Justo entre las impresionantes ‘Un Hombre Atrapado’ y ‘Los Verdugos También Mueren’, Fritz Lang dedicó buena parte de su tiempo a preparar ‘Moontide’, la cual empezó a rodar, y de repente a los cuatro días de rodaje abandonó el proyecto. Fue sustituido por un especialista en sustituir a directores que abandonaban, o les hacían abandonar, los rodajes. Archie Mayo era su nombre, un artesano que hizo infinidad de películas en los años 30 y 40. Mayo llegó a tomar el relevo de directores tan grandes como John Ford, Robert Florey o Michael Curtiz, aunque por supuesto no fue conocido sólo por eso. Sin ser uno de los grandes, era un director bastante solvente. Suyas son, por ejemplo, ‘El Bosque Petrificado’ o ‘Una Noche en Casablanca’ (probablemente la mejor película protagonizada por los Hermanos Marx en su etapa de decadencia).

‘Moontide’ narra la historia de Bobo, un vividor borrachín y mujeriego que un día amanece en un pequeño puesto de venta de cebos. Convencido por el dueño se queda allí a trabajar, y sospechando que su última noche de borrachera ha sucedido algo trágico y no lo recuerda con claridad. Un hombre ha sido estrangulado, y Bobo podría haber cometido el crimen. Conocerá a una joven mujer a la que salva de querer suicidarse, enamorándose de ella, y suponiendo para Bobo un cambio en su vida, sentar la cabeza y ser alguien decente.

Lang levantó el proyecto, pero sólo rodó durante cuatro días, por lo que la mayor parte de lo filmado pertenece a Mayo. De todos modos, es muy difícil certificar con total seguridad cuáles fueron las secuencias que rodó Lang y cuáles Mayo. Todo queda a la imaginación del espectador, o mejor dicho a sus deseos, el que tal o cual secuencia le hubiera gustado que fuera dirigida por uno u otro director. Personalmente pienso que ciertas secuencias nocturnas, en las que se ve un tratamiento en la fotografía excelente, y sus dramáticas situaciones parecen sacadas de cualquier otro film de Lang: un personaje enfrentándose a su inevitable destino.

‘Moontide’ intentó ser un vehículo para que el conocido actor francés Jean Gabin tuviese su espacio en el cine estadounidense, pero la película fue un fracaso. Tuvo un intento más al año siguiente con ‘El Falsario’, film made in Usa dirigido por Julien Divivier, pero el resultado fue el mismo, por lo que Gabin terminó por volver a su patria querida en la que aún hoy es uno de los actores más admirados de todos los tiempos, admiración que, subrayo, se extendió a todas partes del mundo. Probablemente Gabin era un actor demasiado francés, demasiado europeo, como para cuajar en el todopoderoso starsystem de Hollywood, pero Charles Boyer también lo era, por poner un ejemplo de la misma época, y cuajó perfectamente. Gabin compone un personaje muy a su medida, un perdedor por naturaleza cuyos máximos sueños son estar agarrado a una botella y olvidarse de lo puñetero que puede ser el mundo. Como contrapunto, una preciosa Ida Lupino, como tabla de náufrago, la única cosa por la que nuestro protagonista es capaz de cambiar radicalmente su triste vida. Ambos actores se compenetran a la perfección. El personaje de Gabin está lleno de multitud de matices, y la Lupino puede que irrumpa en la acción un poco forzosamente, y luego tal vez no tenga motivos demasiado claros para permanecer en el relato más allá de enamorar al personaje central, pero más tarde está muy bien aprovechada.

En aquellos años, concretamente 1942, era normal ver en una película a dos o tres secundarios de los considerados inmortales. En ‘Moontide’ tenemos a un Thomas Mitchell dando vida a un personaje realmente despreciable cuya forma de ser queda muy clara desde el inicio del film, y el genial Claude Rains (el eterno secundario por excelencia, tanto que la única vez que hizo un papel protagonista, era invisible) al otro lado con un personaje bondadoso, en cierto modo un ángel de la guarda del personaje de Gabin.

‘Moontide’ queda como una magnífica película de lo mejor rodado por Mayo, a pesar de haber sustituido a un grande como Lang, que sólo trabajó los cuatro día mencionados y dejó un material que prácticamente nadie podía estropear. Aún así Mayo tuvo que filmarlo, logrando un film cuasi perfecto, bastante desconocido que por supuesto no está disponible en dvd, así que ya sabéis lo que tenéis que hacer en caso de que os interese. Supone todo un bálsamo para los cansados de la actual oferta cinematográfica.

En Blogdecine | Fritz Lang, Jean Gabin, Ida Lupino

Aprovechando que pasado mañana se estrena entre nosotros ‘Mr. Brooks’, de las que pronto os hablaré, aprovecho para continuar con esta serie de posts personales, y que en la medida de lo posible intentaré publicar cada lunes (alguno que otro fallaré). Hoy le toca el turno a esos seres tan queridos en el mundo del celuloide como los psicópatas, en el sentido amplio de la palabra, y derivaciones de la misma. Como siempre, reduzco la cosa a diez. Para el resto ya estáis vosotros. Cuidado, el post está lleno de SPOILERS.

