“¿Y los niños? ¿Es que nadie piensa en los niños?” – Moe Szyslak en un episodio de ‘Los Simpson’

En la actualidad muchos defienden el “sugerir antes que mostrar”, la violencia “soterrada”, la sexualidad implícita pero no explícita, y otros conceptos similares en el cine. El más famoso y recordado, el norteamericano de los años años treinta, cuarenta y cincuenta, está construido, se supone, en esa elegancia, en esa contención, en chispazos de violencia y sexo que no acaban de estallar del todo. Lo que entronca, además, con ese estilo narrativo, tan amado por muchos, consistente en hacer “invisible” la puesta en escena. Lo cierto es que tuvieron lugar logros estéticos muy importantes de todo ello, pero más que a una voluntad de estilo, o a una convicción moral en las formas, todo se debió, más que nada, a la censura de la época. A veces, el mundo del arte es así de extraño. Pero de ningún modo todo eso se debió a un gusto o una delicadeza extremas. No me cabe duda de que directores violentos, pasionales y hasta sensuales como Capra, Walsh, Hawks, Wilder, Welles, Hitchcock, Ford y otros, habrían mostrado más crudeza, más violencia y más sexo si hubieran podido. La elegancia no está en la ocultación, está en la proporción.

El Motion Picture Production Code, que traducido literal es el Código de Producción de Películas de Cine, fue un bonito nombre, con ínfulas de oficial, que se inventaron tres individuos para evitar (con ese amor por el eufemismo que denotan los anglosajones) la fea palabra Censura. Nació a finales de los años veinte (concretamente en 1927) gracias al impulso del abogado republicano William H. Hays, el sacerdote jesuita Daniel A. Lord y el editor católico del Motion Picture Herald Martin Quigle (es decir, un trío de “mentes libres”), pero no fue aplicado con contundencia hasta 1934, año en el que se aprobó la enmienda según la cual ningún estreno tendría lugar sin pasar por el filtro de ese código, que ya era llamado ‘Código Hays’. Esto dio lugar a la apasionante era ‘Pre-Code’, con estrellas como Barbara Stanwyck, Jean Harlow, Joan Blondell, Ina Claire y directores de renombre, realizando películas bastante provocativas, que escandalizaron al público con sexo y violencia y temas escabrosos. A partir de la enmienda, llegaron más de tres décadas de censura que cambiaron completamente el panorama, de forma opuesta al más libre y realista cine europeo.

Y es que ya se sabía, a finales de la tercera década del siglo, que el cine iba a ser cosa bastante popular, y los defensores de la moral no estaban dispuestos a que Hollywood, que tanto dinero daba, se convirtiera en un refugio de depravados (y, poco más tarde, de comunistas…). Así que se pusieron manos a la obra y redactaron tres premisas fundamentales:

1. No se autorizará ningún film que pueda rebajar el nivel moral de los espectadores. Nunca se conducirá al espectador a tomar partido por el crimen, el mal, o el pecado.
2. Los géneros de vida descritos en el film serán correctos, tenida cuenta de las exigencias particulares del drama y del espectáculo.
3. La ley, natural o humana, no será ridiculizada y la simpatía del público no irá hacia aquellos que la violentan.

Y luego especificaba por temas, tales como los crímenes, la vulgaridad, las blasfemias, el vestuario, el baile, la religión, los decorados, los temas inmorales, el alcohol… Pero lo que más importaba de todo, y lo que resulta más divertido a la hora de analizarlo, es lo referente al sexo, con ideas como que “numerosas escenas no pueden ser presentadas sin despertar emociones peligrosas en los jóvenes, los retardados y los criminales”, o “el adulterio y todo comportamiento sexual ilícito, a veces, necesarios para la Intriga, no deben ser objeto de una demostración demasiado precisa, ni ser justificados o presentados, bajo un aspecto atractivo”. En general, y supongo que el lector estará de acuerdo conmigo, da la impresión de que todo el tema de la sexualidad está retratada por sujetos de dudoda moralidad, bastante obsesionados con el sexo, y sin duda retorcidos. No podían imaginar que cuanto mayor es la represión, mayor se estruja el ingenio para sortearla, y aunque la tijera de la censura era temible, no menos temible era la inteligencia de guionistas y directores que lograban provocar más emociones “obscenas” por la vía de lo oculto de las que hubieran deseado estos guardianes de la moral. Y además, qué diantre, todos tenemos mucha imaginación y mucha mala uva cuando vamos a ver una película, y el espectador de los años treinta y cuarenta también lo era. Y quizá más culto.

Porque, vamos a ver: ¿acaso no eran las películas de Tarzán, protagonizadas por Johnny Weissmüller, erotismo en estado puro? Todo muy tierno y muy juvenil, sí, pero la sensualidad bordeaba cada escena y cada mirada, casi tanto como en esa obra maestra aquí comentada titulada ‘King Kong’ (íd, Cooper/Schoedsack, 1933), que no es otra cos que una parábola sexual. De pronto en el cine todo era muy decente y muy contenido, con faldas por debajo de la rodilla, sin la menor provocación visual, pero dando pie, eso sí, a que el espectador emplease su propia imaginación. ¿A qué se dedicaban Laurel & Hardy en sus ratos libres? A jugar a las cartas seguro que no, se les veía siempre muy contentos. ¿Por qué una pareja de amantes dormía en camas separadas? ¿Por qué los besos eran tan castos y tan breves? ¿Por qué los fornidos héroes, de cualquier género, eran lo más parecido a un cura jesuita castrado y las guapas heroínas más frígidas que una monja? En pro de la decencia, Hollywood cubrió de una pátina de asepsia a sus más hermosos intérpretes. Pero los mejores directores (los Wilder, Lubitsch, Capra…) supieron dotar de dobles sentidos a sus diálogos, de mensajes inherentes a cada corte de montaje, a cada gesto.

Aunque quizá el más brillante en esto fue Alfred Hitchcock, siempre tan preocupado por el erotismo, con sus besos de no más de tres segundos seguidos en ‘Encadenados’ (‘Notorius’, 1946) o el memorable plano final de penetración no visualizada (pero sí obvia) en ‘Con la muerte en los talones’ (‘North by Northwest’, 1959). Mientras, las películas europeas, tan “subiditas de tono” como diría un moralista, eran relegadas a pequeñas salas de arte y ensayo (lo que convenía a las grandes majors, pues a fin de cuentas, el código fue aprobado por ellas, tontos no eran…), y devoradas por una masa de espectadores deseosos de una mayor libertad sexual en el cine, pues para algunos (como yo mismo) sin erotismo más te vale estar muerto. Y es que en España, con el generalísimo, también tuvimos una buena ración de erotismo que no vimos, y en los últimos coletazos de la dictadura los cinéfilos se iban a Londres a ver ‘Saló o Los 120 días de Sodoma’ (‘Salò o le 120 giornate di Sodoma’, Pier Paolo Pasolini, 1975), probablemente la menos interesante película del director italiano, y las parejas se iban a Perpiñán a ver ‘El último tango en París’ (‘Last Tango in Paris’, Bernardo Bertolucci, 1972), también la película menos interesante de este realizador. Todo lo que fuera necesario para atisbar la línea de unas medias por debajo de la falda, o cualquier cosa minimamente erótica, exactamente igual que en los años veinte.

