El director de fotografía José Luis Alcaine, nacido en Tánger hace setenta y dos años, que ha trabajado para los directores más prestigiosos y célebres del panorama nacional y que es responsable de la luz en películas como ‘Canciones para después de una guerra’, ‘Demonios en el jardín’, ‘Más allá del jardín’, ‘El sur’, ‘Tasio’, ‘La corte del faraón’, ‘El viaje a ninguna parte’, ‘¡Ay, Carmela!’, ‘Amantes’, ‘Jamón, jamón’, ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’, ‘Belle Epoque’, ‘Roma’, ‘Al sur de Granada’, ‘Volver’, ‘Las trece rosas’ o ‘La piel que habito’, entre muchas otras, recibe hoy la Medalla de Oro de la Academia de cine, de manos del presidente de la institución, Enrique González Macho. Alcaine ya había obtenido el Premio Nacional de Cinematografía 1989, cinco Premios Goya, el Cóndor de Plata, el Premio de la Academia Europea por ‘Volver’ y el Ricardo Franco del Festival de Málaga.

La ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, el presidente de la Academia, Enrique González Macho, Leonor Watling, Juan Diego Botto, Concha Velasco, Bigas Luna, Aitana Sánchez-Gijón, Natalia Verbeke, María Esteve, Gonzalo de Castro, Ray Loriga, Verónica Sánchez, Enrique Cerezo y Pilar Bardem, asistirán esta noche a una cena homenaje para uno de los operadores más reconocidos del cine español.

La Medalla de Oro, que se concede con ese nombre desde 1991 –en 1986 se entregó con otra denominación–, es uno de los galardones más importantes que entrega la Academia de la Artes y de las Ciencias cinematográficas de España. Es decisión de la Junta directiva y su objetivo es ofrecer un homenaje en reconocimiento a quienes han contribuido con su trayectoria profesional a mejorar el cine español en el aspecto industrial o en el artístico.

Los anteriormente homenajeados con esta medalla fueron: La actriz Rosa María Sardá en 2010, Carmen Maura en 2009, en 2008 Maribel Verdú, en 2007 el director, animador, dibujante y técnico de efectos visuales Pablo Nuñez; Geraldine Chaplin, también actriz, en 2006; Basilio Martín Patino, director, productor, escritor e investigador, en 2005; Antonio Banderas, en 2004; Concha Velasco, en 2003; Carmelo Bernaola, músico y compositor, 2002; Fernando Fernán-Gómez, en 2001; José Luis Borau Moradell, en 2000; Gil Parrondo, decorador, en 1999; Elías Querejeta, en 1998; Sara Montiel, en 1997; en 1996 se celebró el Centenario de cine y se entregaron 46 Medallas de Oro. En 1995 la medalla fue paa la actriz Ana Belén, mientras que en 1994 la había recibido el productor Alfredo Matas. En 1993 recayó en Francisco Rabal, tras haber sido entregada en 1992 a Carlos Saura, y haber comenzado en 1991 con Fernando Rey. En 1986 se concedió al Responsable de la productora CIFESA, Vicente Casanova.

Vía | Academia.

Con motivo del veinticinco aniversario de ‘El espíritu de la colmena’, tuvo lugar el documental que hoy colgamos aquí en la web, y que repasa, con gran criterio y gran admiración por esta bella película, todos los entresijos y todos los impulsos creativos que la hicieron posible, así como su impacto en el cine español, y una cuidadosa puesta al día de sus significados, a cargo del guionista Carlos F. Heredero, en la actualidad director de Cahiers España.

Además, y con gran inteligencia, hay una elaborada puesta en escena de un regreso virtual, tantos años más tarde, al mismo pueblo donde se rodó la película, Hoyuelos, en la que proyectan la película de Erice (del mismo modo que en la ficción de Erice se proyecta la película de James Whale), creando así un juego de espejos del tiempo, que reverbera en el fondo de la creación artística y se erige como hermoso homenaje a una obra inmortal del cine español.

Parte 1

Pocos documentales se acercan con tanto conocimiento a las razones personales, casi íntimas, que provocaron el nacimiento de una obra maestra. Por no decir que pocos documentales se preocupan, simplemente, por este tipo de razones. Suelen ser, más que nada, aparatos de marketing, o bien argumentaciones intelectuales o lugares comunes acerca de películas famosas. Esta película no tiene nada que ver con eso.

Parte 2

Por otra parte, establece tres momentos temporales, y todos ellos son tanto imaginarios como reales. 1940, 1973 y 1998 son los tres espejos que se reflejan unos a otros. 1940 es la época de la ficción de Erice, un tiempo histórico real. 1973 es la época, los últimos años del franquismo, en que se hizo la película. Y 1998 el año del aniversario y documental. Tres ejes temporales sobre los que se sustentan los andamiajes narrativos de este trabajo documental.