• Norman Bates, en ‘Psicosis’. Probablemente el más famoso de todos. Este chico tímido, recepcionista del motel más terrorífico de la historia, es un encanto de persona por esa timidez y rareza, bajo la que se oculta un oscuro secreto, sin lugar a dudas uno de los giros argumentales más sorprendentes de toda la historia del cine. Lamentablemente Perkins, mejor actor de lo que muchos decían, se vio encasillado para el resto de su vida por este personaje.

• Hans Beckert, en ‘M’. De apariencia más inofensiva que el anterior, su debilidad eran las niñas pequeñas, en esa obra maestra de Fritz Lang que no se estrenó en nuestro país hasta 1961. Impresionante estudio sobre la maldad humana y las leyes que la rigen, Lorre consiguió hacerse inmortal con este personaje, sin lugar a dudas uno de los más influyentes en el cine posterior.

• Harry Powell, en ‘La Noche del Cazador’. La única película dirigida por el gran Charles Laughton contenía uno de los psicópatas más fascinantes de todo el séptimo arte, verdadero ogro de un extraordinario cuento de hadas. Con apariencia de cura, aparentemente más fiable que cualquier otro mortal, es verdaderamente un enviado del Diablo y no de Dios, capaz de emitir uno de los gritos más inhumanos que se hayan escuchado jamás en una película.

• Profesor Warren, en ‘La Escalera de Caracol’. Una de las obras maestras del gran Robert Siodmak, contenía uno de esos personajes, hoy un tanto olvidados, capaz de provocar verdaderas pesadillas, a pesar de su normalidad. Lo único que vemos del asesino es un ojo siempre vigilante ante su propia víctima, hasta que al final descubrimos su identidad, y con ella su “adicción”.

• Robert Elliott, en ‘Vestida Para Matar’. En la obra maestra de Brian De Palma, con innumerables guiños a Hitchock, realizados con inteligencia, Michael Caine se corona con una de sus interpretaciones más arriesgadas, ese hombre/mujer capaz de cometer los asesinatos más sangrientos navaja en mano. Cada vez que se abre un ascensor sigo pensando que el doctor Elliott, con su peluca rubia puede aparecer de repente.

• Hannibal Lecter, en ‘El Silencio de los Corderos’. Nunca un psicópata fue tan inteligente, y además logró caer tan bien al público, evidentemente por la fantástica interpretación de Anthony Hopkins, quien repetiría personaje en la estupenda ‘Hannibal’ y en la pasable ‘El Dragón Rojo’. ¿Os apetece un sorbete de sesos?

• John Doe, en ‘Seven’. Otro cuya inteligencia traspasaba cualquier frontera. por supuesto un perfecto Kevin Spacey ayudaba a que semejante elemento ejerciera un enorme poder de fascinación y al mismo tiempo repulsión, sobre el espectador. La sobrevalorada película de Fincher (ojo, me parece muy buena, pero no una obra maestra) tenía uno de los finales más anticlimáticos y excelentes del reciente cine. Spacey se coronaría aquel año con otro personaje genial, pero que ocupará un lugar en otro post.

• Robert Rusk, en ‘Frenesí’. Este perfecto inglés se acostaba con un montón de mujeres, con la que luego sacaba su verdadera personalidad, un misógino de mucho cuidado al que le encantaba acabar con la vida de las pobres muchachas estrangulándolas. El televisivo Barry Foster se haría famoso en el cine por este papel en la penúltima y magnífica película de don Alfred.

• Max Cady, en ‘El Cabo del Terror’. Probablemente el más normal de todos, y no por ello menos terrorífico. Es más, esa normalidad aparente no era más que un refugio para un asesino en potencia, que con la excusa de la venganza por haber sido encarcelado, daba rienda suelta a sus habilidades para asesinar. Es una pena que Mitchum no hiciera más veces de malo de las que hizo, era simplemente genial.

• Max Cady, en ‘El Cabo del Miedo’. El inferior remake por parte de Scorsese de la genial película de J. Lee Thompson contenía una interpretación de don Robert De Niro a la altura de la de Mitchum, dándole otras connotaciones, sobre todo religiosas. Si algún día veo a un tipo en el cine fumando un enorme puro y riendo a carcajada limpia sin parar, no le pienso decir ni mu.

Evidentemente, ni son todos los que están ni están todos los que son, pero eso se arreglará con vuestros comentarios. Mostrad vuestro lado más psicópata.

‘La Venganza de Frank James’ (The Return of Frank James, 1940) es la continuación directa de ‘Tierra de Audaces’ realizada un año antes por Henry King. El gran Fritz Lang tuvo la oportunidad de filmar aquí su primer western adentrándose todavía más en la cultura norteamericana que tanto admiraba el famoso director, y sobre la que se permitió el lujo de hablar en sus películas de una forma directa, concisa y sin reservas. Este film, además es la primera película en color de Lang y el primer título en el que aparecía una de las más bellas y mejores actrices de todos los tiempos: Gene Tierney.