Hasta 1967, la censura en EEUU fue brutal, aunque en los últimos años ya se había rebajado un poco. Fue reemplazada por el actual sistema de clasficación por edades, que aunque muchas veces también resulta absurdo y desfasado, al menos le permite al personal ir al cine a ver la película que le de la gana. Pero censura, oficial o no, en los organismos, en las productoras, y sobre todo en las mentes de quienes hacen, consumen y escriben sobre cine, sigue habiendo y siempre habrá.

“¡Quiero volver a vivir!...¡quiero volver a vivir!...quiero volver a vivir”

-George Bailey (James Stewart)

Como hoy sale a la venta ‘Juan Nadie’ (‘Meet John Doe’, 1941), en una estupenda edición que hace justicia a semejante obra maestra, no me he podido resistir a hacer un repaso, estos últimos días, a la legendaria carrera del director norteamericano, de origen siciliano, Frank Capra (1897-1991), uno de esos directores que hicieron grande el cine americano de los años treinta y cuarenta, cuya formación es prácticamente autodidacta, un verdadero aventurero enamorado de las películas, que seguramente hizo su obra cumbre con ‘¡Qué bello es vivir!’ (‘It’s a Wonderful Life!’, 1946), un título que en su día conoció un relativo fracaso en taquilla, y que todavía hoy está considerada como el perfecto cuento navideño, un clásico “bonito” y “entrañable”, la película perfecta para pasar en televisión a final de año, cuando en realidad es mucho, mucho más: un implacable retrato de un perdedor nato, un relato existencialista estremecedor, una obra de arte.

También es reduccionista aplicar el concepto del “New Deal” de Franklin Delano Roosevelt a las películas que Capra realizó a partir de 1936, empezando con ‘El secreto de vivir’ (‘Mr. Deeds Goes to Washington’) y terminando precisamente con esta película, que significaría el icono de ciertos valores tradicionales norteamericanos, de una cierta moral y de un cierto estilo de vida, cuando en realidad para Capra el retrato del hombre común y honesto de la América Profunda no es más que un punto de partida con el que cristalizar todos los temas que hasta ese momento han constituido su filmografía, formalizados aquí de una forma mucho más elaborada y perfecta, y llegando más allá, construyendo un relato fantasmagórico en su tramo final, lúcida reflexión del desastre de país, desde el crack del 29 hasta la Segunda Guerra Mundial, en que se estaba convirtiendo Estados Unidos, cuyas mejores personas, como el propio protagonista de la historia, se ponen de rodillas ante la desesperación para no levantarse jamás…sino fuera por algunos ángeles guardianes.

Había depositadas bastantes esperanzas comerciales en este proyecto, y cuando no dio demasiado dinero, y la crítica, en su mayoría, la despachó como una película de buenas intenciones pero sin mucho interés, quedó algo olvidada durante algún tiempo. ¿Cómo a iba a imaginar el propio Capra que, bastantes años más tarde, el filme iba a convertirse en todo un icono de la historia del cine, y en una de las películas que más veces, y con más éxito, se pasaban por televisión? Para él era un orgullo lo que le pasó a su criatura, pero llegó a declarar que no la consideraba una historia navideña, simplemente la historia de un hombre que debía creer en sí mismo. Fueron construidos para su rodaje algunos de los más grandes decorados de la época. Todo Bedford Falls es un decorado inmenso, salvo muy pocas escenas en verdaderos exteriores. La nieve, de importancia capital, fue creada artificialmente. Noventa días de fotografía principal que James Stewart recordaba entre los mejores de su vida.

Los pétalos de Susie

Liberty Films Presents…Frank Capra’s ‘Its a Wonderful Life’. Una serie de rezos y súplicas elevadas al cielo, que también son pensamientos, reflexiones y preocupaciones acerca de un hombre en particular, George Bailey, terminan llegando a Dios, una enorme estrella en el cielo nocturno…que al hablar con Joseph (San José) se ilumina. No se sabe cómo, nos estamos creyendo que es posible representar a Dios en una película. Pero no hay ni rastro de una sensación religiosa de ninguna clase, sólo la representación de un mundo más allá del nuestro, de una verdad espiritual que nada tiene que ver con el catolicismo, o con alguna otra forma de sectarismo. De pronto el cine puede elevar su mirada al universo. Dios manda a un ángel algo atolondrado, llamado Clarence (inolvidable Henry Travers) a echarle una mano a George, pero primero debe ponerle la película de la vida de George, porque ‘¡Qué bello es vivir!” es una película sobre el cine, sobre todo. Y como Clarence todavía no se ha ganado las alas, la imagen del primer episodio de la película está desenfocada, pero con la ayuda de Joseph puede enfocar mejor, e incluso parar la imagen para observar a George detenidamente.

Siendo, por tanto, una película conformada por episodios, al menos hasta que Clarence baja a la Tierra, estos episodios son grandes secuencias o bloques temáticos absolutamente imprescindibles en la historia. Nada sobra y nada falta. Y cada bloque secuencial es el mejor de la película, el más importante. Todos esos eventos son cruciales para conocer a Bailey y para darnos cuenta de lo importante que ha sido su vida para todos los que le rodeaban, por mucho que él ahora quiera suicidarse al no encontrar sentido a su existencia. Esto es el cine: elegir los momentos más valiosos, por una razón u otra, en la vida de los personajes. Así, obtenemos una docena de esféricos bloques dramáticos que se rozan unos con otros en progresión imparable, la materia exprimida por el director de una vida entera, que es la sensación que tenemos los espectadores, la de asistir a una vida completa, sin aristas ni lagunas, sin artificiosidades ni falsedades de ficción, con el hombre común, luchador pero extraviado, como principio y final de la puesta en escena.

George se sacrifica varias veces por su hermano, a quien ama, y se resigna a una vida gris en la empresa ruinosa que heredó de su padre, una empresa que, da la casualidad, es la única que echa un cable a los más desfavorecidos de la sociedad, a los asalariados con más problemas para salir adelante. George es un héroe a su pesar, nunca de forma voluntaria vehemente. Ahí radica la grandeza de este personaje, pues Bailey no tiene madera de mártir sacrificado, al estilo de un Jesucristo terrenal. Si fuera por él, hacía mucho tiempo que se hubiera ido a explorar países exóticos, a conocer a mujeres excitantes que en nada se parecieran a las de su pueblo (a Mary no le gustan los cocos…) y en definitiva a vivir una vida de aventurero sin preocupaciones y sin ataduras. George decide quedarse por su padre, por su hermano y luego por sus vecinos. Su sacrificio es voluntario, ni forzado ni genético ni azaroso. Mientras se queda en ese pueblo mohoso, como él lo llama, ve a sus amigos triunfar en la vida, hacer mucho dinero, vivir en Nueva York o en Europa, y George primero llega a la adultez y luego a la madurez sintiéndose el mayor fracasado del mundo.

