El 4 de julio se estrenará el film de Xavi Puebla ‘Bienvenido a Farewell-Gutmann’, un drama ambientado en el mundo de la ambición de los altos ejecutivos, que el pasado 7 de abril se presentó en el Festival de Cine Español de Málaga. Está protagonizado por Ana Fernández, Héctor Colomé, Adolfo Fernández y Lluís Soler. El departamento de Recursos Humanos de la farmacéutica Farewell-Gutmann ha perdido a su abnegado director, Ruiz. Pero Lázaro, Adela y Fernando no lo echarán en falta. Todavía caliente el cuerpo del difunto, sus sacrificados subordinados inician la carrera por la sucesión. Con lo que no esperan lidiar es con un enviado de la central que les hará pasar por el proceso de selección más bizarro que se puedan imaginar.

El guión de Jesús G. Vilda y Xavi Puebla está construido con maestría y tiene el especial mérito de mantener nuestra atención a pesar de que todo son diálogos y de que los escenarios se pueden contar con los dedos de una mano. Los personajes están retratados de forma muy profunda y siempre a través de lo que no dicen. Lo que oculta les define mejor que lo que cuentan. Aunque se lleve a un extremo espero que irreal la actitud del juez que debe llevar a cabo la selección, la incisión psicológica en los conflictos, traumas, miedos y deseos de cada uno de ellos está muy bien acometida. Y, no es que sea importante para el tipo de película, pero no resulta fácil adivinar cómo va a acabar, por lo que la curiosidad se sostiene a lo largo del film.

Esta fotografía rancia la aleja del film de Wallovits y Gual, ‘Smoking Room’, pero su contenido profundo las sitúa en lugares muy cercanos.

‘Bienvenido a Farewell-Guttman’ es, como habréis podido ya comprender, una crítica social. Temas como la falta de escrúpulos o el vender a los supuestos amigos a cambio del triunfo se plantean sin paños calientes. Tampoco se deja títere con cabeza en las altas esferas donde no tienen reparos en someter a sus trabajadores a las más vejatorias experiencias. El final no es nada conciliador ni nos enseña valores morales con los que guiarnos, sino que SPOILER nos de la sensación de que todo se perpetúa y nos hace ver que más que una recompensa, el cargo de director/a de departamento se ve como una condena. FIN DEL SPOILER Esa frase que probablemente ya he utilizado en alguna otra crítica, se pude aplicar: “ten cuidado con lo que deseas porque se podría cumplir”.

En definitiva, ‘Bienvenido a Farewell-Guttman’ es una película considerablemente buena, con grandes logros en terrenos que últimamente nunca se tratan bien, como son los diálogos o el retrato de personajes, pero que muy probablemente recibirá una acogida menor de la que merece por esa estética añeja que la envuelve. Si tenéis oportunidad, yo recomendaría que no la dejaseis pasar.

Después de que haber visto unos minutos de ‘Rivales’ en la presentación que se celebró en el Festival de Cine Español de Málaga, tenía altísimas expectativas sobre esta película dirigida por Fernando Colomo, escrita por Joaquín Oristrell e Inés París, e interpretada por Rosa María Sardá, Juanjo Puigcorbé, Ernesto Alterio, Gonzalo de Castro, Jorge Sanz, Goya Toledo, Santi Millán, María Pujalte, Kira Miró, etc…

Aquel extracto era tan gracioso que pensaba que encontraría la comedia de la década y ‘Rivales’ está muy bien, llegando a momentos de sonoras carcajadas, pero no es tan divertida como me había esperado.

El problema mayor le viene por que los autores han elegido realizar un juego temporal tarantiniano y mostrarnos los mismos momentos desde diferentes puntos de vista. Este recurso de montaje, simpático, pero nada novedoso ni sorprendente, provoca que no haya más remedio que mostrar las diferentes tramas en bloques muy extensos, en lugar de a través del habitual paralelo, que le habría favorecido mucho más. En una comedia lo fundamental es que el ritmo sea bueno, vertiginoso, si fuese posible. Sin embargo, en ‘Rivales’ han sacrificado toda opción de encontrar ese dinamismo en aras de introducir este recurso de múltiples puntos de vista y marchas atrás en el tiempo.

Así, la película se inicia con la parte más floja que podría tener: minutos y minutos de drama padre divorciado-hijo adolescente rebelde que están salpicados por chistes buenos, pero que, por lo demás, se hacen pesados. Cuando nos pasamos a la siguiente subtrama y todo comienza a entremezclarse, la temperatura del film se eleva mucho. Y sigue yendo hacia arriba según avanza y nos introduce a más personajes. El mejor momento es el de Rosa María Sardá, pero incluso éste me había gustado más en el montaje que pude ver en Málaga. Creía que aquello era un fragmento tal cual, pero era algo ya editado que eliminaba muchas partes intermedias ramplonas. Y creo yo que, tras haber hecho ese ejercicio, deberían haberse dado cuenta de que así funcionaba mejor.

En el terreno interpretativo encontramos grandes lucimientos, como el de Sardà, actuaciones que son lo que nos podríamos esperar de estos actores a los que ya conocemos tanto, y alguna otra interpretación que sorprende gratamente, como la de Ernesto Alterio que, en mi opinión, sólo está acertado cuando se le encuentran papeles muy adecuados y aquí, sin ser exactamente el tipo de persona que hasta ahora yo pensaba que era la única que podía hacer, interpreta muy bien a su personaje. La realización de la película es válida, pero no destaca en ningún aspecto y se podría incluso criticar que los chromas de los vehículos están muy mal integrados, cosa que se debería haber trabajado más, ya que es una road movie. Y luego tiene una de esas licencias que siempre se dicen que no hay que tener en cuenta, pero bueno, yo la comento: cuando Ernesto Alterio se pone a adelantar como un kamikaze poniendo en peligro la vida de él, su hijo y los que van en el monovolumen… está en una autovía de dos carriles y le viene un camión de frente.

El deporte es uno de los motivos que hace que los personajes rivalicen, pero hay muchísimos más: temas sexuales, de paternidad, monetarios… Argumentalmente se encuentran en ‘Rivales’ elementos originales, pero también otros demasiado tópicos como la trama de los homosexuales o la del intercambio de parejas. Pero al menos se puede decir a favor de Colomo y de Oristrell que no tienen ese aire moralista y políticamente correcto que tendrían algunos directores y guionistas más jóvenes, sino que arrastran el desenfado de personas que ya hacían comedias muy respondonas en épocas más aciagas.

Pongo todas estas pegas por culpa de las altísimas expectativas que me había hecho, sin embargo, si comparase esta comedia coral con otras con el mismo telón de fondo, como ‘El penalti más largo del mundo’ o ‘Días de fútbol’ o simplemente con casi cualquier intento de comedia española, ‘Rivales’ deja a las demás por los suelos. En resumen y dejando de lado lo que me esperaba, se trata de una película muy divertida, con algunos momentos humorísticos de gran hilaridad.

Más información en Blogdecine sobre ‘Rivales’.

El próximo viernes, día 20 de junio, se estrenará ‘3:19’, una película protagonizada por Miguel Ángel Silvestre, más conocido y adorado como “El Duque” de ‘Sin tetas no hay paraíso’.

Escrita y dirigida por Dany Saadia, ‘3:19’ se presentó en el Festival de Cine Español de Málaga. Es posible que –como le ocurrió a ‘Zhao’, de Susi Gozalvo, que también había protagonizado Silvestre— no tuviese previsto estrenarse hasta que el actor cobró tanta fama. Y, claro, por eso ahora Silvestre ha decido dejar la serie para dedicarse al Séptimo Arte.

Bárbara Goenaga y Félix Gómez acompañan a Silvestre en el cartel de la película.

En la continuación de la noticia podréis ver el tráiler.

En Málaga, ninguna de las películas protagonizadas por Silvestre se fue con las manos vacías. ‘3:19’ se llevó la Biznaga de Plata a la Mejor Dirección en el apartado de Zonazine, que no es la sección Oficial. Y ‘Zhao’ obtuvo La Biznaga de Plata al Mejor Actor en la misma categoría.

Dany Saadia, de doble nacionalidad, francesa y mexicana, tiene estudios en Matemáticas por The State University of New York en Stony Brook y de Dirección Cinematográfica en la New York Film Academy de Nueva York. Socio fundador de la Paradoja del Gato, del sello discográfico Noiselab, de la agencia Fábrica Interactiva (estrategias de comunicación audiovisual e interactivas) y de dixo.com. Antes de esta película, Saadia rodó un cortometraje en 2004 que se titulaba ‘Génesis 3:19’.

Más información en Blogdecine sobre Miguel Ángel Silvestre.

• Página web oficial de la película.

• Página web de la distribuidora

• Página web de Saadia.

