Películas como ‘Los Cuatrocientos Golpes’ (que representó equivocadamente a ese movimiento de culturetas llamada la Nouvelle Vague, del que afortunadamente Truffaut se desenmarcó enseguida, provocando el enfado de su amigo por aquel entonces, el soporífero Godard), sus secuelas, ‘Fahrenheit 451’, ‘Jules y Jim’ o ‘Las Dos Inglesas y el Amor’ (a la que Scorsese rindió un sentido homenaje en su impresionante ‘La Edad de la Inocencia’), por poner unos pocos ejemplos, forman parte de una filmografía excelente. Es un pena que un cáncer cerebral se lo llevase con tan sólo 52 años de edad a principios de los 80, porque de no ser así, hubiéramos tenido Truffaut para rato.

‘La Sirena del Mississippi’ (‘Le Sirène du Mississipi’, 1969) es, para un servidor, una de sus mejores obras. Un canto sin concesiones al amor, como pocas veces ha habido. Una película que dedicó a su tan admirado Jean Renoir.

SPOILERS

La historia nos narra una historia de amor entre un hombre (un rico cultivador de tabaco) y una mujer a la que conoce sólo por carta. Sin embargo, con quien llega a casarse es con una impostora que termina huyendo con la mayor parte de su fortuna. Dispuesto a vengarse, el hombre la persigue con la intención de matarla, pero cuando la encuentra se da cuenta de que la ama perdidamente. Por otro lado, ella demostrará no tener el más mínimo escrúpulo.

Una vez más en el cine de Truffaut, la mujer es un ser capaz de la abominación más grande cuando descubre que tiene a un hombre a sus pies. Esta constante en su cine alcanza su máxima expresión en otra cinta titulada ‘Una Chica tan Decente como Yo’ (película no recomendada a misóginos incurables). En ‘La Sirena del Mississippi’ se cristalizan todas las inquietudes con las que el director francés ha jugado a lo largo de su carrera, y que posteriormente seguiría desarrollando, pero fue quizá en esta película donde quedaron plasmadas con más perfección y autenticidad. Por un lado, tenemos la figura de un hombre que aún teniéndolo todo en su vida, tiene que recurrir a relaciones epistolares para conseguir casarse, y a la hora de amar es un auténtico pardillo. Sin embargo, cuando llega el momento de la verdad, no le importa ni lo más mínimo ser envenenado paulatinamente por la mujer de la que está enamorado.

Dicho personaje está interpretado por un muy ajustado Jean-Paul Belmondo, por aquel entonces toda una estrella en el cine francés. Parece casi una broma del director el haberlo emparejado con la bellísima Catherine Deneuve, que por aquel entonces estaba en la cúspide de su belleza, y también de su frialdad. Truffaut consigue lo increíble: hacer creíble a esta pareja totalmente imposible. A pesar de la corrección de sus interpretaciones, quizá el único punto flojo de la película, sobre todo en el caso de Belmondo, la historia es tan fascinante y está tan llena de matices, a la par que bien rodada, que uno no puede hacer otra cosa que rendirse ante la que es, sin duda, una de las películas más dolorosamente románticas que se hayan realizado jamás.

Y cuando hablo de romanticismo, no me refiero a las ñoñadas que no han querido vender como grandes historia de amor, haciendo únicamente que suban nuestros niveles de azúcar. Aquí no hay nada de eso. Tenemos a unos personajes solos frentes a una serie de circunstancias y el mundo que les rodea, el cual no parece comprender su relación. Una serie de infortunios que deberán vencer para conseguir lo que quizá todos perseguimos en esta vida. Y para Truffaut está muy claro: no hay amor sin dolor. Un dolor penetrante que consume por dentro, con la única esperanza de que afuera sólo quedará el amor, más que suficiente para sobrevivir a cualquier tipo de penuria. Así lo resaltan sus finales y maravillosa escenas. Después de haber asistido a la presentación de los personajes, todo va cuesta abajo, un descenso hacia el mismísimo infierno a cambio del único y verdadero amor. Al final, solos, sin nada como posesión, sólo ellos mismos, caminan bajo la nieve hacia un futuro incierto, que paradójicamente está representado con el color blanco, el de la pureza. Atrás quedan las riquezas, un asesinato, y demás desgracias. Casi podríamos decir que es una historia de amor al revés.