Parte 3

Resulta un verdadero tesoro poder escuchar (y ver los rostros de) a los creadores de la película. No hay nada prescindible en las palabras de Victor Erice y Angel Fdez-Santos. Más bien nos hacen desear que cuenten más cosas, y que otros cineastas de gran calibre hablasen así de los motivos y los secretos de sus creaciones líricas. Además, son creadores humildes y cultos. A partir de aquí, cualquier tipo de ‘making of’ se antoja de una trivialidad y una chabacanería recalcitrantes.

Parte 4

Y a lo que decía antes no hay nada tan significativo como las palabras de Erice (alrededor min. 2) acerca del hermoso plano de la niña observando el momento de la muerte en la película, que según él es el más importante que filmado jamás. Heredero y sus colaboradores supieron donde preguntar, y qué preguntar, y que las palabras de Erice serían irrepetibles. Cuántas veces he deseado que importantes cineastas hablen con tanta franqueza de su propio trabajo.

Parte 5

Que venimos del fascismo es algo incontestable, y que están plantadas las semillas de un nuevo fascismo (o de los albores del fascismo) es otra realidad incontestable, pues hemos olvidado, o hemos tratado de olvidar, que es lo que nunca podemos hacer. Y esta película se encarga de apuntarnos con el dedo, como dice Fdez-Santos.

Excelente documental, en suma, que espero pueda ser disfrutado por el máximo de lectores, y que espero, también, que sea el complemento ideal a la crítica que esta mañana publicábamos en Blogdecine sobre la película.

“Te lo he dicho, es un espíritu. Si eres su amiga, puedes hablar con él cuando quieras. Cierras los ojos y le llamas. Soy Ana…Soy Ana…”

-Isabel

En 1973 nació la que posiblemente es la más hermosa película española del siglo XX, que aún ostenta ese rango porque Elías Querejeta impidió que otra película del mismo director, en 1984, pudiera arrebatárselo. Uno de los pocos filmes españoles realmente poéticos, en el sentido real de la palabra, que nada tiene que ver con cantar las odas de un mundo onírico, o con imágenes celestiales de belleza sólo aparente, sino, sobre todo, con la energía de la realidad, de la vida misma, a ras de suelo, que es el verdadero territorio de los grandes poetas. Porque la vida misma, tal cual, se sustenta en conexiones poéticas auténticas, que desafían toda razón.

En pocos años, este bello e indómito filme cumplirá cuarenta, que se dice pronto, porque viéndola de nuevo no da la impresión de que se hayan cumplido cuatro décadas desde su realización, sino que se hizo ayer mismo. O, mejor dicho, que está situada bastante por delante de la mayoría de las películas que se hacen ahora mismo, pues muchas de sus imágenes no tienen explicación racional directa, sino que actúan como caja de resonancia interior de cada nuevo espectador. Su peripecia se encuadra en los primeros años de la posguerra civil española, pero el viaje iniciático de la niña es universal.

Víctor Erice sólo había filmado de manera profesional, hasta entonces, un segmento del filme colectivo ‘Los desafíos’, y pocos podían presagiar tal despliegue de sabiduría, serenidad, humildad y sensibilidad. Cuenta, Erice, varias películas dentro de una película. Una película que es, en el fondo, un canto de amor al cine primigenio: el de las salas de cine de barrio que descubría, a los hombres y mujeres de los pueblos, los grandes títulos norteamericanos de la época. Pero más que eso: una indagación lírica del descubrimiento del mundo, precisamente, a través del cine. La niña Ana (Ana Torrent, una actriz mucho más interesante cuando todavía no era totalmente consciente de sí misma…) se encuentra, por primera vez, con la muerte.

La infancia, por tanto, como universo en el que las mismas sombras, o los más sencillos sonidos, conforman constelaciones sensoriales, que nos hacen creer que todo es posible. A medida que crecemos, crece también nuestra autoconciencia, pero disminuyen nuestras percepciones. Para Erice, que sabe que nunca seremos tan sabios como cuando éramos niños, la conciencia no es vehículo de la belleza pura, sino la percepción. En realidad, es una declaración de principios estética, que rechaza un cine narrativo, lógico, en favor de un cine sensorial, en el que las emociones y las imágenes más sencillas son las que dictan todo el sentido.

Viendo ‘El doctor Frankenstein’, Ana se topa por primera vez con la muerte, de manera directa y brutal. Los cuentos de terror como evocadores de los más profundos miedos, que se extienden sobre todo lo que desconocemos. Tanto ella como Isabel asisten a este simulacro de muerte, que es cuando la criatura lanza al mar a la niña, al haberse quedado sin pétalos. Ana, sin embargo, carece de un cierto sentido sádico o cruel, que es natural en Isabel. De modo que pronto el relato se desgaja, y mientras la segunda se acerca a la muerte de una forma, Ana lo hará de otro. Así, palpitan en la secuencia, imágenes perturbadoras, como el momento en que Isabel estrangula al gato, o cuando se hace pasar por muerta con increíble convicción.

