El “canadiense” Atom Egoyan prepara ya su siguiente película, tras ‘Adoration’, que presentó en la pasada edición del festival de Cannes. ‘Seven Wonders’ es el título de la obra en la que va a trabajar a partir de ahora. La historia, en la que se combina la realidad y la fantasía, gira en torno a un triángulo amoroso. Más en concreto, la trama se centra en una mujer llamada Pandora, quien, tras romper su actual relación, se ve consumida por otra más compleja, entre ella, una directora de anuncios y el novio de la misma; el rodaje de los “commercials” los llevará a visitar las Maravillas del Mundo. Aunque, al parecer, el contacto entre las dos mujeres sólo se llevará a cabo a través de las nuevas tecnologías, aspecto que más interesa a Egoyan. Cachis.

A este director, que sería el mejor candidato para encarnar a un Harry Potter adulto en una futura secuela, lo vengo siguiendo desde que me encontré con ‘El Dulce Porvenir’, una pequeña gran sorpresa que me dejó muy buen sabor de boca (en realidad, es una película muy triste, pero ya me entendéis). Luego vi ‘Exótica’ y me confirmó que lo que hace este señor con la cámara me atrapa totalmente, por lo que cualquier proyecto que saque adelante me lo apunto como de obligada visión.

Vía | Coming Soon

Tras llegar a una serie de acuerdos económicos, Paramount Vantage ha anunciado que producirá la próxima película de Michael Moore, que será una continuación o secuela de ‘Fahrenheit 9/11’. Ganadora de una polémica Palma de Oro en Cannes (en 2004), la obra, sobre las mentiras del gobierno de Bush sobre las armas de destrucción masiva, no resultó menos polémico; quizá por eso recaudó más de 200 millones de dólares en todo el mundo, la cifra más alta alcanzada por un documental.

Moore, ganador de un Oscar por ‘Bowling for Columbine’, se encuentra ya trabajando en la pre-producción de esta ‘Fahrenheit 9/11 2’, que se centrará en examinar la política exterior de Estados Unidos y la imagen que se tiene del país, fuera de sus límites, desde que Bush está en el poder.

Ya lo dije hace poco cuando hablé sobre ‘Nanook, el esquimal’; me gusta el humor salvaje de Michael Moore, y el final de ‘Fahrenheit’ lo puse en repetidas ocasiones cuando me hice con la película en DVD. Pero creo que este hombre está patinando bastante a partir de su éxito, siendo una estupenda diana para, por ejemplo, la parodia que hicieron en ‘Team America’. Y volver a retomar el “tema Bush” para su próximo film me parece una decisión equivocada. Creo que la gente está más pendiente de quién será el nuevo inquilino de la Casa Blanca, cansada de tanta polémica sobre el que aún es el Presidente de “América”. Pero claro, ‘Sicko’ no fue tan bien como esperaba, y hay que pagar la hipoteca…

Vía | Hollywood Reporter

Quentin Tarantino, el gran plagiador por excelencia, declaró en el reciente Festival de Cannes, que su próxima película, a estrenar durante el 2009, será ‘Inglorious Bastards’, un film que en la línea de ‘Doce del Patíbulo’, narra la historia de un grupo de soldados en la Segunda Guerra Mundial, condenados a muerte, y que reciben una de esas ofertas que no se pueden rechazar cuando se está a punto de abandonar este mundo. Salvarán sus vidas si aceptan una misión suicida en la Francia ocupada. El título del film proviene del título americano de un film italiano dirigido por el maldito Enzo G. Castellari, ‘Aquel Maldito Tren Blindado’.

‘Inglorious Bastards’ fue anunciada infinidad de veces, y se habló de repartos espectaculares (uno de ellos reunía a Stallone, Schwarzenegger, Norris y Willis). Ahora que Tarantino lo ha anunciado públicamente, esperemos que sea verdad, porque a pesar de que no es un director que me lo haya hecho pasar especialmente bien (sino todo lo contrario), creo que un film de hazañas bélicas a la vieja usanza dirigido por este tío puede ser algo digno de verse (espero que no escatime en violencia). Respecto a los actores que formarán parte de esa misión, sólo está confirmado el nombre de uno de sus actores fetiche: Michael Madsen. De momento la cosa empieza bien.

