Festival de Cannes 2011

Lars von Trier es un tipo peculiar. Polémico, osado, inconformista, charlatán, genial, provocador, pretencioso, perturbado… Todo eso y mucho más se ha dicho sobre Von Trier, y a él parece encantarle. Parece que adora ser el centro de atención y que, aunque sea mal, se hable de él. Y para muestra, uno de los últimos carteles que han salido de ‘Melancolía’ (‘Melancholia’), su último trabajo, en el que aparece retratado como si fuese uno de los protagonistas de la película, acompañado del recordatorio de su expulsión del festival de Cannes, donde fue declarado “persona non grata” después de unas declaraciones donde llegaba a decir que simpatizaba con Hitler (sacadas de contexto y sobredimensionadas por los medios de comunicación, ansiosos por llamar la atención y provocar debates de lo que sea). Eso sí, antes de que os lancéis a la yugular del danés por su egocentrismo al querer protagonizar un póster de su película, quizá deberíais echar un vistazo a los carteles de ‘El agente secreto’, ‘La soga’ o ‘Los pájaros’.

Recordemos que ‘Melancolía’ se centra en la difícil relación entre dos hermanas, mientras la órbita de un misterioso planeta lo dirige inevitablemente a chocar con el nuestro, una amenaza que no todos se toman de la misma manera. Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, John Hurt y Alexander Skarsgard, entre otros, protagonizan una película intensa y cautivadora; si queréis leer más podéis recuperar la crítica que escribí desde Cannes. Se estrena el próximo 4 de noviembre en España y espero que con suficientes copias para que pueda verse en más de dos ciudades. Es, sin lugar a dudas, una de las mejores películas del año.

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Por fin se ha anunciado la fecha del estreno de ‘El árbol de la vida’ (‘The Tree of Life’, 2011) en España. Tras su paso por el festival de Cannes, donde se alzó con la Palma de Oro, la quinta película de Terrence Malick llegará a nuestros cines distribuida por TriPictures el próximo 16 de septiembre. Ya era hora.

‘El árbol de la vida’ es un proyecto en el que Malick empezó a trabajar a finales de los 70, previamente titulado ‘Q’. Protagonizada por Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain y Fiona Shaw, la película nos presenta una familia norteamericana de los años cincuenta, centrándose en el nacimiento y el crecimiento del hijo mayor, desde la inocencia de la infancia hasta la desilusión de sus años de madurez, en su intento por reconciliar una complicada relación con su padre; Jack se siente un alma perdida en el mundo moderno, en busca de respuestas para el origen y el significado de la vida. Como ya sabéis, tuve la oportunidad de verla durante mi estancia en Cannes y encontré un asombroso espectáculo audiovisual cargado de emoción y autenticidad, de alegría y amargura, más que una película, una experiencia. Lo cierto es que la noticia de su estreno en nuestro país me alegra tanto como si no la hubiera visto aún, estoy deseando volver a emprender el intenso viaje propuesto por Terrence Malick.

Arriba tenéis el tráiler de la película en español y abajo os he dejado un vídeo muy interesante sobre el trabajo de los actores, lamentablemente solo lo he encontrado en inglés. Llamadme pesados si os place, pero, ¿os transmite lo mismo el tráiler doblado que el original? A mí las voces originales me suenan acordes con las emociones y los sentimientos que desean expresar, mientras que las que están en castellano me parecen fingidas. ¿Cosas mías? Lo que es innegable es que se han modificado los diálogos originales, y eso sí que es lamentable. Espero que solo se haya hecho en el avance.

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Tras recuperar las encuestas, aquí os dejo también una nueva entrega de “frases de cine”, una sección que tenía algo abandonada. Creo que la selección que os he traído merece la pena, ya me diréis. Empiezo con unas declaraciones de Mel Gibson en una de las pocas entrevistas que concedió para promocionar ‘El castor (The Beaver)’, donde por cierto está sensacional.