Ana es muy diferente, es más contemplativa, no participa tanto de la muerte como lo que le interesa averiguar lo que sepa de ella misma. Cree las mentiras de Isabel, y quizá su autoconciencia sabe que miente, o que prefiere pensar que miente, pero algo en su interior le empuja, primero, a visitar al maquis que se esconde en la casa abandonada (Ana no pretende usar a la muerte, como Isabel, sino mirarla de frente). Y segundo, tomando la seta alucinógena y enfrentándose directamente a sus miedos. De modo que también podemos decir que hay un profundo poso espiritual y luminoso en esta película, pues en su fondo conviven los miedos a la muerte con la negación de esta como ente real. La muerte como liberadora de un mundo de sombras, o quizá, simplemente, como una mentira de un mundo de ficción. Pero hay más enfrentamientos directos con la muerte, como el crucial en el que Ana mira al tren llegar, de pie sobre la vía, imagen que entronca también, por supuesto, con los inicios del cine.

El color miel

No por casualidad dice Víctor Erice, en el documental ‘Huellas de un espíritu’, que a fin de cuentas lo que Ana tiene es una fe extraordinaria. Porque de fe se trata, una fe coloreada de miel, que parece el alimento del alma. Las colmenas como imagen representativa de la vida de la posguerra, pero también del estado en ebullición de personajes perdidos, melancólicos, como el de Fernando Fernán Gómez o Teresa Gimpera, que interpretan a seres que son meras sombras, anonadados por la tristeza de un mundo que se ha derrumbado y para el que ya no encuentran motivos de alegría. Son fantasmas para Ana, que se adentrará en una peligrosa senda del conocimiento sin la ayuda de sus tutores, aunque al final pueda beber el agua de la fuente que tan lejos parecía encontrarse.

Luis Cuadrado, el operador, y Victor Erice, colorean de miel los interiores, mientras despojan de toda luz solar (y por tanto vital) los exteriores. Las composiciones lumínicas parecen inspiradas, directamente, en la obra pictórica de Vermeer, pero no hay nada exageradamente pictórico en ellas, sino que son el punto de partida para espacios en los que parece que el estado anímico de los personajes está a punto de explotar, por lo que son imágenes de gran potencia visual, que flotan por encima del suelo con mayor energía que cualquier intento de poesía barata concebida a base de preciosismos o hiperrealismos.

Muchos, sin embargo, no entran en este estilo de poesía en imágenes, sino que proclama su absoluta incomprensión o hartazgo de una antitrama concebida, precisamente, como respuesta a todo cine predigerido o comercial. Los autores de la historia, Erice y Ángel Fdez-Santos, nos hablan de sus recuerdos, de su niñez, y elaboran los fantasmas y los vericuetos de otra niñez, como portadora de los verdaderos enigmas de una vida de imágenes sinuosas.

El filme ganó la Concha de Oro en el Festival Internacional de cine de San Sebastián (de hecho, fue la primera película española en ganarla), y aupó a su director al exclusivo grupo de auténticos autores cinematográficos, que son muy pocos, y cada vez menos. Aunque su carrera quedó parcialmente frustrada por la infame mutilación del rodaje de ‘El sur’, que podría haber sido una obra maestra todavía con más peso que esta.

‘Asesinato justo‘

Dos condecorados policías, Robert de Niro y Al Pacino, que después de 30 años como compañeros, se enfrentan a la jubilación, para la que no están preparados. Antes de que “cuelguen” sus placas son llamados para investigar el asesinato de un conocido proxeneta, que parece estar ligado a un caso resuelto por ellos en el pasado. Igual que en el crimen de entonces, la víctima es un presunto delincuente, y en el cuerpo se ha encontrado un poema de cuatro líneas que justifica el asesinato. Cuando los crímenes de presuntos criminales comienzan a sucederse, se ve con claridad que los detectives se enfrentan a un asesino en serie, cuyo objetivo son aquellos criminales que se han escabullido entre las grietas del sistema judicial.

Se trata de la edición especial de 2 discos que viene con extras que incluyen escenas eliminadas, entrevistas y enlaces webs, que a uno le da por pensar que sentido tienen en el DVD. ¿La película? Ahí, interviene vuestra conciencia. Por aquí no ha gustado.

Críticas en blogdecine:

• ‘Asesinato justo’: Pacino y De Niro se lucen, mientras el guionista… se luce

• ‘Asesinato justo’, estrellas que se apagan

Seda

La epidemia de la enfermedad del gusano de seda que atacó a los huevos en los criaderos europeos a mediados de 1860, se extendió a ultramar, condenando a todo el comercio europeo de seda a desaparecer. Para continuar con su lucrativo comercio, Baldabiou decide enviar al joven oficial militar, Herve Joncour, a una peligrosa misión en Japón, separándolo durante meses de Helene su encantadora y devota esposa.

Viene sin extras esta adaptación de la novela de Alessandro Baricco, donde Michael Pitt y Keira Knightley dan vida a los personajes principales. ASí que el DVD aporta más bien poco (no aprendemos de loas americanos). Obra pensada para los seguidores de la novela.

