, detentadora de la paciencia, del amor sin límites y sin razones. Si él es el alma de la película, ella es el corazón. El resto de personajes, aunque muy secundarios, no desmerecen, en un collage de rostros y caracteres tan vivo como la vida misma. O más.

Huelga decir que Federico Luppi y Mercedes Sampietro están perfectos en ambos papeles. Más que perfectos. Ellos son Fernando y Liliana. Ambos sostienen la secuencia sobre sus hombres como dos titanes de la interpretación, de los diálogos, de los rostros, de las réplicas. Astros dramáticos en torno a los que gira cada movimiento de cámara, cada corte de montaje. Más aún si, como es mi caso, sientes a este matrimonio tan cercano en tu vida personal, tan parecido a seres a los que tanto quieres y tanto necesitas, cuyo drama se parece a ciertos dramas que vives cada día. Y en ese caso privilegiado (o maldito…) eres capaz de darte cuenta de lo bello, de lo terrible de una narración como esta, que no da espacio para lugares comunes, ni para paños calientes, ni para respuestas. Sólo para preguntas, y para la eterna duda de los que no somos más que motas infinitesimales del universo, haches atronadoras.

En pocas palabras: el que espere aquí una razón para la evasión del fin de semana, va a salir defraudado y seguramente tarifando, despreciando sin ambages esta película, y probablemente con buenas razones para ello. Pero el que esté de humor para el existencialismo, el que guste del disgusto de una vida malgastada y sin sentido (como toda vida que merece la pena ser vivida) tiene en ‘Lugares comunes’ una parada obligada en la que abrevar y reflexionar sobre su propia condición. Esta película tiene algo que hace que te enamores de ella como un adolescente, y que te revuelva las tripas como un anciano a las puertas de la muerte. Nunca la mirada de Aristarain, o el rostro de Federico Luppi, o la voz maravillosa de Sampietro, destilaron tanta amargura, pero también tantas ganas de vivir, tanto amor por el cine y la literatura. No es una película perfecta, pero es perfecta para los corazones cerrados por derribo.

Ayer se estrenó la película argentina ‘Cuestión de principios’ (2009), dirigida por Rodrigo Grande e interpretada por Federico Luppi, Norma Aleandro, Pablo Echarri, María Carámbula, Pepe Novoa, Óscar Nuñez, Mónica Antonopulos, Mabel Pessen, Óscar Alegre, Mario Vidoletti, Mateo Izza, Emanuel Gardini y Natalia Dalmolin.

No suelo empezar hablando sobre el reparto de una película, pero voy a hacer una excepción, por variar y porque estos intérpretes lo merecen. Si nos dicen que Federico Luppi, a quien conocemos de sobra, y que Norma Aleandro, a quien vimos, por ejemplo, en esa obra maestra llamada ‘El hijo de la novia’, protagonizan un film, muy mal tendrían que ponerse las cosas para que no pudiésemos esperar algo grandioso.

En esta película, ambos veteranos, así como los intérpretes de menor edad, están formidables y disfrutan de papeles con los que pueden sacar a flote toda su maestría. El personaje de Luppi aprovecha del actor todo su potencial, incluidos sus defectos, pues se trata de un señor con demasiado orgullo y extremadamente tozudo, pero que despliega una integridad y una entereza inusitadas. Aleandro también resulta idónea para su papel, pues su personaje, sin dejar de exigir lo que le corresponde, tiene esa dulzura que solo esta actriz sabe transmitir. E igual de óptimo está Pablo Echarri.

‘Cuestión de principios’ nos habla de justo lo que indica su título: la cuestión por la que el protagonista y el antagonista pelean carece de valor económico e incluso su valor sentimental es falso. Sin embargo, esa revista que el viejo posee, pero ni sabe dónde la guarda, y que el otro desea adquirir como sea para completar su colección, cobrará unas dimensiones y un valor inmensos solo por los principios que repentinamente se asocian a ella. El objeto, de pronto, representa la valentía y la incorruptibilidad de un señor cuya valía nunca se había apreciado y que, casi en su jubilación, decide plantar cara por primera vez a un superior. Para el más joven, el ejemplar representa el triunfo…

Cuestión de matices

Dejaba lo último en suspensión porque de ahí surge otro de los valores mayores del film. Este hombre, de aproximadamente cuarenta años, que al protagonista le resulta desmedidamente joven para el cargo que acaba de ocupar y que se sienta en su sillón debido a másters, viajes, idiomas y cosas de hoy en día de las que el viejo ni sabe en qué consisten… este hombre, decía, se muestra altivo y soberbio en un principio y de forma muy clara toma el lugar de la némesis. Pero no se tarda nada en descubrir que es otra víctima más, que sufre tanto o más como su contrincante, que se aferra a la completitud de la colección, no por un orgullo y por la falta de costumbre de perder, sino porque quizá es el único flotador que le queda en una vida vacía, en la que todos le han abandonado y ha tenido que renunciar a sus logros anteriores. Igualmente, el señor íntegro e insobornable demuestra enseguida ser un cabezota incorregible cuyos principios no comparte ni comprende ni siquiera su mejor amigo, militante izquierdista.