Yo seguiré viviendo mi vida como lo he hecho siempre, nunca he cometido un solo acto de discriminación contra nadie. Hace un tiempo, en una entrevista televisiva en vivo, alguien me comentó que en una sesión de cine, cuando apareció mi nombre en los títulos, la audiencia se puso a silbar. Yo pregunté si todo el cine había silbado y el tipo me dijo que sí. Entonces le respondí que mi nombre solo aparecía en los créditos finales, y que para poder silbar, la audiencia tendría que haberse quedado durante toda la película. Creo que esta anécdota es elocuente sobre la diferencia entre lo que la gente dice de mí y la realidad.

Después de ‘Thor’ se ha estrenado ‘X-Men: Primera generación’ (‘X-Men: First Class’) y más adelante llegará ‘El Capitán América’ (‘Captain America: The First Avenger’). Han preguntado a Stan Lee por qué tienen tanto éxito las películas de superhéroes y ésta es su respuesta:

Los cuentos de hadas consisten en cosas extraordinarias: gigantes, brujas, trolls, dinosaurios, dragones y toda clase de cosas imaginativas. Entonces te haces un poco mayor y dejas de leer esos cuentos, pero no puedes dejar de amarlos. Las películas de superhéroes son como los cuentos de hadas para la gente mayor.

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‘House of Tolerance’, elegía por las mujeres de un burdel

Termino con este artículo el repaso a las películas que vi durante el festival de Cannes 2011. Y empiezo con una película extraña, lírica, cruda, melancólica, asfixiante, cuyo título recomiendo apuntar a todos aquellos lectores ávidos de un cine diferente, que sin ser plenamente satisfactorio, sin llegar a lograr todo lo que pretende, deja huella, contiene ideas e imágenes tan inusuales y poderosas que quedan grabadas; de ésta nunca olvidaré una escena tan violenta que me hizo apartar la mirada de la pantalla, algo que no han conseguido incontables películas de terror. Incluida en la sección oficial (no se llevó ningún premio, y las reacciones del público fueron tan dispares como cabía esperar), ‘House of Tolerance’ (‘L´Apollonide: Souvenirs de la Maison Close’) es el quinto largometraje del francés Bertrand Bonello y el segundo con el que ha competido por la Palma de Oro, ocho años después de ‘Tiresia’ (2003). Está ambientado en un burdel de París de principios del siglo XX (lo que no impide que suene el ‘Nights in White Satin’ en una escena preciosa), y se centra en el día a día del grupo de mujeres que allí trabajan, mujeres que por la mañana sueñan y ríen, abrazando la esperanza de una vida mejor, hasta que por la noche asumen su triste realidad, se convierten en objetos sexuales para hombres adinerados, se abren de piernas por unas monedas. Hay desnudos y sexo, como es lógico, pero sobre todo hay humanidad (maltratada) y fetichismo.

Hay una escena que me parece muy representativa en la que una de las protagonistas, en un momento de tristeza, encara a otra y le suelta: “Joder es una profesión espantosamente jodida“; unos instantes después, las dos se parten de risa. Están encadenadas a deudas imposibles de saldar, sufren y son tratadas como seres inferiores (uno de los clientes cita un estudio que concluye que las prostitutas tienen el cerebro pequeño, como los criminales), pero están vivas, al menos de momento, y se tienen las unas a las otras. Bertrand Bonello no carga las tintas, no se regodea en la desgracia ni pretende aleccionar a nadie, solo retrata de la manera más honesta y cercana que puede la existencia de unas mujeres dedicadas a satisfacer los deseos y las fantasías de los hombres (fantástica la comparación con el presente), en esa “casa de la tolerancia” que es prácticamente el único escenario de la película, logrando una acertada sensación de claustrofobia. Es interesante la ambigua relación de las chicas con los clientes, algunos de los cuales hacen promesas que jamás cumplirán. Apoyado en la sensacional labor fotográfica de Josée Deshaies, Bonello se centra en componer sofisticadas y exquisitas imágenes (algunas sorprendentes, como la del sueño recurrente), sin restar naturalidad al trabajo de su elenco, pero se olvida del ritmo y la agilidad narrativa, entregando un relato demasiado estático, contemplativo. ‘House of Tolerance’ aburrirá a muchos, pero su contundencia, su valentía y su belleza la convierten en una rareza memorable.