Críticas en blogdecine:

• ‘Seda’, suave historia de amor

Colección David Lean

Antes de que se dedicase David Lean a las grandes superproducciones, haciendo películas imperecederas, se labró una carrera en el Reino Unido bastante interesante, con alguna que otra gran obra. En esta coleccion de ocho películas, y con alguna edición remasterizada, podemos ver ‘Breve Encuentro’, ‘El Espíritu Burlón’, ‘Oliver Twist’, ‘La Vida Manda’, ‘Madeleine’, ‘Amigos Apasionados’, ‘Cadenas Rotas’, ‘Sangre, Sudor, Lágrimas’ (inédito en DVD). Es lo mejor de las semana, y cine imprescindible para aprender con el resto de la obra de un gran director de cine.

En blogdecine:

• Oliver Twist
• Recordando a David Lean
• Mis películas favoritas (III): Años 40

• Mis historias de amor favoritas

La conjura de El Escorial

La Conjura de El Escorial es un thriller histórico con intrigas políticas y policíacas, encuadrado en las luchas y disputas entre la Casa de Alba y sus fieles por un lado y la Casa de los Mendoza con Antonio Pérez y la Princesa de Éboli por otro. La noche del lunes de Pascua de 1578, unos asesinos a sueldo emboscan a Juan de Escobedo, dándole muerte… Esa es la sinopsis, de una película que hace agua por todas partes. Superproducción española que ignora en las edición en DVD lo que significa la palabra extra y el provecho que le podía haber sacado a lo único salvable de la película, los exteriores donde fue rodada.

El país del agua

Tom, un profesor inglés de Historia, enseña en un instituto donde se instaló con Mary, su mujer huyendo de su pasado complejo y traumático vivido en las tierras pantanosas del Este de Inglaterra. Ahora Tom, atormentado, decide contar la historia de su vida a los alumnos.

Adaptión de la gran novela de Graham Swift, con una interpretación sobresaliente de Jeremy Irons. Si la película sirve para que os acerquéis a la novela, habrá cumplido con su objetivo, y más, cuando adaptar esa obra son palabras mayores. Edición muy simple la en DVD la que ve la luz.

Estrenos de Fernando Fernán Gómez

Varias son las películas de este gran actor las que ven la luz, en una colección que va recuperando algunos de sus trabajos, no tan conocidos para el gran público, ese que mira para otro lado cuando se le comenta que estos actores tienen carrera más allá de los años 70, y que había directores que se atrevían a realizar películas diferentes a las que todos pensamos.

• ‘Crimen imperfecto’

Dos detectives privados llamados Salomón y Torcuato, se dedican a la investigación de las conductas dudosas e informes laborales. Su nuevo caso se trata de un desfalco de doscientos millones. El perjudicado ha sido Don Gregorio, personaje que sufrirá un intento de asesinato en el propio edicifio de los investigadores. Es de 1970, dirige Fernán Gómez y la protagoniza junto a Jose Luis López Vázquez.

• ‘El último caballo’

Fernando acaba de terminar la mili en el cuerpo de caballeria. Decide comprar a Bucéfalo, el caballo que ha sido su compañero durante este tiempo y regresa a Madrid llevándose consigo al animal. Todo ha cambiado, la ciudad ya no es la misma y no encuentra cuadras. De hecho ni siquiera tiene tiempo para atenderle, de modo que tiene que buscar una solución e incluso apartarse del caballo. De 1950, y bajo la batuta de un gran director como Edgar Neville.

• ‘Un marido de ida y vuelta’

Un marido dominado por su autoritaria esposa fallece de un ataque cardíaco el día que, para acudir a un baile de disfraces vestido de torero, su mujer le había obligado a afeitarse su queridísima barba. Entonces su espectro comienza a pasearse por la casa y a provocar los más inesperados enredos, hasta que logra materializarse y vuelve para instalarse definitivamente y recuperar a su amada, ahora ya convertida en otro espíritu dulce y comprensivo, tras una nueva muerte no menos accidental. De 1957, y bajo la dirección de Luis Lucía

Estrenos de Natalie Wood

Otra colección de películas en DVD para conocer algunas de las interpretaciones de una actriz que en sus primeros papeles en el cine entró por la puerta grande. Otras de sus actuaciones son:

• La carrera del siglo

La fábrica automotriz Webber es contactada por el Gran Leslie, un prestigioso acróbata de principios del siglo XX, y le propone demostrar la superioridad de sus autos a través de una enorme carrera entre Nueva York y París. Preparado para sabotear sus planes está el Profesor Fate, que le tiene una enorme envidia por sus logros deportivos, y decide anotarse en la carrera. Mientras tanto, la feminista y aspirante a reportera Maggie DuBois se encuentra presionando a los editores del diario El Centinela para que le den trabajo y la anoten en la carrera; pero hasta que la esposa del dueño del periódico no se una a la causa y desplace a su marido no tendrá éxito. Una vez lanzada la contienda, el Profesor Fate y su ayudante Max le tenderán numerosas trampas al Gran Leslie para provocar su abandono; pero las cosas se complicarán en extremo cuando lleguen al reino de Potsdorf, donde Hapnik, el príncipe aspirante a la corona, resulta ser idéntico al Profesor Fate, y éste se vea envuelto involuntariamente en la conspiración de sustituirlo para dar un golpe de estado a favor del Baron Von Stuppe. Sólo Leslie, Max y la joven DuBois podrán impedirlo.