Esa ausencia de maniqueísmo, es decir, de personajes blancos o negros, demuestra la grandeza de su director, que se gana el apellido que lleva, y del coguionista, Roberto Fontanarrosa, un enorme autor de cómics, que ya antes había colaborado en el cine, autor del relato en el que se basa este film. Aunque haya una carga crítica e incluso una lección vital, no se dan moralinas, sino que se aportan siempre las dos caras de la moneda.

El conjunto de la película es grandioso, pero al mismo tiempo está compuesto por escenas con enorme fuerza y por pequeños detalles que emocionan, divierten y nos invitan a reflexionar. La secuencia final es sin duda uno de los momentos más altos, con esa forma de acabarlo que no nos podríamos esperar. Pero antes existen ya instantes sublimes, como la conversación en la tienda en la que Aleandro se resiste a caer en la seducción de Luppi arguyendo que está montando un número como de película norteamericana. Son solo dos ejemplos de muchos otros pasajes destacables.

Con su fotografía no muy vistosa y una producción mediana, ‘Cuestión de principios’ es mucho más de lo que aparenta, ya que lo que está por debajo de esa estética, su contenido, así como sus interpretaciones, tienen la capacidad de emocionar, hacer reír y, a la vez, de reivindicar las actitudes correctas ante la vida. Sin apariencia de gravedad, sino tratada como una comedia ligera, la película es, no obstante, profunda. Se trata, en definitiva, de un film más que recomendable que no habría que dejar pasar.

Mi puntuación:

Esta tarde se estrena ‘Sin retorno’ (2010), primer film del argentino Miguel Cohan, que cuenta con las interpretaciones de Leonardo Sbaraglia, Federico Luppi, Bárbara Goenaga y Martín Slipak. Este thriller psicológico, coproducción hispano-argentina, cuyo tráiler adelanté aquí, obtuvo en la Seminci 2010 la Espiga de oro —ex-aequo junto con ‘Copia certificada’— a la Mejor Película y el Premio Pilar Miró al mejor nuevo realizador, así como el premio Fipresci a la Mejor Película, concedido por la crítica internacional.

En ella, un joven muere atropellado en un accidente de tráfico. El culpable huye sin dejar rastro. Ninguna prueba lo incrimina. Pero el padre del joven, apoyado por los medios de comunicación, exige encontrar al responsable y llevarlo a la cárcel. Una serie de acontecimientos fortuitos y una justicia contaminada por la opinión pública ponen al hombre equivocado en el banquillo de los acusados. Envueltos en el entretejido del azar y las decisiones desesperadas, estos hombres deberán enfrentarse a la culpa, la responsabilidad y la necesidad íntima de redención en una espiral que no tendrá retorno.

Con total aspecto de estar basada en hechos reales —en realidad, el director y su hermana, Ana Cohan, dedicaron cuatro años a escribir el guion a partir de una idea y una imagen—, podría sonarnos a telefilm. No obstante, la historia que se narra en ‘Sin retorno’ resulta de sumo interés y se enfoca de forma intimista y psicológica, para alejarnos del sensacionalismo y la facilidad de las películas televisivas. El director debutante le saca todo el partido, explorando la moralidad y las ansias de venganza en una cinta que sufre, aproximadamente al cabo de sus dos primeros tercios, un cambio en el punto de vista, que le permite estudiar ambos sentimientos.

Sin embargo, de alguna forma, no se me escapa nunca la sensación de que los autores de su guion podría estar yendo más allá, de que la película podría estar ofreciendo más y no sé muy bien cómo o el qué. Podría comenzar todo con la condena del inocente, resumiendo los hechos primeros en unos minutos y narrar desde ahí una historia de terror y culpa. Y no sé si con ello mejoraría o si el detenido acercamiento hacia las decisiones del joven y de sus padres supone el verdadero núcleo válido de ‘Sin retorno’. Sin creer en absoluto que las interpretaciones puedan mejorarse, se me ocurre que un remake estadounidense de este film daría pie a un atractivo producto, quizá de otro género, pero con un denso contenido.

De nuevo, nos encontramos ante el estudio de la fuerza que detenta el cuarto poder, es decir, los medios de comunicación, y cómo las autoridades deben acomodarse a sus exigencias. Si en la película cuya crítica enlazo, una joven se enfrentaba a las desmesuradas consecuencias de un suceso sin aparente importancia, aquí nos encontramos con un muchacho que debe lidiar con la ausencia de consecuencias ante un hecho de desmesurada envergadura. Es interesante contraponer ambos films para tratar de encontrar cuál sufrimiento sería mayor, si el de la culpa cumplida ante la sociedad o si el de la sufrida únicamente en nuestro interior.