‘La Venganza de Frank James’, como su título bien indica, versa sobre los deseos de venganza por parte del hermano de Jesse James después de que éste fuera asesinado por el cobarde Robert Ford. Frank saldrá de su retiro para buscar justicia aplicándola como mejor sabe. Para ello tendrá ayuda de todos aquellos que simpatizaban con los hermanos James, y más concretamente de un muchacho con aires de grandeza, y una joven periodista, hija del dueño de uno de los periódicos más importantes del país, y que se sentirá fascinada por todo el mundo que rodea a Frank James.

El film es una continuación en toda regla, partiendo de la última escena que cerraba ‘Tierra de Audaces’, en la que un apuesto Tyrone Power daba vida al legendario Jesse James. Tanto es así que da la sensación de que ambas películas se rodaron seguidas cuando no fue así, y eso que no les separa ni un año, pero en aquella época un mismo actor o director eran capaces de rodar varios títulos en un solo año. No obstante enseguida vemos el cambio de director, gracias a la excelente puesta en escena de Lang, la cual puede verse un poco afectada por un guión que tal vez no esté a la altura de las circunstancias, una simple historia de venganza con pocas ramificaciones y sin demasiadas complicaciones, aunque en determinados momentos vemos la mano crítica de su director dotando con su propia personalidad alguno de los pasajes de la película.

Una vez más Lang nos habla de la justicia, de lo mal que puede acabar uno si se deja llevar por los deseos de venganza, casi siempre destructivos y de fatales consecuencias para todos. El director consigue reunir todo eso en un solo personaje, Frank James, la verdadera estrella de la función, que no sólo piensa en que se haga justicia, y para ello tenga que atracar bancos, sino en todo el que le rodea y si sus acciones pueden influirles en manera alguna. El personaje está interpretado por un soberbio, como casi siempre, Henry Fonda, quien aquí tiene oportunidad de lucirse todo lo que no pudo en el anterior film, en el que su personaje quedaba un poco desdibujado. Fonda está soberbio, impresionante, componiendo un rol lleno de matices que enriquece con simples gestos o miradas, o su forma de caminar.

A su lado, actuando por primera vez delante de una cámara, la maravillosa y única Gene Tierney, y que para un servidor supone la gran decepción de la película. Dejando a un lado que el papel es de lo más típico, por mucho que la vistan de periodista interesada en asuntos serios, no deja de ser la típica comparsa femenina, sin la más mínima fuerza, algo extraño en el cine de Lang, en el que hay verdaderas piezas maestras sobre el universo femenino. La Tierney está bastante sosa e inexpresiva, resultando su interpretación bastante floja, algo impensable en una actriz de ese talante. Menos mal que pronto llegarían los personajes inmortales que Tierney nos dejó y por los que algunos le rendimos amor eterno. Pero las cosas como son, y aquí no son demasiadas buenas en este punto verdaderamente crucial. Una pena.

Citar, como no, a dos secundarios como Jackie Cooper, el inolvidable compañero de Wallace Beery en alguna que otra inolvidable película, aquí a punto de ser un hombre, acompañando a Frank James en sus correrías; el actor está simplemente correcto, pero desprendiendo una enorme simpatía. Y como Robert Ford, el inolvidable John Carradine, haciendo gala de sus dotes para este tipo de personajes malvados, destacando por encima de todo la fanfarronería y la cobardía del personaje, dos características que Carradine borda como ninguno.

Una buena película que no se encuentra entre las grandes obras de Lang, aunque su sello queda bien impreso. Se acercaría dos veces más al género del western, en la menor ‘Espíritu de Conquista’ al año siguiente y en la laureada ‘Encubridora’, en los años 50. ‘La Venganza de Frank James’ no se encuentra editada en dvd en nuestro país, así que ya sabéis lo que tenéis que hacer en caso de que os interese verla.

Pensaba que dividir mis películas favoritas a diez por década me supondría una tarea fácil, pero lo cierto es que me está resultando más difícil de lo que yo pensaba. Cuesta dejar fuera algunos títulos, pero es lo que hay. Dejamos la época del silencio, y nos adentramos en el recién inventado cine sonoro, aunque hay alguna excepción.

• ‘Freaks’. Probablemente la obra maestra de Tod Browning, uno de los grandes de aquellos años. Esta historia de amor, celos y ambición en un ambiente circense de lo más peculiar, sigue provocando fascinación hoy día, gracias al enorme poder visual que tenían las películas de su director.

• ‘Dejad Paso al Mañana’. La película con la que probablemente un servidor tira más de los cleenex. Dirigida por Leo McCarey, y hoy un tanto olvidada, es un melodrama con ningún resquicio para la esperanza y dificilísimo de aguantar, ya que a todo ser humano le tocará la fibra sensible por centrarse en la vejez, algo a lo que llegaremos todos. Con uno de los mejores finales jamás vistos en una película. Imperdonable que aún no esté editada en dvd.