Cuando estuve en el Festival de Cine Español de Málaga pude ver unos veinte minutos de lo que sería la próxima película de Fernando Colomo, con guión de Joaquín Oristrell, ‘Rivales’ y me parecieron tan divertidos que para mí el título ya se ha convertido en el más esperado del año del cine español. Llegará el 27 de junio y, de momento, podemos ver algunas imágenes, a la espera de un tráiler.

El reparto se compone por Ernesto Alterio, Gonzalo De Castro, Santi Millán, Kira Miró (en la fotografía, a nuestra derecha), Juanjo Puigcorbé, Maria Pujalte, Jorge Sanz, Rosa Maria Sardá, Goya Toledo, Javier Cifrián, Francesc Cruz, Diego García, Alejandro Menéndez, Juan Navarro, Adrian Portugal, Pablo Viaplana, etc…

La comedia coral tiene como telón de fondo el universo del fútbol y el eterno derby Barça-Madrid, pero no sólo eso, sino que la rivalidad entre Madrid y Barcelona, que va más allá que el fútbol, es lo que realmente se explora en ella, como nos contaron sus autores en la rueda de prensa de presentación.

Más información en Blogdecine sobre Fernando Colomo y ‘Rivales’.

‘Rivales’, de Fernando Colomo

(Haz clic en una imagen para ampliarla)

Fuente | On Pictures

El Festival de Cine Español de Málaga sigue dando para más material. Ahora os presento lo que se contó tras la proyección de la opera prima de Guillermo Groizard, ‘Proyecto Dos’. A la rueda de prensa asistieron los actores: Adrià Collado, Lucía Jiménez, Nuria Gago y Elena Carrión. De entre el equipo técnico estaban el director: Guillermo Groizard; uno de los guionistas: Nacho Cabana, y dos productores: Álvaro Zapata y José Antonio Romero.

Comenzó hablando Guillermo Groizard (en la foto en el centro) para indicar que ‘Proyecto dos’ es el tipo de película que habría querido ver. A él le gustan films como ‘Minority Report’, de Steven Spielberg, que le recomendó a José Antonio Romero y éste se sorprendió gratamente. Tanto Groizard como Cabana tenían como referentes a la hora de escribir el guión ‘Mentiras arriesgadas’ y ‘Abre los ojos’. Cuando la película se estaba rodando, se estrenó ‘Déjà vu’ que casi les robó un título que podría haber venido muy bien a ‘Proyecto dos’, incluso mejor que a la de Scott.

Groizard dice que la experiencia del cine no debe estar ligada a un solo tipo de emociones y por ello, otra de las referencias es de un género completamente distinto: ‘El jovencito Frankenstein’, a la que los diálogos humorísticos de ‘Proyecto dos’ hacen varios homenajes.

Tanto Groizard como Zapata lamentan que se piense que el cine español no pueda hacer thrillers, películas de acción o de ciencia ficción. O, lo que es lo mismo: que si una película es así, se diga que es poco española. Creen que este tipo de declaraciones nos vienen muy mal. De hecho, Amenábar, además de ser un referente para el director, fue un colaborador suyo durante largo tiempo y él ha hecho siempre películas de acción y suspense. Groizard dice que calificar su película de americana puede ser un halago, sobre todo si quien lo dice es el sector de la taquilla al que ellos se han acercado. Añade que la gente de cuarenta años es diferente si es de distintos sitios, pero que la de diecisiete es igual en todas partes.

Las inquietudes internas son idénticas en un país y en otro, continuaba el director. A los bioquímicos les pasan cosas de bioquímicos, sean del país que sean. En España existen referencias para este tipo de cine. Un medio como la televisión, ya se ha adelantado, antes que el cine, a hacer este tipo de acción, como la serie ‘Policías’, de la que Groizard fue director durante un largo tiempo.

Nacho Cabana lamenta que cuando se hable de cine español se asocie siempre a sainete o a cine de autor. Porque el cine español también puede ser un thriller. De hecho, el año pasado, las dos películas españolas que más éxito han tenido, no sólo de público, sino también de crítica, han sido de género de terror: ’[REC]’ y ‘El orfanato’. Y aún así, ellos hicieron este proyecto porque les gustaba mucho, nunca pensando en la taquilla. El productor, Ángel Zapata, incide en esta idea: “no me he planteado la taquilla porque creo que cuanto más auténtico es algo, mejor irá. Confiaba en ‘Proyecto dos’ porque pienso que es una buena película que puede interesar a la gente”.

Cuando se les preguntó por el proceso de elección de los actores, Guillermo Groizard dijo que Truffaut opinaba que el proceso de dirección de actores empieza por el cásting y una vez hecho, tienes un gran porcentaje del trabajo realizado. Él está de acuerdo y añade que una vez elegidos los actores, se pueden hacer cambios en el guión para que se adapten mejor los personajes. Cuando se reunió con Adrià Collado conectaron en seguida porque se pusieron a hablar de las series que les gustan –como ‘Dexter’, ‘24’, ‘Los soprano’— y el cineasta comprendió que era una buena opción como protagonista: vio que entenderían la película de la misma manera y por ello haría muy bien su papel.

Lo primero que declaró Adrià Collado (en la foto junto al director) fue que le divertía la idea de hacer una película como ésta pues, al igual que para el director, era el tipo de cine que a él le gustaba ver. De todas maneras, en un principio, no se veía en el papel de científico, pero como “Guillermo es parecido al personaje, cuando tenía una duda, le preguntaba”, admite. Y continúa diciendo que “lo que hay que hacer es lo que diga el director. Dirige de una forma muy participativa. Al principio desconcierta, pero luego funcionó”. Collado añade que “Guillermo tiene una enorme carrera en televisión y una forma de ver el cine que a mí me gusta”.

Collado dijo que era la primera vez que hacía de padre en una película o serie. Se sentía raro cuando le ofrecían papeles así porque él se siente todavía como un niño. Reconoce que padece un poco el síndrome de Peter Pan. Pero lo que más le satisfizo del papel de padre es la oportunidad de trabajar con el actor que hace de niño, que es “lo más grande de este mundo”, según sus palabras.

Sobre las cuestiones científicas de la película, el director asegura que, por fantasiosa que parezca ‘Proyecto dos’, todo lo que pasa en ella, podría ocurrir en la vida real. No se dice ninguna mentira científica.

Y con respecto a las cuestiones más psicológicas o personales de la película, Groizard declara que para él era muy importante investigar esa sensación que tiene el protagonista de ser el único en el mundo que hace o conoce una cosa. Esta idea le surgió cuando el actor Miguel Rellán le contó la anécdota de que a él le gustaba ir a El Prado y esperar delante de ‘Las Meninas’ a que todo el mundo se hubiese marchado y no hubiese ningún guardia. Entonces, aunque fuese durante unas milésimas de segundo, sentía que era el único que estaba ante esa obra maestra.

El autor de ‘Proyecto dos’ quería explorar qué significaría para un personaje, que tiene ese afán por se único, descubrir que nada de lo que tiene, ni siquiera sus recuerdos, le pertenecen de verdad, sino que le vienen usados de otra persona. Se le ocurrió que para un personaje que disfrutaba siendo el único en el mundo en saber algo el mayor conflicto psicológico posible sería no saber lo que saben los demás, ni siquiera sobre él. De ahí surgió la idea de la película, declara Groizard que dice que las historias se te ocurren en una décima de segundo. Y luego son dos años de currar para escribir el guión.

José Antonio Romero (a la derecha de la foto de más arriba) asegura sobre Guillermo Groizard que “estamos ante el nacimiento de un director que va a ser la bomba. Es un monstruo de la técnica del rodaje y su capacidad de trabajo y de entrega son enormes”.

Lucía Jiménez, que llegó al final, añadió que su primera impresión cuando le ofrecieron el guión fue que te atrapa y le había gustado mucho porque cuando se lo entregaron estaba leyendo ‘El hombre duplicado’, de José Saramago. Y que cree que todo el mundo ha tenido la fantasía de que ocurra lo que le ocurre al protagonista de ‘Proyecto dos’, o por lo menos, ella la ha tenido. Está muy orgullosa del resultado, especialmente del montaje. Considera que es una película potente, digna y le da las “gracias a Guillermo, que es un gran director y ha hecho una joya”.

Esto es todo lo que dijeron, pero si queréis hacerles preguntas a Guillermo Groizard, Lucía Jiménez o Adrià Collado, podéis incluirlas en los comentarios. Luego Blogdecine elegirá las mejores y se incluirán en las entrevistas que le vamos a hacer.

Más información en Blogdecine sobre ‘Proyecto dos’, Adrià Collado, Lucía Jiménez.