‘La Sirena del Mississippi’ es una película magistral, una rareza si se quiere ver así, con el sello característico de su autor. Hace años, uno de los críticos más famosos de este país dijo que era una de las pocas películas que demostraban que el amor existía. También puede verse de esa forma. La película está editada en dvd en nuestro país desde hace relativamente poco, pero he de advertiros que la copia es penosa, sobre todo la imagen. Una pena de edición para un film imprescindible.

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Considero que pensando durante más de dos segundos podemos darnos cuenta de que el cine es un trabajo de equipo en el cual la autoría es mucho más difusa de lo que la Ley de Propiedad Intelectual especifica.

Pongamos una serie de ejemplos, para continuar más adelante con el debate:

¿Es más “autor” de ‘Infiltrados’ Howard Shore (músico) que Thelma Schoonmaker (montadora y merecidísma ganadora del Oscar)?

¿Es más “autor” de ‘Robocop’ Jost Vacano (director de fotografía) que Rob Bottin (creador de la armadura, de la cual depende el 90% de la credibilidad de la película)?

¿Es más “autor” de ‘Metiroso Compulsivo’ Tom Shadyac (director) que Jim Carrey (y no, que nadie diga que su interpretación estaba marcada muy de cerca por Shadyac)?

La respuesta nos la dan los directores de fotografía: en sus debates, simplemente se limitan a arrimar el ascua a su sardina y, en ningún momento plantean en derecho legítimo de otros departamentos a la “autoría” como se está haciendo este artículo.

¿Y eso por qué es así? Muy sencillo: la consideración de “autor” no es una mera recompensa moral, no —para eso ya están los premios—. Es algo mucho más importante en este mundo en que vivimos. Y ese algo se llama dinero.

Los directores de fotografía reclaman una autoría a la que, sin duda, tienen derecho, pero se cuidan mucho de incluir a nadie más porque ello supone, por aritmética simple, que “la parte del pastel” que les corresponde sería menor. Sólo interesa la “justicia” que beneficia a cada uno.

Al final, la Ley no recoge “lo justo”: deja que la definición de “autoría” provenga del propio “mundo del cine”. Así, el resultado es una ley que, antes que atender a lo lógico sólo muestra una foto de una industria inexistente donde unos pocos grupos de presión, debidamente organizados y sindicados, saben imponerse.

No dudo que los directores de fotografía lograrán su pretensión. Y no me parecerá mal. Simplemente, se ganarán el merecido rechazo de otros oficios cinematográficos que no han logrado crear las debidas asociaciones para luchar por sus legítimos derechos. Como decía Jack Nicholson al principio de ‘Infiltrados’, “Nadie te va a dar nada: tienes que cogerlo”.

Personalmente, creo que hay dos opciones igualmente sanas y válidas a la hora de afrontar el tema de los derechos de autor.

La primera, basada en la lógica más elemental del mercado es que la película es sólo del productor. Todos los que trabajan en una película están ahí en virtud de un contrato con el productor, que ha decidido que son los idóneos para desempeñar su trabajo. Y, en virtud de ese contrato, cada departamento – incluido el director— es remunerado. Cierto, esto supone asumir que el productor es alguien con criterio, algo lógico en casos raros como el de Elías Querejeta, pero difícil de digerir ante mucho mafiosillo español que sabe hacer cabriolas con la subvención sin importarle el resultado final.

La otra opción supondría reconocer que todos los departamentos son autores. Con los ejemplos del principio, me resulta un hecho indiscutible que la restricción a unos pocos es disparatada. Por supuesto, si para que se imponga este criterio es necesario que toda la profesión se sindique, bienvenido sea: aumentarán los costes de producción, sí, pero ése me parece un paso necesario para que se produzca un número lógico de películas (actualmente, el cine español produce un número excesivo de filmes que el mercado no puede absorber) con mayor dotación de recursos cada una.