El cine argentino, siempre atento a las cuestiones morales o psicológicas entronca, de alguna forma, con una tradición europea, especialmente francesa, que nos aporta films con la capacidad de hacernos pensar o reflexionar. ‘Sin retorno’ cuenta con esta posibilidad, al acercarnos, con suma fidelidad, al sufrimiento de sus personajes y el resonar universal de los hechos planteados. Solo con eso, ya vale la pena ver esta película.

‘Sin retorno’ está muy bien interpretada, no solo por lo que convencen los personajes, sino también por los diferentes roles que interpretan y lo perfectamente que encajan cada uno de los actores en ellos. Se irá viendo, con el avance de los minutos, cómo algunos sufren una tremenda evolución —Sbaraglia, soberbio en esta transformación—, mientras que otros permanecen en su cobardía e infantilismo, a pesar de hacerse ya adultos en edad —Slipak, magnífico en todos sus momentos—. Luppi, el gran Luppi, no hace más que un pequeño papel, casi genérico, que podría simbolizar a cualquier anciano o ciudadano que reclame justicia, aunque con ello y sin darse cuenta esté siendo sumamente injusto.

Valoro, en resumidas cuentas, la carga de denuncia que contiene ‘Sin retorno’, así como el análisis psicológico y moral que se efectúa sobre sus personajes y que alcanza momentos de gran intensidad en muchas ocasiones. Aunque la película se narre con excesivo detalle, nos engancha a ella la curiosidad por ver a qué desenlace llevan sus decisiones a estos seres que, en cualquier caso, ya lo han perdido todo. Las interpretaciones de todos los actores son el punto más fuerte de un film que no habría que dejar pasar.

Mi puntuación:

Este fin de semana se han entregado los premios de la 55ª Semana de cine Internacional de Valladolid, Seminci 2010, de cuyos participantes en la Sección Oficial os había informado aquí.

La espiga de oro se la han llevado, ex-aequo, como ya os indicó Javier, ‘Copia certificada’, de Abbas Kiarostami, y ‘Sin retorno’, de Miguel Cohan.

Este thriller psicológico, coproducción hispano-argentina, que también le ha valido a Cohan para ganar el premio Pilar Miró al mejor nuevo director, está protagonizado por Federico Luppi, Leonardo Sbaraglia, Bárbara Goenaga, Martín Slipak, Luis Machín y Ana Celentano.

‘Sin retorno’ comienza con un atropello accidental y mortal de un joven. El padre de la víctima busca justicia. Una serie de acontecimientos fortuitos y una justicia contaminada por la opinión pública hacen que el hombre equivocado, un ventrílocuo (Sbaraglia), acabe cumpliendo varios años de prisión. Mientras tanto, el auténtico culpable (Slipak) trata de ocultar su responsabilidad. Envueltos en el entretejido del azar y las decisiones desesperadas, estos hombres deberán enfrentarse a la culpa y la necesidad íntima de redención en una espiral que no tendrá retorno. El tráiler se puede ver a continuación:

La Espiga de Plata ha sido para ‘La mosquitera’, de Agustí Vila , que ha obtenido igualmente, el premio a la mejor actriz para Emma Suárez. Jesper Christensen, por su parte, ha sido reconocido como el mejor actor por ‘Una familia’ (‘En familie’), de Pernille Fischer Christensen (Dinamarca).

‘Incendies’, de Denis Villeneuve (Canadá) se ha llevado el premio Miguel Delibes al mejor guión para Denis Villeneuve y Valérie Beaugrand-Champagne. Esta película también ha obtenido el premio de la juventud y el premio del público al mejor largometraje de la Sección Oficial.

El premio a la Diversidad Cultural de la Aecid ha sido para ‘También la lluvia’, de Icíar Bollaín. ‘En el camino’(‘Na putu’), de Jasmila Zbanic (Bosnia Herzegovina/Austria/Alemania/Croacia), ha ganado el premio especial del jurado.

Nagao Nakashima ha obtenido el premio a la mejor dirección de fotografía por ‘El Retrato número cuatro’ (‘The Fourth Portrait’), de Chung Mong-Hong (Taiwán). Mientras que el premio a la Mejor Música Original ha sido para Cyrin Morin, por ‘La misión del director de Recursos Humanos’ (‘Shlichuto Shel HaMemune Al Mashabei Enosh’), de Eran Riklis (Israel/Alemania/Francia/Rumanía).

El jurado Punto de Encuentro ha entregado su mayor galardón, el Premio al Mejor Largometraje, a ‘Sebbe’, de Babak Najafi (Suecia). Y jurado de la sección Tiempo de Historia ha otorgado el Primer Premio a ‘Voices Unbound: The Story of the Freedom Writers’ (‘Voces sin límites’), de Daniel Anker (Estados Unidos).

La Espiga de Oro entre los cortometrajes ha ido a parar a corto israelí ‘Laharog dvorah’ (‘Matar a un abejorro’), de Tal Granit y Sharon Maymon.