• ‘Luces de la Ciudad’. En plena efervescencia del cine sonoro, Chaplin se marcó un tanto con un film mudo, cosechando un gran éxito y una de sus mejores películas. Inolvidable historia de amor, donde no falta espacio para el típico humor de uno de los mejores comediantes de todos los tiempos. Pocas películas producen el mismo efecto que ésta.

• ‘Sueño de Amor Eterno’. Este es el ridículo título que le pusieron en nuestro país a ‘Peter Ibbetson’, para mí la mejor película de Henry Hathaway, una historia de amor trágica con unos toques fantásticos increíbles. Otra imperdonablemente no editada en dvd.

• ‘Capitán Blood’. Una de las múltiples colaboraciones entre Errol Flynn y Michael Curtiz, y una de las mejores. Obra cumbre del cine de aventuras, imitada hasta la saciedad y nunca superada. El cine de piratas no sería lo mismo sin títulos como éste.

• ‘Vampyr’. Una genialidad asombrosa del mítico Carl T. Dreyer, y una de las pocas películas de toda la historia del cine que dan literalmente miedo. Con secuencias antológicas que influirían en el cine de género posterior, es otra de esas que aún no están editadas en dvd para desesperación de algunos.

• ‘Capitanes Intrépidos’. De Victor Fleming podría haber escogido también la inmortal ‘Lo Que el Viento se Llevó’, pero el film protagonizado por Spencer Tracy me cautivó desde pequeño, y siempre quise tener a alguien así a mi lado. Otra de esas que es mejor ver con unos cuantos cleenex al lado.

• ‘Beau Geste’. Una de las mejores películas de William A. Wellman, y un título más que no se encuentra en dvd. Otra obra maestra del cine de aventuras con unos personajes, sobre todo el principal, absolutamente maravillosos. Emotivo e inolvidable final.

• ‘Sólo se Vive una Vez’. Segundo film americano de Fritz Lang, y para un servidor uno de los mejores. La fatalidad y los perdedores una vez más en el cine de su director, con una clarísima denuncia al sistema judicial americano, y de una fuerza asombrosa. Otro final inolvidable más a la lista.

• ‘La Novia de Frankestein’. O la clara demostración de que el dicho “segundas partes nunca fueron buenas” es mentira. Inolvidables Boris Karloff y Elsa Lanchester como la nueva criatura, y un hito en el cine fantástico o de terror, que confirmaba la grandeza de James Whale.

Si os apetece, podéis contribuir con vuestras películas favoritas de la década de los 30. La próxima semana, los años 40.

Hace poco os hablaba de ‘La Bestia Humana’, adaptación del gran Jean Renoir de una novela de Émile Zola. Por segunda vez en su carrera, Fritz Lang realiza una segunda versión de un film firmado por el maestro francés, la primera fue ‘Perversidad’, revisitación de ‘La Golfa’. A pesar de que los dos films se parecen muchísimo, Lang se aparta totalmente del anterior, llevando la historia a su terreno, logrando una película típica de su director donde su particular universo hace acto de presencia de la mejor de las formas.

Un hombre que regresa de la Guerra de Corea a su puesto de trabajo en una empresa de ferrocarriles, se enamora de la mujer de su jefe, la cual oculta un terrible secreto junto con su marido, Obsesionado con ella, se dejará convencer por la misma para deshacerse de la parte molesta, el marido, y poder estar con ella sin ningún tipo de preocupación.

Mientras Renoir se centraba más en el personaje principal interpretado por Jean Gabin, Lang se centra en el matrimonio, concentrando en ellos toda la fuerza dramática de la historia, la cual toma una nueva dimensión en manos del genial director. Estamos ante un melodrama de altura, como los que tan bien solía hacer Hollywood, pero también estamos ante una cinta de cine negro, terreno en el que Lang sabía moverse bastante bien. No es casual que Glenn Ford y Gloria Grahame fueran los protagonistas de su anterior film, la imprescindible ‘Los Sobornados’, con la que obtuvo tan buenos resultados que pensaron que repetir no era mala idea. Y por mí que hubieran repetido las veces que hiciera falta, porque los resultados vuelven a ser sensacionales.

Glenn Ford estando bien en su personaje, está como en un plano secundario, decisión evidentemente acertada, ya que Lang prefiere turbarnos con el matrimonio que componen la Grahame y Broderick Crawford, una pareja imposible sobre la que nos faltan datos, pero poco a poco vamos comprendiendo su relación. Ella una mujer en apariencia fría, insensible y despreocupada de la vida, él un marido celoso, impulsivo y lleno de rencor y rabia contenida por no poder dar a su mujer lo que ella de verdad necesita. El director se ceba sobremanera en este personaje, genialmente interpretado por el actor, y que lleva hasta más allá del límite. A su lado, brilla con luz propia y cegadora, una Gloria Grahame sencillamente apasionante, llena de morbo y explotando muy bien su sex appeal. Lang interrelaciona a los tres personajes de forma magistral, logrando un mosaico de sentimientos encontrados verdaderamente incontrolable.