En 1965 Blake Edwards, junto a la actriz, Tony Curtis y Jack Lemmon, se propuso hacer un homenaje a varios de los géneros de la historia del cine. Muy entretenida, mil veces vista en la sobremesa de nuestras cadenas de televisión, destaca, como siempre, elgran Jack Lemmon.

• ‘La pícara soltera’

Helen Gurley Brown (Natalie Wood) es la autora del exitoso libro La Pícara Soltera, basado en las relaciones entre hombres y mujeres. Bob Weston (Tony Curtis) es un famoso editor de revistas que pretende descubrir la veracidad del libro. Curtis y Wood se ponen en guardia para una alegre y simpática batalla de sexos en esta obra divertida y sin pretensiones inspirada en el best seller de Brown. Estrellas veteranas se unen al combate cómico. Henry Fonda y Lauren Bacall hábil y deliciosamente interpretan a la enfrentada pareja vecina de Bob. Mel Ferrer, Edward Everett Horton y Count Basie también se ven entre los dos fuegos del hará/no hará ella, debería/no debería hacer ella.

De 1964 y dirigida por Richard Quine, director con varias películas interesantes. Si por algo destaca este film es por sus secundarios, especialmente esa pareja formada por Fonda y la Bacall.

• ‘La rebelde’

Narra la historia de Daisy Clover, una “garçonne” de 15 años cuya carrera artística nace tan rápido como muere. Es 1965, y la actriz repite con el productor Alan J. Pakula y el director Robert Mulligan tras el éxito de ‘Amores con un extraño’. Junto a Natalie Wood, está Christopher Plummer y Ruth Gordon (como la madre de Daisy), papel con el que esta gran secundaria (y excelente guionista), obtuvo una nominación al Oscar.

Retratos de Soledad

Película fallida en la que cuatro personajes buscan vencer sus demonios interiores y recuperar el control sobre sus vidas. Dirigida por Ryan Estinger y con Sharon Stone y Timothy Dalton de protagonistas de un par de esas cuatro historias. Paso por la cartelera sin llamar la atención, como le pasa a este DVD sin extras ni nada interesante que destacar.

Vía | Zona DVD

La polémica ha surgido porque en el libro, el autobiografiado se despacha sin pudor con respecto a sus compañeros de trabajo, productores y directores. Pero lejos de retractarse, Landa afirma que ha “leído el libro y he pensado que lo he escrito yo. Porque se ha metido tanto, tanto en mi alma…”.

Entre las lindezas… o landezas, encontramos insinuaciones de invitaciones a camas redondas del productor Alfredo Matas y la actriz Amparo Soler Leal; duros comentarios sobre Tony Leblanc, Gracita Morales, Josele Román o José Luis López Vázquez –al que llama El Morito por cómo robaba los papeles—; acusaciones de trapicheos del premio de interpretación de Cannes que compartió con Paco Rabal por ‘Los santos inocentes’...

Landa sólo pidió perdón por la mala trascripción de sus comentarios sobre Fernando Fernán-Gómez. “Emma Cohen me llamó y me puso a parir. Y hoy pido el favor que conste que nunca he llamado maltratador a Fernando”.

Ya nos había comentado Teresa que Alfredo Landa no se corta un pelo cuando declaró tras la promoción de ‘Luz de domingo’: “Antes loco que recibir el Goya de manos de Garci”. Sin embargo, anoche se reconcilió con el director y dijo entre risas: “gracias al libro he recuperado el cariño de éste –señalando a José Luis Garci—. Es el mejor talento cinematográfico de este país. A este jodido lo he querido con locura, y lo sigo queriendo”.

El oscarizado director comentó: “No he leído el libro, pero hay dos cosas de Alfredo que seguro estarán ahí. Una es absolutamente verdad. Hace los mejores martinis porque los crea con giros del alma. Otra es absolutamente falsa. No juega bien al mus”.

Podríamos quedarnos con el punto positivo de su reconciliación con Garci, pero llama más la atención esas palabras tan agrias que Landa dirige a todos sus compañeros de profesión. Parece mentira que una persona que ha disfrutado siempre del éxito y del cariño del público, cuyo apellido dio nombre a una especie de subgénero, el “landismo”; que se ha retirado porque ha querido y no porque le faltase trabajo y que ha estado rodeado de talentos muy superiores al suyo no pueda albergar nada más que odio.

O bien se trata de eso o bien estamos ante un movimiento de puro cotilleo y Ordóñez se ha dedicado a contar anécdotas embarazosas para asegurarse las ventas del libro. En cualquiera de los dos casos, me parece una pena que se acabe así una carrera profesional y que lo mejor que tenga alguien tan célebre para contar en su biografía sean rumores sobre los demás.

