El de la foto no es otro que Abel Ferrara, director que empezó dirigiendo episodios de ‘Corrupción en Miami’ entre otras cosas, y que ha terminado convirtiéndose en un director de culto (a mi parecer injustamente) con películas como ‘Teniente corrupto’ o ‘El funeral’. Ahora, el realizador de ‘El rey de New York’ prepara una versión paralela sobre la novela de Robert Louis Stevenson a la que os anunciábamos hace unos días (protagonizada en su papel principal por Keanu Reeves), El extraño caso del Doctor Jekyll y Mr. Hyde, y que llevará por título ‘Jekyll and Hyde’.

Lo peculiar de esta versión es que Ferrara, autor también del guión, es que los dos personajes centrales (que son uno mismo) son negros. Forest Whitaker y 50 Cent darán vida a Jekyll y Hyde, aunque de momento no se sabe quién interpretará a quién. Hagan sus apuestas, damas y caballeros. ¿Será Whitaker con su habitual camaleonismo el bueno de Jekyll o el malo de Hyde? ¿O tal vez 50 Cent con su cara de mala leche hará directamente de Hyde y a callar?

‘Jekyll and Hyde’ comenzará a rodarse a finales de verano.

Vía | Comingsoon

Cuanto más veo de ella, más me apetece que llegue el estreno de ‘Where The Wild Things Are’, una película de la que hablamos hace bien poco, cuando salió el primer y fantástico cartel. Aquí os dejo las seis nuevas imágenes que han salido de este título, lo nuevo de Spike Jonze, el director de las estupendas rarezas ‘Cómo ser John Malkovich’ y ‘Adaptation: El ladrón de orquídeas’.

Recordemos que ‘Where The Wild Things Are’ es la adaptación cinematográfica del famoso cuento de Maurice Sendak (editado aquí como ‘Donde viven los monstruos’, ¿quién no lo ha leído?) cuya historia gira en torno a un chico desobediente y rebelde con mucha imaginación, capaz de crear su propio mundo, habitado por unos monstruos gigantescos que le consideran su rey. Catherine Keener, Max Records, Mark Ruffalo, James Gandolfini, Lauren Ambrose y Forest Whitaker son algunos de los actores que han participado en el film.

Como curiosidad, añadir que la película requirió de un complejo proceso de post-producción para la creación de los rostros de las bestias, algo a lo que Jonze quiso prestar mucha atención. El cineasta ha declarado que aunque no han inventado nada, sí que han aplicado la tecnología existente de una forma que nadie más había hecho antes. Habrá que esperar para echar un vistazo al resultado. El estreno de la película estaba previsto para octubre (en Estados Unidos) pero al parecer se ha retrasado una vez más; a España iba a llegar en diciembre, quizá se mantenga. A ver si, al menos, sale pronto el tráiler.

Galería de fotos

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PD: Será la primera película de este director sin la colaboración del genial Charlie Kaufman.

Vía | Worstpreviews

Ya tenemos el (para mí genial) primer póster de ‘Where The Wild Things Are’, un título que quizá no os suene a muchos de vosotros, pero que hay que tener en cuenta de aquí en adelante, porque es el nuevo trabajo de Spike Jonze, director de ‘Cómo ser John Malkovich’ y ‘Adaptation: El ladrón de orquídeas’.

‘Where The Wild Things Are’ es una adaptación del clásico cuento para niños de Maurice Sendak, protagonizado por Max, un desobediente niño que es enviado a la cama sin cenar (castigo absurdo donde los haya, sin postre es otra cosa), que crea su propio mundo imaginario, un lugar poblado por feroces criaturas que le tienen a él como líder. El reparto está encabezado por Catherine Keener, Max Records, James Gandolfini, Angus Sampson, Forest Whitaker, Michelle Williams, Catherine O´Hara y Paul Dano.