Nadie podía haber interpretado a George Bailey con la fuerza, la verdad y la belleza con la que Jimmy Stewart lo interpreta. Él es, sin duda, Bailey. La naturalidad y la sencillez con la que se hace con el personaje son asombrosas. Secuencias como la siguiente a la que comprende que por fin la empresa se va a hundir, por culpa de su tío Billy (alucinante Thomas Mitchell), con el inmenso cabreo que le provoca la Navidad en un momento tan terrible, sólo son accesibles para actores superdotados. Su némesis, el infame Henry Potter (un sensacional, casi bíblico, Lionel Barrymore), será la oscuridad corporeizada en bancos, en multinacionales voraces, en capitalismo feroz. Frente a él, George se opone con humildad, incapaz de venderse al dinero, pero por ello condenado a una existencia a menudo precaria. Capra narra este descenso a la vida común con un ascetismo y una sencillez de gran calado psicológico y emocional, quizá porque sabe que la vida es más poética y más bella de lo que los retóricos puedan imaginar.

Con un grupo de actores formidable (que no se me olvide nombrar a Gloria Grahame, a Ward Bond, a Donna Reed), con la sentida y sutil música de Dimitri Tiomkin, con un excelente blanco y negro de Joseph F. Biroc y Joseph Walker, Capra (que había estado filmando en la Segunda Guerra Mundial, como su amigo John Ford, quien tanto le admiraba) da lo mejor de sí mismo, que es mucho, en el tramo final, en el que el deseo de Bailey se ve cumplido, y transformado en kafkiana pesadilla. Es uno de los mejores climax de la historia del cine: Bailey comprobando cómo su vida, al igual que la vida de todos, afecta a todas las vidas que rozaron, y siempre de forma positiva, aunque observar a sus seres queridos incapaces de recordarle sea un duro trago para él. Menos mal que el ángel Clarence añade un poco de humor negro, porque es un bloque durísimo, descorazonador. Bailey pide no haber nacido nunca, y deja de nevar, deja de sangrar, nadie le conoció jamás, el pueblo se convirtió en un burdel lleno de tiburones, su mujer es una solterona que se asusta al verle…y los pétalos de la flor de Susie que guardó en su bolsillo ya no existen. Con esta bestial metáfora, como otra dimensión de la realidad, Capra narra la más terrible y luminosa historia jamás contada.

¿La mejor película de todos los tiempos?

Puede haberse visto ‘¡Qué bello es vivir!’ cien veces, que a la ciento uno podemos seguir descubriendo cosas nuevas y hermosas. Esta historia demuestra que todos estamos conectados, que existimos por una buena razón y que la vida, aunque tenga un sentido seguramente oculto e indescifrable, tiene un propósito no individual, sino común y colectivo. Que no estamos solos ni aunque queramos, y que todo sucede por una razón. Cine grandísimo, en definitiva, catártico, humano y de un lirismo sobrecogedor. Aquí todo tiene sentido, desde la cortinilla con la que pasamos a George corriendo al puente para gritar que quiere volver a vivir, hasta la nieve que vuelve a caer. ‘¡Qué bello es vivir!’ es un amigo fiel, un compañero de tristezas, y un milagro.

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• ‘¡Qué bello es vivir!’, ¡qué maravilloso es el cine! (por Juan Luis Caviaro)

Una de mis costumbres semanales es la de reunirme con algún amigo (o varios), irnos a mi casa y ver una película cuando la noche ya está cerrada, los ruidos son imperceptibles y la ciudad parece dormir. Normalmente me piden que yo elija el film, que les recomiende una gran película, metiéndome en un brete impresionante pues ya sabemos que sobre gustos no hay nada escrito (que gran falacia), y que para aquellos sin la suficiente cultura cinematográfica, el elegir ciertos films puede hacer que te odien de por vida. Siempre tengo mucho cuidado cuando se trata de cine clásico, pero cuando mi colega David me pidió una película con la que quería reírse mucho, no me lo pensé dos veces: ‘Arsénico por compasión’ (‘Arsenic and Old Lace’, Frank Capra, 1944) era la respuesta.

En estos tiempos de comedias por doquier, cuanto más alocadas mejor, se ha estrenado la estimable ‘Resacón en las Vegas’ (‘The Hangover’, Todd Phillips, 2009), un soplo de aire fresco a un género cuya mayor cualidad era tomar al espectador por un imbécil integral. En una de esas charlas cinéfilas que de vez en cuando se dan por donde habito, llegamos a la conclusión que dicho film recuerda sobremanera a films alocados de los años 30 y 40, salvando las distancias. Y ‘Arsénico por compasión’ es una de las películas más alocadas de toda la historia. Pero hacer una comedia alocada no es fácil, muchos tratan de reunir un montón de gags presumiblemente graciosos, uno tras otro, sin darse cuenta de que todo tiene que tener coherencia interna.

Como muchos sabréis (y si no, tampoco pasa nada, dos padrenuestros y vía) la historia de ‘Arsénico por compasión’ es una adaptación de la obra teatral de idéntico título, escrita por Joseph Kesserling. El film se rodó a finales de 1941, tres años antes de su estreno, y la Warner se vio obligada por ley a esperar ese tiempo hasta que la obra dejase de representarse en Broadway. Para cuando eso ocurrió, la actriz principal, Priscilla Lane, había terminado su contrato con la Warner (aquellos eran tiempos en los que los actores más conocidos estaban por lo normal ligados a una determinada productora, hoy en día suele ser más habitual entre los directores).

Su historia es tan sencilla como complicada. Samuel Brewster es un conocido crítico teatral que se ha comprometido, lo cual es toda una sorpresa ya que siempre ha estado en contra del matrimonio. Antes de salir de viaje de novios hará una parada en la casa donde creció, propiedad de sus encantadoras tías solteras. La cantidad de acontecimientos que suceden entre esas cuatro paredes supone uno de los viajes más delirantes, inteligentes y agudos a través de la risa. Una risa que proviene de transformar en un bestial humor negro, situaciones nada graciosas, que encadenadas una tras otra, se disfrutan cual montaña rusa de la carcajada, teniendo como baza principal “el más difícil todavía”. Cuando parece que no se va a poder reír más, ‘Arsénico por compasión’ sube un peldaño más en su humor hasta una parte final antológica.

Frank Capra, famoso en aquel momento por películas como ‘Sucedió una noche’ (‘It Happened One Night’, 1934), ‘Horizontes perdidos’ (‘Lost Horizon’, 1937) o ‘Vive como quieras’ (‘You Can´t Take It with You’, 1938), después de tanto drama y en mitad de sus experiencias en la Segunda Guerra Mundial, cambió totalmente de registro, haciendo una película que es humor puro y duro desde su primer fotograma hasta el último. Tal vez, y a lo Preston Sturges, decidió, volviendo a sus orígenes, que era preferible hacer reír a la gente, aunque su siguiente film de ficción sería ese terrorífico cuento de hadas que se da la mano con el melodrama más desesperanzador, titulado ‘¡Qué bello es vivir!’ (‘It´s a Wonderful Life’, 1946). En ‘Arsénico por compasión’ se acerca, con el filtro de la comedia, a la muerte y la locura. Nunca ambas resultaron tan divertidas como en esta película.