Vía | JoBlo

En Blogdecine | Quentin Tarantino

Steven Soderbergh ha dirigido a Benicio del Toro interpretando al Che Guevara, y para ello ha recurrido a esa moda de dividir una historia en dos películas. ‘Guerrilla’ y ‘The Argentine’ son sus títulos, y ambos serán proyectados en los próximos días en el Festival de Cannes, bajo el título de ‘Che’. Aquí tenéis algunas fotografías, pertenecientes a la primera. Según parece las dos entregas nos llegarán a finales del presente 2008, y no sería de extrañar ver alguna de ellas nominada a los Oscars.

Del Toro está acompañado en ‘Guerrilla’ por Benjamin Bratt, Franka Potente, Julia Ormond, Lou Diamond Phillips y Catalina Sandino Moreno, entre otros. Ya veremos si Soderbergh necesitaba realmente partir la historia en dos, o ha tirado del morro en plan Tarantino y su ‘Kill Bill’, y pretende cobrarnos el doble, alargando hasta la extenuación algo que bien podría narrarse en un solo título. Sea como fuere, Soderbergh siempre es garantía para ir al cine, aunque de vez en cuando nos haya hecho sufrir de lo lindo con sus experimentos. Esperemos que éste no sea uno de ellos.

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Vía | Worstpreviews

Con lo olvidadas que eran las últimas ganadoras en el festival de Cannes, el hecho de que se estrene con una decente distribución en nuestro país, una película como ‘4 Meses, 3 Semanas y 2 Días’ (‘4 luni, 3 saptamani si 2 zile’, 2007) casi se puede considerar una especie de milagro, y es que siempre me ha llamado la atención como algunas de las películas ganadoras al premio mayor en un festival tan prestigioso como el de Cannes eran ninguneadas por el sector de la distribución de un forma verdaderamente preocupante… o ¿tal vez no le interesan a nadie este tipo de películas?

Sea como fuere ‘4 Meses, 3 Semanas y 2 Días’ se ha estrenado, y deduzco que a pesar de que no será un éxito de taquilla, gustará bastante. Y ya de paso el público conocerá un poco la forma de hacer cine en Rumanía, lugar en el que, si no me equivoco, se producen unos 14 largometrajes al año, que si todos son tan buenos como el que nos ocupa, en dicho país pueden andar con la cabeza bien alta, cinematográficamente hablando. Aún diciendo esto, debo confesar que tampoco me he encontrado con esa magnificencia que promulgan en algunos sitios.

Cristian Mungiu, el director, va directo al grano sin ningún tipo de estridencia ni parándose demasiado en pormenores. Enseguida nos mete en la acción, y lo hace prácticamente en tiempo real, dividiendo la trama en cuatro actos bien diferenciados: preparativos, estancia en el hotel, fiesta de cumpleaños y “desenlace”. En los cuatro el punto de vista es siempre el mismo, el de una chica llamada Otilia, quien por amistad ayuda a su compañera embarazada. Es realmente curioso que el film esté narrado desde la perspectiva de este personaje y no del que quiere abortar, algo que hubiera sido mucho más lógico. Pero a veces, el escapar de la lógica, o de lo esperado, nos presenta aciertos como los de esta película, ya que precisamente ese punto de vista le da un cariz distinto al de cualquier otro drama social sobre el mismo tema.

Dicho personaje está interpretado por una actriz en puro estado de gracia, Anamaria Marinca, quien es capaz de sostener el plano con una entereza envidiable. La joven actriz da un verdadero y casi escalofriante registro, durante los cuatro actos del film, destacando en todos ellos. A su lado, el resto de actores, que cumplen con creces sus cometidos, parecen empequeñecerse comparados con el portentoso trabajo de Marinca, a quien una cámara nerviosa a veces, y muy segura otras, sigue en todo momento. Una cámara, que una vez más, no juzga a sus personajes ni los sentencia, se limita a mostrar una serie de hechos.