Y ahora la mala noticia. La película se estrena en Estados Unidos el próximo mes de septiembre, sin embargo, en España no la podremos ver hasta diciembre. Lo de siempre, luego vendrán las quejicas por el pirateo o las salas vacías…

PD: El otro día pagué unos veinte euros para ver cierta peliculilla cuya crítica colgaré próximamente. Dos entradas, una bolsa de palomitas (tamaño medio) y un refresco (ídem). Si no fuera cine, ¿no lo consideraríamos una estafa?

Vía | Impawards

Que una personalidad señera del cine norteamericano de ahora mismo, como es el caso de David Fincher, se arriesgue con una película tan polémica y poco taquillera como ‘Fight Club’, sobre todo teniendo en cuenta la política de cajeros de banco que Hollywood sigue hoy día a rajatabla, pues no es cosa baladí. Por eso se puede comprender, aunque matizándolo, un movimiento más conservador, más sobre terreno conocido, como el posterior ‘Panic Room’ que nos ocupa hoy.

“Run for cover”, lo llamaba a eso el maestro Hitchcock. En otras palabras, un proyecto manejable, siempre interesante pero quizá no tan personal como el inmediatamente anterior, que fue mucho más problemático y mucho menos rentable. Sin embargo, y a pesar de que todo parecía a priori más manejable, los problemas en rodaje volvieron a repetirse, con dolorosos cambios en el reparto y en el equipo técnico. Parece que a Fincher le persiguen las desgracias, y quizá por eso sus rodajes se han ido espaciando después de ‘Fight Club’. Al menos, con esta, consiguió un buen éxito económico. Pero…¿estético?

Comenzamos con otros impresionantes títulos de crédito, y con otra partitura musical a cargo del gran ambientador Howard Shore. Parece que regresamos a territorios anteriormente explorados, y que nos van a dar un drama criminal intenso y sorprendente. Y lo cierto es que ‘Panic Room’ consigue buena parte de lo que se propone, aunque por algún motivo no llega a entusiasmar. El conjunto es brillante, incluso intenso e inesperado, con leves arritmias. Pero no llega a implicarnos totalmente, y en la conclusión algo nos falta. Veamos por qué.

Inicialmente la dirección de fotografía iba a correr a cargo de otro conocido, el a menudo genial Darius Khondji, pero resultó despedido a poco de iniciarse el rodaje, pues al parecer los ejecutivos de los estudios (esa plaga intelectual de nuestros días) alegaron que le llevaba demasiado tiempo preparar las tomas. Tomó el relevo Conrad Wynn Hall (hijo del legendario, y ya fallecido, Conrad L. Hall), quien se limitó a asegurarse de que el resto de la fotografía principal no chirriaba con lo ya filmado (y debe ser su mejor trabajo, porque después de esto no ha hecho nada destacado). La imagen de la película no se resiente lo más mínimo, y posee la fuerza visual, muy por encima de la media, así como el ingenio con los encuadres, que podemos suponerle a Fincher.

También los actores, tanto la siempre sólida Jodie Foster, el gran Forest Whitaker, un hiperactivo Jared Leto, y los menos conocidos pero sugerentes y verdaderos Kristen Stewart y Dwight Yoakam, componen un grupo de rostros sin fisuras. El toma y daca entre ladrones y acorralados (gran montaje, otro más, de James Haygood, ayudado por Angus Wall) está mostrado con coherencia y sin prisas, en una historia sobria. Fincher se detiene, con inteligencia y sensibilidad, en largas secuencias que nos muestran acciones físicas (como taladrar la pared, para introducir gas en la habitación acorazada) que nos parecen verídicas. No notamos falseo.

El juego se agota mucho más tarde que en ‘The Game’, pero se agota. Sin embargo, la revelación de Raoul como el verdadero villano de la función (un auténtico psicópata, en realidad), consigue electrificar de nuevo el relato. Lo malo es que esta decisión, que es una trampa de guión en toda regla, al mismo tiempo que inicia un segmento más oscuro y violento que el anterior, hace más visibles las debilidades anteriores. Quizás el relato hubiera necesitado un Raoul desde el principio, y la tensión que aporta. La pregunta es: ¿habrían sabido mantener dos horas de película con Raoul presionando a Burnham desde un principio? Da la impresión de que estaban jugando al gato y al ratón con el espectador, y no entre ellos, y de que tenían las cartas marcadas.