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‘Martha Marcy May Marlene’, horror cotidiano

Continúo con el repaso a las películas que pude ver en el festival de Cannes 2011; éste es ya el penúltimo artículo. No competía en la sección oficial, pero la estadounidense ‘Martha Marcy May Marlene’ era para mí una de las imprescindibles del certamen. Me cautivó el tráiler, la historia parecía tener mucho potencial, el debutante Sean Durkin había ganado el premio a la mejor dirección en Sundance, donde se destacó la gran interpretación de la también primeriza Elizabeth Olsen, y uno de los protagonistas es John Hawkes, recientemente nominado al Oscar por la película independiente mejor valorada de 2010, ‘Winter´s Bone’. Y me llevé un chasco. No obstante, entiendo perfectamente qué le vieron en Sundance, como también que se convierta en uno de los títulos más defendidos del año, y posible candidata a varios Oscars; Durkin se defiende muy bien con el reparto, que está estupendo, y el guion (también suyo) está construido con cierta habilidad, desvelando poco a poco las pistas justas que permiten resolver el enigma con el que arranca la película, personificado en la chica del título.

Cuenta Sean Durkin en las notas de producción que recibimos diariamente todos los acreditados en Cannes (y que algunos nos empeñamos en conservar, no sé bien por qué, hasta acumular kilos de papel), que cuando buscaba material para su primer largometraje encontró un relato verdadero que le inspiró para empezar a escribir. Leyó que una chica había escapado de una secta para volver con su familia, saliendo el líder del grupo a buscarla; cuando la encontró, lejos de amenazarla u obligarla a volver, le devolvió todo su dinero y le deseó suerte. Este curioso acontecimiento interesó al cineasta porque ofrecía una visión diferente de la que la mayoría tenemos de las sectas, a causa de exagerados retratos cinematográficos basados en arquetipos, pero también le hizo preguntarse cómo sería el regreso para aquella muchacha, tras haber estado viviendo de una manera totalmente diferente a la que consideramos normal. A partir de ahí nació ‘Martha Marcy May Marlene’, un drama con tintes de thriller sobre una joven que intenta recomponer la relación con su hermana mayor, que la acoge en su casa después de perder el contacto durante años; a través de flashbacks que logran transmitir la confusa barrera entre pasado y presente, descubrimos de dónde viene la protagonista y por qué actúa de manera tan extraña, aterrada ante la posibilidad de que alguien la haya seguido.

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‘Hara-Kiri: Death of a Samurai’, fallida renovación de una obra magistral

Aunque ya terminó el festival de Cannes 2011, con el pronosticado triunfo de Terrence Malick, yo continúo con el repaso a todas las películas que pude ver durante los diez días que pasé allí, y es que todavía me quedan un puñado. Sin duda, uno de los títulos más atractivos de los 20 que competían por la Palma de Oro en esta 64ª edición del certamen era ‘Ichimei’ o ‘Hara-Kiri: Death of a Samurai’, la nueva película del prolífico e imprevisible Takashi Miike, un remake de ‘Hara-Kiri’ (‘Seppuku’) casi 50 años después del estreno de la original (ganadora precisamente del premio especial del jurado en Cannes). Con unos 80 trabajos a sus espaldas, tras haber probado todos los géneros, y haber filmado para adultos y para niños, uno nunca sabe qué esperar de Miike, excepto que no suele provocar indiferencia y al menos dejará algún detalle para el recuerdo. Es un realizador que adora hacer cine, como sea, y al que le he leído que echa de menos la energía y la pasión con la que se trabajaba antes en su país; de hecho, su próximo film será una producción de bajo presupuesto para televisión, porque le encanta el frenético modo de trabajo.