Fuente | El País.

Más información en Blogdecine sobre Alfredo Landa.

Además de los estrenos que llegan esta tarde, también queremos recomendaros otras opciones de ocio cinéfilo para los que viváis en Madrid o vayáis a pasar aquí unos días.

Se trata de la exposición ‘Cine español. Una crónica visual’, que se puede visitar en el Instituto Cervantes de Madrid y que se compone de más de ciento veinte fotografías, un libro, treinta carteles, un apartado especial dedicado al actor, escritor, guionista y director Fernando Fernán Gómez, y el montaje audiovisual titulado ‘Cerca y lejos. Imágenes del cine español’.

Con ello se repasa la historia y evolución de nuestro cine desde sus orígenes en 1896 hasta hoy en un “un recorrido estético y emocional”, como lo ha definido Carmen Caffarel, directora del Instituto Cervantes, quien añade que “a través del cine se ve la evolución de la sociedad española” y que la muestra “no sólo nos gustará, sino que nos enternecerá a todos”.

El director de cine José Luis Borau ha lamentado “la injusticia y el desconocimiento” que ha padecido el cine español, con frecuencia denostado no sólo por los extranjeros, sino por los propios españoles: “Los españoles nos caracterizamos por ser enemigos de nosotros mismos”. Se han producido “una serie de películas asombrosas incluso en las épocas más negras, algunas incluso verdaderamente renovadoras”. Por eso, es “injusto y estúpido” que algunos españoles mantengan “la disparatada postura personal” de calificar como malo el cine español cuando no les gusta una película concreta. “Espero que esta exposición nos abra los ojos”, concluye.

El comisario de la exposición, García de Dueñas, añadía: “No me he planteado la exposición desde un punto de vista reivindicativo, sino como un gastrónomo de este cine, hay que hacer justicia al cine español, es cierto, y aquí mostramos su calidad, que es altísima”.

La muestra está organizada por el Instituto Cervantes, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) y Lunwerg Editores. Colaboran la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), adscrita al Ministerio de Cultura; el Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA); Egeda y la Fundación Borau, con el patrocino de Caja Castilla La Mancha.

La exposición permanecerá abierta al público hasta el 11 de enero y viajará más tarde a Nueva York, Sidney y Manila.

Vía | Instituto Cervantes.

En ‘Fuera de carta’, Nacho G. Velilla dirige a Javier Cámara, Lola Dueñas, Fernando Tejero, Benjamín Vicuña, Luis Varela, Chus Lampreave, Cristina Marcos, Alexandra Jiménez, Junio Valverde en una comedia que cuenta la historia de Maxi (Javier Cámara), un cocinero de reconocido prestigio, propietario de un restaurante de moda en Chueca y que vive su homosexualidad sin complejos. Maxi cree que su vida es perfecta, sin embargo, la aparición de sus hijos, fruto de un matrimonio “de escaparate”, y de su nuevo vecino, un atractivo ex futbolista argentino, dinamitarán su vida y le harán replantearse su escala de valores.

Fuente | La butaca

José Luis Borau, el director de cine nacido en Zaragoza en 1929, fue elegido el jueves para cubrir el sillón B de la Real Academia Española (RAE) que dejó vacante Fernando Fernán-Gómez.

Borau es autor de películas como ‘Mi querida señorita’, ‘Furtivos’, ‘La Sabina’, ‘Tata Mía’ o ‘Leo’, o series de televisión como ‘Celia’. Ha sido actor, productor, director, crítico, profesor de cine y, sobre todo, guionista. Con José Luis Borau –preside actualmente la Junta de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), pero declara que no volverá a firmar este copromiso— el guión, que él considera un género literario, ingresa en la Real Academia Española.

José Luis Borau había propuesto que Rafael Azcona, recientemente fallecido, entrase en la Real Academia. Pero el guionista rechazó la oferta. Juntos habían escrito el guión de ‘Las hermanas del Don’ que, de momento, permanece “en un cajón” y Borau reconoce que echa muchísimo de menos a su colega.

Borau opina que la salud del guión es, “aquí y en todo el mundo, mala. No hay buenas historias, no hay ideas. En Hollywood hacen tontería detrás de tontería, el esplendor de los años 30, 40 y 50 ha pasado a la historia. El cine carece de buenos guionistas, por eso la pérdida de Rafael Azcona es… Una figura así es muy difícil de sustituir”. Continúa diciendo que “tener la doble cualidad de ser un cineasta en potencia y escritor no es fácil. La tercera pata del problema son los productores, que quieren hacer lo que ya conocen”. Y, cuando le preguntan por los autores salidos de la televisión, responde que “es cierto que está siendo una cantera, pero la televisión marca mucho. Estando muy cerca, cine y televisión son distintos, tienes que conocer muy bien los límites de los respectivos campos a la hora de concebir las imágenes, la importancia de los diálogos…”

Desde hace tres años, Borau prepara el libro ‘El cine en nuestro lenguaje’, un encargo de la cátedra ‘Jorge Guillén’ de la Universidad de Valladolid que refleja la influencia que ha tenido el cine en el lenguaje de las últimas décadas y que aparecerá en los próximos meses. El cineasta declaró refiriéndose a la investidura como miembro de la RAE que su “discurso de ingreso será un resumen de ese libro y una demostración palpable, por si cabía alguna duda, del peso del cine en la lengua y la literatura españolas”. Según el cineasta, “el libro encaja muy bien con la Academia porque busca nuevos giros, nuevas expresiones y nuevos vocablos, pero si le interesa otro aspecto trataré de cumplirlo lo mejor que pueda”.