En cualquier caso, el “camino de en medio” que plantea la ley actual, está claro que es un sinsentido tan grande como cuando Truffaut dijo que el único autor de la película era el director (un claro caso de confundir “lo más relevante” con “lo único”) y que cualquier paso para superarlo es bien recibido. Por partidista e interesado que sea.

‘La Habitación Verde’

Curiosamente, uno de mis directores favoritos, el gran François Truffaut, no estuvo muy esmerado en esta cinta. Sus obsesiones sobre el amor y la muerte son llevadas al límite en esta película, en la que su protagonista, interpretado por el propio director, está perdidamente enamorado de su mujer, lo cual no supondría ningún problema si no fuera por el pequeño detalle de que lleva 11 años muerta. Tienes su interés pero se queda lejos de las grandes obras de su autor. Dvd pelado de extras.

Primera de las dos películas de Louis Malle que se editan esta semana, y que está protagonizada por el limitado Jean-Paul Belmondo, y que un servidor no ha visto, asi que mucho no os puedeo contar. Eso sí, siendo de Malle, ya tiene un interés. Otro dvd pelado de extras. Se nota que estamos de rebajas.

‘Emboscada en la Bahía’

Una casi desconocida película bélica, dirigida por el televisivo Ron Winston, y con un reparto la mar de curioso: Mickey Rooney, Hugh O´Brian y James Mitchum, hijo éste del legendario Robert. Y otro dvd más sin extras, señores. Menos mal que trae el idioma original y los subtítulos, como el resto, que si no…

‘Viva María’

Segunda película de Louis Malle que nos llega esta semana, protagonizada por unas explosivas Jeanne Moreau y Brigitte Bardot, más el galán por aquellos años George Hamilton. Recuerdo haber visto este film cuando era pequeño en un pase televisivo, y recuerdo que me lo pasara genial con la historia de una bailarina de streeptease metida en una revuelta de campesinos. Tampoco hay extras, para no variar.

Vía | Zonadvd

Las conversaciones que François Truffaut mantuvo con Alfred Hitchcock vienen recogidas en un libro que todo cinéfilo, sea del tipo que sea, debería leer. Un estudio fascinante y entretenidísimo sobre la visión personal de un genio sobre el arte de hacer cine. El director francés tenía al director británico como uno de los más grandes realizadores de todos los tiempos, y resulta curioso que ‘La Novia Vestía de Negro’ es un film típicamente Truffaut, con los temas de siempre, pero retratados desde la perspectiva de un thriller muy cercano al cine de tito Hitch.

En ‘La Novia Vestía de Negro’ se nos narra la historia de una venganza que una mujer lleva a cabo contra los asesinos, por accidente, de su esposo. Uno a uno los irá seduciendo, y uno a uno les hará saber quién es. Una vez más en el cine de Truffaut, la mujer la gran protagonista. Si hay un director en la historia del cine que ha retratado como nadie el espíritu femenino en toda su complejidad, ése no ha sido otro que Truffaut.

Lo más llamativo de la película es la puesta en escena de Truffaut, probablemente la más virtuosa de toda su carrera, cuidada hasta el más mínimo detalle, y muy cercana al cine de su ídolo, Alfred Hitchcock, a lo que también ayuda que la historia a narrar sea un thriller. El director se lo pasa de miedo rodando enormes plano-secuencia cada dos por tres, creando una atmósfera de suspense digna del gran maestro. Y una vez más, la mujer y el amor como eje central de la película. Tal vez argumentalmente la película no esté a la altura de sus logros técnicos, y es que hay ciertos apuntes de guión que se basan demasiado en la coincidencia, como por ejemplo, cómo se produce la muerte del marido de la protagonista. Que tal vez la película pretenda comunicar que todo es producto de una fatal casualidad, pero queda poco convincente.

Otro de los elementos que acercan esta película al cine de Hithcock es que la banda sonora está compuesta por el gran Bernard Herrmann, habitual colaborador del director inglés en los años 50 y 60. De hecho hay momentos en los que se tiene la maravillosa sensación de estar visionando un film de Hitchcock. El compositor ya había colaborado con Truffaut en la obra maestra ‘Fahrenheit 451’, realizada dos años antes.