El film cuenta cómo a Diego (Adrià Collado) le cambia la vida conocer algo de su pasado que le había permanecido oculto toda su vida. Él es un científico casado y con un hijo pequeño, que investiga fuera de las horas de trabajo para lograr un descubrimiento genético que lo hará único. Su mujer (Lucía Jiménez) es traductora y lleva una vida normal… o al menos eso es lo que parece porque pronto se descubrirá que ella tiene una doble identidad.

A continuación podéis ver un tráiler y, si lo queréis con mejor calidad, podéis acceder aquí:

Más información en Blogdecine sobre ‘Proyecto dos’.

Fuente | Buena Vista/Disney.

En el Festival de Cine Español de Málaga se hizo una presentación del proyecto ‘Rivales’, la próxima película de Fernando Colomo, que se estrenará el 27 de junio. A la presentación asistieron Fernando Colomo, el guionista Joaquim Oristrell, la actriz Rosa María Sardá, los actores Santi Millán, Juanjo Puig Corbé y Gonzalo De Castro, además de los productores Beatriz De Gándara y Luis De Val.

En el salón de festejos de un crucero anclado en el puerto, los asistentes tuvimos la suerte de ver doce minutos inéditos hasta la fecha de ‘Rivales’. Y debo decir que este fragmento despertaba enormes ganas de ver el film completo. En tono de divertidísima comedia coral, cuenta el viaje por carretera de dos equipos de fútbol de chavales y sus respectivos padres o abuelos. Todos van a Sevilla y unos son catalanes y otros madrileños. Sobre la rivalidad entre estos dos lugares de España es sobre lo que trata en profundidad la película que tiene el partido como excusa para juntar personas de los dos lados.

Oristrell considera que el abismo es mayor entre generaciones que entre los lugares que se suelen llevar mal –Madrid y Barcelona representan una sola de las muchas rivalidades que hay—. Declara que está contento de lo que ha visto porque sabía que era una película muy difícil de montar, al tener tantos actores y tantos personajes.

El guionista cuenta que su relación profesional con Colomo es como un “matrimonio” y hace un repaso a todos los títulos en los que han colaborado.

El director (en la foto de la izquierda) declara que este guión ha sido un “regalo de los guionistas y los productores”. Le parece un proyecto muy bonito por ser coral. Y el hecho de que sea una road movie supone un reto. ‘Rivales’ tiene un “plantel fantástico. Al tener un solo protagonista, te puedes cansar de rodar con él, pero así es más divertido. Era como hacer distintas películas e ir acoplándolas. Es más difícil, pero el rodaje es más agradable.”

Rosa María Sardá dice que sería la hija de ese matrimonio que forman Colomo y Oristrell, pero una hija atípica porque es mayor que sus padres. Sobre ‘Rivales’ comenta que sólo ha visto la parte que ha rodado ella.

Puigcorbé también se considera de la familia. Hace notar que en ‘Rivales’ interpreta a un madrileño, como ya hiciera en ‘Mi hermano del alma’ y que espera que sea creíble, añade que parece que sí. El guión le parece espléndido. Es una película para todos los públicos. Sigue la senda de los mejores comediantes del país. Joaquín y Fernando están asentados en la comedias española.

A Gonzalo de Castro lo presentan como el más pequeño de los hijos por ser el último en entrar a formar parte de la familia y él declara estar muy contento y habérselo pasado muy bien rodando, declara que se entendían muy bien y que, cuando quieran, rueda otra película para ellos. Opina que ‘Rivales’ es un film muy “comestible”, para todos los públicos.

Para el productor Luis del Val siempre había sido un sueño trabajar con Colomo, Oristrell… Beatriz de la Gándara, productora, reconoce que se subió al carro de una idea de Luis, pero que se lo ha pasado fenomenal teniendo la seguridad de ese guión y esos actores. El equipo, que es de Mddrid y de Barcelona, se ha complementado perfectamente. No ha existido la rivalidad del título de la película.

Joaquim Oristrell (en la fotografía de la derecha) destaca que ser catalán es muy pesado. Hay que estar siempre con la bandera en la mano. Por ello, lo bueno es que las cosas como las que muestra la película salgan y se puedan decir. Él es catalán, pero casi siempre ha trabajado en Madrid. Hasta dice que forma parte de lo que se dio en llamar “comedia madrileña”, expresión que a Colomo –que sí es de Madrid— no le gusta nada y de la que siempre ha tratado de zafarse.

Sobre el tema de las procedencias, Sardá cuenta que, cuando la gente la ve por la calle, en lugar de su nombre dice: “Mira, la catalana”, aunque luego lo remata diciendo que ha hecho tantas películas españolas como catalanas, lo que casi justifica el comentario. En el fragmento de ‘Rivales’ que habíamos visto la parte más graciosa precisamente es una escena así en la que ella se ha metido en un autobús donde viajan los jugadores del equipo madrileño y, entre todos los viajeros le corean: “Que cante la catalana” ante su cara de molestia.

Oristrell incide en lo de film familiar, pero explica que se refiere a una película que pueda ver con sus hijos de 13 y 15 años, pero que, por una vez, no sea norteamericana.

Más información en Blogdecine sobre ‘Rivales’.

En el Festival de Cine Español de Málaga se reunieron Dunia Ayaso, Félix Sabroso, Roger Gual, Jaume Balagueró y Paco Plaza para hablar de las ventajas y dificultades de dirigir a cuatro manos.

Dunia Ayaso y Félix Sabroso han co-escrito y co-dirigido ‘Fea’, ‘Perdona, bonita, pero Lucas me quería a mí’, ‘El grito en el cielo’, ‘Quítate tú pa ponerme yo’, ‘Descongélate’ y la serie de TV ‘Mujeres’.

En su caso, ya que se conocían desde su juventud y comenzaron a estudiar juntos, la colaboración era la forma más natural. La declaración completa a este respecto se puede escuchar en el siguiente vídeo, a lo cual Sabroso añade que más adelante, se dan cuenta de que les cuesta dejar una de las áreas desatendida y tienen que plantear todo juntos antes de empezar a rodar para que el equipo no se haga un lío si los escucha debatiendo las cosas. Y esto les obliga a trabajar mucho la preproducción Considera que se complementan tan bien que son como un alma en dos cuerpos.

Roger Gual, que dirigió ‘Smoking Room’ junto con Julio Wallovits, declaraba que cada proyecto requiere una manera de trabajar. ‘Smoking Room’ se les ocurrió a los dos simultáneamente mientras uno vivía en Amsterdam y el otro en Nueva York y se comentaban lo difícil que era fumar en sus lugares de trabajo. Por ello lo siguieron trabajando a cuatro manos y lo rodaron en cooperativa. Pero después tenían otras ideas más personales. Wallovits hizo ‘La silla’, que es más experimental y Gual ‘Remake’, casi autobiográfico. Así que el divorcio no se debió a diferencias, sino a que cada proyecto pedía una cosa.

Balagueró, que ha rodado junto con Plaza ‘OT la película’ y ’[REC]’ declara que él y Paco se conocían de haberse saludado en festivales y que luego, cuando Plaza fue a Barcelona para rodar ‘El segundo nombre’, se conocieron más. Lo normal es que cada uno haga sus películas. Pero cuando a Jaume le propusieron ‘OT La película’ se lo comentó a Paco y les hizo gracia hacerlo juntos porque era un documental. El trabajo se repartía. Uno iba a unos conciertos y el otro, a otros. En montaje se reunieron.

Plaza añade que una película de ficción de parece inviable rodarla a dúo, tal como son ellos. Charlando sobre ’[REC]’ vieron que tenían la misma idea sobre ella. Vieron imágenes de Raquel Mosquera que daban miedo y unas de Jesulín atacando con un estoque a un periodista. Al comentarlo se dieron cuenta de que eso era muy real y fantasearon con aplicar esas maneras narrativas de estos programas de TV a una película de terror.

Dunia Ayaso y Félix Sabroso reconocen que los dos son caracteres fuertes. Los vecinos los oyen gritar cuando discuten sobre los guiones. La parte de la escritura es un horror. A vece siguen peleando por inercia aunque se hayan dado cuenta de que era verdad que no tenían razón.

Gual dice que el trabajo de guión funciona si tienes alguien que te haga de frontón. Si estás muy metido en una historia, no lo ves. Ahora mismo trabaja en un film que dirigirá solo, pero el guión lo está co-escribiendo, así que el proceso es similar. Cuenta la anécdota de que él y el guionista que tiene en estos momentos no viven en la misma ciudad, pero que incluso cuando coinciden en Barcelona trabajan por messenger.

Continúa esta reflexión Dunia diciendo que “así, cuando presentamos algo a un productor, lo que nos puedan achacar ya nos lo hemos planteado nosotros antes”. Y le completa Félix diciendo que pactan cosas, pero que luego ante el ordenador cada uno trabaja por su cuenta.