Josephine Hull y Jean Adair dan vida a las maravillosas tías de Mortimer, cuyas manías con el arsénico y su pasión por los hombres solitarios, son mostradas como actos de compasión hacia la gente que no tiene a nadie en el mundo. Choca de frente con la misma manía de Jonatahan Brewster, la oveja negra de la familia, que también mata a gente, pero sus instintos son más bien asesinos. Y mientras unas no se han movido de su casa, el otro ha tenido que viajar por medio país teniendo el mismo número de muertes sobre su conciencia. Este papel está interpretado por un genial Raymond Massey, de sospechoso parecido con Boris Karloff, que era quien le daba vida en la obra teatral, de ahí las bromas continuas sobre su parecido con Karloff, el cual es debido a una operación quirúrgica, en la que el doctor se dejó influenciar por una película de terror que acababa de ver (algo de lo que nos enteramos por los propios personajes). El doctor es interpretado con su habitual nervio por Peter Lorre. La muerte en manos de las tías, es algo maravilloso, casi deseable; en manos de Jonathan nadie querría estar.

La locura navega por toda la historia, desde la propia manía de las tías (que pueden ser vistas como locas, aunque no lo sean) hasta el personaje loco por antonomasia: “Teddy Roosevelt” Brewster (inspirado John Alexander), tercer hermano, que creyéndose el Presidente de los Estados Unidos, está ajeno a todo, y a pesar de sus extravagancias, alguna de las cuales provocan los momentos más hilarantes de la película (esa carga subiendo las escaleras), llega a parecer el más cuerdo de todos. El siempre magnífico Edward Everett Horton da vida al director de un manicomio, más preocupado por que no haya más Roosevelts en su centro, que por la locura en sí de un paciente.

Cary Grant es el eje central del film, la estrella absoluta cuya perfecta compenetración con todos los demás actores, le convierten en el motor de la película. Resulta curioso que el actor siempre consideró que su interpretación en ‘Arsénico por compasión’ era horrible, y la tenía por la peor de todas las películas de su carrera. Nada más lejos de la realidad, pues la vitalidad de Grant, su continuo movimiento en escena, sus impagables expresiones, todo lo que le lleva de camino a una inevitable locura, son de lo mejor de una cinta que en ningún momento da respiro al espectador. Y siempre con la mano firme de Capra, que con una arriesgada puesta en escena (algunos planos en el interior de la casa son de lo más osados), sabe mantener el tono justo y controlarlo hasta el final. Una screwball comedy que Capra aceptó por dinero, y convirtió en una obra maestra.

Pocas novedades cinematográficas para esta semana, en el mercado del DVD. Si a eso le unimos que salen a la venta películas de escasa calidad, el panorama resulta aún más pobre. Pero no hay mal que por bien no venga, decimos, y es cierto, un paréntesis como éste es estupendo para recuperar películas que se nos pasaron, por falta de tiempo o porque se acababa el mes y había que apretarse el cinturón. En cualquier caso, aquí van las novedades de la semana, puede que alguna os interese lo suficiente como para ir a la tienda:

• ‘007: Quantum of Solace’

Director: Marc Forster. Protagonistas: Daniel Craig, Olga Kurylenko y Matthieu Amalric. Sinopsis: La trama de Quantum of Solace continua directamente después de Casino Royale, con Bond intentando descubrir la verdad sobre Vesper, la belleza que lo traicionó, descubriendo que había sido chantajeada. Dominic Greene, un hombre de negocios que trabaja para una misteriosa organización llamada Green Planet, quiere controlar una de las fuentes de recursos naturales más importantes del mundo y por ello llega a un acuerdo con un general exiliado para que vuelva al poder.

Salen dos ediciones de esta película, una de las más taquilleras del año pasado. Por un lado está la edición sencilla, con un disco que incluye tráileres y el vídeo musical de ‘Another Way to Die’, y por otro lado la edición especial, con un segundo disco repleto de extras, que hará las delicias de los fans de este nuevo Bond, entre los que se encuentra mi compañero Gabriel, el único editor que flipó con la película.

Críticas en Blogdecine:

‘Quantum of Solace’, el peso de Jason Bourne

‘Quantum of Solace’, el ultimátum de Bond’

‘007: Quantum of Solace’, el terminator británico’

‘Quantum of Solace’, el último hombre valiente’

• ‘Protegidos por su enemigo’

Director: Neil LaBute. Protagonistas: Samuel L. Jackson, Patrick Wilson y Kerry Washington. Sinopsis: Chris y Lisa Mattson se acaban de mudar a su nueva casa en las afueras, cuando se convierten en el blanco del vecino de al lado. Un severo padre soltero, oficial de la policía de Los Ángeles estrechamente unido al cuerpo se ha designado a sí mismo como guardián del vecindario.

El DVD incluye los siguientes extras: comentarios del director (¿empezará pidiendo perdón?) y de la actriz Kerry Washington, escenas eliminadas, documentales y tráileres.

Crítica en Blogdecine:

‘Protegidos por su enemigo’, el vecino cabreado

• ‘Corredor de fondo’

Director: David Schwimmer. Protagonistas: Simon Pegg, Thandie Newton y Dylan Moran. Sinopsis: Dennis es un tío normal. Está un poco gordo y fuma, pero es buena persona, encantador y sencillo. Sin embargo, hace cinco años, Dennis hizo algo que no estuvo bien. El día en que debía casarse con Libby, su novia embarazada, se dio a la fuga. No pudo seguir adelante con la boda. No se sentía merecedor de Libby, entonces decidió que en vez de arruinarle la vida, era mejor arruinarle su gran día. Hoy, cinco años después, Dennis se da cuenta de que ha cometido un gran error. Aún está enamorado de Libby. Aún la ve con frecuencia debido a Jake, su hijo de cinco años, pero ya no existe ningún atisbo de romanticismo. Libby está saliendo ahora con Whit, un profesional de éxito a quien Dennis detesta de manera inmediata. Whit es agradable y muy bueno con Jake, lo que enfurece a Dennis aún más. ¿Cómo puede Dennis competir con él?

Entre los extras del DVD, encontramos muchas escenas eliminadas, el tráiler y un audio-comentario con el director, el protagonista y Gill Pegg (¡la madre de Simon Pegg!).