Al menos la historia previa de Meg Altman podría haber revestido de mayor interés, o haber dotado a ese personaje de algo más que del proverbial talento de Foster. O el giro que supone la brutal muerte de Junior podría haber supuesto un giro emocional más importante para el espectador. En lugar de eso, asistimos a un espectáculo de suspense de primer orden, pero gélido como un artefacto prediseñado, predigerido, que sabe dónde dar al espectador para cumplir la asignatura, pero que en ningún momento ofrece un punto de vista personal sobre el miedo de la sociedad actual, y las herramientas inefectivas que emplea para ahuyentarlos.

Porque la oportunidad para diseccionar esos miedos, esa indefensión que no puede curar el dinero ni la tecnología, era quizás única, tratándose de un director capaz de hacer regresar los temores de los siete pecados capitales a la vida de la gran urbe, y haciéndonos estremecer. Pero de ese estremecimiento violento, sólo hay migajas, y de esa disección, sólo una tangencial muestra, coartada por la servidumbre a un esquema preestablecido que se revela incapaz de trascender. Por ejemplo la magnífica secuencia de la llegada de los policías, o la del vecino con el que quieren comunicarse. Un relato de esta ambición exigía menos cálculo y más ir abriéndose de forma paulatina hasta abarcar algo más que una reflexión tan pobre.

El talento de Fincher para el suspense ya había quedado más que probado anteriormente, así como su habilidad para la atmósfera. Pero su Mundo de Tinieblas particular podía haber contado con dos películas muy importantes que habrían sido su retrato de la sociedad contemporánea, con ‘The Game’ y ‘Panic Room’. Y aunque la segunda es sensiblemente superior a la primera, todavía le faltaba su gran película en ese sentido. Cinco años después volvería a intentarlo con la que quizá es su película menos comprendida. Y es que no debe ser nada fácil ser David Fincher, e intentar firmar películas personales.

En Blogdecine:

• David Fincher: Mundo de Tinieblas

• David Fincher: ‘Alien 3’

• David Fincher: ‘Se7en’

• David Fincher: ‘The Game’

• David Fincher: ‘El club de la lucha’

A falta de nuevas informaciones, los fines de semana suelen ser buen momento para recuperar algunas noticias interesantes que, por diferentes razones, no habíamos comentado. Atención a este título: ‘The Expendables’.

Si las negociaciones llegan a buen puerto, ese título podría ser el de una película que reúna a Sylvester Stallone, Jason Statham, Forest Whitaker y Jet Li como protagonistas. Tras las cámaras estaría el propio Sly, autor del guión, que tras recuperar a dos figuras del cine moderno, Rocky Balboa y John Rambo, parece interesado en hacer algo diferente.

Y ojo al argumento: la película se centraría en un grupo de mercenarios con la misión de derrocar el gobierno de un dictador sudamericano. Menuda polémica se puede armar aquí. ¿Quién estará detrás de esos mercenarios? ¿Estados Unidos? ¿Cuál será el objetivo real de esa operación? No dudo que Stallone haya querido incluir sus propias ideas políticas en esta historia, que, por supuesto, tendrá grandes dosis de acción.

Seguiremos atentos a los progresos de este proyecto, a ver si realmente se reúne a ese reparto o si no hay dinero para pagarlos a todos.

Pd: Sly quiere una calificación de PG-13 para este film.

Vía | Joblo

Y más biopics de músicos importantes. Decía el otro día que las únicas películas que pueden tratar sobre artistas y estar dirigidas a todos los públicos, incluso a los no seguidores, son las biografías filmadas. Pero, claro, para eso el film tiene que ir a lo obvio y lo comercial, como se demuestra con el título que llevará la película sobre la vida de Louis Armstrong, ‘What a Wonderful World’, una canción muy bonita, pero tan utilizada que ya cansa.