Plaza cuenta que el guión de ’[REC]’ no lo escribieron sólo a cuatro manos, sino a seis, porque también intervino Luiso Berdejo. Cuando ellos tuvieron la escaleta definida, Luis lo estructuró. Pero no era una escritura normal por la naturaleza de la película. Les iban surgiendo nuevos malos y nuevas cosas como si fuesen pantallas de videojuego y por ello no había problema para añadirlos al guión. Balagueró aclara que más que un guión, para ’[REC]’ tenían una guía. Lo que hicieron fue un “brainstorming” (tormenta de ideas) lúdico, como niños que se entretienen.

Cuando se les pregunta qué hacen en los momentos en los que no son capaces de ponerse de acuerdo, Félix Sabroso dice que hay ocasiones en las que se ve que dos puntos de vista tienen validez. Te aferras a tu idea, pero más tarde en frío, ves que el otro también tenía razón. Y al final te sientes más respaldado. Roger Gual encuentra que la forma de acabar poniéndose de acuerdo es que todos quieren que el resultado sea el mejor. Por ello es preferible ceder. Dunia Ayaso admite que, aunque te duela, si ves que no es así, lo reconoces.

Balagueró nos explica que para ponerse de acuerdo lo que tenían era un pacto por el que no se quedaría en el guión nada que a uno de los dos le disgustase mucho. Comenta que es muy doloroso que en tu cine quede de por vida algo que odias. Nos cuenta el ejemplo de ’[REC]’ en el que Jaume le dijo a un personaje que destruyese un cuadro de la virgen a martillazos y Paco no lo aceptó.

Plaza dice que ellos no se reparten las tareas, como sí hacían, por ejemplo Ayaso y Sabroso, al menos en un principio. Más que dividirse, se complementan. Cuando comenzaron con el proyecto de ’[REC]’ ni pensaban que se fuese a estrenar, lo encontraban muy friqui y experimental.

Sabroso insiste en que los primeros trabajos se los repartían más. Él hacía la dirección de actores y Ayaso planificaba. Pero con el tiempo se funden las labores. Pero sí hay aspectos diferentes de la historia que le interesan a uno o a otro. A veces incluso ruedan dos versiones de una escena y luego eligen.

Les preguntan si cuando dirigen solos echan de menos esa compañía y Gual responde que el trabajo siempre es de equipo. Balagueró lo completa diciendo que el guión siempre lo co-escribe, aunque dirija solo y que esa soledad que sienten otros artistas, como los pintores, en cine es sólo interior. Dunia declara que en todas las películas se siente sola con su mundo interior.

Félix cuenta que han hecho trabajos por separado, pero sólo como guionistas. Pero como viven juntos y salen de marcha juntos, cuando se les ocurre algo al final no saben ni de quién era la idea. Además, continúa Dunia, para los productores es mejor porque dos directores cobran lo mismo que uno y así, si quieren convencerlos de algo y uno no se deja, camelan al otro.

Sobre la promoción de la película, Paco Plaza dice que es más relajado y que te lo pasas mejor asistiendo a entrevistas o ruedas de prensa entre dos. Jaume Balagueró confiesa que le gusta inventarse cosas ante los periodistas como broma y que, si va él solo, nadie se va a reír. Así que lo hace si hay alguien más.

Ya en rodaje, Ayaso y Sabroso lo llevan todo muy pensado de antemano para que el equipo no se vuelva loco, pero las otras dos parejas llegan más relajadas porque casi siempre coinciden. Si un actor o miembro del equipo pregunta algo, contesta el primero que esté por allí y tenga una idea. Si al otro se le ocurre otra cosa, en ese momento también puede sugerir “O también podríamos…” pero nunca tienen problemas.

Más información en Blogdecine sobre Paco Plaza, Jaume Balagueró, ’[REC]’, Festival de Cine Español de Málaga.

El Jurado del Festival de cine Español de Málaga, presidido por Guy Braucourt y formado por, Bernardo Bonezzi, Mate Cantero, Charo Izquierdo, Eliseo Subiela, Juan Diego y Richard Peña, ha otorgado los siguientes premios:

Biznaga de Oro a la Mejor Película y 60.000 euros para ‘3 días’, de Francisco Javier Gutiérrez, quien también se lleva Premio “Alma” al Mejor Guionista Novel (Máximo Segundo Guión), junto con su co-guionista Juan Velarde. ‘Tres días’, producido por Antonio Banderas, natural de Málaga, obtiene también la Biznaga de Plata a la Mejor Actriz de Reparto que le corresponde a Mariana Cordero, y la Biznaga de Plata Mejor Maquillaje, realizado por Anabel Beato y Yolanda Piña.

La comedia de Nacho G. Velilla, ‘Fuera de carta’, se lleva la Biznaga de Plata Premio del Público, patrocinado por Iberdrola Inmobiliaria y Biznaga de Plata al Mejor Actor, patrocinado por Persol que pertenece a Javier Cámara. Ya os di mi opinión sobre ‘Fuera de carta’. Dentro de todo, es cierto que Cámara hace bien su papel.

José Corbacho y Juan Cruz con su film ‘Cobardes’ obtienen la Biznaga de Plata al Premio de la Crítica, patrocinado por Everest, y una Mención Especial del Jurado por su valentía en la manera de afrontar un tema tan comprometido como la educación de los hijos. Os hablaré de ella cuando se estrene, pero me parece que ‘Cobardes’ es una película sin alma, sin autenticidad y a la que se le nota demasiado que es de encargo. No hay nada como tocar un tema que sale en los telediarios día sí, día también para que se considere que se ha hecho algo que tiene un valor.

Con ‘Bienvenido a Farewell-Gutmann’, Xavi Puebla consigue la Biznaga de Plata a la Mejor Actriz, patrocinado por Viajes Halcón que recae en Ana Fernández, y también el film se lleva la Biznaga de Plata a la Mejor Música que se merece Mikel Salas. Me extraña mucho que reciba premios este título que tan fácilmente podría haber pasado inadvertido. Y me alegro. Dentro de que tiene una fotografía que podría haberse realizado 35 años atrás, cuenta con un guión muy inteligente y bien hilvanado que tiene el mérito de retener nuestra atención durante todo el metraje únicamente con diálogos. Aún no tiene fecha de estreno, así que habrá que esperar supongo que bastante para verla, si se llega a estrenar.

Biznaga de Plata a la Mejor Dirección se va para Silvia Munt por ‘Pretextos’, que también gana la Biznaga de Plata a la Mejor Fotografía, Premio Fotofilm Deluxe para David Omedes.

Pepe Reyes se adjudica la Biznaga de Plata al Mejor Vestuario por ‘Enloquecidas’.

Por útlimo, la Biznaga de Plata al Mejor Guión Premio Egeda y 6.000 euros es para Jaime de Armiñan y Eduardo de Armiñan, por ‘14, Fabian Road’.

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Fuente | Web del festival.

Durante la undécima edición del Festival de Cine Español de Málaga la jornada del 8 de abril se dedicó de lleno a rendir homenaje al guionista por excelencia del cine español: el recientemente fallecido Rafael Azcona.

En la mesa redonda titulada ‘Los amigos de Azcona’ se reunieron Ángel Sánchez Harguindey, periodista de El País; Bernardo Sánchez Salas, profesor de Historia del Cine en la Universidad de La Rioja y autor del libro ‘Rafael Azcona. Otra vuelta en el cochecito’ (1991); Luis Alegre, periodista y presentador; David Trueba, guionista y director de cine; José Luis García Sánchez, guionista y director de cine, y Juan Cruz, periodista y editor, que ejerció de moderador.

En lo que más se ponían de acuerdo los miembros de la mesa era en la excesiva modestia que había mostrado siempre Azcona. David Trueba insistió en que “negaba su importancia completamente. No consideraba al guionista autor de nada. Decía que era un novelista frustrado”. Se sentía incómodo ante los elogios. Harguindey declaró que Azcona tenía “una ausencia absoluta de egocentrismo y de vanidad”.

Trueba lo conoció cuando era un niño y le contó que quería ser guionista, a lo que Azcona le contestó que era imbécil. Esto no sirvió para que se echase atrás, pero con el tiempo, Trueba descubrió que tenía razón.

Relata el director de ‘La buena vida’ que Azcona hizo su primer trabajo para Marco Ferreri, antes de ‘El pisito’. Se trataba de la adaptación de ‘Los muertos no se tocan, nene’, película que finalmente no salió. Lo llamaron de la productora Albatros en una época en la que él trabajaba en La Codorniz. Cuando llegó, Ferreri y el productor coincidieron con él en el ascensor, pero sin conocer su identidad. Ferreri le contaba al productor que iban a reunirse con él y le preguntaba “¿Y qué le decimos si pide dinero?” El productor contestaba: “Pues que no hay”.

Antes de comenzar a trabajar como guionista, Azcona no se consideraba aficionado al cine, pero en los últimos tiempos estaba en contra de que se hablase mal del cine español porque decía que éste había mejorado mucho, que antes la industria era más pobre.