Críticas en Blogdecine:

‘Corredor de fondo’, comedia romántica para el lucimiento de Simon Pegg

‘Corredor de fondo’, de lo british a lo yanqui

• ‘Sólo quiero Caminar’

Director: Agustín Díaz Yanes. Protagonistas: Ariadna Gil, Diego Luna y Elena Anaya. Sinopsis: Gloria, Aurora, Ana, su hermana y Paloma, han fracasado en su intento de robo por el que Aurora es detenida y encerrada en prisión. Mientras tanto, unos traficantes mexicanos han llegado a España y Ana, que se gana la vida como prostituta, es contratada por el jefe de la banda, Félix, que le ofrece casarse con él e irse a vivir a México. Allí, Gabriel, un hombre aparentemente frío, se encarga de los trabajos sucios de Félix, pero con la condición de no hacer daño nunca a ninguna mujer. Gloria visita a Aurora en la cárcel para despedirse: no tiene otra salida que irse a México, donde Ana le ha conseguido trabajo en los negocios que maneja Félix. Allí, Gloria se da cuenta de los golpes que sufre Ana, aunque viva en una jaula de oro. Sin embargo, entre tragos y palizas ha podido planear el robo con el que vengarse: tiene todo perfectamente ideado y controlado para que el golpe a Félix y su banda sea el definitivo y sus vidas cambien.

El contenido extra del DVD está compuesto por un making of, tráileres y una entrevista con el director.

Crítica en Blogdecine:

‘Sólo quiero caminar’, desconcertante thriller

• ‘Seducción mortal’

Director: Jonathan Levine. Protagonistas: Amber Heard, Anson Mount y Whitney Able. Sinopsis: Mandy Lane es todo un amor, una tímida joven que despierta pasiones y que tiene a los chicos de su universidad salivando a su paso. Por el momento se ha mantenido alejada de la desatada promiscuidad que le rodea, lo que, justamente por esta razón, la convierte en la chica más codiciada por los chicos de su entorno. Ahora, Mandy Lane y sus amigas acaban de aceptar la invitación a una fiesta que se celebra en un rancho de Texas. El desmadre va a ser memorable, a nadie le van a faltar las drogas ni el alcohol. Lo que nadie se espera es que además también habrá muertes. De ello se encargará un misterioso admirador que aprovechará la situación para deshacerse de competidores y quedarse con la chica.

Sale a la venta, con tres años de retraso respecto a su estreno en salas norteamericanas, esta película de terror cuyo único atractivo es contar con Amber Heard, una de las jóvenes promesas del cine “made in USA”. El DVD viene peladito de extras, ni siquiera un mísero póster de la chica.

• ‘Carne viva’

Director: Michael Ritchie. Protagonistas: Lee Marvin y Gene Hackman y Sissy Spacek. Sinopsis: Marvin es un tipo violento contratado por el hampa que envían a Kansas para cobrar una importante suma de dinero de Hackman, un gánster que no tiene intención alguna de pagarlo. Una planta cárnica es la tapadera de los verdaderos negocios de Hackman: drogas y prostitución. Antes de que todo acabe, muchas sustancias prohibidas estarán ocultas dentro de salchichas y mujeres hermosas serán vendidas como ganado.

La de Mandy Lane era de 2006 y tiene poco gancho; ésta es de mucho antes (1972) y sus ingredientes son bastante más suculentos. Además de contar con el protagonismo de Marvin y Hackman, supuso el debut cinematográfico de Spacek. En cuando a la edición en DVD, sin embargo, estamos en el mismo caso: menú y subtítulos (menos mal).

• Otros:

Por último, destacar brevemente cuatro títulos que también salen en DVD, aunque uno de ellos sea en realidad un pack y otro un conjunto de documentales. Empecemos por dos clásicos que cualquier cinéfilo, con un Fnac cerca de su vivienda, tendrá pronto en su colección; se trata de ‘Odio entre hermanos’, de Joseph L. Mankiewicz, y ‘El correo del infierno’, de Henry Hathaway. Por otro lado, encontramos ‘Frank Capra: II Guerra Mundial’, el comercial título de un conjunto de documentales propagandísticos encargados por el gobierno de Estados Unidos a directores como Capra o Stuart Heisler. En cuarto lugar, bajo el título de ‘Roberto Rossellini: Edición Platinum’ encontraremos dos de las películas más famosas del gran cineasta italiano, ‘Roma, ciudad abierta’ y ‘Alemania, año cero’, así como un par de documentales centrados en su vida y obra.

Vía | ZonaDVD

Solía estar en la programación televisiva todos los años. Recuerdo que en alguno incluso la emitieron más de un día (cuando el cine tenía más valor en televisión). ‘Qué bello es vivir’, ‘It´s a Wonderful Life’ (1946), es una maravillosa película que resulta ideal para estas fechas navideñas. Un tiempo de calor hogareño y frío en las calles, de ver a la familia, de regalos, de dulces, de buenos propósitos para el año próximo, de muchos abrazos y besos. Es tiempo, en teoría, de ser un poco más humanos, de ser mejores personas.

Digo esto mientras una vocecilla en mi cabeza estalla en risas. Es la voz de la conciencia cínica y pesimista, realista incluso podría decir, que creo que pertenece a un grillito invisible que “adopté” en mi niñez. El mundo no pasa precisamente por un buen momento, no hay más que mirar las noticias (increíble lo que está pasando en cierta zona del mundo; cifras, cifras y más cifras, y lo peor es que se justifican). Pero una cosa es la vida y otra el cine. En el cine, todo es posible, incluso creer en la bondad innata del ser humano. De ahí que ‘¡Qué bello es vivir!’, sea, en mi opinión, tan valiosa.

Es increíble lo que puede llegar a conseguir una buena película (nota mental, recuperar ‘La rosa púrpura del Cairo’). Y si la ha dirigido un señor llamado Frank Capra, los efectos pueden ser aun más poderosos. Mágicos. Porque magia, para mí es lo que tienen películas como ‘Sucedió una noche’, ‘Vive como quieras’, ‘Un gángster para un milagro’ o esta ‘¡Qué bello es vivir!’, una de mis películas favoritas desde que la vi de niño. Con el paso del tiempo la habré visto unas siete u ocho veces (digo de principio a fin) y siempre la disfruto, nunca pienso que he tenido suficiente. Quizá porque la historia de George Bailey me resulta fascinante, mucho más rica de lo que parece a simple vista.

George Bailey, interpretado por un James Stewart inmenso, se nos presenta como un soñador encerrado en una vida miserable. Un hombre que desea, ante todo, recorrer el mundo, pero que por diferentes razones siempre debe quedarse en su pequeño pueblo. A lo largo de la película, Bailey deberá renunciar a sus sueños por el bien de los demás, irá perdiendo la ilusión y, por (pen)último, decidirá que su vida no merece la pena, que mejor muerto y que su familia cobre el dinero del seguro. Cuando está a punto de tirarse por un puente, un extraño viejecillo surgido de la nada lo hará antes que él. Bailey le salvará y será el protagonista de otra historia: la vida sin él.