Entiendo que no es sólo un título con gancho, también la posibilidad de darle mucha ironía; sé que cualquier montaje de imágenes hecho con este tema de fondo arranca la lagrimita y, por supuesto, comprendo que hay que esperar a ver que se hace para saber si realmente se caerá o no en el tópico.

El actor Forest Whitaker, quien ya ha toreado en estas plazas pues interpretó a Charlie Parker en ‘Bird’ de Clint Eastwood; no sólo dará vida a Armstrong, sino que también dirigirá la película. Ron Bass escribirá el guión original.

Aquí llega lo de la ironía que decía: ‘What aWonderful World’ se centrará en los años que pasó Armstrong en Nueva Orleáns sumido en la pobreza para luego dar paso a su carrera como cantante trompetista.

Whitaker ya había dirigido ’First Daughter’, pero en este caso el proyecto le llega más al alma: “Armstrong dejó una marca monumental en nuestras vidas y en nuestra cultura. Llevó una vida increíble y, a través de su arte, cambió la forma en la que se tocaba música que ya no se escuchó igual después de que él pasó por la escena musical, no sólo aquí en EE. UU., sino en el mundo entero”, dijo Whitaker.

Lo del título del film que decía antes también se me ocurrió por el nombre internacional que le dieron a ‘La Môme’: ‘ La Vie en rose’, quedándose con la canción más famosa de Piaf, en lugar de con la que mejor definía el film: ‘Non, je ne regrette rien’. Y, claro, la productora es la misma: Legende, con sede en Paris.

Es la primera vez que la Fundación Armstrong da permiso para que se haga una película e incluso está colaborando con la financiación. El rodaje comenzará en verano en Louisiana, donde tendrán acceso a documentos personales del músico y actor.

Vía | Variety.

En el año 2004 llegó ‘Crash’, una película que sin ser nada del otro mundo, se alzó con el Oscar a la mejor película y abrió todo un mundo de posibilidades para el cine de historia coral, algo que lleva haciendo, por ejemplo, el director Robert Altman durante décadas sin que nadie parezca reparar mucho en ello.

‘Cuatro vidas’ (traducción libre del original ‘The Air I Breathe’) es otra historia que enlaza como quiere las vidas de cuatro personajes que se mueven entre la tristeza y la fatalidad, y que están interpretados por Forest Whitaker, Brendan Fraser, Sarah Michelle Gellar y Kevin Bacon. Son, respectivamente, la felicidad, el placer, el sufrimiento y el amor. Dirigida y escrita por Jieho Lee, la película da la sensación de ser un videoclip, un espectáculo vacío que no capta la atención del público porque en ningún momento se esfuerza en conseguirlo.

La película intenta unir, con un nexo muy débil, las historias de cuatro personajes que, por lo general, salen muy mal parados y que, de una forma o de otra, están condicionados por un gángster al que llaman Dedos, interpretado por Andy García en el tipo de papel en el que se siente más cómodo: el de mafioso fanfarrón, que a día de hoy da más sensación de caspa que de otra cosa. No hay trama, porque se pretenden contar tantas cosas en los veinte minutos que se le dedica a cada uno de los personajes que todo resulta gratuito. ‘Cuatro vidas’ es el culmen de lo artificial, de aparentar que hay mucho contenido cuando en realidad no hay ninguno. Los actores debían de saberlo, porque un actorazo como Forest Whitaker está aquí muy flojo, en una historia ridícula sobre un hombre infeliz que hace una gran apuesta en una carrera de caballos. Luego llegamos a la historia de un matón (Brendan Fraser) que es capaz de predecir el futuro y no puede cambiarlo. En el momento en el que se encarga de cuidar al insoportable sobrino de su jefe (Emile Hirsch), todo cambia. Por otro lado, Trista (Sarah Michelle Gellar) es una diva del pop que siente cómo su figura es un objeto al servicio de la fama y el márketing, y por último, se relata cómo un doctor, en medio de una crisis existencial porque su amor de toda la vida (Julie Delpy) se casa con su mejor amigo, busca desesperadamente un donante de sangre excepcional.