David Trueba decía que Azcona “era poco dado a la invención. Decía que no había inventado nada, sólo observaba”. Los demás coincidían en lo buen observador y escuchador que era el guionista, en el buen oído que tenía para captar la forma de hablar de la vida real.

Juan Cruz conoció a Rafael Azcona tras haber escuchado que era muy distante y le pareció que esos rumores eran infundados. Él decidió publicar las obras literarias no cinematográficas del autor y, a raíz de eso, Azcona no tuvo más remedio que abandonar el anonimato y la reclusión porque para presentar una película no es necesario que esté presente el guionista, pero para un libro es imprescindible.

Luis Alegre tuvo el primer encuentro con el guionista en un viaje al Festival de Berlín con el equipo de ‘Belle Époque’. Coincide con Cruz al decir que no era oscuro. Nunca iba a festivales ni a recoger premios, pero en esa ocasión, Fernando Trueba lo convenció porque tenían que trabajar en el guión de ‘La niña de tus ojos’. Y admira en él la modestia que supuso querer conocer a Julio Alejandro, guionista de Buñuel, a quien Alegre reunió junto con Azcona y Álex de la Iglesia que en ese momento estaba de gira con ‘El día de la bestia’ y al enterarse del encuentro quiso participar. Alegre lo recuerda como una de las noches más felices de su vida.

Harguindey declaró que Azcona le había enseñado el placer de vivir que él había descubierto en Italia. Pronto aparecerá una reedición del libro ‘Los ilusos’, en la que el guionista hacía una reflexión sobre la vida en los cafés de la época. Aunque fueron tiempos de escasez para él, nunca contaba anécdotas del pasado con rencor.

Bernardo Sánchez Salas tuvo la intervención más larga y, quizá tediosa. Pero entre las anécdotas que contó se podían extraer interesantes enseñanzas. Decía que Azcona nunca dejó de viajar en autobús porque ahí era donde escuchaba y aprendía. Según el guionista “el cine italiano perdió a sus guionistas cuando estos dejaron de viajar en autobús”.

La mejor intervención, junto con las de Trueba, fue la de García Sánchez. Como habéis visto en el vídeo, dijo que la única putada que le había hecho Azcona fue morirse. Que había tenido que escribir treinta y cinco necrológicas hasta el momento y que siempre intentó seguir dos principios azconianos: no repetirse y hacer reír.

Ángeles González-Sinde, guionista y presidenta de la Academia del Cine Español, que se encontraba entre el público, dijo que Azcona consideraba que el guionista era como un sastre, que tenía que hacer los trajes a la medida de cada cliente –en este caso directror— y amoldarse a sus defectos para que quedase bien. Por algo Azcona era hijo de sastre.

Esa misma noche, antes de la presentación de ‘Proyecto Dos’, se reiteró el homenaje en forma de gala a la que dio introducción Cayetana Guillén Cuervo. Repitieron Bernardo Sánchez Salas, Luis Alegre y José Luis García Sánchez, que volvió a seguir estos principios logrando no repetirse y pidiendo del público asistente una carcajada en lugar de una oración por Azcona.

Se insistió de nuevo en que al guionista le gustaba hacer un cine que bebiese de la realidad, no un cine que bebiese del cine. Por ello esa capacidad de escucha y observación de la que habían hablado por la mañana fue tan fundamental para sus guiones.

Más información en Blogdecine sobre Rafael Azcona.

Además de la sección oficial a concurso, el Festival de Cine Español de Málaga tiene una sección llamada ZonaZine donde compiten títulos de menor popularidad. Esta noche, un día antes de la entrega de los galardones oficiales, se entregarán los Premios ZonaZine. El jurado que los ha elegido está presidido por Guillermo Hernaiz y compuesto por Manuela Velasco, Manuela Velles, José Battaglio y Mario Vaquerizo, ha decidido emitir el siguiente fallo:

La Biznaga de Plata al Mejor Actor en la categoría de Largometrajes ha sido para Miguel Ángel Silvestre (en la fotografía), actor que actualmente interpreta a “El Duque” en la serie ‘Sin tetas no hay paraíso’ y que levanta pasiones allá donde va. El premio se lo ha llevado por ‘Zhao’, de Susi Gozalvo, pero también presentaba en este festival ‘3:19’, que se ha llevado la Biznaga de Plata a la Mejor Dirección para Dany Saadia. No sé por qué, me da la impresión de que estas películas andaban en algún cajón condenadas al ostracismo y que la fama de este actor las ha resucitado. A pesar de eso, Silvestre declara que quiere abandonar la serie porque se está encasillando y quiere hacer cine.

El premio “Alma” al Mejor Guión es para Ciro Altabás por ‘Hobby’.

En la categoría de cortometrajes y la de videoclips podéis consultar quiénes son los ganadores en la web del Festival de Cine Español de Málaga (cuya dirección os incluyo al final de la noticia).

Tenemos también los Premios Territorio Latinoamericano, categoría para la que el jurado está compuesto por Enrique Gabriel (Presidente), Sylvia Perel, Jorge Sánchez Sosa, Javier Rioyo y Malena Alterio. El fallo al que han llegado estos integrantes del jurado es el siguiente:

El Premio a la Mejor Película, Biznaga de Plata y 9.000 € se ha decidido por unanimidad que recaerá en ‘Dos abrazos’, de Enrique Begné, que también se llevará esta noche la Biznaga de Plata a la Mejor Dirección, igualmente por unanimidad.

El Premio Especial del Jurado: Biznaga de Plata y 6.000 € a ‘Rancho Aparte’ de Edy Flehner, por mayoría.

En el apartado actoral, la mejor femenina es Mercedes Scapola por ‘Rancho aparte’, por mayoría y Luz Palazón se lleva una Biznaga de Plata a Mención Especial por el mismo film. Y el mejor masculino, Biznaga de Plata a Edgar Ramírez por ‘Cyrano Fernández’, por unanimidad.

Más información en Blogdecine sobre el Festival de Cine Español de Málaga.

Fuente | Página oficial del Festival de Cine Español de Málaga.

Tras mi visita al Festival de Cine Español de Málaga, vuelvo con mucho que contaros, pero empiezo por la crítica de ‘Fuera de carta’ porque esta misma tarde, 11 de abril, ya podréis encontrarla en las salas. Javier Cámara y Lola Dueñas protagonizan el film, que se ve respaldado por la interpretación de Fernando Tejero como secundario. Con un equipo procedente de la televisión, que confirma lo que os decía hace pocos días, el film está dirigido por Nacho G. Velilla y escrito por el propio Velilla, David Sánchez Olivas, Oriol Capel Mir y Antonio Sánchez Olivas.

En otras ocasiones he reivindicado el modo de escritura televisivo, es decir, en equipo, para lograr comedias que realmente sean divertidas. Con tantas mentes pensantes colaborando por una misma causa es más factible alcanzar una película que de verdad haga gracia y que tenga una alta densidad de chistes buenos por minuto. No hay nada peor que esas cintas que se autoproclaman comedias y que, como máximo, te hacen sonreír dos veces a lo largo de hora y tres cuartos. ‘Fuera de carta’ me da la razón en ese sentido. La película de Velilla es desternillante y la llegada de momentos cómicos no se hace esperar. Sin embargo, el humor es lo único logrado de un guión que se acerca demasiado a los films norteamericanos en la moralina y el final conciliador.

Este aspecto aleccionador que os comentaba tiene como única posible ventaja el ofrecer una evolución de personajes completa y justificada. Sin embargo, ni en el protagonista ni en el secundario que podría evolucionar: el hijo, vemos que se produzca un cambio paulatino, sino una repentina transformación que se nos hace falsa. Cámara comienza siendo déspota con sus cocineros y cuando nos acercamos al final sigue siendo déspota con los cocineros y maleducado con los clientes. En una escena casi plagiada de ‘Deliciosa Martha’, demuestra un teórico mal humor por su situación, pero como desde el inicio lo habíamos visto comportarse con la misma falta de amabilidad, se pierde efectividad. Y sólo hacia el final, cuando se le presenta la oportunidad que siempre había buscado, es cuando se produce su cambio. El hijo, que podría ser quien más cambiase, es siempre igual –quizá con altibajos— hasta que se da cuenta de un dato que no puedo desvelar y entonces se transforma por completo. Además, deberíamos ponernos de su parte, pero es un personaje que cae tan mal, que no es posible.

SPOILER La escena en la cual decide renunciar a la estrella Michelín para demostrar el amor hacia los hijos es la más americana en el mal sentido. Por otro lado, lo de que al final se vaya a vivir al pueblo, sin haber resuelto el hecho de que la gente de allí lo pueda discriminar, es lamentable. Nos parecería bien que le bajasen los humos (nunca mejor dicho) del ambiente (nunca mejor dicho) un tanto estupidín y fashion de Chueca, pero de ahí a mandarlo a vivir con los padres, hay un buen trecho. FIN DEL SPOILER.