‘¡Qué bello es vivir!’ comienza de forma curiosa. Tras las plegarias de unos ciudadanos, dos astros de luces parpadeantes conversan en lo alto del firmamento. Uno de ellos tiene una misión para el otro, salvar a un ser humano en concreto. ¿Quién? George Bailey. ¿Y quién es ése? A contestar esa pregunta dedica todo el comienzo el genial Capra, a presentarnos al protagonista, su niñez, juventud y madurez, con el propósito de que estemos en el mismo sitio que ese ente que bajará de los cielos. Desde el principio de esa narración, del pasado y presente de Bailey, esta extraordinaria pieza cinematográfica nos atrapa y nos cautiva.

Confieso que no hay otra película que me emocione tan fácilmente como ésta. Y es desde la parte de la infancia cuando no puedo evitar emocionarme. Hay una gran cantidad de momentos memorables, tanto dramáticos como cómicos. Una de mis secuencias favoritas es la que sucede en la tienda donde trabaja el pequeño Bailey, quien descubre el dolor del dueño de la misma (al que da vida H.B. Warner) al recibir la noticia de la muerte de su hijo. El chico se da cuenta que el hombre se ha equivocado con una receta y le desobedece; éste, cegado por la reciente pérdida, golpea al pequeño hasta que descubre la verdad. Casualmente, Bailey vuelve a resultar herido en el mismo oído que le había dejado sordo un incidente anterior; salvó a su hermano cuando ambos jugaban en una zona helada. Por cierto, esta misma sordera será objeto de otra gran escena, cuando el amor de su vida, aun niña, le confiesa secretamente sus sentimientos.

Como he dicho, la película está llena de momentos mágicos. Todo lo que gira en torno al enamoramiento de Bailey es divertidísimo, de lo mejor de Capra en el terreno de la comedia. Puestos a elegir, me quedo con la visita del protagonista a la casa de Mary (Donna Reed), confuso ante lo que empieza a sentir por ella y sorprendido por el desparpajo de la joven. Memorable también, por supuesto, todo lo que gira en torno al “¿quieres la Luna?”. Bailey, de nuevo, se muestra como un hombre de sueños imposibles. En el lado opuesto, su mujer, una persona realista que sólo desea ser feliz junto a su amado. Restaurada la vieja casa donde el chico siempre tiraba piedras, formarán una numerosa familia.

En las películas de Capra, el dinero y la felicidad están separados. Formaba parte de la filosofía personal del cineasta, que trasladó a su cine, plasmándose normalmente en forma de dos personajes: uno rico, amargado, y otro pobre, feliz. En ‘Qué bello es vivir’, el pobre era el padre de George, que tras morir, deja su puesto a George. El rico es el señor Potter, prácticamente el dueño de todo el pueblo; le da vida el fantástico Lionel Barrymore, dando muestra de su calidad como actor al encargarse de un papel totalmente opuesto al que había interpretado en otra de las obras maestras de Capra, ‘Vive como quieras’. El enfrentamiento de personalidades y formas de vida entre ambos llegará a un punto crítico cuando el viejo, en uno de sus actos despreciables, roba un dinero fundamental para Bailey, quien se encuentra entonces en la más absoluta miseria.

La desesperación lleva al protagonista al borde del suicidio. Es entonces cuando entra en escena la personificación del ángel, encarnado por Henry Travers, y cuando comienza la lección de vida para Bailey. De pronto, se encuentra con un mundo donde él no ha nacido, donde nadie ha recibido su ayuda ni su amor. El panorama se revela como una auténtica pesadilla, logrando que Bailey, aterrado, desee con todo su corazón volver a vivir como antes, deseo que, evidentemente, le es concedido. Al volver a casa, a su amado y cálido hogar, le espera un pequeño gran milagro…

Podría decirse, a pesar del desenlace, que la película es realmente pesimista, en el sentido en el que Bailey, al final, debe conformarse con lo que tiene, abandonando todo por lo que soñaba, y aceptando la vida que antes menospreciaba. En mi opinión, esto no es una interpretación acorde con lo que sucede ni con el espíritu de Frank Capra. Para mí, Bailey descubre lo que verdaderamente importa y se da cuenta que había equivocado sus prioridades. Que realmente, su vida ha sido valiosa y que tiene todo lo que podría desearse, una familia que le ama y un pueblo lleno de amigos, agradecidos y dispuestos a ayudarle cuando lo necesite. En definitiva, ha vivido, y tiene tiempo por delante para seguir haciéndolo, feliz y plenamente.

A pesar de la extraordinaria calidad de la película, ‘¡Qué bello es vivir!’ no fue un éxito hasta un tiempo después de su estreno. Tras un relativo fracaso en los Oscars (fue nominada en 5 categorías, incluyendo mejor película, director y actor, pero se fue de vacío), la obra de Frank Capra, como el propio protagonista de la misma, podría haber acabado su carrera injustamente. Un error administrativo convirtió la película en dominio público y las televisiones, siempre dispuestas a ahorrar gastos, la proyectan con asiduidad. La audiencia la ve una y otra vez, encantada, alzándola como una de las mejores que han visto nunca. La película logra por fin el merecido éxito, como Bailey, gracias al apoyo popular.

Para mí, ‘¡Qué bello es vivir!’ es una de esas películas que hace amar el cine y, quizá lo mejor de todo, la misma vida. Es un ejemplo perfecto de cómo el séptimo arte puede lograr afectar la realidad que está más allá de la pantalla, de cómo la ficción puede transformarnos; aunque sea sólo para abrirnos un poco los ojos. En este caso, alegrando y reconfortando, permitiendo descubrir que nunca es tarde, ni todo está perdido, si tienes cerca a gente que te quiere. Y todo con una ración de cine. Obra maestra, de las de verdad, de las de siempre, que nunca pasan de moda.

Hace unas semanas, el pasado 20 de mayo, se cumplieron 100 años del nacimiento de James Stewart, actor memorable donde los haya. Su rostro bondadoso (retorcido en algunas magistrales películas), su físico (esas largas piernas), su voz (tan característica, imprescindible para apreciar su trabajo) y, sobre todo, la intensidad de sus interpretaciones quedaron grabadas vivamente en la memoria de los aficionados al cine. Una leyenda, una razón para amar el séptimo arte, que dejó este mundo el 2 de julio de 1997. Como suele decirse, siempre nos quedará su obra, las películas en las que participó y que son, en su mayoría, títulos de gran valor y de ejemplar factura. Tras una dificilísima selección, aquí os dejo con las que considero que son las diez películas en las que James Stewart muestra con mayor claridad su excepcional talento para la interpretación.

• ‘Caballero sin espada’

‘Mr. Smith goes to Washington’ (1939), de Frank Capra. Primera y merecida nominación al Oscar para Stewart, que interpretaba a un personaje con el que aún hoy se le identifica plenamente, dejando a un lado (quizá por desconocimiento) su faceta más oscura. El actor se ponía en la piel de un idealista y honesto senador de Wisconsin que se encuentra, en Washington D.C., con un mundo político corrupto que le estalla en la cara. El momento: El discurso final, con un Stewart entregado al máximo, en una memorable escena que, por cierto, fue parodiada estupendamente por Los Simpson (colaboración especial de Mel Gibson).