‘Cuatro vidas’ tiene algunas virtudes, y algún que otro giro está suficientemente aprovechado, pero en su mayoría es un telefilm muy adornado, con interpretaciones muy poco convincentes (sólo salvo a Kevin Bacon, y por poco), discreta música y argumento rebuscadísimo y por tanto inverosímil. Lo peor es que jamás conecta con el espectador, y es imposible identificarse con algo. Todos los que piensen que ‘Crash’ no era para tanto (me incluyo en este grupo), pueden ver cómo aquella película es una obra maestra comparado con este despropósito. Pasa como con ‘The Dead Girl’, una película muy similar. Se tambalea constantemente entre vidas carentes de interés, y se llega a los créditos finales con la sensación de no haber visto una película de calidad como a priori podía parecer. Es una película hecha con prisas, con un guión muy pobre y con una falta alarmante de intenciones concretas.

Se hace pesada, casi interminable sobretodo cuando nos convencemos de que la película es mala y por mucho que se divida en capítulos, todos son igualmente tediosos. ‘Cuatro vidas’ es una decepción, que por su reparto y su propuesta daba augurios de ofrecer algo mucho mejor, algo que mereciese la pena. Jieho Lee ha dirigido y escrito una película antipática, aburrida y hasta pretenciosa. Desaconsejable.

En Blogdecine:

• ‘Cuatro vidas’, catacrash

‘Cuatro vidas’ es una muestra más de película coral, con varias historias en principio desconectadas, pero todas con algún elemento en común. Su director, el oriental Jieho Lee, quien debuta en el cine con esta película que, según algunas fuentes, tardó seis años en realizar. Tras semejante dato, y después de ver el film uno se pregunta por qué ha tardado tanto en culminar una obra que hace aguas por todos lados, su visionado es casi insoportable, y apenas nada queda tras su largo recorrido, y es que ‘Cuatro vidas’ se hace eterna dentro de una duración estándar.

El placer, la felicidad, el dolor y el amor son las cuatro emociones a las que se puede reducir la esencia de la vida. Esto es lo que dice un antiguo proverbio chino, sobre el cual se centra la película, y a partir del cual desarrolla, más mal que bien, una serie de historias protagonizadas por una serie de personajes, seres en cierto modo perdidos buscando siempre algo, y encontrándolo después de haber atravesado un angosto camino lleno de dolor. Y todo ello salpicado con unas gotas de thriller.

Un empleado de banca que busca desesperadamente una salida a su anodina vida; la mano derecha de un gánsgter, que puede ver el futuro de todo aquel que le rodea; una estrella del pop; un gánsgter al que llaman “el Dedos” y que tiene una particular forma de recordarle a sus morosos que le deben dinero; un médico enamorado de la mujer de su propio amigo, la cual se muere por no encontrar a un donante con su mismo tipo de sangre. Estos son los principales personajes que pululan por el universo, los universos, de ‘Cuatro vidas’.

La intención de Lee de hablar de los cuatro elementos antes citados no está mal, pero todo suena muy artificial, muy pensado, casi mecánicamente, perdiendo toda la naturalidad y frescura que el film necesitaba para consumar con éxito sus intenciones. En muy pocos momentos podemos llegar a creernos todo lo que sucede en la película, y hay en ella cierta atmósfera casi onírica, irreal, que intencionada o no, no está para nada conseguida, precisamente por su quimérica construcción. Es muy probable que si nos hubieran presentado las distintas historias en bloques totalmente separados los unos de los otros, la cosa hubiera tenido más éxito, pero por querer cruzarlas todas, dando a entender que todo en este mundo está conectado (algo que nos han contado mucho mejor otras películas, como la solemne ‘Magnolia’ o la mágica ‘Crash’) pierden la posible esencia que cada una de ellas podría tener por solitario.