Sin embargo, y a pesar de las excelencias nombradas hasta ahora, la película adolece de un bajón de ritmo en su tercer acto, en el que una fiesta de cumpleaños es la excusa para apartarnos del tema central de la película. Y creo que es un error, ya que esos momentos son mucho menos interesantes que el resto, e incluso sus personajes, la mayoría familiares del novio de Otilia, son menos atrayentes. Algo que no ocurre con los de su amiga, de la que nunca quedan claras sus motivaciones, o la del médico, éste último sorprendente en un aspecto en concreto que es mejor no desvelar y que aporta uno de los dos momentos más incómodos de la película, aquél en el que negocian el aborto, secuencia en la que uno no tiene ni la más mínima idea de cómo van a acabar las cosas. El otro momento es en un baño, demasiado descriptivo, pero quizá necesario.

Una buena película, concisa, dura, nada manipuladora (esto empieza a ser moda) y que tal vez peque de exceso de metraje. También debo añadir que al final me quedé con una sensación un tanto vacía, como esperando más, y es que tal vez lo planteado en la parte del hotel, de una calidad inmejorable por la crudeza del asunto, choca de forma irreversible con el resto, mucho más anodino, incluso le impide al film definirse de una forma más concreta. Aún así merece bastante la pena.

La directora proviene del documental, y ése es un enfoque que se nota en toda su filmografía, desde decisiones más evidentes como contar con operadores de cámara que también provienen del documental y el empleo de actores no profesionales, hasta otras mucho más sutiles que tienen que ver con la puesta en escena o el fuera de campo.

‘El bosque de luto’ es una espléndida forma de adentrarse en el más que interesante cine de Naomi Kawase. La película nos narra, con toda la parsimonia que eso requiere, la historia de Machiko, una joven enfermera en un asilo, y la de Shigeki, uno de los ancianos que allí son atendidos. Ambos personajes viven sumidos en una profunda tristeza por la pérdida de un ser querido: su hijo, en el caso de Machiko, y su mujer en el caso de Shigeki.

A partir de ahí, el destino de Machiko quedará unido al de Shigeki: un día, durante un viaje en coche, el anciano escapará hacia el bosque en busca de la tumba de su mujer, y Machiko lo perseguirá. Comienza un viaje de dos días en el que los personajes tendrán que sentir, que recuperar sus vidas anuladas por el dolor.

La sutileza con la que Kawase filma su relación es magnífica: todo son actos cotidianos que esconden un poderoso subtexto. Todo son elegantes metáforas, como la del río que se desborda mientras el anciano intenta cruzarlo. Machiko le implora, llorando, que no cruce, que el peligro es muy grande. Una vez Shikegi desiste, abraza a una desconsolada Machiko mientras le dice “el río nunca volverá a su fuente”. Una metáfora tan sencilla como eficaz sobre la aceptación de la muerte.

El estilo visual de Kawase es, asimismo, muy acertado. Una peculiaridad de esta directora es su trabajo con el fuera de campo: todos los sonidos comienzan antes de que podamos descifrar cuál es su fuente; los personajes reaccionan ante cosas que no hemos visto. Es la cámara en mano, con su inquietud de documental (aunque para nada mareante) la que nos va descubriendo la realidad que nos rodea. Y me parece la mejor opción para una película que nos quiere contar el redescubrir la vida, y que alcanza la excelencia en su emotiva – e igualmente sutil – escena final.

Si Imamura, en ‘La balada de Narayama’, nos contaba el estoico peregrinar de unas gentes hacia el aceptar su propia muerte, Naomi Kawase, en ‘El bosque de luto’ nos cuenta el peregrinaje hacia volver a descubrir la vida. Una sobria, elegante y emotiva película que incluso dentro de sus lentitud transmite tantas sensaciones que merece la pena.

En Blogdecine | Tráiler y póster de ‘El bosque de luto’, Gran Premio del Jurado en Cannes.

Finalmente, el próximo mes será estrenada, en territorio estadounidense, Southland Tales, el segundo filme de Richard Kelly (director del filme de culto Donnie Darko).

No obstante, ‘Southland Tales’ ya se ha enfrentado al público antes. Y vaya enfrentamiento.

Cuando el año pasado fue exhibida en el Festival de Cannes, buena parte del público la abucheó y abandonó la sala. Debió ser una dura experiencia para Kelly. De hecho, lo fue, porque así se lo ha expresado a The New York Times:

Fue doloroso. Yo sólo pensaba ‘por favor, que se acabe, que se acabe’.