Asegura Takashi Miike, y debe ser cierto considerando su filmografía, que es pura casualidad que haya rodado de manera consecutiva dos remakes de prestigiosas películas de samuráis, si bien conviene aclarar que son dos obras muy diferentes, independientemente de que en ambas se centren en el código de honor del samurái y se le retrate de una manera realista, humana, desmitificadora (lo que no impide que en los combates aumente su fuerza y su resistencia, cosa lógica en el cine). Tras disfrutar en Sitges de su nueva versión de ’13 Assassins’ (‘Jûsan-nin no shikaku’, 2010), y teniendo en cuenta la jugosa historia de ‘Hara-Kiri’, jamás imaginé que me encontraría con una película tibia y convencional, de las más aburridas de Miike. Lejos de sus relatos más sangrientos y marcianos, el japonés sacrifica la atmósfera y el crescendo narrativo de la original por el realismo exacerbado y la profundidad del 3D (era la única película en 3D que competía en Cannes), lo que enseguida se revela como una rotunda equivocación. Tan desafortunado está el cineasta que igualmente se ve incapaz de igualar la carga violenta del film de Masaki Kobayashi, confirmado ya como uno de los clásicos insuperables de la historia del cine.

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“Quiere centrarse en la creación y no en la venta del producto. Es extraño para un artista esculpir cosas y luego tener que ser un vendedor”.

Brad Pitt sobre Terrence Malick

Juro decir la verdad, toda la verdad y nada más que la verdad, con la ayuda de Malick. Ya de vuelta en España, todavía con algo de estrés en el cuerpo (hay que ver los engorros que supone viajar con prisas y un presupuesto ajustado), algunos me habéis pedido que cuente cómo ha sido mi experiencia en el mayor certamen cinematográfico del mundo, la aventura que ha sido el Festival de Cannes 2011, de una manera más extensa y detallada de lo que había hecho hasta ahora (os dejé fotos de mi estancia aquí y aquí). La respuesta es este artículo, apasionado y sincero, amorfo e impulsivo, escrito aún con la cabeza en Cannes, donde he estado desde el día 11 al 21 de mayo, como acreditado de prensa en representación de Blogdecine, vuestro sitio favorito dedicado al séptimo arte (se os ve en los ojos, no podéis negarlo).

Mi primer día en Cannes fue uno de los más emocionantes y agotadores de todos los que pasé allí. Estaba programado el pase de ‘Midnight in Paris’ a las once de la mañana, dos horas antes de la rueda de prensa con Woody Allen (del que soy un ferviente admirador) y algunos de los protagonistas, Owen Wilson, Rachel McAdams, Michael Sheen, Léa Seydoux y Adrien Brody. Tras dejar mi maleta en el hotel más recóndito de la localidad de Le Cannet (el GPS del taxista era incapaz de hallarlo) y recoger mi acreditación, me puse en la cola situada frente al letrero “prensa azul”, ya numerosa a eso de las diez y cuarto. Como os conté, hay varios tipos de acreditaciones; la de los privilegiados es la rosa, y la naranja es para los medios que el festival considera menos relevantes. La primera te asegura una buena butaca sin tener que esperar una hora antes de la proyección (los azules podemos entrar a todo llegando con mucha antelación, los naranjas lo tienen más crudo) y un sitio en la minúscula sala de conferencias, con solo 150 sillas para unos 4.500 profesionales acreditados; imposible entrar si no eres rosa cuando se programa una rueda de prensa con alguien famoso. Y es que nos guste o no, ahí está la clave de este certamen. No nos engañemos, si se ha hablado de ‘The Tree of Life’ es porque acudió Brad Pitt.