Al igual que en los films corales más conocidos por la audiencia, ‘Cuatro vidas’ posee un elenco de actores famosos, aunque lamentablemente ninguno de ellos está entregado. Forest Whitaker parece perdido, como su personaje, y sale menos de lo que a muchos nos gustaría; Andy Garcia está pasadísimo de rosca como gánsgter duro y sin compasión; Emile Hirsch no sabe qué hacer con un personaje totalmente inútil, por mucho que no lo parezca; Brendan Fraser realiza la que probablemente sea su peor interpretación, que ya es decir, incluso el film parece centrarse demasiado en él y su “habilidad” que en realidad no sirve para nada más que para agobiarse, y la resolución de su historia provoca una incongruencia argumental de órdago; Sarah Michelle Gellar no pega ni con cola; y Kevin Bacon y Julie Delpy aparecen cuando ya estamos cansados de la película, terminando de redondear el artificio.

‘Cuatro vidas’ nos llegó con un año de retraso. Esta vez no importa, y dudo mucho que esté teniendo repercusión en nuestras carteleras, en las que por cierto, a partir de la semana que viene se producirá toda una eclosión de estrenos. ‘The air I Breathe’, que es el título original (sin comentarios) de este despropósito, se perderá en el olvido, y a nadie le importará.

Forest Whitaker y Renee Zellweger han firmado el contrato para participar en el film independiente de bajo presupuesto ‘My Very Own Love Song’ (mi propia canción de amor), que cuenta la historia de una antigua cantante inválida y su amigo que se embarcan en un viaje a Memphis durante el cual aprenderán valiosas lecciones sobre la vida, el amor, la amistad… Madeline Zima, (‘The Nanny’, ‘Californication’) también se ha unido al reparto.

El francés Olivier Dahan, responsable de ‘La Vie En Rose’, ha escrito el guión y será quien dirija ‘My Own Love Song’, como también la llaman en algunos medios. La biografía de Edith Piaf contaba con la valiosa interpretación de Marion Cotillard, pero no se alejaba mucho de la estructura y dramatismo de un telefilm. Como película no era gran cosa.

En EE. UU. llaman independiente a lo que aquí sería una megasuperhiperproducción. Nos creíamos que ese sello era indicativo de películas originales o que desafiasen los valores tradicionales que predica Hollywood, pero ya se ve que no es así en absoluto.

Fuente | Variety.

El pasado de 25 de abril se estrenó en España la nueva película de David Ayer, ‘Dueños de la Calle’, traducción españolis del original ‘Street Kings’. El señor Ayer es “famoso” por haber debutado con la también flojita ‘Harsh Times’, sólo entendible como vehículo de lucimiento del enorme Christian Bale (tendrá que hacer de viudo borracho en silla de ruedas para que le den el Oscar). Su nuevo trabajo vuelve a girar básicamente sobre lo mismo, argumentalmente.

‘Street Kings’ se presenta bajo el formato de thriller policiaco sobre un antihéroe que lucha contra bandas callejeras y policías corruptos. Lo que hoy día ya es sólo argumento para videojuegos ultraviolentos donde los niños reclaman mayor realismo; es decir, destrozar enemigos de forma brutal y juguetear con tías cachondas. En el cine, este “rollo” cada vez se lleva menos, y si es para que gente como Ayer siga filmando películas así, mejor que se deje de hacer. Un largo paréntesis no hace daño a nadie; ver este film, tampoco, cierto, pero la pérdida de tiempo es igualmente indeseable.

El argumento de ‘Dueños de la Calle’ (‘Street Kings’, 2008) nos presenta a Tom Ludlow, un veterano policía de Los Ángeles, tan amargado por la muerte de su mujer como tremendamente eficaz por su sangre fría y determinación. Cuando asesinan a un compañero, el que fuera su mejor amigo, Ludlow descubrirá que puede ser la cabeza de turco de una conspiración organizada desde dentro del propio departamento de policía. Un investigador del departamento de asuntos internos le seguirá los pasos, con la intención de implicarle.