Y es que los deseos a los que hace referencia el título están impecablemente retratados en esta película, donde Lang una vez más realiza un estudio sobre el aspecto más oscuro del ser humano. Tres aspectos de una misma pasión, tres formas de enfocar nuestros deseos y de que éstos no nos controlen. Sentimientos entrelazados como las vías de ferrocarril cuando se llega a una estación en la que multitud de raíles convergen, y el camino a seguir no parece claro. Eso, y mucho más, deja patente Lang en su película.

Una película magistral, poderosa, como casi todos los films de su autor. Hasta hace poco estaba editada en dvd, pero fue descatalogada por la distribuidora. A ver si una día hay suerte y se deciden a sacar una edición mejorada, aunque supongo que para eso tendremos que rezar mucho.

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A partir de hoy y a lo largo de diez semanas os iré ofreciendo una serie de posts sobre mis películas favoritas, que como son tantas, he decidido separarlos por décadas. Aún así, y escogiendo únicamente diez títulos por cada vez, ni están todas las que son ni son todas las que están. Muchos ya sabéis lo difícil que es elegir films entre todos los que se han visto, y que la lista cambiaría justo después de hacerla eligiendo otras tantas películas.

• ‘Amanecer’. Considerada como la obra maestra del especialista en obras maestras, F.W. Murnau. Una de las mejores historias de amor de toda la historia del cine. Y la primera película que ganó el Oscar al mejor film, junto con ‘Alas’ de William A. Wellman, que también podría estar en esta lista.

• ‘Metrópolis’. De Fritz Lang podría haber escogido cualquiera, la verdad, pero ‘Metrópolis’ es el primer film mudo que un servidor vio, y le tengo un especial cariño por ello, al descubrirme todo un tipo de cine que desconocía y que me cautivó desde el primer momento. ¿A quién se os parece ese robot de la foto?

• ‘Tres Hombres Malos’. Un claro precedente de la infravalorada ‘Tres Padrinos’ de John Ford, y sin lugar a dudas uno de sus mejores films de la época muda, junto con ‘El Caballo de Hierro’.

• ‘El Acorazado Potemkin’. Después del film de Lang antes citado, la siguiente película muda que vi fue ésta. Una obra imperecedera y enormemente influyente en el cine posterior de todas las épocas. A saber cuántas veces han plagiado y homenajeado la famosa escena de las escalinatas. Probablemente la película muda que más veces he visto. Y de Eisenstein también podría meter ‘La Huelga’.

• ‘Avaricia’. Una película del genial Erich von Stroheim, la cual fue objeto de un remontaje hace poco a base de fotos fijas, ya que faltaba más de una hora de metraje que se había perdido. Aún así el montaje anterior de casi dos horas y media es impresionante. Uno de los mejores estudios jamás realizados sobre la codicia humana. A ver si la editan en dvd de una vez.

• ‘Y el Mundo Marcha’. Aunque la etapa muda de King Vidor es casi toda imprescindible, me quedo con esta inmortal historia sobre un perdedor que lo único que tiene es el amor y la confianza de su hijo. Otra cuenta pendiente en el mercado del dvd.

• ‘Lirios Rotos’. Griffith será mundialmente recordado por ‘El Nacimiento de una Nación’ e ‘Intolerancia’, pero un servidor se rinde ante esta trágica historia de amor entre un oriental y una occidental, en uno d los films más bellos líricamente hablando que se hayan hecho jamás.

• ‘El Viento’. Y seguimos con más cuentas pendientes en el mercado del dvd. Victor Sjöström hizo lo impensable en esta película, al lograr mediante una increíble fuerza visual que el espectador oyese literalmente el sonido del viento. La demostración palpable de que el sonido muchas veces no hace falta, claro que hay que ser tan buen director como lo era Sjöström para lograrlo.

• ‘La Quimera del Oro’. Una de las obras maestras del genial Chaplin, con escenas tan memorables como la del baile de los panecillos, o aquella en la que se come una bota.

• ‘El Séptimo Cielo’. Uno de los directores más sensibles que haya dado el cine, Frank Borzage, con la que para un servidor es la mejor película de toda su filmografía, alzándose con el primero de los dos Oscars que consiguió como director.

Ahora podéis contribuir si queréis con vuestros films favoritos, pero por favor, ateniéndose a la época a la que hago referencia. La semana que viene, años 30.

Por petición popular en el post de las películas sobrevaloradas que hice hace una semana, hoy le toca a las infravaloradas, y que junto con mi buen amigo Jeremy Fox decidimos publicar dos listas procurando no repetir ningún título. Ahí van las mías:

• ‘Inteligencia Artificial’. Uno de los casos más claros de separación entre la mayor parte de la crítica, que se rindió a los pies de esta película, y la mayor parte del público, que siguen empeñados en ver extraterrestres en la memorable parte final del film, cuando es más que evidente que no es así. Una obra maestra atemporal en todos los aspectos. Kubrick descansa tranquilo.

• ‘El Aventurero de Medianoche’. Aún hoy, más de 20 años después de su estreno, empieza a ser valorada como lo que es, una de las mejores películas de Eastwood, un film tristísimo y lleno de emoción. Impresionante el momento de la canción ‘Honky tonk man’, interpretada por el propio Eastwood y el mítico Marty Robbins.