‘El cine en nuestro lenguaje’ recoge expresiones, vocablos y palabras que forman parte del lenguaje de todos los días y que provienen de películas, como por ejemplo, “Nadie es perfecto”, de ‘Con faldas y a lo loco’ o “Siempre nos quedará París”, de ‘Casablanca’. De los hermanos Marx hemos adoptado varias, valgan los ejemplos de: “¡Más madera, es la guerra!” o “¡Y dos huevos duros!”.

Otros casos no son de frases imitadas tal cual, sino de términos que han entrado en nuestro vocabulario gracias al cine: “Rebeca”: se llama así a la prenda por la película de Alfred Hitchcock. “Hombres machos”, según Borau, entra en España por influencia de los films mexicanos. “Bocata” lo inventaron los actores y técnicos italianos durante el rodaje de coproducciones y que italianizó la palabra bocadillo. En su obra, Borau también incluye expresiones como “La cagaste, Burt Lancaster”, que hoy en día ya está bastante pasada de moda.

Más información en Blogdecine sobre Fernando Fernán-Gómez y Rafael Azcona.

Fuente | El País.

Nacido en Lima (Perú) hace 86 años, el actor y creador fue ingresado hace algunas semanas en la sección oncológica del Hospital de la Paz de Madrid. La familia había rogado al centro que no facilitase a la prensa información sobre su estado, pero se podía prever que era grave. En enero del año 2000 había sido internado por un cáncer de colon del que parecía haberse recuperado.

Repasar ahora los títulos en los que participó como actor para otros directores, se haría eterno, pero se podrían destacar sus interpretaciones en ‘Domingo de carnaval’, ‘Balarrasa’, ‘El sistema Pelegrín’, ‘Vida en sombras’, ‘Esa pareja feliz’, ‘Morena clara’, ‘Un marido de ida y vuelta’, ‘El anacoreta’, ‘Reina Zanahoria’, ‘Mamá cumple cien años’, ‘Feroz’, ‘Réquiem por un campesino español’, ‘La corte del faraón’, ‘El rey pasmado’, ‘Belle Époque’, ‘El abuelo’, ‘Pepe Guindo’, ‘Todo sobre mi madre’, ‘La lengua de las mariposas’, ‘El embrujo de Shanghai’, ‘En la ciudad sin límites’, ‘Tiovivo circa 1950’, etc…

En todas ellas sus trabajo tanto de voz como corporal era inmenso, dotando siempre de enorme carisma a sus personajes a la vez que demostraba una gran capacidad para variar de tipo, pues tanto podía hacer de oficinista gris apocado, como de demonio o crápula.

Los títulos dirigidos por Fernán Gómez presentan algunas innovaciones formales cinematográficas, como el flashback tartamudo de ‘La vida por delante’ que no se pueden calificar con una palabra por debajo de “geniales”. Sobresalen, por orden cronológico ‘El malvado Carabel’, ‘La vida por delante’ y ‘La vida alrededor’, ‘Sólo para hombres’, ‘La venganza de don Mendo’, ‘El extraño viaje’, ‘El mundo sigue’, ‘Ninette y un señor de Murcia’, ‘Mayores con reparos’, ‘Bruja, más que bruja’, ‘Mambrú se fue a la guerra’.

Dejo para el final ‘El viaje a ninguna parte’, una maravillosa exploración sobre la personalidad de los actores, el mundo de las compañías de teatro ambulantes y el apogeo del cine, que destruía las posibilidades de estos cómicos errantes. En ella están algunas de las frases más memorables y divertidas del cine español, como, por ejemplo: “Me cago en el padre de los hermanos Lumière”, puesta en boca de un director, harto de que el actor teatral al que le había dado un papelito por compasión —el propio Fernán Gómez— le resultase imposible decir con naturalidad “señorito”. “Pero si no lo hago por hobby (pronunciado “obi” por Gabino Diego), es que me dan un bocadillo”, es otra de las líneas de diálogo que hacen reír y soltar una lagrimita al mismo tiempo.

Fuera del cine, Fernán Gómez tiene obras maestras como la pieza teatral ‘Las bicicletas son para el verano’. ‘El viaje a ninguna parte’ partió de una novela homónima suya y en este apartado tiene otras creaciones importantes que demuestran su gran capacidad como literato, su estilo tan personal y su humor ameno a la vez que ácido. No le han faltado los premios y reconocimientos, más que merecidos.