Otro aspecto del guión que encontramos aquí y que nos recuerda mucho a las tramas de las telecomedias de las cuales son autores los guionistas y el director son las situaciones vodevilescas o de malentendidos. Por supuesto, esto produce humor, pero quizá es la fórmula más obvia y facilona de lograrlo. Series como ‘Aída’ o anteriormente ‘Siete vidas’ son, como esta película, sumamente divertidas y yo admiro mucho a sus creadores, pero si algo se les puede reprochar es que estos recursos, después de verlos tantas veces, se hacen cansinos.

El tema de la homosexualidad es el trasfondo de toda una historia que en realidad trata sobre la amistad, la paternidad y la forma de ser de los individuos. Pero es justo el motivo de la mayoría de los chascarrillos. Esto se puede entender de forma positiva, pero es fácil pensar que se trate de una película políticamente incorrecta, pues cuando el padre de Maxi cuenta un chiste homófobo, no nos reímos de lo facha que es él, nos reímos con el chiste. Afortunadamente, que el actor principal sea gay en la vida real eliminará muchas tentaciones de protesta, pero incluso aunque su pluma sea menor que la de muchas personas reales, se podría considerar que se ha realizado una caricatura más que un retrato de personaje.

Lola Dueñas es una gran actriz, pero su personaje no es adecuado para ella. Debería añadir mucha comicidad y, sin embargo, Dueñas resulta más bien seria o incluso patética. Y su función de Pepito Grillo es demasiado evidente. No cae bien y no hace falta dentro del argumento, pero sí absorbe mucho tiempo y enfarraga la trama. El argentino también es un personaje de mentira: guapo, bueno y comprensivo en exceso. Por mucho que se diga que lo ha conquistado por el estómago, resulta difícil creer que se interese por Maxi.

Javier Cámara resulta muy divertido y sostiene prácticamente solo muchas de las escenas, en especial aquellas en las que le dan réplica los dos anteriores. Fernando Tejero está como siempre y, como cabría esperar, es de él de quien vienen la mayor parte de los chistes. Los actores que apenas aparecen, pero que deberían estar presentes mucho más tiempo son Chus Lampreave y Luis Varela. Sólo por ellos dos ya merece la pena ir a ver la película, incluso aunque tenga defectos. Él, con sus frases que parecen sacadas de ‘Escenas de matrimonios’ y sus chistes homófobos, está muy gracioso. Y ella, en su línea que hemos podido ver en los films de Almodóvar, vale un mundo.

La película de Miguel Albaladejo, ‘Cachorro’, contaba un tema similar de forma mucho más acertada. Aquella no era una comedia, pero a cambio profundizaba en los personajes con una mayor autenticidad.

A pesar de todo lo dicho, recomiendo ‘Fuera de carta’ vehementemente a cualquiera que desee pasar un buen rato y echarse unas risas. Es muy divertida y no deja de entretener en ningún momento. La parte de la moraleja podemos tratar de ignorarla y disfrutar.

Más información en Blogdecine sobre ‘Fuera de carta’.

‘Enloquecidas’ es la comedia que presentó Juan Luis Iborra en el Festival de Cine español de Málaga y que se estrena en todo el país hoy viernes, día 11 de abril. Concha Velasco, Verónica Forqué y Silvia Abascal son las protagonistas.

A continuación podéis ver un trailer no definitivo, pero es que el definitivo no está por ninguna parte. Tras el salto aparecerá el póster.

Fuente | El paso PC

‘Todos estamos invitados’ está protagonizado por Óscar Jaenada, José Coronado, Iñaki Miramón, Adolfo Fernández Kike Díaz de Rada y Vanessa Incontrada, entre otros.

Mientras tanto, los sucesos siguen su curso en el País Vasco. Un profesor de Universidad, Xabier, es amenazado por sus opiniones muy críticas sobre la situación en Euskadi. Es un poco donjuán. Tiene amores con una de sus alumnas, Francesca, italiana, que naturalmente se sorprende todos los días ante lo que está sucediendo por las calles y lugares de Euskadi. Francesca, bella y simpática, es además psicóloga en un establecimiento psiquiátrico.

Xabier no renuncia a ir a las cenas de su sociedad gastronómica pese a las advertencias que recibe por parte de la policía.

Una serie de comidas y cenas se repiten mientras Josu Jon, el activista desmemoriado, vuelve a escena, pero siempre bajo la supervisión de un centro psiquiátrico, precisamente el centro psiquiátrico en el que trabaja Francesca.

Entre Francesca y Josu Jon hay una corriente de simpatía. Francesca quiere ayudarle a recobrar la memoria. Pero ¿quiere Josu Jon recobrar la memoria o prefiere olvidar quién ha sido?

Fuente | Alta Films.

Jaime Marques Olarreaga dirige esta cinta que destaca principalmente por la originalidad de su apuesta estética y por la habilidad para combinar frescura con naturalismo. Planos repletos de luz, grandes masas blancas, encuadres amplios, pero no por ello vacíos o llenos sólo de frialdad son lo que ocupa la pantalla del primer film de este guionista y director.

No sabría decir si a pesar de o debido a la juventud de los protagonistas, la sensualidad es otro de los factores mejor perfilados del film de Marques. Aunque los momentos en los que se permiten escarceos amorosos son breves y escasos, la totalidad de la película respira un aire carnal. En este aspecto influye mucho la presencia de ambos actores. Tanto Juanjo Ballesta, como María Valverde, y quizá especialmente ella, con un físico tan mórbido, transmiten un atractivo que llama a los bajos instintos.

Ya mencionados los intérpretes en cuanto a su aspecto físico, su trabajo merece también ser señalado como uno de los valores de ‘Ladrones’. Tienta decir que ambos llevan a cabo actuaciones brillantes porque están su papel. En el caso de Valverde me atrevería a afirmarlo con rotundidad pues la otra intervención que le conozco era el destrozo del film de Antonio Hernández ‘Los Borgia’, por otro lado muy recomendable. Y en cuanto al joven Ballesta, probablemente tampoco estaríamos muy lejos de la verdad, aunque lo difícil en este caso sería compararlo con otro registro pues no le conozco personaje en el que se haya alejado del rol de macarra en el que está encasillado y del que, como se puede comprobar aquí, es posible que no se desmarque en la vida real.

Cierto es que he dedicado el párrafo más largo a criticar negativamente el final de ‘Ladrones’. No por ello quiero que la sensación genérica que resulte de esta observación sea la de mi disconformidad con la película. Muy al contrario, la opera prima de Marques, vista en el Festival de Cine Español de Málaga —donde obtuvo el Premio Especial del Jurado—, me sorprendió gratamente y me imbuyó de optimismo con respecto a lo que pueden ofrecer en el futuro tanto su director como el cine español en general.

Está protagonizado por el propio Javier Veiga y por Marián Álvarez. Se trata de la historia de Manuel, un hombre que convive con dos soledades, la personal y la del artista. Él es un afamado guionista que recibe la visita de una extraña mujer. No se conocen de nada, pero ella ha llegado para quedarse. Él, solitario empedernido, intentará echarla por todos los medios.

Javier Veiga nació un 11 de Febrero en 1973, en O Grove (Pontevedra). Después de participar en varios montajes teatrales, decide montar su propia compañía, Teatro Impar, donde produce, interpreta, dirige y versiona espectáculos basados en textos clásicos, como los de Calderón, Chejov o García Lorca; que resultan premiados en varios festivales nacionales.

En cine, ha protagonizado ‘Escuela de seducción’, ‘El año de la garrapata’, ambas de 2004. En papeles no protagonistas, ha participado en ‘Tuno negro’ (2001), ‘La mujer más fea del mundo’ (1999), ‘El conductor (1998) o ‘Planeta extraño’ (1997).

Ha actuado en ‘5 hombres.com’ y en estos momentos representa la obra ‘Amor… y otros pecados’ en el teatro Amaya de Madrid.

‘¡Sálvame!’ también ha participado en muchos otros festivales, entre ellos, el Festival de Cine Español de Málaga.

Marián Álvarez apareció en ‘Semen, una historia de amor’, la serie “Motivos personales”, ‘Limbo’ (2006), la tv-movie ‘Atropello’ (2006), de la que os hablé tras la edición de 2006 del Festival de Cine Español de Málaga; ‘Lo mejor de mí’ y la serie ‘Los sentidos de la muerte’.