• ‘Historias de Filadelfia’

‘The Philadelphia story’ (1940), de George Cukor. Primer y único Oscar “verdadero” para Stewart; el otro fue honorífico, por toda su carrera. El mejor actor de reparto de aquel año encarnaba a un sarcástico periodista (frustrado escritor) que se ve envuelto en el juego que se traen la fantástica pareja formada por Katherine Hepburn y Cary Grant. El momento: Hay muchos, muy divertidos, pero a mí me encanta el de Stewart paseando por la mansión, revisando la lujosa cubertería, hasta que se da cuenta que alguien no le quita la vista de encima.

• ‘¡Qué bello es vivir!’

‘It´s a Wonderful Life’ (1946), de Frank Capra. Tercera nominación al Oscar para Stewart, quien realiza en este film la que posiblemente sea su interpretación más conocida (la del George Bailey soñador, que parece encerrado en una triste existencia), aunque sólo sea por la cantidad de veces que se ha visto la película, convertida con el paso del tiempo en el título navideño por excelencia. El momento: Sin duda, el final, de una fuerza y emotividad impresionantes, liberación de todo el drama soportado hasta entonces, a ratos una auténtica pesadilla.

• ‘Winchester 73’

‘Winchester ‘73’ (1950), de Anthony Mann. Grandioso western, uno de los mejores de la Historia del Cine, que gira en torno al simbólico rifle del título, que va de mano en mano, de historia en historia, hasta terminar en el lugar justo. Podéis leer mi crítica haciendo click aquí. El momento: Stewart entra en un bar y se encuentran justo con quien estaba buscando; los dos se llevan rápidamente las manos a las pistolas… Pero Wyatt Earp ya se las había quitado previamente. Si las miradas matasen, Stewart habría despedazado a su oponente.

• ‘El invisible Harvey’

‘Harvey’ (1950), de Henry Koster. Stewart vuelve a ser candidato al Oscar gracias a su memorable trabajo en esta entrañable comedia dramática (que casi podría haber firmado Capra) sobre un hombre cuyo mejor amigo es un gigantesco, pero invisible, conejo rosa. El momento: El protagonista entrega a su particular amigo, del que se despide, pues otra persona le necesita más que él… ¿acaso el conejo es real? ¿Quién es el loco?

• ‘Colorado Jim’

‘The Naked Spur’ (1953), de Anthony Mann. Se trata de una selección y no puedo ponerlos todos, pero éste tenía que estar. Mann y Stewart vuelven a trabajar juntos en un poderoso western psicológico, protagonizado por un grupo de personajes que se presentan de una forma pero van desarrollándose de otra, enriqueciendo una sencilla trama que se retuerce y complica por momentos, hasta su brillante desenlace. El momento: Robert Ryan se revuelve como una serpiente venenosa y pone en duda la bondad de las intenciones del personaje de Stewart, a lo que éste reacciona enfurecido, cargado de violencia y provocando la duda en todos nosotros; su expresión da miedo…

• ‘La ventana indiscreta’

‘Rear Window’ (1954), de Alfred Hitchcock. Acompañado de una arrebatadora Grace Kelly, el actor interpreta a un forzado “voyeaur” (debido a un accidente, queda en silla de ruedas), con peligrosas consecuencias; Hitchcock explota el suspense de forma magistral en este thriller, donde, como de costumbre en la filmografía del mítico director, hay mucho más de lo que parece. El momento: El asesino tiene atrapado a Stewart, y éste recurre al único “arma” que tiene a mano…

• ‘Vértigo (De entre los muertos)’

‘Vertigo’ (1958), de Alfred Hitchcock. ¿La mejor película del maestro del suspense? Eso mantenemos muchos. Lo que está claro es que esta fascinante obra no sería la misma sin Stewart, cuya imagen de hombre bondadoso queda, definitivamente, rota en mil pedazos, en la que quizá sea una de las tres mejores interpretaciones de su carrera. El actor se pone en la piel (y en el alma) de un hombre atormentado que persigue el fantasma de la mujer que desea. El momento: El trepidante inicio es antológico, pero lo cierto es que el mejor momento de la película llega mucho después, con la “fantástica” tranformación a la que se somete Kim Novak.

• ‘Anatomía de un asesinato’

‘Anatomy of a Murder’ (1959), de Otto Preminger. Stewart vuelve a bordarlo (otra candidatura al Oscar), en esta ocasión encarnando a un particular abogado que debe afrontar un complejo caso de asesinato, en el que un hombre ha matado al violador de su esposa. Ejemplar y elegante realización, un guión extraordinario y más de una sorpresa en un título imprescindible, una de las mejores “películas de juicios” de la Historia. El momento: ¿Algún sinónimo de “bragas”?

• ‘El hombre que mató a Liberty Valance’

‘The Man who shot Liberty Valance’ (1962), de John Ford. Stewart vuelve a protagonizar un western, que resulta ser uno de los más memorables de la Historia. John Wayne y Lee Marvin completan un trío de lujo en una dramática historia que, entre otras cosas, es una reflexión sobre los mitos del lejano oeste americano. El momento: Creo que si hay que quedarse con uno, sólo puede ser el de la escena que da título a la película. La tensa situación con trampa en la que disparan y matan a Liberty Valance (hay quien duda aún sobre quién fue, realmente, el que hizo lo segundo).

Y diez. Eso es todo. Con alguien como Stewart, uno siempre se va a quedar corto haciendo una lista como ésta; se han quedado fuera títulos memorables como ‘El Bazar de las Sorpresas’, ‘La Soga’ o ‘Tierras Lejanas’... Pero bueno, había que elegir. ¿Qué opináis vosotros?

Al parecer, ‘Sucedió Una Noche’ tuvo todas las papeletas para no ser filmada nunca. Un guión que no resultaba convincente, por estar basado en una historia real leída de pasada por Frank Capra que perdió la gracia cuando la volvió a leer (ya comprados los derechos), y unas estrellas que llegaron de rebote, como Clark Gable que tenía contrato con otro estudio, o de mala gana, como Claudette Colbert, que pidió el doble de su sueldo y puso fecha límite al rodaje de sus escenas para poder irse de vacaciones, fueron sólo algunos de los obstáculos que tuvo que salvar esta película para ver la luz. Poco tiempo después se llevó cinco Oscar: mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actriz y mejor guión. Un pleno espectacular para una deliciosa comedia romántica que va creciendo conforme pasan los minutos. A un servidor le costó entrar en la historia pero luego no había manera de pestañear o de evitar las risas con las situaciones de los dos protagonistas, tan opuestos como perfectos el uno para el otro.

Si bien podría referirse a mil y un sucesos, ‘Sucedió Una Noche’ (‘It Happened One Night’, 1934) se centra en dos personajes que se ven obligados a estar juntos durante más tiempo del que en un principio desearon, pero menos del que desearán. Ella es la caprichosa y ociosa hija de un millonario y él es un periodista recién despedido, un vividor. La huida de la joven, por problemas con su padre (se niega a aceptar el compromiso de ella con un hombre del mundo del espectáculo), se convierte en noticia y el carismático señor del fino bigote no perderá la ocasión de poder recuperar su puesto laboral.