En ‘La silla de Fernando’, la entrevista/documental que realizó David Trueba, podemos conocer su más que admirable personalidad. La última película en la que ha trabajado es ‘Fuera de Carta’, que aún se encuentra en la fase de post producción. Justo antes de ésta, estuvo ‘Mia Sarah’, dentro de la cual, Fernán Gómez era lo más apreciable.

Se trataba de Luigi Comencini, considerado, junto a Dino Risi, Mario Monicelli y Ettore Scola, como uno de los padres de la llamada comedia a la italiana. Este movimiento cinematográfico tuvo un importante auge internacional durante los años ‘50 y ’60 y se considera que comenzó, precisamente, con ese ‘Pan amor y fantasía’, que además ganó el Oso de Plata en el Festival de Berlín.

Este género, si se puede llamar así, fue contemporáneo del Neorrealismo pero se prolongó mucho más allá en el tiempo, ya que ofrecía una visión más optimista o, cuando menos, evasora de la posguerra.

Luigi Comencini falleció hoy en Roma a los 90 años de edad, “después de una larga enfermedad soportada con valentía y discreción”, según informó su familia. El funeral se celebrará mañana en Roma.

Comencini nació en Saló, en la provincia de Brescia (norte de Italia), el 8 de junio de 1916. Su familia se traslado en 1925 a Francia, donde vivió hasta 1933, cuando decidió regresar a su país para estudiar Arquitectura en el Liceo Politécnico de Milán. Allí coincidió con el también director Alberto Lattuada y comenzó a interesarse cada vez más por el cine hasta conseguir un diploma como director en 1939. Por entonces, colaboraba también como crítico cinematográfico en las revistas ‘Corriente’ y ‘Tiempo Ilustrato’ y, tras la Segunda Guerra Mundial, entró a trabajar como redactor del periódico ‘Avanti’.

Antes de la II Guerra Mundial, había realizado un documental, ‘La novelletta’ (1937). Su debut en la dirección se produjo en el año 1946 con el cortometraje ‘Niños en la ciudad’. No en vano, se le recuerda como el “director de los niños”, importantes protagonistas de muchas de sus películas, por ejemplo, ‘Prohibido Robar’ (1948), ‘Incomprendido’ (1967) o ‘Vuélvete Eugenio’ (1980). “No es que me gusten los niños de una manera especial pero me interesan, son adultos sin leyes, sin moral, sin autocontrol y sin condicionamientos sociales psicológicos”, había dicho Comencini.

Tuvo su primer éxito con ‘El emperador de Capri’ (‘L’imperatore di Capri’), protagonizada Totò. Tras las ya mencionadas ‘Pan, amor y…’, su filmografía va aumentando con títulos como ‘La bella de Roma’ (1957), ‘Sucedió el lunes’ (1959) o ‘Todos a casa’ (1960), que satirizaba el comportamiento de los italianos tras el armisticio de 1943. Siguieron ‘A caballo de un tigre’ (1961), ‘El comisario’ (1962), ‘La chica de Bube’ (1963), ‘Las muñecas’ (1965), ‘Infancia, vocación y primeras experiencias de Giacomo Casanova, veneciano’ (1969).

Durante los años ’70, sus títulos fueron ‘Sembrando ilusiones’, con Bette Davis (1972); ‘La mujer del domingo’ (1976), ‘El gran atasco’ (1979)... En 1974, su película ‘Un verdadero crimen de amor’ representa a Italia en el Festival de Cannes. Hace historia en TV con la serie sobre la obra de Carlo Collodi ‘Las aventuras de Pinocho’ (1972), considerado en Italia un clásico de la pequeña pantalla.

En 1986 dirigió ‘Un chico de Calabria’, que fue presentada a concurso en el Festival de Cine de Venecia del 87. Precisamente, en esta edición del festival, Comencini recibió el ‘León de oro’, por su carrera como director.

En sus últimos años de carrera frecuentó más la pequeña pantalla y hasta se atrevió a filmar una ópera, ‘La Boheme’ (1987), protagonizada por Barbara Hendricks y Josep Carreras.

Decidió retirarse tras filmar en 1991 una nueva versión del clásico del cine español ‘Marcelino pan y vino’, que dirigiera Ladislao Vajda en 1955. Coproducida por Francia, Italia y España, contó con la participación de Fernando Fernán Gómez y Alfredo Landa en sendos papeles de frailes.

Entre otros míticos actores y además de los ya mencionados Totò, Vittorio de Sica y Gina Lollobrigida, Comencini dirigió a Virna Lisi, Gian Maria Volontè, Alberto Sordi, Claudia Cardinale, Silvana Mangano, Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman…

Nino Manfredi le definió como “un director serio, pero no seco; divertido, pero no cómico; una persona que sabía hacer que los actores se ajustaran a sus papeles con una maestría inigualable”. Aquí se pueden escuchar esas palabras de boca de Manfredi.

Fuente (entre muchas otras): El País