La versión que se proyectó en esa ocasión tenía una duración cercana a las tres ahora. La que será estrenada el mes entrante dura la mitad. Casi podría decirse que Southland Tales ha recorrido el camino inverso de otras películas: de la versión del director, a la versión del estudio.

En un principio, según el diario newyorkino, a Kelly le preocupó que después de la debacle de Cannes, su película fuera mutilada de mala manera. Pero tal parece que no ha sido así. Sony compró la película y pago por los cambios necesarios. Se le añadió un prólogo —que cuenta la historia de los EE.UU. después de un estallido nuclear—, se le agregó un millón de dólares en efectos especiales, muchas escenas fueron recortadas y reordenadas, y se grabó de nuevo la narración de Justin Timberlake.

Yo había dirigido mal a Justin. Era demasiado sarcástico. Cuando lo hicimos de nuevo, le pedí que viera Apocalypse Now, de modo que terminamos haciendo una narración muy seca.

La película también perdió una subtrama en la que Janeane Garofalo interpretaba a un general.

En el interín, Kelly completó la trilogía de novelas gráficas que preceden la historia de Southland Tales (que, de hecho, comienza como en Star Wars, en el capítulo IV), lo que le ayudó a afinar la construcción narrativa. En la página oficial del filme, pueden consultar algunas páginas de estas novelas gráfica.

La trama de ‘Southland Tales’ transcurre durante la campaña presidencial de los EE.UU. en el 2008, pero en una realidad paralela. El país trata de recuperarse de un ataque nuclear en Texas, pero al mismo tiempo, parece ir encaminado a una nueva catástrofe. Es un mundo ultrapop, en el que conviven una brecha en el continuum espacio-tiempo y una intrincada red de conspiraciones casi imposible de discernir.

Entre ellos había algunos autores famosos: Gus Van Sant, Wong Kar Wai, Theo Angelopoulos, Ken Loach, Michael Cimino, Wim Wenders, Lars von Trier, Amos Gitai, Abbas Kiarostami, Manoel de Oliveira, Chen Kaige, Hou Hsiao-hsien y Tsai Ming-liang, Emir Kusturica, David Lynch, Quentin Tarantino, los hermanos Coen y Dardenne y Nanni Moretti.

Resulta que según The Risky Biz Blog, del Hollywood Reporter, a esta larga lista habría que añadir el nombre del mexicano Alejandro González Iñárritu.

Los cortometrajes tendrán entre 2 y 3 minutos de duración y los organizadores del evento esperan reunir 30 realizadores, con lo que la exhibición final estaría entre los 60 y 90 minutos. El estreno será el 20 de mayo en el marco del festival y sólo se hará una vez, así que es las esperanzas de que los cortos se cuelen en YouTube son mínimas.

De los todos los realizadores invitados hasta ahora, sólo Pedro Almodóvar ha declinado la invitación, (acaso porque nunca ha ganado la Palma de Oro).

Hasta ahora, los confirmados son: Gus Van Sant, Wong Kar Wai, Theo Angelopoulos, Ken Loach, Michael Cimino, Wim Wenders, Lars von Trier, Amos Gitai, Abbas Kiarostami, Manoel de Oliveira, Chen Kaige, Hou Hsiao-hsien y Tsai Ming-liang. Abruma ver juntos tantos grandes juntos. También se barajan otros nombres que pudieran participar con sus trabajos: Emir Kusturica, David Lynch, Quentin Tarantino, los hermanos Coen y Dardenne y Nanni Moretti.

¿Qué tienen en común los cineastas arriba citados? Pues que han ganado la Palma de Oro, el codiciado premio del festival, en ocasiones anteriores. Los 30 cortometrajes serán estrenados en una gala que tendrá lugar el próximo 20 de mayo.

(Psst, psst: el artículo no dice nada sobre cuándo estarán disponibles en YouTube).