Fuente: Festival de Medina del Campo

Como ya os comenté a la vuelta del Festival de Málaga, ‘Pudor’ supone el debut detrás de la cámara del actor Tristán Ulloa y de su hermano David. Está basada en una novela del joven escritor peruano Santiago Roncagliolo. Se trata de la vida cotidiana de una familia inundada por las desgracias y los problemas. Primero se muere el abuelo, a continuación vemos que la madre se siente hastiada de su vida y poco apreciada en su matrimonio, el padre tiene una enfermedad terminal, la hija adolescente se cuestiona su orientación sexual y el niño pequeño… ¿a que no lo adivináis?... en ocasiones… ve muertos.

Por otro lado, el tono con el que están retratados los problemas es demasiado grave y dramático, especialmente por causa de un montaje de ritmo ominoso y pesado. Incluso las personas peor tratadas por la vida se plantean de otra manera sus existencias. Esos otros films a los que ‘Pudor’ trata de acercarse, aciertan en encontrar un tono algo más matizado y gracias a eso se alejan del culebrón para lograr un resultado original. ‘Pudor’ no resulta en absoluto novedosa con respecto a infinidad de películas españolas que de forma igual de grave y suntuosa se acercan a las desdichas humanas.

Para crear un drama como éste, hay que basarse en los personajes y precisamente es por este lado por donde más falla esta película que ha intentado centrarse únicamente en el aspecto humano. No se produce la empatía suficiente, los caracteres no muestran ninguna evolución. Lo que les ocurre a la adolescente y al niño quizá es lo más interesante del film. Pero el personaje de la madre, Elvira Mínguez, es el que menos empatía causa de todos ellos y, en mi opinión, Mínguez no es nada adecuada para el papel. Su actuación está muy exagerada y crea más rechazo que identificación.

Admito, eso sí, que la falta de empatía con los personajes puede ser algo un tanto subjetivo y, por ello, no es que deje de recomendar ‘Pudor’, pues sé que habrá muchas personas a las que podrá gustarle; pero a mí en particular claramente no me llegó y me resultó imperfecta en muchos aspectos.

En la rueda de prensa del Festival de Málaga, estuvieron presentes los hermanos Ulloa, Tristán y David, que se mostraron un tanto decepcionados por la falta de premios que había obtenido su película ‘Pudor’. Elvira Mínguez, que recibió la Biznaga a la mejor actriz, también estaba presente y declaró que “no me lo esperaba para nada. Creo que es de lo premiso que menos me merezco. Se lo merecen ellos [los directores] o los tres. Es un premio de todos y es un empujón” para la película.

Cierto es que estas características podrían darse en las que no vi, como ‘Concursante’, ‘Arritmia’, ‘El menor de los males’, ‘Yo’, u otras de las presentadas que no se llevaron ningún premio ni mención, pero sería más normal que esto se encontrase entre las ganadoras.

Efectivamente, ‘Bajo las estrellas’, que fue la gran triunfadora, con cuatro premios, es la que más me gustó. El guión, que está basado en ‘El trompetista del Utopía’, de Fernando Aramburu Irigoyen, no cuenta algo excesivamente original, pero precisamente por ese motivo es aún mayor el mérito que tiene Félix Viscarret de habernos acercado una historia que parece diferente. Esto se debe al tono desenfadado y no siempre dramático que ha elegido el cineasta. Gracias al actor Alberto San Juan, se consigue también esta posición entre las risas y las lágrimas que alejan al film de esos otros tan falsamente dramáticos y exagerados que se suelen hacer en nuestro país. El final de la cinta demuestra cómo es posible conseguir un happy ending sin caer en lo ñoño o en lo convencional, gracias a una aparente frialdad muy bien contada desde el guión.

Con ‘Hotel Tívoli’, Antón Reixa apuesta por una trama de historias cortas que tienen como hilo conductor un mechero cortesía de un hotel. Con un enorme despliegue actoral, Reixa demuestra una gran capacidad narrativa, imaginación y buena mano para el guión, pero el film se queda muy pobre en cuanto a su aspecto estético y a su dirección. En concreto son los efectos de postproducción lo que más estropea una idea nada desechable de comienzo. Como cualquier film compuesto de varios retazos, presenta sus momentos altos, como podría ser la intervención de Nancho Novo, y los bajos, que en este caso, al igual que ocurría con ‘Corrupción en Miami’, vendrían coronados por el monólogo de Luis Tosar. Como conclusión curiosa, se podría extraer de ‘Hotel Tívoli’ que los gallegos están en el mundo entero.

Álvaro Díaz Lorenzo, el director de ‘Café solo o con ellas’, no pretendía otra cosa que hacer reír y lo ha conseguido. Su cinta se acerca más a una serie televisiva que a un film, pero al menos no se hace pesada. En su realización, vestuario y localizaciones se puede detectar una gran pobreza, pero si logramos ignorar estos temas, se puede disfrutar. Comienza con un humor sorprendentemente bueno, en gran parte gracias a Terele Pávez, y se va desinflando, como le ocurre a casi todas las comedias, cuando se quiere meter con calzador la cuestión de las relaciones sentimentales. En el terreno romántico no funciona en absoluto, pero como comedia es un buen producto para pasar el rato.

‘Pudor’ supone el debut detrás de la cámara del actor Tristán Ulloa y de su hermano, David. La película está basada en una novela del joven escritor peruano Santiago Roncagliolo. Se trata de la vida cotidiana de una familia cuyos miembros tienen todos desgracias y problemas. En esta cinta sí que ocurriría el problema mencionado más arriba del exceso de dramatismo y gravedad en el tono. El film trata de contar demasiados problemas en un mismo núcleo familiar y esto hace que la fuerza que podría tener cada uno se diluya. Precisamente es por el lado de los personajes por donde más falla esta película que ha intentado centrarse únicamente en este aspecto: no se produce empatía y los caracteres no muestran ninguna evolución. El personaje de la madre, Elvira Mínguez, que es quien ha ganado la Biznaga a la mejor actriz, es el que menos identificación causa y, en mi opinión, Mínguez no es nada adecuada para el papel. Lo que les ocurre a la adolescente y al niño quizá es lo más interesante del film, aunque precisamente no lo más original porque lo de que el pequeño, en ocasiones, vea muertos, me suena de algo. Se estrenará el 13 de abril. Para entonces, trataré de explicar mejor estas palabras en una crítica más completa y detallada.

‘Tuya siempre’, de Miguel Lombardero, podría parecer mucho más de lo que es, gracias a las intervenciones de Jose Coronado y Nancho Novo, así como por la presencia de la actractiva actriz Flora Martínez. El ambiente de locales de jazz y la apariencia de cine negro también podrían hacer que en el trailer o en fragmentos el film pareciese interesante. Sin embargo, un montaje que se hace sumamente tedioso da la impresión de que la película no tiene nada que contar. El film presenta personajes y situaciones manidos y sin interés, junto con una nula variedad de escenarios. José Luis Alcaine demuestra que la Alta Definición es un terreno que se le escapa y nos regala una fotografía sumamente pobre.

‘Manolín’ es un experimento, una “ida de olla”. Con una cámara casera digital, Manuel Valencia grabó momentos de su existencia para montarlos como un cortometraje, pero con una duración de más de una hora. Ni siquiera nos encontramos ante lo que cabría esperar: una panda de descerebrados que se drogan y se divierten ante la cámara, lo cual podría resultar entretenido o hasta gracioso. El montaje desenfrenado y epiléptico en el que ningún plano dura más de 20 frames haca casi imposible el visionado por más de unos minutos de esta cinta que contentará a los conocidos de su autor y que quizá dé que hablar, pero que no pasará de lograr eso.

En este enlace se puede leer lo que opinaron los propios premiados durante la rueda de prensa posterior a la entrega de las Biznagas.

Aquí puede verse el balance del mismo Festival, pero en su entrega anterior. Aquel año creo que la cosecha fue algo mejor, ya que había films como ‘Un franco, 14 pesetas’ o ‘Cuento de Navidad’, la tv-movie de Paco Plaza de las ‘Películas para no dormir’, que me dejaron una buena sensación. A lo largo del 2006, además, se presentaron otros buenos films españoles, como ‘Volver’ y ‘La noche de los girasoles’. Por lo tanto, el hecho de que nada de lo visto en Málaga haya sido excepcional no tiene por qué desanimar con respecto a la posible calidad del cine español para 2007.

El Festival de Cine Español de Málaga dedica una sección a la exhibición de documentales. En esta ocasión, tuve la oportunidad de ver dos de ellos: ‘Goodbye, America’ y ‘La silla de Fernando’. Curiosamente, ambos consistían en la presencia ante la cámara de un actor de avanzada edad, Al Lewis y Fernando Fernán Gómez, respectivamente, que contaba sus implicaciones en movimientos políticos o sus ideas sobre la política y la sociedad.