Vía | Seminci.

“Las drogas son maravillosas porque te abren la mente. Te hacen comprobar que la verdad no existe, que todo es relativo. La droga te da otra visión, otra dimensión. Te hace ver que nada es lo que parece…¡que nada es! La única realidad es tu realidad y será lo que tú seas capaz de ver”

-Dante (Eusebio Poncela)

En ‘Martín (Hache)’ hay varios discursos como éste (que además, no he incluido en su totalidad), en los que los personajes (los cuatro importantes) hablan sin ambages, sin complejos, de sus sentimientos o ideas más profundos, con una verborrea incontenible, pura literatura convertida en diálogos lacerantes y rebosantes de vida. Adolfo Aristaráin, en su noveno largometraje, llega más lejos que nunca en su formalización de la palabra y el rostro como vertebradores de su cine, del cine que a él le interesa hacer.

El realizador de las inolvidables ‘Un lugar en el mundo’ o ‘Lugares comunes’, indagó además, en esta ocasión, en la dificultad de la comunicación entre padres e hijos, y también entre amantes y amigos, en el carácter destructivo y dependiente del amor, en la necesidad de aprender a hacer uso de la soledad, en la naturaleza ambivalente de las drogas. Una serie de temas mayores tratados con inusitada complejidad e inteligencia, pues Aristaráin sabe que con el cine se puede hablar de temas importantes sin caer en el adoctrinamiento o, precisamente, los lugares comunes.

El director, en un acto de generosidad extraño dado los tiempos que corren, entrega la creación final de la película a tres actores superdotados, auténticos genios de su oficio, como lo son Federico Luppi, Eusebio Poncela y Cecilia Roth, un trío de colosos insuperable que da lugar a uno de los cruces de rostros, réplicas, contrarréplicas, actitudes, comportamientos, gestos y miradas más exactos, ricos y emocionantes que se recuerdan. Y a su lado un Juan Diego Botto de 22 años que, aunque con evidente inferioridad de recursos frente a estos colegas inmensos, es capaz de salir vivo en la comparación, lo que es indicio de gran instinto interpretativo y de coraje.

Los cuatro son personajes tan reales, tan vivos, que dan miedo. Entre ellos forman un tejido emocional que parece fácil de lograr, pero cuya dificultad es extrema. Luppi es un director de cine amargado y retirado, Poncela un actor de carácter promiscuo y drogadicto, Roth una montadora de cine y televisión cocainómana y romántica, y Botto es el hijo del primero, un muchacho sin rumbo, o precisamente por ello libre y sin ataduras. Seguimos a estos magníficos personajes a través de sus dudas y sus pasiones y sentimos que no hay el menor fingimiento ni ficción. Al contrario, que están tan vivos, o aún más, que nosotros mismos.

¿Puede una película en la que los diálogos son tantos y tan abundantes ser tan cinematográfica como otras en las que prima lo visual? Puede, ‘Martin (Hache)’ es buena prueba de ello. Personalmente, creo que en el cine ha de primar lo visual, porque es un medio eminentemente visual y sonoro. Sin embargo, con este filme olvido mis necesidades estéticas y me entrego a él por entero, ya que aquí son los actores los que sustituyen una a menudo búsqueda retórica de lo visual por sus rostros y cuerpos. No hay en la cámara de Aristaráin el menor divismo o formalización aparente de la cámara y los planos.

Todo es frontal, seco, directo, la cámara a la altura de la mirada del actor, escasos movimientos de travelling, ninguno de grúa. ¿Es, por ello, un filme estático o teatral? De ningún modo. Al contrario: es eléctrico y dinámico, de alguna extraña manera. La forma está encerrada en el trabajo interpretativo y de diálogos escritos por Aristaráin y su habitual Kathy Saavedra. Y así, nos introducimos con total naturalidad en la difícil relación de un padre que hace años que no ve a su hijo, que quiere tenerlo cerca, pero que está tan amargado y habituado a la soledad que sabe que terminarán mal.

Esta relación, a su vez, altera y expone las carencias de la que mantiene con su amante, Roth, una mujer que ha perdido el sentido de la realidad consigo misma y con ese padre primerizo. Y radicaliza y potencia la que mantiene con su amigo actor, un hombre profundamente amoral pero increíblemente leal al mismo tiempo, interpretado por un Poncela en estado de gracia, verdadero motor de la película, con las mejores frases además, cuyo Dante es una de las más preciosas creaciones de los años 90.

La secuencia, irrepetible, en la que Dante decide cortar la obra de teatro y comienza a hablar con el público asistente, exponiéndoles su hipocresía y su bajeza moral, no tiene precedentes de ninguna clase en el cine de ninguna nacionalidad. Es puro cine subversivo, pura poesía convertida en mazazo de verdad. Sólo Poncela podía lograr algo tan sincero. A su lado, Luppi, con un papel mucho menos agradecido, sigue demostrando por qué es uno de los grandes actores sudamericanos, y Roth borda su frágil y dificilísimo papel, y por cierto que pocas veces ha estado tan sexy y luminosa. Al final nos quedamos con los hombres, que se reconocen a sí mismos, dos amigos muy diferentes entre sí, pero que se soportan.