Vía | Anthony Kauffman Blog

Mr. Bean decide irse a tomar el sol al sur de Francia. Su viaje de Londres a la Costa Azul no tarda en convertirse en un auténtico caos, causando auténticos estragos allí por donde pasa. La culminación es un hilarante pase sorpresa de su vídeo-diario en el Festival de Cannes. Por lo que cuenta este argumento, parece que se tratara de una adaptación de ‘Las vacaciones de M. Hulot’, personaje encarnado por Jacques Tati y que tenía muchísimo en común con Bean. Incluso en su escasez de palabras son similares, pues el francés suele limitarse a decir “Hulot” mientras se quita el sombrero y el británico, aparte de alguna otra frasecilla, lo que más suele pronunciar es “Bean”, su apellido.

Bean, el personaje que crearon Rowan Atkinson y Richard Curtis, apareció por primera vez en la televisión británica en 1990. Su popularidad fue tal que la serie se vendió en más de 200 países. En 1997, la película ‘Bean, lo último en cine catastrófico’, recaudó más de 240 millones en todo el mundo. Quince años después, Mr. Bean sigue siendo uno de los personajes más populares jamás creados, con las jóvenes generaciones descubriendo su incomparable estilo cómico y su limitado vocabulario en la serie clásica y en otra de animación.

Rowan Atkinson ha sido guionista y protagonista de algunas de las series y programas más memorables y de mayor éxito de la televisión británica, entre las que mencionaremos ‘Not the Nine O’Clock News’, ‘La víbora negra’, ‘Ley y desorden’, además de ‘Mr. Bean’. Ha protagonizado la película ‘Johnny English’, un éxito de taquilla en todo el mundo, y ha trabajado en numerosas películas como ‘Love Actually’, ‘Secretos de familia’ (‘Keeping Mum’), ‘Scooby-Doo’, ‘Bean, lo último en cine catastrófico’, y ‘Cuatro bodas y un funeral’.

Steve Bendelack debutó con director cinematográfico con ‘The League of Gentlemen’s Apocalypse’, después de un exitosa carrera en la televisión británica donde dirigió algunas de las series más aclamadas y premiadas, como ‘Little Britain’, ‘French and Saunders’, ‘The Royle Family’, ‘The League of Gentlemen’ y ‘Spitting Image’.

Al mismo tiempo, la Filmoteca Española dedica desde el día 25, una retrospectiva de la actriz que cuenta con títulos como ‘Madame Bovary’ y ‘La cérémonie’, de Claude Chabrol; ‘La dentellire’, de Claude Goretta; ‘Sauve qui peit (la vie)’, de Jaen-Luc Godard; ‘Loulou’, de Maurice Pialat; ‘Coup de foudre’, de Diane Kurys; o ‘La vie promise’, de Olivier Dahan, entre otros.

Isabelle Anne Huppert nació el 16 de marzo de 1955 en París. Tiene tres hijos: Lolita, Lorenzo y Ángelo. Su padre era director de una compañía de cajas fuertes y su madre maestra de inglés. Tiene tres hermanas, de las que Élisabeth Huppert también fue actriz durante los años ‘70 y ’80. Caroline Huppert es directora de televisión y el único varón es escritor.

A los 17 años, entra al Conservatorio de Versalles, y después de estudiar ruso, se inscribe en el Conservatorio de Arte Dramático de Paris, y aparece en ‘Faustine et le bel Été’, de Nina. En 1972 Obtiene un papel en ‘César et Rosalie’, de Claude Sautet, al lado de Romy Schneider e Yves Montand. En 1974 Interpreta el papel de Jacqueline en ‘Les Valseuses’, de Bertrand Blier. En 1978, Isabelle Huppert actúa para el director Claude Chabrole en ‘Violette Noziere’, por lo que gana el premio a la mejor actríz femenina, y además a partir de entonces será la actriz favorita de Claude Chabrole, hay entre ellos una gran complicidad. Ya en 1991 interpreta un protagónico en ‘Madame Bovary’ de Claude Chabrol, por la que gana el César a la mejor actríz. En 2001 gana otro premio de actuación en el Festival de Cannes, por su papel en la película ‘La Pianista’, de Michael Haneke. En 2002 interpreta el papel de Augustine en ‘Huit Femmes’, de François Ozon, con Catherine Deneuve,Emmanuelle Béar, Fanny Ardant etc… Ella misma se justifica por aceptar tantos papeles con la excusa de que lo hacer para “ver si en la próxima película no me decepciono tanto”.

Paralelamente, Isabelle Huppert actúa en teatro de manera regular.