• ‘Señales’. A partir de su segunda película, Shyamalan empezó a ser infravalorado de una forma alarmante, y creo que su film más injustamente atacado es ‘Señales’, un magistral ejercicio de suspense, milimétricamente rodado, con algunos momentos antológicos como todo lo que ocurre dentro de la casa cuando los protagonistas están encerrados.

• ‘Cuna de Héroes’. Siempre que se habla de John Ford, nunca se cita este título, para un servidor uno de los mejores de su impresionante filmografía. Todo un homenaje a la vida en el ejército, lleno de sensibilidad, y con una pareja perfecta: Tyrone Power y Maureen O´Hara. ¿Por qué narices aún no está editada en dvd?

• ‘Hecho en el Cielo’. El mejor film de Alan Rudolph para el que esto suscribe, hoy bastante olvidado. Una atípica preciosidad de película, con un tema bastante arriesgado por la posibilidad de caer en la sensiblería más ridícula, cosa que evita en todo momento. Memorable el ‘We never danced’ de Neil Young.

• ‘Secreto tras la Puerta’. Nuca suelen citarla cuando se hace un repaso a lo mejor de la filmografía del gran Fritz Lang, y sin embargo es un film verdaderamente inquietante, muy hitchcockiano, y con una pareja protagonista impecable, dando vida a unos personaje cuyas decisiones ponen de lo más incómodo al espectador. Muy bien utilizada la belleza de Joan Bennett (eso sí que era una mujer).

• ‘Frankenstein’. No tiene nada que envidiarle a la versión de Whale, o a las que hizo Fisher para la Hammer. Otra demostración de la genialidad de Kenneth Branagh, elevando la historia hasta límites insospechados, incluso con toques shakesperianos. Lo dicho mil y una veces: este tío tendrá que morirse para que empiecen a valorarlo.

• ‘Legend’. Uno de los mejores films de su autor, y que debería haber lanzado a Tom Cruise (al final se encargó de hacerlo Tony Scott, el hermano menor, en la infumable ‘Top Gun’). Un cuento en toda regla, con una carga onírica pocas veces vista en una película. Inolvidable la música de Jerry Goldsmith (y que en una versión en vídeo fue sustituida por un score de Tangerine Dream), y Tim Curry sensacional en su papel. El propio Peter Jackson confesó haberse inspirado en este film para algunas cosas de su famosa trilogía. Yo aún rezo para que editen de una vez el montaje de casi dos horas que hay editado en los USA.

• ‘La Puerta del Cielo’. La película que llevó a la bancarrota a la United Artists, es un bellísimo western lírico de lo mejor filmado por Michael Cimino. Absolutamente imperdonable que en dvd sólo exista la versión recortada, 149 minutos, y que es penosa. Habrá que empezar a recoger firmas para que editen la versión de 219 minutos.

• ‘Los Viajeros de la Noche’. El mejor film de vampiros del cine moderno, de la ya de por sí infravalorada Kathryn Bigelow, una estupenda película donde nos encontramos con los carismáticos Lance Henriksen y Bill Paxton, formando parte de una curiosa familia de vampiros. Los ecos a John Ford y su ‘Centauros del Desierto’ son innegables. Por cierto, aquí podríamos meter también ‘Vampiros’ de John Carpenter, una verdadera delicia con no pocos homenajes al western.

Es su turno, damas y caballeros.

La obra muda de Fritz Lang se caracteriza por tener un montón de títulos imprescindibles para el séptimo arte, y que hacen las delicias de cualquier amante del cine cada vez que son revisionadas, o en algunos casos, descubiertas por primera vez. Obras como ‘Metrópolis’ o ‘Los Nibelungos’ no necesitan presentación para aquellos que conocen perfectamente la obra de Lang. Pero entre el díptico de ‘The Spiders’, claro referente de las aventuras de Indiana Jones servido como un serial, y su gran obra maestra ‘Las Tres Luces’, uno de sus films más admirados, el director austriaco dirigió un par de películas que no han tenido ni la más mínima difusión, por lo menos por estos lares. ‘Das Wandernde Bild’ fue el primero de ellos, y que hace tiempo fue rescatado y restaurado por la Filmoteca brasileira de Sao Paulo, en una de esas acciones merecedoras de algún tipo de premio, por simplemente ayudar a que no se pierda la cultura.

‘Das Wandernde Bild’ cuenta en tres cuartos de hora una sencilla historia sobre el arrepentimiento, la carga de culpa y la redención que puede obtenerse a través del sacrificio. Una historia de amor a varias bandas, en la que tenemos dos personajes centrales bastante llamativos. Por un lado, una mujer que decide “desaparecer”, alejarse del mundo civilizado, en medio de unas montañas donde el destino le jugará una mano que no olvidará. Por otro lado, un misterioso hombre, perdido en dichas montañas, y con el que nuestra protagonista se encuentra en un momento bastante dramático.