Muchos espectadores sentirán tedio, cuando no rechazo, ante un cine tan verbal, tan lleno de ideas y verdades. ‘Martín (Hache)’ espera de los otros, los que no tienen miedo a las palabras y al vacío, que no se olviden de sus imágenes. Yo no pienso hacerlo.

Gerardo Herrero ha dirigido el guión de Guillermo de la Guardia y Fernando Castets ‘Que parezca un accidente’, una comedia en la que Pilar, una viuda feliz en su cómoda rutina ve salpicada su vida cuando cree descubrir una infidelidad por parte de Gregorio, su yerno. Pilar está decidida a acabar con ese molesto problema y animada por sus amigas decide “arreglarlo” contratando a Arturo, un señor que se ha encargado de hacerlas felices “eliminando” a sus molestos maridos. No hay solución o Gregorio o ella.

Se pueden encontrar numerosos referentes, como por ejemplo ‘Contraté a un asesino a sueldo’, pero casi siempre me dan vergüenza algunas comparaciones.

Carmen Maura, Federico Luppi, José Luis García Pérez y Marta Fernández Muro protagonizarán esta comedia negra que se estrenará el 14 de noviembre.

El tráiler, que se puede ver a continuación, no tiene demasiada buena pinta incluso para una comedia:

En un principio se suponía que el guionista, Guillermo de la Guardia, dirigiría la película en lo que supondría su debut en el largo, pero finalmente ha sido el productor Gerardo Herrero (‘Los aires difíciles’, ‘El corredor de fondo’), quien se ha encargado de dar las órdenes.

En la banda sonora se incluyen temas de Jorge Drexler.

Ya que aún no se ha diseñado el póster, en su lugar, os incluyo la imagen del encabezamiento.

Más información en Blogdecine sobre ‘Que parezca un accidente’

‘La habitación de Fermat’ las tenía todas para ser un film español del que sentirnos orgullosos. Un thriller psicológico con una idea que si bien no es original (la originalidad se acabó hace décadas) podría haber dado para crear una película asfixiante y demoledora. Cuatro matemáticos (tres hombres y una mujer) son invitados a resolver un enigma cuya solución les llevará a reunirse en un lugar en el que se les propondrá el mayor problema matemático jamás expuesto. Pero una vez en dicho lugar son encerrados en una habitación que se va encogiendo mientras les exponen problemas que deben resolver.

Dicho así suena a argumento del típico thriller americano, y ciertamente hay un intento de parecerse a ellos. Sin ir más lejos la película recuerda un poco a la espantosa ‘Cube’, pero mucho más cutre y menos imaginativa. El principal problema de ‘La habitación de Fermat’ proviene de sus máximos responsables, los chistosos Luis Piedrahita y Rodrigo Sopeña, que por una vez intentan ser serios, y simplemente no saben.

‘La habitación de Fermat’ presenta situaciones y personajes totalmente increíbles. Para empezar que Alejo Sauras intente convencernos de que da vida a un matemático con una mente privilegiada y a punto de descubrir uno de los mayores problemas matemáticos de la historia es algo así como si pusiésemos a Woody Allen protagonizando ‘Jungla de cristal’. El actor no da la talla y punto, nunca debió de salir de clase que por lo menos en las series de televisión no desentona. Pero el resto de personajes sufren más o menos de lo mismo: mal escritos y actores equivocados. Santi Millán y Elena Ballesteros aportan a sus roles absolutamente nada, y en el caso de la segunda, su personaje está introducido a calzador (es el único que no es presentado en el guión). Por otro lado y dejando a un lado las previsibles y ridículas sorpresas que se van sucediendo con respecto a ellos, no existe ni la más mínima compenetración entre los actores, no hay química. Cuatro personajes encerrados en una habitación y no hay ni empatía ni conflictos verdaderos ni nada de nada.

‘La habitación de Fermat’ produce gracia de lo mala que es, y a ratos me pregunto si no estará hecho adrede. Cuado se desvelan todas sus cartas, uno hace memoria y descubre infinidad de incongruencias argumentales que resultan muy cantosas, aún para alguien que acaba de debutar en el cine. SPOILERS. Lanzo simplemente unas cuantas preguntas: ¿quién narices hace las señales con los faros del coche si el culpable está entre ellos? ¿qué garantías tiene el culpable de que Federico Luppi se vaya a dejar la chaqueta, y lo que es peor, cómo es que éste se la olvida? ¿por que el malo es tan gilipollas que mete en la habitación a la única persona en el mundo, aparte de él, que puede dar con la salida de la misma? y lo más delirante de todo: si el culpable tenía previsto escapar por la pizarra, ¿hasta cuando iba a esperar para hacerlo, y los demás le iban a dejar hacerlo? FIN SPOILERS. Y ahora que cito a un actorazo como Luppi, decir que tanto él como Lluís Homar intentan dar algo de calidad al despropósito éste, pero sus personajes están tan mal definidos y ellos tan mal dirigidos que su intervención produce más decepción que otra cosa.