La estrella absoluta del realeto es la excelente Jeanne Moreau, revelándose como una auténtica camaleona en sus distintas representaciones. Una Moreau de 40 años, totalmente entregada, resultando a la par fascinante y provocativa, peligrosa y atrayente, algo totalmente lógico ya que Truffaut nos ofrece una nueva visión de la femme matale, a pesar de ser una mujer víctima del desamor más horripilante de todos, que tu pareja muera. Algo que nos hace estar de su lado desde el principio, pero que poco a poco se va perfilando una transformación en el personaje realmente llamativa proponiendo incluso algunas cuestiones morales de lo más diverso. ¿Está bien o mal lo que ella hace? ¿Cuántos seríamos capaces, o tendríamos ganas, de hacer lo mismo? Truffaut se dedica por completo a ella, y ella a él, notándose tan perfecta química en pantalla.

Una película muy buena, de lo mejor filmado por su autor, donde por si no queda claro en films anteriores, queda perfectamente expuesto su amor y admiración por el cine americano, al que rinde homenaje en esta película de principio a fin. Totalmente recomendable para todo amante del mejor cine negro. El próximo miércoles sale editada en dvd a un precio escandalosamente bajo, aunque en el título le cambian el “vestía” por “vestida”. Un cambio insignificante.

Más cine de Truffaut en Blogdecine:

• ‘El Pequeño Salvaje’, un Truffaut didáctico

Jean-Michel Frodon, autor de varios tratados sobre cine, es el actual director de la edición francesa de ‘Cahiers’, que fue fundada en 1951 por el estudioso André Bazin, creador de numerosas teorías sobre el realismo en el cine y padre de la crítica moderna; Jacques Doniol-Valcroze, y Joseph-Marie Lo Duca.

En ella han colaborado los más destacados escritores, cineastas y críticos del mundo durante varias generaciones, como François Truffaut, Claude Chabrol, Eric Rohmer, Jacques Rivette o Jean Luc Godard.

La edición española, que llega tras otras versiones en inglés, italiano, ruso o japonés, pretende ser “un valioso canal de comunicación entre la cultura francesa, española y latinoamericana”, pero no será únicamente una revista. Sus páginas se verán acompañadas de charlas, presentaciones, ciclos de películas, encuentros con cineastas, seminarios y cursos de crítica cinematográfica. Sin equivalente en el mundo —en Estados Unidos hubo un intento fallido— , la nueva revista también será un motor de iniciativas y un lugar de encuentro para todos los amantes del cine .

‘Cahiers du cinéma España’ se compondrá de un 25% de traducciones del Cahiers francés y un 75% de producción propia, escrita íntegramente por críticos y colaboradores españoles. La publicación aparece respaldada por un Consejo Editorial del que forman parte prestigiosas figuras internacionales (Jonathan Rosenbaum, Adrian Martin, Jean-Michel Frodon), latinoamericanas (David Oubiña, Leonardo García Tsao) y españolas, como Román Gubern, Domènec Font, Jordi Balló, Manuel Pérez Estremera, José María Prado, Jenaro Talens y Santos Zunzunegui. Será coeditada en España por Caimán Ediciones y la empresa matriz Cahiers du cinéma, bajo la supervisión del historiador y crítico de cine Carlos F. Heredero

La presentación de la nueva revista se llevará a cabo el próximo 10 de Mayo de 2007 en Madrid, y posteriormente en el resto de España. También contará con promoción y posterior difusión en el Festival Internacional de Cannes, que se celebrará del 16 al 27 de mayo. Tendrá una tirada inicial de 15.000 ejemplares y cuyo precio será de cuatro euros.

“Cahiers… ha pasado por muchas etapas y todavía hoy marca tendencias porque, por ejemplo, es la base de la programación del Festival de Cannes. La intención es cubrir el vacío que hay entre las revistas especializadas en España con este nuevo canal de comunicación entre la cultura francesa, la española y la hispanoamericana”, destaca Heredero.

La publicación ofrecerán, según Carlos F. Heredero, “un nuevo enfoque del cine y de la crítica, ejercida desde una visión independiente, rigurosa y contemporánea, y atenta a lo más vivo del polifacético y cambiante paisaje audiovisual de nuestros días”.

Fuente: Noticine