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Se cumplieron los pronósticos, ‘El árbol de la vida’ (‘The Tree of Life’), la quinta película de Terrence Malick, se ha llevado la Palma de Oro del Festival de Cannes 2011. No, el de la foto no es el esquivo director (que ya fue elegido mejor director en 1978 por ‘Días del cielo’) sino Bill Pohlad, uno de los dos productores a los que Jane Fonda (¿?) ha entregado el preciado galardón. Ha sido el momento culminante de la ceremonia de clausura de la 64ª edición del certamen más importante y mediático del mundo, en cuyo palmarés no ha entrado finalmente Pedro Almodóvar, que presentó en La Croisette su último trabajo, ‘La piel que habito’.

Ya os comenté que me gustó la película española, pero la de Malick es netamente superior, una obra impresionante, por lo que el premio me parece totalmente justo. Tampoco me habría parecido mal que se lo hubieran dado a ‘Le Havre’ (Aki Kaurismäki), ‘The Artist’ (Michel Hazanavicius) o ‘Melancholia’ (Lars Von Trier), otras de las favoritas; la primera ha sido una de las grandes olvidadas por el jurado presidido por Robert de Niro, pero las otras dos han proporcionado galardones a sus protagonistas principales, el francés Jean Dujardin y la norteamericana Kirsten Dunst, en un papel escrito para Penélope Cruz. Se habló de Sean Penn por ‘This Must Be The Place’ y Tilda Swinton por ‘We Need to Talk About Kevin’ como favoritos, pero es indudable que los dos ganadores están sensacionales, así que nada que objetar.

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El Festival de Cannes 2011 ha llegado a su fin. En breve se dará a conocer el palmarés de la sección oficial (los premios de “Un certain rergard” se hicieron públicos anoche) y sabremos por fin qué título se lleva la Palma de Oro, el premio más importante del planeta (excepto en Estados Unidos, donde tiene más valor el MTV al mejor beso, una estrella en el paseo de la fama, un Globo de Oro o incluso el Oscar). Las dos últimas películas de competición que se presentaron fueron ‘Once Upon a Time in Anatolia’, que comento en este artículo, y ‘La Source des Femmes’, que desgraciadamente no pude ver. Lo cierto es que tuve que abandonar Cannes a causa de unas declaraciones que se malinterpretaron y se sacaron de contexto, pues jamás quise decir que en el certamen importaban más las estrellas de Hollywood que el buen cine, o que muchos críticos se duermen durante las proyecciones o se marchan antes de tiempo pero aun así hablan de todas las películas. Es broma. Bueno, en parte. Vale, soy nazi...

‘Un lugar donde quedarse (This Must Be The Place)’, endeble aventura emocional

“Hay muchas formas de morir. Y la peor es seguir viviendo.”

Tres años después de lograr el premio del jurado por ‘Il divo’, el italiano Paolo Sorrentino regresó a la Croisette para presentar un nuevo trabajo, el primero que rueda en inglés y su cuarto intento por lograr la Palma de Oro. Sin duda la imagen de la película es ese Sean Penn disfrazado del líder de The Cure, Robert Smith, en quien está basado el protagonista de ‘Un lugar donde quedarse (This Must Be The Place)’. Cuenta Sorrentino que la idea se originó cuando vio un concierto del grupo y le sorprendió que Smith a sus cincuenta años siguiese saliendo al escenario con el mismo aspecto que cuando tenía veinte. Así llegó a crear a Cheyenne, una ex estrella de rock que cada mañana se maquilla y se viste como si fuese a dar un concierto, si bien hace tiempo que abandonó el mundo de la música, permitiéndose vivir de los derechos de autor en su tranquila mansión. Cheyenne deambula por Dublin como un muerto viviente, apático, aburrido, deprimido, huyendo de los pocos que aún recuerdan su nombre, cómodo con la compañía de su esposa (Frances McDormand), que es todo alegría y vitalidad, y una joven gótica con problemas familiares que es su mayor fan (Eve Hewson).

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