Aparte de por las estatuillas doradas que ganó, ‘Sucedió Una Noche’ también es conocida por poner de moda lo que se llamó la screwball comedy. Este subgénero toma su nombre del beisbol, ya que había un jugador que conseguía darle un efecto muy raro a la bola, cosa que se llamó “screwball”. Los críticos empezaron a usar ese término para referirse a un tipo concreto de comedias, en los que los dos protagonistas, muy diferentes entre sí, tenían que llevarse toda la película juntos, soportándose, odiándose, pasando por todo tipo de situaciones disparatadas, para poder llegar a un desenlace feliz donde la tensión entre ellos se transforma en amor.

El gran Frank Capra no necesita presentación. Ganador del Oscar al mejor director en tres ocasiones y responsable de algunas de las mejores películas de la Historia del séptimo arte, como la preciosa ‘¡Qué Bello es Vivir!’ (no sé las veces que la he visto y siempre me hace llorar), la desternillante ‘Arsénico por Compasión’ o la poderosa ‘Caballero sin Espada’. Capra parte de una situación que podría resultar facilona para retorcerla varias veces, jugando siempre con la mala leche y los diálogos chispeantes (casi siempre en boca de Gable, como cuando le preguntan si quiere al personaje de Colbert), así como con unos actores que no pueden estar mejor.

En cuanto a los protagonistas, tampoco creo que sean precisamente unos desconocidos para el gran público, ¿verdad? El inconfundible Clark Gable vuelve a demostrar que era un galán incomparable, derrochando carisma en cada fotograma y metiéndose al espectador en el bolsillo desde el principio. Claudette Colbert hace uso de su gran talento para la comedia y de un rostro angelical para atraparnos a pesar de que comienza resultando insoportable (menos mal que está Gable para ponerle los pies en el suelo). Las dos estrellas están impecables, forman una pareja brillante, de gran química; me resulta imposible imaginar este film con otros actores. Hay muchos momentos para el recuerdo en ‘Sucedió Una Noche’, pero si tuviera que quedarme con dos, elegiría la parte en que tienen que conseguir un coche (desde lo de la zanahoria hasta la mejor forma de conseguir que pare alguien) y toda la coña con el muro de Jericó, que es posiblemente por lo que más me acordaré de este gran título clásico. Otro aspecto a destacar es la alta carga erótica de algunas escenas, sorprendente en un film de estas características y que funciona mil veces mejor que lo que tanto hacen ahora tantos directores, ciegos para la sutileza y la elegancia.

Resumiendo, nos encontramos ante una de esas comedias que no puedes dejar pasar, no valen excusas absurdas. ‘Sucedió Una Noche’ es una pequeña obra maestra que funciona de forma milagrosa. Definitivamente, ya no se hacen comedias así. Una cuerda, una manta y una trompeta. Y no vemos lo que ocurre, pero nos tenemos que reír. Así era Capra.

Los buenos sentimientos y el cine de Frank Capra siempre han ido cogidos de la mano. El director ganador de tres Oscars ocupa un lugar importante en la historia del cine por haber dirigido películas como ‘Sucedió Una Noche’, ‘Caballero sin Espada’, ‘Vive como Quieras’, ‘Arsénico por Compasión’, o la ultrafamosa ‘¡Qué Bello es Vivir!’. ‘The Miracle Woman’ puede considerarse como su primer film importante, y en él ya se ven muy claramente todas las constantes que harían famosa su particular forma de hacer cine.

La película narra la historia de una mujer, hija de un predicador que ha dedicado su vida a una iglesia, que se ve obligada a irse después de la muerte de su padre, totalmente decepcionada por la falta de sentimientos de toda su congregación. Aparece en escena un hombre que la convence para convertirse en predicadora en un espectáculo, emitido por radio, y al que también se puede asistir en directo, y así poder vivir de la transmisión de la Fe, una fe que ella ha perdido, y que ahora usa para aprovecharse de la inocencia de la gente.

El film es puro Capra de principio a fin, desde las situaciones planteadas en su argumento el cual revolotea alrededor de cuestiones religiosas, hasta los personajes, donde hay de todo. Y engancha al espectador de forma asombrosa, aún hoy a 76 años de su estreno, que se dice pronto. Cecil B. DeMille solía decir que una película tenía que empezar con un terremoto, y de ahí para arriba. Se refería tanto a lo visual, como a lo temático. ‘The Miracle Woman’ empieza de una forma que no se olvidará jamás, sus primeros 5 ó 10 minutos son de una fuerza sobrecogedora, y se dicen más verdades sobre la hipocresía de los fervientes católicos, que en cualquier libro que se pueda escribir sobre tan delicado tema. A partir de ese momento, la película ya no te suelta, a uno le es imposible desengancharse de ella, y eso es una maravillosa sensación que pocas películas consiguen, o dicho de otra forma, que sólo el buen Cine logra.

Un inicio totalmente inesperado, unas palabras totalmente inesperadas, y sobre todo una interpretación de altura de una de las más grandes, Barbara Stanwyck, que por aquellos años empezaba y no fue su única colaboración con Frank Capra. La actriz está increíble en el papel de esa mujer fuerte, que un día perdió la fe que tenía en Dios, y a la que no le importa engañar a la gente con un espectáculo, hasta que en su vida aparece un hombre ciego que prácticamente le debe la vida. Papel éste interpretado por David Manners, actor más bien sosete, pero que aquí, gracias a la buena mano de Capra, logra estar muy convincente, logrando además una buena química con la Stanwyck.

La película no está a la altura de las grandes obras maestras de su autor, pero desde luego es un film estupendo, que conserva toda su fuerza, y que es una muestra más de la genialidad de su director. Una pena que este título no sea tan conocido como otros, y que gozaron de un mayor prestigio. Menos mal que la red está para descubrir y disfrutar este tipo de joyas, porque si esperamos a su edición en dvd, nos pueden dar las uvas.

El informe del FBI advertía sobre la posible infiltración comunista en la industria del entretenimiento estadounidense.

It’s a Wonderful Life representa un obvio intento de desacreditar a los banqueros, al presentar a Lionel Barrymore como un personaje tipo Scrooge, para convertirlo en el hombre más odiado del filme (…), un truco muy común usado por comunistas.

Adicionalmente, esta película busca de manera deliberada satanizar a la clase alta, tratando de presentar a la gente con dinero como personajes despreciables…

Como Boing Boing aclara, el memo del FBI data de 1947, año en el que alcanzó su clímax la caza de brujas adelantada por el senador McCarthy. Intolerancias aparte, hoy es el día del año más apropiado para disfrutar del estupendo melodrama de Capra. Yo, al menos, la veré hoy. Si quieren unirse a mí, aquí les dejo el enlace para bajarse ‘It’s a Wonderful Life’.