Sobre ‘La silla de Fernando’ nos había informado Teresa. Dirigida por Luis Alegre y David Trueba, esta película-conversación, como ellos mismos la llaman, está creada con la idea de permitir a una gran cantidad de personas apreciar las capacidades como conversador de Fernando Fernán Gómez. El film son los extractos de una larga conversación sobre temas como la guerra, las posibilidades de una actor en la época en la que Fernán Gómez comenzaba y, sobre todo, los ligues o la diversión nocturna.

Dependiendo del atractivo que pueda tener para cada uno la figura de Fernando Fernán Gómez, este documental podrá resultar como una amena charla con alguien a quien da gusto escuchar o una mera entrevista grabada sin interés. En mi caso, admiro a Fernán Gómez y no sólo como actor, que suele ser la faceta que más se conoce de él, sino también como escritor y como cineasta. Sus películas me parecen de una genialidad infravalorada y sus novelas son maravillosos documentos.

Poco más se puede observar sobre la película como no fuese extractar momentos de la conversación, pero para ello es preferible escucharlos de boca del propio Fernán Gómez.

‘Goodbye, America’, producido por Elías Querejeta y dirigido por Sergio Oksman, muestra a Al Lewis, actor al que conocemos por haber encarnado al abuelo de ‘La familia Monster’ y que murió el 3 de febrero de 2006.

Durante una sesión de maquillaje previa a una actuación, Lewis cuenta anécdotas del pasado y opina sobre el Mccarthismo y otros problemas a los que se enfrentó EE. UU.

Lewis fundó su propio partido político y se presentó como senador. Otra faceta importante que podemos ver la de radio. Durante esta época, animaba a los oyentes a que escribiesen cartas a los presos, ya que había conocido que algunos de ellos podían pasarse décadas sin recibir una sola visita o una sola misiva.

El actor declaraba que había nacido en 1910 y así lo afirma durante el documental, pero tras su muerte, su hijo confesó que la verdadera fecha de nacimiento de su padre era el 30 de abril de 1923.

El documental era interesante gracias a la figura de este carismático actor. El tratamiento es muy parecido al de ‘La silla de Fernando’. Aunque, afortunadamente, el tamaño de los planos cambia más y existe algo de puesta en escena, la cinta se basa en las declaraciones de Lewis a su maquillador y se intercala con metraje y fotografías de la época o con fragmentos de la serie ‘The Munsters’.

Ahora podéis también conocer qué dijeron los ganadores con respecto a sus premios.

En la rueda de prensa estuvieron presentes directores, como Félix Viscarret, Rodrigo Cortés, Jaime Marques, Rafael Cortés o Tristán Ulloa, y actores, como el joven Juan José Ballesta (en la fotografía), Emma Suárez, Nancho Novo, Elvira Mínguez, Javier Villagrán, etc…

Hubo ilusión y alegría, pero también alguna decepción de quienes se esperaban mucho más. También se pudo apreciar pasotismo y, en contadas ocasiones, indiferencia. Pero la tónica general fue el agradecimiento.

Félix Viscarret, que debuta con esta película, describió su opera prima como “una historia sobre antihéroes tierna, cómica y con un tono diferentes”. Continuó diciendo que ‘Bajo las estrellas’ era “un cuentecillo de personajes a la deriva, con los que nos reímos y lloramos” o una “road movie a la navarra”. Precisamente este tono que se aleja del exagerado dramatismo de otros films españoles gracias al humor es lo que más había elogiado en mi comentario de ayer, pues me pareció su mayor acierto.

Viscarret declaró que “los premios te tienen en una nube, pero que el momento más bonito de Málaga fue la ovación espontánea del público que nos esperó fuera de la sala para darnos una abrazo”.

A continuación “comparecieron” unos hermanos Ulloa, Tristán y David, un tanto decepcionados por la falta de premios que había obtenido su película ‘Pudor’. Si os vale de algo mi opinión, no le habría dado ni el que se llevó: Biznaga de Plata a la Mejor Actriz Elvira Mínguez. La intérprete también estaba presente y declaró que “no me lo esperaba para nada. Creo que es de lo premiso que menos me merezco. Se lo merecen ellos [los directores] o los tres. Es un premio de todos y es un empujón” para la película.

Salieron más adelante los artífices de ‘Concursante’: Rodrigo Cortés, el director, y David Azcano, el director de fotografía. Este film había obtenido la Biznaga de Plata al Premio de la Crítica y la Biznaga de Plata a la Mejor Fotografía. Confesaron sentirse “enormemente orgullosos de este premio” de la crítica internacional “en una apuesta tan arriesgada”. Ante la pregunta-protesta de si creen que, de haber existido el premio al mejor montaje, se lo hubiesen llevado, se mostraron de acuerdo con que debería existir esta categoría. El moderador, Méndez-Leite, apuntó que estaban considerando la posibilidad de instaurarla. Esperamos que lo lleven a cabo, ya que no es normal que existan premios a la Fotografía, al Vestuario, al Maquillaje… y a algo tan fundamental en el resultado de una película como es el montaje, no se planteen entregar galardones.

Se presentaron entonces los autores de ‘Ladrones’: el director Jaime Marques y el productor José Ibáñez, junto con el actor protagonista, Juan José Ballesta, que acababa de volar desde Canarias para asistir a la rueda de prensa. A pesar de eso, poco intervino. Ante la pregunta de si daba suerte a las películas en las que participaba, sólo pudo responder: “Yo no digo ná, no sé”. Más adelante, ya se extendió un poco más con las palabras: “Tan contento” por el premio y “encantao de venir aquí”.

El director opinó sobre el hecho de recibir el Premio Especial del Jurado que “esto te anima a la hora de pensar que tu propuesta visual y narrativa ha sido comprendida”. Me veo obligada a apuntar por mi cuenta que la propuesta narrativa no tiene nada de especial ni de diferente a otros films. En cuanto a su aspecto visual, es cierto que está muy cuidado y resulta muy superior al de otros films similares, pero no se aleja de lo convencional. ‘Ladrones’ es una película digna de ser tenida en cuenta, muy bien realizada e interpretada, pero con un final excesivamente dramático y hasta casi postizo.

‘Tuya siempre’ tuvo tanta presencia en la rueda de prensa como merecía. Acudieron Nancho Novo que, curiosamente, aparecía en otros dos films presentados a concurso en este mismo festival, y Gregorio Ros, que había recibido la Biznaga de Plata Mejor Maquillaje. Este film también había obtenido Biznaga de Plata a la Mejor Música José Reinoso y Horacio Fumero y la Biznaga de Plata al Mejor Actor de Reparto Nancho Novo. Tras la única pregunta que se le hizo, “¿Cómo te sientes con el premio?”, contestó “De puta madre” mientras ya se levantaba y se marchaba ante el poco interés que la prensa mostró por los galardones del film.

Para hablar sobre la Biznaga de Plata al Mejor Guión “Premio Egeda” a ‘El menor de los males’, estuvo presente uno de los coguionistas, Antonio Galiano, hijo del otro guionista y director del film, Antonio Hernández. Lo primero que aclaró es que su padre estaba en camino, pero que no había venido en avión por miedo y que viajaba por carretera.

El co-guionista estaba contento por el premio, pues consideraba que ‘El menor de los males’ es una “película ya de guión arriesgada”. “La idea surgió como una reacción a la guerra de Irak y lo que hacía el PP” en la época en la que José María Aznar estaba en el gobierno. “Intentamos meternos en la cabeza” de quienes estaban tomando la decisión de participar en la guerra, pero “luego se nos ha ido, es ficción”. Sobre el trabajo junto con Antonio Hernández declaró: “para mí es un lujo, un regalo, que me padre me pidiese trabajar con él y que quisiese hacer algo más combativo”. “Cuando no nos poníamos de acuerdo, intentábamos reflejarlo en los personajes”.

Para responder a una pregunta sobre la importancia que tiene un premio al guión, Antonio Galiano dijo que “los premios pertenecen a la película, no a las personas”. “No lo considero en último lugar. Sin guión no podríamos rodar”. “El guionista parece que no existe, pero ya lo sabemos en la profesión”. “Lo importante es que la película se vea, guste, provoque reacciones…”

‘Café solo o con ellas’ es una película barata, sin pretensiones, pero que logra hacer reír. Y esto no es tan fácil de conseguir como parece. Por lo tanto, su director, el malagueño Álvaro Díaz Lorenzo, estaba contento de haber obtenido el premio que consideraba más adecuado para su opera prima, el del público. “Quería que gustase al público, que hiciese reír. Así que estoy muy contento”. “Siendo de Málaga, doblemente contento”.

Por último, el director de ‘Yo’, Rafael Cortés declaró que le “habría gustado llevarme cinco premios y me han dado una mención especial y eso me ha colocado en mi lugar”.

Para cerrar la rueda de prensa, comparecieron los directores y productores de los documentales ganadores. Todos los films presentados, tanto a la sección oficial a concurso, como a todas las otras, se pueden consultar en este enlace.

Web oficial del Festival de Cine Español de Málaga.