Los comienzos suelen ser muy representativos. Tanto de lo que se va a ver, como de las pretensiones de la cinta, como de la habilidad/inteligencia/intención del realizador. A mí me encantan por eso mismo, porque me gusta que en los pocos minutos que siguen a los créditos ya me den toda esa información y pueda relajarme (y concentrarme) más cómodamente en el asiento. ‘Los Dueños de la Calle’ arranca con el protagonista despertándose y cogiendo una pistola; luego va al baño y se mira la cara de aburrido. No sé vosotros, pero esto a mí me sentó, más o menos, como cuando voy a comprar palomitas y me quieren cobrar 5 euros.

La película mejora luego, ciertamente, faltaría más. A continuación tenemos la típica secuencia de acción trepidante que queda estupenda para rellenar un trailer y hacer ver que el film es eso, espectáculo de balas. En realidad: tiroteos sin chispa y aburridos diálogos. Los actores, todos rostros muy conocidos, aportan calidad a un producto de bajísimo vuelo, y sin duda encienden un poco la mirada del espectador. El efecto dura poco. Tampoco quiero ser injusto con Ayer en el terreno de la acción. Exceptuando la primera secuencia, no me gusta cómo cómo rueda este señor los momentos de tiros, pero sí es cierto que son espectaculares y que, en general, aportan entretenimiento.

Ayer abusa de la música ruidosa y del montaje de planos cortos, así como de encuadres atípicos, para tratar de que el espectador se meta en las fases de acción de la película, descuidando por completo todo lo demás. Las escenas “tranquilas”, con personajes hablando y tal, resultan insoportablemente lentas y sosas. En nada contribuyen tampoco ciertas interpretaciones de la mayoría de los actores que aparecen aquí, desganados y sin ningún destello. Pero bueno, es normal, como diría el protagonista de ‘Gracias por Fumar’, hay que pagar la hipoteca.

El reparto, como digo, está lleno de caras conocidas; así podemos encontrarnos con gente como Keanu Reeves, Forest Whitaker, Hugh Laurie, Chris Evans, Naomie Harris, Common, Cedric the Entertainer, Amaury Nolasco o John Corbett. En general, cabe decir que todos están ahí, pero no encontramos a nadie que se crea su papel. Quizá el que más se esfuerza es el protagonista, Reeves, al que los años empiezan a notársele bastante, quien interpreta al bueno de la función. Un bueno que bebe vodka en botellitas pequeñas y dispara a todo lo que se mueve; me “encanta” cuando en estas películas le recuerdan todo el tiempo al prota lo mal que lleva su vida, que se está destrozando, pero el actor sigue siendo un guaperas y está perfectamente maquillado.

En el otro bando, los chicos malos, tenemos a… bueno, no lo digo, pero si has visto dos o tres películas policiacas los vas a adivinar rápidamente. Resulta muy sorprendente que para un guión como el de esta película se hayan necesitado tres cabezas pensantes, entre las que se encuentra nada más y nada menos que James Ellroy (Kurt Wimmer también está implicado en esta faceta); me acuerdo otra vez de la hipoteca… Volviendo al reparto, destacar lo mal que están Whitaker, a un nivel parecido al que mostró en la mala ‘En el punto de mira’, y lo refrescante (aunque desaprovechada) que resulta la presencia de Laurie, repitiendo casi su famoso personaje del doctor House.

En pocas palabras, una película muy floja, sin intensidad, mil veces vista y sin nada que aportar. Como dije, no “matará” a nadie, no provocará que salga nadie del cine gritando bodrio cada dos segundos, pero realmente es una pérdida de tiempo. Una muestra de que David Ayer, por lo visto hasta ahora, es un tipo del que es mejor olvidarse; no tiene nada que aportar al cine.

• Otras críticas de la película en Blogdecine:

‘Dueños de la Calle’, GTA + lo de siempre

‘Dueños de la Calle’, todos somos malos