Piedrahita y Sopeña la terminan de armar cuando deciden someter a sus encerrados personajes a enigmas que un niño de diez años sabría si se pone a pensar un poco. ¿No se supone que son mentes privilegiadas? ¿entonces porqué los enigmas que les plantean los conoce todo el mundo? Y para más inri cuando la película contiene momentos humorísticos, éstos parecen salidos de un monólogo tal cual, chistes como el del móvil o el del cinturón de seguridad (¿por cierto, desde cuando un guardia civil acompaña en el coche a una persona que ni lleva carnet de conducir consigo?) son más apropiados para una de las típicas parrafadas del Piedrahita, y no para una película, sobre todo si desentonan del resto.

Una memez como un piano, otro bodrio histórico para nuestro cine. De vergüenza ajena. Señores Piedrahita y Sopeña, dedíquense ustedes a guiones para shows televisivos, que ahí por lo menos cumplen su cometido: hacer reír. Aquí también, pero no era su intención. ¿O sí?

En Blogdecine:

• ‘La habitación de Fermat’, el ‘Cube’ español

Cuando alguien me pregunta que diga cuál esla mejor película, suelo responder que hay tantas, pero que si tengo que escoger la que tiene algo vital para mí, digo siempre ‘Un lugar en el mundo’ de Adolfo Aristarain. Tiene la virtud de matarme emocionalmente, y conozco a gente que no la gusta este tipo de cine, quedarse maravillado con la película.

Me sitúa el prólogo, ahora con los años vividos y la figura paterna en la memoria, como el protagonista, en perpetuo homenaje, como él buscando una señal que me diga cuál es mi lugar en el mundo. Me destroza el epílogo porque no puedo parar de llorar con él, sé que voy a sufrir viéndolo, que no es necesario, pero me armo de valor porque quiero saborearlo de nuevo. Me trae su recuerdo, si acaso fue la única película que fuera del cine llego a ver entera conmigo. De eso la tira de años. Nostalgia, diría.

Cuando la emitieron por primera vez por televisión en Canal +, me encabezoné para que todos la viésemos, sabía que había ganado San Sebastián y que allí había maravillado. Me ayudó que estaba enfermo, y a base de ponerme pesado conseguí que tanto mi padre como mi madre se sentasen delante del televisor. Ambos sin mucho interés en aguantar, yo sufriendo porque la fiebre no me dejase adormilado. Y sin embargo, no hizo falta nada, la melodía de la orquesta bariloche produjo esa noche en el salón magia. El mensaje, la propia calidad de la película, nos tuvo sentados, sin hablar, enganchados a la trama, al vivir según unos principios incorructibles del personaje de Federico Luppi, al progreso que suponía la figura de José Sacristán, el contrapunto entre ambos del personaje de Cecilia Roth. A muchas cosas más que mi memoria no retiene.

En la escena en la que Luppi quema la obra por la que tanto había luchado, esa cooperativa que intentaba hacer frente a la figura del señor de la zona, antes de llegada la práctica común era la explotación a los granjeros, me fijé en mi padre, y en sus ojos llorosos y enrojecidos. No pregunté, supe que la película le había llegado y le había gustado. Con el tiempo, ya no estando él presente, supe que esa escena le impulsó a decidir no dejar a sus trabajadores de lado, cuando el dueño se lo quería llevar con él a otra empresa, que aquello le hizo pensar y comprender que no podía dejarles a su suerte, que al menos se lo debía por todo lo que habían luchado juntos. Que la fábrica se convirtió para él en su Bariloche, en su lugar en el mundo. Al final esa tensión le costó la vida, pero tuvo su tributo, el día de su entierro la fábrica cerró para que sus trabajadores asistieran al mismo. De esos detalles que nunca se olvidan.

Todo eso me trae ‘Un lugar en el mundo’. Como en el monólogo final, una vez fui al cementerio a preguntarle, no cuál era mi lugar en el mundo, sino a traer de entender qué lugar me deparaba la vida. A día de hoy sigo sin saberlo, aunque me gusta recordar estas cosas. Muchas de ellas representadas por la película: dignidad, libertad, tratar de cambiar las cosas, cantar al ser humano, homenajear a la figura paterna… Todo eso significa para mí ‘Un lugar en el mundo’.

Por eso recupero de cuando en cuando ciertas películas. Aunque duela. Pero el cine argentino me puede, y en especial Aristarain, y todo porque dos películas suyas retratan a la perfección la relación con mi padre, ‘Un lugar en el mundo’, y con mi madre, ‘Roma’. Es regresar a lo mismo: la nostalgia.