Una vez más, o habría que decir que ya entonces en el cine de Lang, los personajes están marcados por un profundo sentimiento de amargura, donde la fatalidad tiene un papel importante. Si bien estamos ante un film al que muy probablemente le falten algunas escenas, cosa que se nota por los más que obligados cortes, inevitables al tratarse de un material tan antiguo. No obstante, y a pesar de algún salto en la narración (mira tú por donde esto la empareja directamente con cierta reciente película), el film se entiende perfectamente. Lang le imprime un ritmo estupendo, logrando condensar en tan poco tiempo un montón de acontecimientos, tratándolos todos lo suficiente, y bien, como para no dejarse nada en el tintero. Tal vez se concentra demasiado, por motivos más que evidentes, en los dos personajes centrales, descuidando algunas cosas de los secundarios, resolviendo algunas cosas en un abrir y cerrar de ojos.

Evidentemente, Lang empezaba y el dibujo de personajes no era tan complicado ni detallista como en obras posteriores, simplificando un poco más las cosas. Eso sí, el tormento que viven su personajes es muy característico de su cine, algo que no abandonaría hasta su última película, y que irremediablemente, a la par que fantástico, se convirtió en sello personal. El personaje femenino toma algunas decisiones un poco apresuradas y hasta cierto punto incomprensibles, no sé si porque falta metraje o porque Lang, con la ayuda de la por entonces su esposa Thea von Harbou, lo dispuso así en el guión, cometiendo a mi parecer una pequeña torpeza.

Por supuesto, la fuerza visual de Lang es impresionante y muy reconocible, logrando planos inolvidables, utilizando metáforas visuales más que notables, como el momento del derrumbamiento y su posterior situación, y atreviéndose por otro lado con recursos narrativos arriesgados para la época, como la utilización de varios flashbacks que va alternando con lo que cuenta en el presente, algo muy visto hoy en día, pero que en aquellos años, hablamos de 1920, era casi impensable.

Un film interesante, con sus defectos, y sus maravillosos momentos. Por supuesto no llega a la altura de todos esos títulos que ya conocéis de Lang, pero proporciona un sano entretenimiento, y sirve para ir completando una filmografía más que indispensable, llena de fuerza y que cobra vida siempre que se visiona uno de sus títulos.

Más cine de Fritz Lang en Blogdecine:

• ‘House by the River’, un Fritz Lang menor y poco conocido
• ‘Furia’, el estreno americano de Fritz Lang

‘Furia’ es la primera película americana de Lang, un proyecto del que tuvo que hacerse cargo porque estaba terminando su contrato en los USA, aún no había dirigido nada y ya no podía retrasarse más; de lo contrario hubiera tenido que volverse a Europa, algo que por aquel entonces no le hacía ninguna gracia. La productora impuso algunas cosas, como un forzado final, pero Lang resolvió la papeleta componiendo un estudio extaordinario sobre el odio humano y la venganza lleno de matices y verdades como puños. El resultado fue una de las mejores películas de su autor, y también una de las más famosas.

Un hombre es confundido con un criminal y encerrado en la cárcel a la espera de alguna prueba que demuestre su inocencia o su culpabilidad. Pero las gentes del pueblo donde se ha cometido el crimen no están dispuestas a esperar a la lenta mano de la Justicia, asi que deciden tomársela ellos mismos, intentado entrar en la prisión para linchar al detenido. Como el acceso es imposible deciden quemar el edificio con el preso dentro.

Fritz Lang nos habla, como otras muchas veces en su cine, sobre las miserias del ser humano, sobre nuestra peor parte, la más oculta, la oscura, diciéndonos cosas que no queremos oir. Y lo hace con una dureza pocas veces vista en el séptimo arte, por eso esta película tiene la peculiaridad de transmitir una gran incomodidad durante su visionado, sin lugar a dudas uno de sus máximos aciertos. Lo que en principio parece un film sobre lo incontrolables que pueden llegar a ser las masas enfurecidas, va tornando en un angustioso retrato de la venganza más allá de lo incialmente expuesto, dándole una vuelta de tuerca al argumento que Lang apoya con una puesta en escena absolutamente deslumbrante.

La inteligencia del director llega hasta el punto de mostrarnos todos los hechos, evidentemente ficticios, pero de un terrible realismo, en el que nos induce a tomar parte en lo que estamos viendo, haciéndonos pensar y juzgar por nosotros mismos sobre nuestro lado más perverso e incontrolable. Los personajes, en algunos momentos de la función miran a la cámara, le hablan al espectador, sobre todo en la parte final del film, en el que hay un juicio y varios personajes hacen su testimonio mirando al objetivo. Lang no puede ser más claro en sus intenciones, quiere que nos mojemos, pero antes nos ha apuñalado el corazón y nos ha retorcido el puñal por dentro. Escenas como las del intento del linchamiento, que culmina con un incendio, o la del juicio, donde nosotros tenemos todos los datos y la mayoría de los personajes no, son de un impacto impresionante y difíciles de olvidar.