Prólogo de Un lugar en el mundo

Epílogo de Un lugar en el mundo

Texto del epílogo

Hans anda por Estados Unidos, en Texas, o andaba, aunque tenía ganas de quedarse a vivir. Por lo menos eso decía cuando mandó la última postal, hace como dos años. En cuanto volvimos a Buenos Aires, mamá enganchó una burra en un hospital. Trabaja demasiado, y nos vemos poco. No es por la guita, yo también trabajo y más o menos nos arreglamos. Yo creo que trabaja mucho porque no quiere tener tiempo para pensar. Todavía le cuesta creer que vos no estés. Habla de vos con bronca, como si el infarto hubiera sido culpa tuya. A mí también a veces me da bronca no tenerte al lado para poder hablar con vos. A veces nos haces mucha falta, viejo. Después que pasó lo tuyo, en diez días liquidamos lo poco que teníamos y nos fuimos a Buenos Aires. Yo terminé el primario en un colegio que tenía secundario, como vos querías. Las piedras todavía las tengo, pero no me dio por ese lado. Me dio por la medicina. Ya estoy en tercer año y ahora me presenté a una beca y me salió. Me voy a España. No sé muy bien qué voy a hacer cuando se me termine la beca. Puedo buscar trabajo en Europa, o… no sé, volver a Buenos Aires si la cosa mejora. Me gustaría que me dijeras como hace uno para saber cuál es su lugar. Yo por ahora no lo tengo. Supongo que voy a dar cuenta, cuando esté en un lugar y no me pueda ir. Supongo que es así. Cha, va a aparecer. Todavía tengo tiempo de encontrarlo.

Nota: Lamento si el tono sensiblero o la entrada en sí, pueda no gustaros, pero era algo que me debía a mí y a mis críticos, a los que dudan de los que uno debe o no debe escribir, sobre todo por el tiempo que ha pasado y el recuerdo que me trae ver esta película. Le debía un homenaje a mi padre. Ya está hecho.

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Teo (Diego Martín) es un joven fotógrafo de guerra que se ve implicado en un asesinato cuando regresa a casa. Convertido en sospechoso por la policía y perseguido por unos desconocidos que intentarán matarle, Teo se ve obligado a huir. Al tratar de averiguar quién le acosa y por qué, descubre que todo guarda relación con la fecha de su nacimiento y con una secta milenaria que cree en la existencia de un grupo de elegidos: los 36 Hombres Justos. Pero, ¿quiénes son los Hombres Justos? ¿Por qué alguien se ha propuesto matarlos a todos? ¿Qué tienen que ver con Teo?

‘El último Justo’ cuenta con un excelente diseño de producción y artístico del que cabe destacar especialmente la localización en la que han situado a la secta, un espacio sumamente interesante. Está realizada con gran gusto y tanto su fotografía, como sus encuadres son enormemente profesionales. El sonido está muy trabajado y se busca mucho la creación de ambientes y el relleno de los espacios con sonidos fuera de campo. Esta banda de efectos quizá llega a resultar exagerada, pero al menos existe la buena intención de cuidar un aspecto que se suele dejar muy abandonado.

El montaje de la cinta es ligeramente irregular, pues mezcla recursos modernos como los pasos del tiempo basados en brevísimos planos detalle –cierre de maleta, escaneado—, con otros que son muy rancios, como los encadenados o las cortinillas, y otros difíciles de definir, como un flashback explicativo en el que se llega a señalar con un círculo amarillo un objeto en el suelo. Estas observaciones sobre el montaje se puede realizar escrutándolo muy detenidamente, pero estos detalles no son tan evidentes como para que impidan el disfrute de la película, muy al contrario: se percibirá como un montaje normal y corriente.

‘El úlitmo justo’ es una película muy entretenida y que funciona perfectamente como producto de acción y de terror. Tiene un buen ritmo que hace que en todas las escenas ocurra algo que provoque el avance de la trama. Salvo por un final un tanto cuestionable, pero no incongruente; todo lo que ocurre en el guión encaja. Y esto es algo que no se suele poder decir de los thrillers similares.

Tiene elementos en común con otros films de Filmax, pues en muchos de ellos se habla de una secta religiosa que se propone acabar con una serie de individuos. Estas similitudes se encuentran más concretamente con ‘El segundo nombre’, ya que, si en ella tomaban como figura emblemática a Abraham, aquí se trata de Herodes. La iglesia siempre mezclada y la figura de un cura anciano que desvela la mayor parte de la información, pero a quien nadie ha hecho caso hasta este momento, también son coincidencias con la ópera prima de Paco Plaza.