El reparto está encabezado por un inmenso Spencer Tracy, sin discusión uno de los mejores actores que se han puesto delante de una cámara desde que se inventó el cine. Con un personaje casi inocente en el inicio, y con una extraordinaria evolución que el espectador va siguiendo muy de cerca, y que llega a convertirse en alguien fácilmente odioso. Ni que decir tiene que Tracy lo borda. A su lado, una de las estrellas del momento, Sylvia Sidney, como la novia del protagonista, el contrapunto perfecto al descontrol que emanan los hechos narrados, el toque de serenidad que la historia necesita, planteando además alguna duda moral realmente interesante. Ambos actores se compenetran a la perfección. En el plantel de secundarios, es imposible no fijarse en Walter Brennan, el actor que más Oscars ha ganado junto con Jack Nicholson, como uno de los ayudantes del sheriff, un poco fanfarrón, y que poco a poco se va dando cuenta de las dimensiones trágicas que todo va a tomar.

Una obra maestra capital, a pesar de que Lang no tenía el control absoluto. Y es que su final fue impuesto, y ciertamente puede ser visto como algo con cierta incoherencia, pero que Lang resuelve de forma magistral, cambiando una vez más el tema y sumándose aquí una clarísima denuncia al sistema judicial americano. Algo que marcaría la mayor parte de la obra posterior de Lang, quien se encargó de estudiar a fondo la cultura americana que tanto le fascinaba.

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Fritz Lang, probablemente y sin exagerar, uno de los diez mejores directores de todos los tiempos, huyó de su Alemania natal cuando los nazis empezaron a hacer de las suyas, refugiándose en América donde trabajo no le faltó en absoluto, ya que era enormemente conocido por su etapa muda, totalmente imprescindible (y sin la excepción de ningún título) para cualquier amante del cine. En los USA no sólo no bajó el nivel de calidad, sino que llegó a firmar algunos de sus mejores films, entre muchos de los cuales sería muy, pero que muy difícil decantarse por dos o tres títulos únicamente, y aprovechando que la revista Dirigido ha realizado recientemente un extrarodinario estudio sobre la figura de Lang, me dispuse a repasar su obra, y rescaté este poco conocido título, realizado en 1949, y que a un servidor le faltaba por ver. Apuntar que para cualquier cinéfilo, acercarse a un film de Lang por vez primera, es una de las experiencias más gratificantes que existen, su cine se queda grabado en la retina y es afortunadamente imposible de olvidar.

‘House by the River’ narra la historia de un escritor casado, que un día asesina “sin querer” a una de sus criadas, la cual le rechazó cuando éste intentaba seducirla. Se las ingeniará para engañar a su propio hermano para que le ayude a deshacerse del cadáver. Este es el interesante punto de partida de una historia típica del cine negro y de suspense, en la que Lang no oculta ciertas influencias provenientes del cine de Hitchcock, algo que un año antes se había notado también en la magistral ‘Secreto Tras la Puerta’. Estamos, eso sí, ante una historia un poco más simple de lo esperado, donde lo que más fuerza tiene en su fascinante personaje central, y la irreprochable puesta en escena de su director, jugando como pocos sabían hacer con las luces y las sombras.

A muchos podrá sorprenderles el hecho de que Lang empieze la película de una forma tan brutal, un asesinato en principio un poco forzado, y sin embargo poco a poco y a medida que avanza el film, nos vamos dando cuenta de la valerosa decisión de Lang. Lo que en principio parecía una forma errónea de empezar una película va cobrando forma según se va definiendo el personaje central. Muchos otros directores hubieran tomado la decisión de que el asesinato sería algo en lo que terminaría desembocando un personaje totalmente cruel como el de esta historia. Aquí parte de dicho hecho y luego se nos presenta el dibujo psicológico de dicho personaje, lo que le hace todavía más cruel, cayendo en un patetismo aterrador. Estamos ante un personaje, que aún sabiendo de lo que es capaz, no sabemos nunca cómo va a reaccionar.

El actor Louis Hayward cumple a la perfección con este personaje, infiriéndole las dosis justas de dureza, locura y maldad, con una facilidad asombrosa. Él es la estrella absoluta, y poco tienen que hacer a su lado los actores Lee Bowman y Jane Wyatt, que interpretan a su hermano y a su mujer respectivamente, personajes mucho más planos y muy fáciles de definir. Además, Lang hace con el personaje central algo que le encanta, y que se repite mucho a lo largo y ancho de toda su obra, lo rodea con una aureola de fatalidad, extraordinariamente servida, y que sin duda es uno de los puntos fuertes del film. La mala suerte es una de las tónicas del cine de Lang, y ésta es una buena muestra de ello.

Tal vez el film tenga algunos cambios de ritmo demasiado bruscos, sobre todo cuando en cierto momento asistimos a un juicio, y el tono de la película cambia. También podemos achacarle la rapidez con la que está terminado, o podría decirse que eran otros tiempos y no se necesitaban tres horas para contar una historia en la mayor parte de los casos. Aún así un Lang es un Lang, y perdérselo es casi un pecado. Un film menor de Lang es un film mayor de una infinidad de directores, y puede que me quede corto.