En el apartado actoral nos encontramos a Diego Martín con un papel protagonista un tanto diferente al que acostumbra a interpretar en las series por las que le conocemos y en anteriores films. Aquí ya no es un pringado que se amolda a lo que ocurre, sino que se trata de un personaje que toma las riendas de su vida. Martín ha sabido encajarse en este papel y está muy correcto. Otro rostro que se ha visto en series, además de en películas, es Antonio Dechent, que recrea a un inspector de policía sumamente español y lo hace con mucha gracia. Ana Claudia Talancón actúa con gran credibilidad.

No resulta igual de bien la interpretación de Goya Toledo, que tiene una dicción muy extraña quizá porque trata de eliminar algún acento. Aunque siempre defiendo el sonido directo, es una de esas actrices que dan ganas de reivindicar que se las doble, pues físicamente no actúa nada mal. Los que hacen de malos de la película y también los que están a favor del personaje de Míriam son los que menos credibilidad suscitan, pero quizá, más que por culpa de los actores que los encarnan, porque la parte oscura del film se ha tratado de forma demasiado siniestra. Se salvaría Federico Luppi, pues mal actor es difícil que resulte, pero sí se puede decir que se ha convertido ligeramente en una caricatura.

‘El último Justo’ es una película muy considerable, de mucha mayor calidad de lo que pueden hacer creer su título y su cartel. No habría que dejarla pasar.

A continuación se puede ver el tráiler de ‘El último justo’, que se estrena el viernes, 29 de febrero:

Muchas veces, por ejemplo con ‘La zona’ o ‘Adiós, pequeña, adiós’, quiero decir que para ser una opera prima el resultado es muy bueno. Y luego me da reparos, ya que hay operas primas en la historia del cine que son obras maestras. Sin embargo, con ‘La habitación de Fermat’ nos encontramos claramente ante uno de esos casos de opera prima con los fallos esperables en alguien que comienza. O que al menos queremos achacar a ese motivo porque deseamos que sus siguientes films sean mejores.

A pesar de los evidentes defectos de este film se puede decir que aparentemente funciona, pues tiene un par de buenos momentos hacia el final que dejan con un recuerdo más positivo que negativo, especialmente si no te planteas muchas cosas. Pero si nos ponemos a analizar detenidamente su guión, no hay por dónde cogerlo.

La primera cuestión es el retrato de personajes de los matemáticos. Son personas que tendrían que tener cocientes intelectuales superiores al 150 y, sin embargo, las frases que pronuncian no las diría ni el más tontito de una película de adolescentes descerebrados. Y no es que los hayan querido mostrar como personas extrañas, asociales o autistas, cosa que daría más juego, sino que se ha intentado que parezcan mentes brillantes, pero con un comportamiento normal. Por supuesto, el reparto no ayuda a paliar esta tremenda deficiencia y es imposible que nos creamos a ninguno de los protagonistas en sus papeles.

‘La habitación de Fermat’ consiste en plantear un juego: es la inteligencia de los presentes lo que los debería sacar del encierro. SPOILER Por ello resulta absolutamente frustrante que la solución la encuentren de forma casual en lugar de utilizando la cabeza. FIN DEL SPOILER. Éste es el fallo de guión mayor de todos. Aparte de eso, los juegos supongo que son demasiado fáciles para eminentes matemáticos.

Una cosa es que haya juegos dentro del guión y otra muy distinta que los autores se lo hayan planteado como un juego. El punto de partida de ‘La habitación de Fermat’ es interesante, aunque no demasiado original, pues ahí tenemos la evidente referencia de ‘Cube’. A partir de ahí, los guionistas y directores han desarrollado el guión sin demasiado trabajo y, a pesar de no tener suficientes conocimientos matemáticos, han introducido las primeras pruebas que han encontrado. Aquí se nota una falta de seriedad a la hora de elaborar el guión que no debería admitirse por muy benevolentes que seamos como público. Si se quiere presentar a gente con inteligencia superior, habría que hacer un mínimo esfuerzo para que colase. O bien se pide asesoría, o bien se investiga… o como mínimo se le dan más vueltas a las cosas.

Mira que soy defensora del humor, pero no del humor a cualquier precio. He oído chistes malos y luego están los de ‘La habitación de Fermat’ . Tanto que necesitan ser recalcados para que se note que son bromas. Aunque fuesen buenos supondrían una salida de tono no porque no quepa el humor en las películas serias, sino porque este estilo de chistes no encajan en las situaciones y los personajes.

En cuanto a lo que no es guión o interpretación de actores, se pueden encontrar también muchos detalles algo cutres. En este aspecto es donde decía que espero que se deba todo a que es una opera prima y que los directores vayan aprendiendo para próximos trabajos. Con un bueno guión, estos defectillos de producción se podrían obviar sin el más mínimo problema.

Resumiendo: la premisa es buena y tiene momentos resultones que pueden hacer que se salga de la sala con una impresión positiva. Pero en un análisis algo menos somero, en seguida se encontrarían incongruencias.

Aquí se puede ver el tráiler y la página oficial.

En Blogdecine | Se rueda ‘La habitación de Fermat’, con Santi Millán, Alejo Sauras y Federico Luppi.